Пейзажи в изобразительном искусстве. Imma Banet Illa

Пейзажи в изобразительном искусстве. Imma Banet Illa

Атмосферные скандинавские пейзажи, которые дарят умиротворение: Художник-классик Арвид Линдстрем

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

К слову сказать, у многих зрителей, сталкивающихся с творчеством Арвида Маурица Линдстрема, часто складывается впечатление, что сдержанная красота скандинавской природы, отраженная на его полотнах, очень уж напоминает ландшафты русского севера, с их тихой грустью, поэтичным настроением и сдержанной палитрой красок. А действительно ли это так — судите сами.

Творческий путь

Путь профессионального становления большинства скандинавских художников, творивших на рубеже XIX-XX столетия, был достаточно стандартен. Художественное мастерство они, как правило, осваивали у себя на родине, а затем отправлялись на учебу и стажировку в страны континентальной Европы. И чаще всего это были Италия, Германия, Франция, где художественную среду буквально будоражили новые идеи, стили, новомодные течения. Разумеется, что многие скандинавские художники увлеклись этой волной новшеств, поглотившей мир изобразительного искусства в конце позапрошлого века.

Но, были среди них и такие, которые все же остались верны той творческой манере, которую выбрали для себя еще в молодости. Среди них и был Арвид Мауриц Линдстрем, творивший в стиле классической скандинавской школы живописи 19 века. Его творения, написанные в реалистичной манере, в эпоху взлета абстракционизма и модерна вызывали немало протеста и негативных откликов у влиятельных критиков и искусствоведов. Тем не менее, это не помешало художнику сказать свое веское слово в искусстве, войдя в историю живописи великолепным мастером реалистического пейзажа.

И на сегодняшний день Линдстрем один из известнейших пейзажистов Швеции, он также входит в золотую десятку тысяч лучших живописцев мира.

Очарованный красотой родной природы

Первозданность красоты и чистоты природы буквально царит в пространстве каждого полотна шведского мастера, который зорким взглядом живописца сумел подметить изменчивый мир природных явлений, а потом так достоверно воссоздать их с помощью красок. Причем так, что иногда, кажется, будто слышны даже запахи и звуки, которые соответствуют тому или иному состоянию окружающей среды.

Пейзажи Линдстрема будто ведут зрителя по атмосферным местам из реальной жизни. Болотистые вересковые пустоши, густые леса и рощи, водная гладь озер и рек — всё выдержано в приглушённой, земляной палитре, свойственной Скандинавским землям. Исключением является одна деталь — пленительные колоритные закаты, которые освещают лучами заходящего солнца природу.

Именно они таинственным образом преображали полотна художника в некий сказочный мир. И именно с их помощью художник придавал некоторым своим работам желаемый яркий вид, которого порой не доставало в серой действительности.

Особенно впечатляют туманные пейзажи автора. Так и хочется иногда шагнуть в них, как в зазеркалье, и оказаться за картинной плоскостью, чтобы воочию насладиться удивительным зрелищем утренней дымки, вдохнуть влажный прохладный воздух и услышать шорох травы под ногами, мелодичное щебетание певчих птиц иль кряканье уток.

В заключение хотелось бы отметить, что дышащая спокойствием и умиротворением природа, воздушная атмосфера, запечатленная в пейзажах, невероятным образом оказывает очень тонкое воздействие на настроение зрителя, которому так порой не хватает в суете жизни именно этого спокойствия и умиротворения.

Несколько фактов из жизни художника

Арвид Мауриц Линдстрем родился в 1849 году в местечке Бьёркста в Вестманланде, Швеция. Обучался в Королевской академии художеств в Стокгольме в 1869–1872 гг. Для продолжения обучения и стажировки отправился в Мюнхен, затем в Париж. С начала 1880-х годов жил в Англии, где вступил в Художественную ассоциацию европейских художников и стал активным участником коллективной оппозиции Академии художеств. В 1885 году он участвовал на выставке в Парижском салоне с картиной «Пейзаж. Мотивы из Шотландии», которую приобрел Национальный музей.

Со временем Линдстрем перешел в Ассоциацию шведских художников, идеям которых весьма симпатизировал. Но, не найдя точек соприкосновения с современными ему соотечественниками, вскоре вышел из Ассоциации и в итоге избрал собственное оригинальное творчество. Арвид Мауриц Линдстрем вернулся в Швецию в 1889 году и поселился в Энгельсберге. Там он построил дом рядом с озером и, живя в близости с первозданной природой, художник с упоением писал реалистические пейзажи на протяжении всей своей жизни. Умер гений атмосферного пейзажа в 1923 году.

В продолжение темы о живописцах-пейзажистах, работающих в реалистической манере, предлагаем ознакомится с творчеством художника-самоучки Сергея Басова, работы которого напоминают картины великого Шишкина.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Специфика пейзажей Ведута в изобразительном искусстве.

Ведута (итал. veduta, «вид») — жанр европейской живописи эпохи Возрождения, представляющий собой картину, рисунок или гравюру с изображением городского пейзажа. Термин возник в Венеции, где ведутами называли виды этого города и его окрестностей, изображённые с топографической точностью

Предварительный просмотр:

Статья. Специфика пейзажей Ведута в изобразительном искусстве.

В переводе с французского слово пейзаж означает природа. Именно так именуют в изобразительном искусстве жанр, главная задача которого — воспроизведение естественной или измененной человеком природы.

Кроме того, пейзаж — это конкретное художественное произведение в живописи или графике, показывающее зрителю природу. «Героем» такого произведения является естественный или выдуманный автором природный мотив.

В качестве самостоятельного жанра пейзаж появился уже в 6 веке в китайском искусстве. В Европе пейзаж как отдельный жанр появился намного позже, чем в Китае. В период средневековья, когда право на существование имели лишь религиозные композиции, пейзаж трактовался живописцами как изображение среды обитания персонажей.

Большую роль в формировании пейзажной живописи сыграли европейские миниатюристы. В средневековой Франции в 1410-х годах работали талантливые иллюстраторы братья Лимбург – создатели очаровательных миниатюр к часослову герцога Берийского. Эти изящные и красочные рисунки, рассказывающие о временах года и соответствующих им полевых работах и развлечениях, показывают зрителю природные ландшафты, выполненные с мастерской для того времени передачей перспективы.

Ярко выраженный интерес к пейзажной живописи заметен у раннего Возрождения. И хотя художники еще очень неумело передают пространство. загромождая его ландшафтными элементами, не сочетающимися друг с другом по масштабу, многие картины свидетельствуют о стремлении живописцев добиться гармоничного и целостного изображения природы и человека.

Более важную роль пейзажные мотивы начали играть в эпоху Высокого Возрождения. Многие стали внимательнее изучать натуру. Отказавшись от привычного построения пространственных планов в виде кулис, нагромождения деталей, несогласованных в масштабе, они обратились к научным разработкам в области линейной перспективы. Теперь пейзаж представляется как цельная картина, становится важнейшим элементом художественных сюжетов. Так, в алтарных композициях, к которым чаще всего обращались живописцы, ландшафт имеет вид сцены с человеческими фигурами на первом плане.

Читать еще:  Нотки сюрреализма в дизайне интерьера: освободите подсознание

Но до 16 столетия художники включали в свои произведения пейзажные детали лишь в качестве фона для религиозной сцены, жанровой композиции или портрета. Ярчайшим примером этого является знаменитая Мона Лиза (ок. 1503г) написанный Леонардо да Винчи.

Постепенно пейзаж вышел за рамки других художественных жанров. Этому способствовало развитие станковой живописи.

В создании пейзажного жанра большую роль сыграли мастера венецианской школы. Первым художником стал Джорджоне, работавший в начале 16 столетия (Гроза, 1506-1507г).

Джорджоне оказал огромное влияние не Тициана. Тициан оказал огромное влияние на формирование всех жанров европейской пейзажной живописи.

Традиции Венецианской школы нашли отражение и в творчестве испанского художника Эль Греко. Среди самых известных картин мастера – «Вид Толедо» (1610-1614г). Эль Греко очень эмоционально и живо передает природу в момент грозы.

В северной Европе в 16 веке пейзаж также завоевал в живописи прочные позиции. Образы природы занимают важное место в творчестве Питера Брейгеля Старшего.

В 17 веке появилось множество национальных школ, сформировались новые жанры и их разновидности. Весьма удачное время для дальнейшего развития пейзажного жанра.

В 17 веке в искусстве классицизма сложились принципы создания идеального пейзажа. Классицисты трактовали природу как мир, подчиненный законам разума.

2. В 18 веке широкое распространение получила ведута – разновидность пейзажного жанра, сформировавшегося в венецианской живописи. Свое начало она берет от городского, или архитектурного, пейзажа, элементы которого появились еще в эпоху Средневековья.

Ведута (итал. veduta , «вид» ) — жанр европейской живописи эпохи Возрождения, представляющий собой картину, рисунок или гравюру с изображением городского пейзажа. Термин возник в Венеции, где ведутами называли виды этого города и его окрестностей, изображённые с топографической точностью. Время расцвета ведуты – 18 в. Среди зарубежных мастеров ведуты особенно знаменит Антонио Канале , известный под прозвищем Каналетто . В его пейзажах, представлявших площади и каналы, которые служили «городу на воде» улицами, соединились исключительная правдивость и поэтичность. В них ощущается насыщенный морской влагой воздух Венеции, особая, театрализованная атмосфера жизни «города вечных празднеств». Призрачное освещение превращает соборы и здания в живую декорацию, словно созданную на подмостках огромной природной сцены. Другим известнейшим представителем зтого жанра является и фламандец Пауль Бриль . Мастера ведуты были востребованы во многих странах Европы, в т.ч. в России. В частности, целый ряд ведут с русскими видами исполнил Джакомо Кваренги . В Саксонии и Польше популярность снискал племянник Каналетто, Бернардо Беллотто . Многие первоклассные итальянские пейзажисты работали в Англии.

Франческо Гварди часто писал те же самые венецианские пейзажные мотивы, что и Каналетто, но не фиксировал их со старательностью добросовестного наблюдателя, а насыщал свои картины лирической проникновенностью. Венеция в обрамлении вод лагуны и прозрачного неба с высокими облаками словно погружена в зачарованный сон. Картины Гварди отличает лёгкая серебристая красочная гамма, виртуозная передача едва заметного движения воздуха и игры солнечных бликов на зыбкой водной глади, в зеркале которой отражаются фасады дворцов.

В России ведущим мастером ведуты был Ф. Я. Алексеев , обучавшийся в Венеции у художников этого жанра. В ранних пейзажах холодный и мрачный Санкт-Петербург предстаёт сказочной Северной Венецией с лёгкими лодочками, скользящими по голубым водам, и прозрачными облаками на ясном небе. В серии видов Москвы, созданных на рубеже 18–19 вв., художник передаёт неповторимый колорит древней столицы.

Топ-5 таинственных пейзажей

Что означает совмещение дня и ночи на картинах Магритта? Почему нидерландский художник Иоахим Патинир соединил античные и библейские сюжеты? Зачем Каспар Давид Фридрих изобразил крест в горах? Отвечаем на эти и другие вопросы о пейзажах

1 Иоахим Патинир. «Пейзаж с Хароном, переправляющимся через реку Стикс» (1520–1524)

Жанр пейзажа рождается в эпоху Ренессанса — сначала как часть сюжетных композиций в основном на библейские темы. Первый нидерландский худож­ник, у которого пейзаж приобретает самостоятельное значение, — Иоахим Патинир. Его картина «Пейзаж с Хароном, переправляющимся через реку Стикс» уникальна не только поэтому: в ней соединяются античные мотивы (река Стикс, перевозчик душ Харон, вход в Аид, охраняемый трехглавым Цербером) и христианский сюжет — ад и рай (с ангелами, символическими животными и Фонтаном жизни).

Ладья Харона находится посреди реки и направляется к зрителю. Душа у ног огромной фигуры смотрит на «адскую» сторону: побережье с плодовыми деревьями там выглядит привлекательнее, чем скалы у входа в рай. Тем самым зрителю сообщают: путь в рай тернист, а путь греха соблазнителен. Но мораль­но-этическим поучением смысл картины не ограничи­вается. Обширная пано­рама (так называемый мировой пейзаж Термин применяется к немецкой и нидер­ландской живописи XVI века и обозначает панорамный воображаемый пейзаж, вклю­чающий в себя реки, горы, долины, леса и т. п. , написанный с высокой точки) со мно­жеством занимательных деталей, фантастических скал, вполне убеди­тель­ных животных, кошмарных мелких чудовищ в духе Босха, городом с церковью на заднем плане расширяет значение картины. Это образ огромного мира, включающего в себя и сказочное, и реальное.

2 Геркулес Сегерс. «Скалистый пейзаж с дорогой и рекой» (между 1615 и 1630 годом)

Голландский офортист и живописец Геркулес Сегерс похож на романтика, хотя родился за два с половиной столетия до появления романтизма. Коммерчески успешным художником Сегерс не был, но его изобретения и эксперименты в гра­вюре уже после его смерти оценили другие мастера — например, сам Рембрандт купил восемь работ Сегерса. Эксперименты Сегерса связаны с цвет­ной печатью, новыми техниками, напоминающими акватинту и резерваж Акватинта, резерваж — разновидности офорта. , использованием японской бумаги и ткани для отпечатков. В гравюре «Скали­стый пейзаж с дорогой и рекой» отсутствуют типичные для Голландии сюжеты (идущие пут­ники, всадники, крестьяне за сельскохозяйст­венными работами и др.), оживляющие ландшафт: здесь нет людей, а маленькие домики затеряны в неуют­ной суровой долине. Масштаб этого мира не понятный, человечес­кий, а космический. Резкое кадрирование Сегерс нередко менял композицию: напри­мер, в первом оттиске пейзаж был панорам­ным, затем художник мог обрезать гравюр­ную доску и сделать новый отпечаток, в ко­тором пейзаж укрупнялся, приближаясь к зрителю. необычно для голландского пейзажа этого времени, а фантастические горы и взгляд сверху встречаются у более ранних нидерландских мастеров (например, у Брейгеля). Структура гор кажет­ся пористой, а светотень — глубокой и мрачноватой. Смешанная техника и ра­бота пятном (а не отдельными штрихами) создает эффект, напоминающий скорее живопись, чем гравюру.

Читать еще:  Польская художница. Izabela Rudzka

3 Каспар Давид Фридрих. «Крест в горах» (1808)

Картина немецкого романтика Каспара Давида Фридриха кажется мистиче­ской: в отдалении от зри­теля — высокая гора, поросшая ельником; распятие, повернутое к условно изображенным лучам заходящего солнца. Полукруглое завершение напоминает об алтарных картинах; золоченая рама по рисунку самого Фридриха, выполненная Генрихом Кюном, содержит христианскую символику (колосья пшеницы и виноград отсылают к евхаристии, в треуголь­нике изображено Всевидящее око). Зритель может задаться вопросом: что изображено на картине — настоящая Голгофа с умирающим на кресте Христом или скульптурное распятие в горах?

Картину Фридрих писал в подарок королю Швеции Густаву IV Адольфу, однако в итоге она досталась графу Францу Антону фон Тун-Гоген­штейну. Невесте графа понравилась одна из работ Фридриха, и Тун-Гоген­штейн уговорил худож­­ника продать ему «Крест в горах». Фридрих согласился, поставив условие: пейзаж следует водрузить на пьедестал, задрапированный темной тканью Именно в таком виде картина была представлена на выставке в мастерской Фридриха в 1808 году до продажи. , и выставить в капелле замка фон Тун-Гогенштейнов Течен Современный Дечин в Чехии. рядом с алтарным образом. Однако заказчик обещания не сдержал: полотно повесили в супружеской спальне.

Соединение пейзажа с религиозной живописью было новаторским: до этого пейзаж относился к низшим жанрам. Немедленно разгорелась полемика в прессе: главным критиком выступил прусский дипломат и художественный критик Базилиус фон Рамдор, противник романтизма, написавший в журнале Zeitung für die elegante Welt, что пейзажная живопись «прокрадывается в цер­кви и пробирается на алтари». В ответ Фридрих объяснил смысл картины: изображенная скульптура символизирует Христа, отражающего свет Бога Отца, которого нет на земле (заходящее солнце). Скала с крестом означает христиан­скую веру, а вечнозеленые ели и плющ — надежду на вечную жизнь. Так впер­вые художник выразил свои религиозные чувства через пейзаж.

4 Фернан Кнопф. «Покинутый город» (1904)

На рисунках бельгийского художника-символиста Фернана Кнопфа по памяти и по фотографиям воспроизведен город его детства — Брюгге (там он провел первые пять лет своей жизни). В «Покинутом городе» домики на площади Вунсдахмаркт соседствуют с подступающей водой. Пустынный город оставлен людьми, с постамента исчезла статуя Ганса Мемлинга — знаменитого худож­ника XV века и местной гордости. Кнопф никогда не возвращался туда, не же­лая видеть изменения города (в начале XX века Брюгге начал превра­щаться в туристический центр). Он хотел запомнить старый Брюгге — тихий опус­тев­ший город, утративший былую славу крупного торгового центра (к XV веку ка­нал Звин занесло песком, и Брюгге потерял выход в Северное море). Этот образ города-призрака, в кото­ром остались лишь воспоминания о славном прошлом, позаимство­ван из пове­сти бельгийского писателя Жоржа Роденбаха «Мертвый Брюгге» (фронтиспис к этому произведению Кнопф иллюстрировал в 1892 го­ду).

В рисунке Кнопфа в город возвращается мо­ре — но не для то­го, чтобы вернуть туда жизнь: теперь это своего рода меланхолический мемориал, фантазия, странный и печальный сон.

5 Рене Магритт. «Империя света» (1950)

Пейзаж сюрреалиста не может не быть странным, и Магритт соединяет в «Им­перии света» дневное небо с открыточ­ными облаками и ночной пейзаж с фона­рем и безлюдной улицей. Этот коллажный принцип — общий для боль­шинства его парадоксальных работ, похожих на интеллек­туаль­ный ребус, с поэтичес­ки­ми названиями, не расшифровывающими смысл. Сам художник говорил, что в картине есть логика, раз на планете в разных полушариях одновременно день и ночь. Магритт вдохновлялся световыми эффек­тами викторианского живо­пис­ца Джона Аткинсона Гримшоу: некоторые из его работ изображали уеди­нен­ные дома или усадьбы с эффек­тами закатного освещения. Название карти­ны придумал бельгийский поэт, друг Магритта Поль Нуже, из чьей поэмы в прозе «Любитель рассвета» был взят образ противостояния ночи и дня Также темы совмещения двух времен суток можно встретить и у Льюиса Кэрролла, и у главы парижских сюрреалистов (с которыми общался Магритт) Андре Бретона. .

Картины с этим сюжетом были настолько популярны у покупателей, что Магритт повторял его вновь и вновь: начиная с 1949 года как минимум 16 раз, и это считая только живопись маслом. Картина сильно повлияла на массовую культуру — от рекламы до фильма ужасов 1973 года «Изгоняющий дьявола».

ТРОЯНСКАЯ ВОЙНА в изобразительном искусстве. Часть 2: «ГОМЕРОВСКИЙ ВОПРОС».

Легендарная фигура слепого странствующего поэта ГОМЕРА навсегда останется в преданиях истории мировой литературы. Однако, вне всякого сомнения, между IX и VII веками до н. э. в греческом мире существовал поэт, которому приписывается сочинение поэм «ИЛЛИАДА» и «ОДИССЕЯ», единодушно принятых за начало европейской литературы.

Гордый взгляд невидящих глаз,
лицо, окруженное волнистой бородой,
горестные складки на лбу и ум, увековечивающий славу греков:
это и есть мистический Гомер.

За честь называться родиной Гомера спорили многие греческие города, в том числе Хиос, Смирна, Колофон, Пилос и Афины. В действительности же, Гомер был одним из «аэдо», певцом, который сочинял высокого стиля песни и поэмы, столетиями передаваемые устными хранителями преданий. Из-за проблемы авторства этих поэм, до сих пор дискуссионного, полумифологический образ Гомера породил в исторической и филологической науках вопрос, названный «гомеровским»,

Первым, кто атрибутировал Гомеру обе эпические поэмы, разные по форме, но близкие по композиции, структуре и грандиозности повествования, был Аристарх Самофракийский (216 — 144 гг. до н. э.) — хранитель Александрийской библиотеки.

Он и его последователи — грамматики Александрийской школы пришли к выводу о том, что «Иллиада», с ее бурными страстями, написана Гомером в молодости, а «Одиссея» относится к зрелому периоду творчества Гомера.

«Апофеоз Гомера»,
как его представлял Жан Огюст Доминик ЭНГР (1827 г.):

Гомера, высочайшего среди поэтов мира коронуют лавровым венком
под взглядами преклоняющихся перед ним известных художников
и знаменитых мыслителей всех времен

Несмотря на то, что Гомер обычно изображается слепым, есть обоснованные сомнения насчет его слепоты.
И действительно, мог ли слепец создать великие литературные произведения, поражающие читателя особо зоркой наблюдательностью и многоцветностью художественной палитры?

Вряд ли слепой поэт смог бы написать строки, в которых есть крупные и мелкие планы, пейзажные зарисовки и разноцветность картин, проходящих в его поэмах бесконечной чередой.
Впрочем, судите сами, могли ли принадлежать слепцу подобные строки:

«Так от широкого веяла,
Сыплясь по гладкому току,
Черные скачут бобы
Иль зеленые зерна гороха. «

«В зимнюю пору громовержец
Корнион восходит и,
Ветры все успокоивши,
Сыплет снег непрерывный,
Гор высочайших главы
И утесов верхи покрывая,
И цветущие степи, и тучные пахарей нивы.»

Читать еще:  Особенности семейной фотосессии

«Поднятый кверху волной
И взглянувши быстро вперед,
Невдали пред собою увидел он землю. «

Но почему же до сих пор принято считать, что Гомер был слеп?

Ведь у самих древних греков никаких упоминаний о слепоте Гомера нет и в помине.

«Виновен» в этом не кто иной как Александр Македонский.

Александр Македонский
(фрагмент древнеримской мозаики из Помпей)

Александрия в эллинистическую эпоху

Суть в том, что в среде философов Александрии были весьма популярны рассуждения о превосходстве «зрячести слепоты» избранных (то есть, философов) над «слепотой зрячести» малограмотной и бескультурной массы. Поскольку к мнению александрийских философов в то время прислушивался весь просвещенный мир эллинистической культуры, их вывод о слепоте Гомера стал общепринятым мнением.
И как видим, продолжает оставаться таковым до сих пор.

Следующая, третья часть, будет посвящена «прелюдии» Троянской войны: Свадьбе Пелея и Фетиды, а также знаменитому Суду Париса.

Суми-э — японская монохромная живопись

Суми-э — японская монохромная живопись

Суми-э — японская монохромная живопись тушью. Это направление возникло в XIV веке и было заимствовано из Китая. Слово суми-э (sumi-e) представляет собой соединение двух японских слов, которые в переводе означают «тушь» (суми) и «живопись» (э). То есть суми-э — это тип монохромной живописи, похожей на акварель.

Дзэнские монахи, которые проводили долгие часы, изучая классические образцы китайской литературы, идентифицировали себя с конфуцианскими мудрецами, отвергавшими вульгарный мир ради общения с природой и овладения такими изящными искусствами, как музыка, поэзия, живопись и каллиграфия.

Уникальность сюжета, мягкое прикосновение кисти и обильное использование воды – все это составляет отличительные индивидуального стиля японской живописи суми-э.

Сэссон Сюкэй 雪村. Восемь видов рек Сяо и Сян

Зарождение суми-э

На протяжении XIV–XV веков преобладающим направлениемживописи был монохромный пейзаж в стиле сансуй (горы-вода), произведениями которого украшали дворцы аристократов и военной элиты. Представителями сансуй были высокообразованные художники — Китидзан Минтё (1352-1430), Дзёсэцу (1405-1423) и Сэйссю Тойо (1420-1506) обучавшиеся в Китае. Дзёсэцу и Сэйссю были художниками монахами из монастыря Сёкокудзи в Киото, который принадлежал дому Асикага.

История суми-э, как и история японской эстетики ваби-саби, началась с монаха. Дзен-монах Дзёсэцу (1394-1428), согласно приданию, стал основателем стиля суми-э в пейзажном жанре. Картина «Ловля рыбы при помощи тыквы», выполненная по личному заказу военного правителя Японии, уже вполне самостоятельна и несёт лишь следы китайского влияния.

Дзёсэцу. Ловля сома тыквой-горлянкой.

В эпоху Муромати много художников появилось и в провинциях, и большинство из них самурайского происхождения. Наиболее известный из них – Сэссон Сюкэй 雪村 (1504-1589). Сэссон ушел в монахи и стал художником. Он продолжал работать до 80 лет в районе Канто и Айдзу. На многих его работах присутствует отпечаток самурайского воспитания художника.

Sesson Shukei. Tempest

Хосэгава Тохаку (1539-1610) был выдающимся художником того периода. Легендарное произведение в формате двух 6-панельных ширм — Сосновый лес . В настоящее время Сосновый лес хранится в токийском Национальном музее и включён в список национальных сокровищ Японии.

Хасэгава Тохаку. Сосновый лес, левая сторона

Хасэгава Тохаку. Сосновый лес, правая сторона

Каждая ширма величиной 1,5 м х 3,5 м. Сосны изображены штрихами тушью в различных оттенках серого цвета. Они стоят группами в тумане, частично выступая из него и пропадая, растворяясь в отдалении. Это произведение также является одним из самых известных примеров использования приёма ёхаку, или «осмысленной пустоты» в японской живописи.

Ёхаку эффект пустого белого пространства на плоскости картины. Ёхаку придавало живописи непознаваемую значимость, будило в зрителе чувство неисчерпаемости источника космической жизни. Подобные принципы фигурировали в искусстве театра Но умение вызвать интерес при отсутствии видимого действия. В искусстве чайной церемонии таким принципом выступает такэкурами (таинственность, неявленность). Ёхаку — это основа осмысления религиозного опыта в искусстве, вершиной которого является категория югэн.

В переходный период от Адзути-Момояма к более мирному времени Эдо работал художник Товарая Сотацу, творчество которого знаменовало появление исключительно японского стиля суми-э. Также ему приписывают основание декоративной школы японской живописи Римпа. Вместе с оригинальным стилем живописи и техникой тарасикоми – стекание капель туши Товарая оказал колоссальное влияние на современный стиль суми-э. Работая вместе, Таварая Сотацу и художник Хонами Коэцу создавали удивительные по живописности произведения.

Маруяма Окё. Сосны под снегом. Роспись шестистворчатых ширм.

Еще одним знаменитым мастером этого периода, делавшим зарисовки с натуры, был Маруяма Окё (1733-1795). Маруяма декорировал движущиеся куклы и создавал полотна в стиле укиё-э. Он умел виртуозно использовать пустое пространство листа в своих композициях.

Выдающимися мастерами этого направления были Икэ-но Тайга (1723-1776), Ёса Бусон (1716-1784), Урагами Гёкудо (1745-1820), Таномура Тикудэн (1777-1835). Творчески переосмысливая традиции японской и китайской живописи, они пытались придать своим картинам настроение глубокой лиричности и неповторимой индивидуальности.

Портрет Урагами Гёкудо

В XVIII в. в моду входит китайский стиль бундзинга («живопись художников-интеллектуалов»), получивший в Японии название нанга. Художники бундзинга , считавшиеся «японскими импрессионистами», вдохновленные китайской культурой, особо ценили живопись эпохи династий Юань, Мин и Цинь.

Ориентир на китайские образцы всегда был свойственен японской монохромной живописи. Однако удивительная способность японцев к виртуозной интерпретации заимствований приводила к тому, что образцы, приходившие с материка, постепенно преобразовывались в духе отечественных художественных тенденций.

Урагами Гёкудо. Голубые горы, предчувствие дождя.

В отличие от Китая, где живопись тушью вплоть до современности развивалась в едином русле общих законов и традиций, в Японии к ней обращались мастера разных школ и направлений, сумевшие существенно расширить художественный диапазон и арсенал выразительных средств суйбокуга.

Урагами Гёкудо. Червленые осенней листвой горы.

Вобрав в себя мистический дух буддизма, суми-э в художественной форме воплотила его основные мотивы. Простые черные линии, нанесенные на белую бумагу, могут представлять собой сложную модель, подобно тому, как в Дзен несколько произнесенных слов могут быть результатом многих часов медитации.

Маруяма Окё.Сосна, бамбук и слива (три символа счастья).

В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности, он отбрасывает все то, что его не интересует. Он изображает природу такой, какой она рисуется в его воображении, воплощает самую ее суть. Любые образы художник хранит в памяти такими, какими он их увидел.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector