Пиксельный импрессионизм. Warren Keating

Пиксельный импрессионизм. Warren Keating

LiveInternetLiveInternet

Рубрики

  • Художники (5852)
  • импрессионисты (318)
  • Кулинарные рецепты (16)
  • Рукоделие (14)
  • Схемы для оформления дневника (14)
  • Латвия (6)
  • Венгрия (5)
  • Армения (5)
  • Сайт знаменитых художников (3)
  • Мексика (3)
  • Дизайн помещений (3)
  • Египет (2)
  • Дания (2)
  • Абхазия (2)
  • Саудовская Аравия (1)
  • Индонезия (1)
  • Финляндия (1)
  • Кипр (1)
  • Колумбия (1)
  • Сербия (1)
  • Княжество Лихтенштейн (1)
  • Исландия (0)
  • Люксембург (0)
  • Австралия (9)
  • Австрия (21)
  • Азербайджан (3)
  • Актеры кино и театра (844)
  • Антиквариат (88)
  • Архитектура (113)
  • Белоруссия (4)
  • Бельгия (7)
  • Бразилия (2)
  • Великобритания (110)
  • Вьетнам (4)
  • Германия (31)
  • Голландия (1)
  • Графика (722)
  • Греция (8)
  • Декоративно-прикладное искусство (157)
  • Достопримечательности Канады (28)
  • Достопримечательности Франции (206)
  • Париж (45)
  • Европейская готика (4)
  • Зарубежные звезды (435)
  • Звезды балета (59)
  • Из жизни знаменитостей (243)
  • Израиль (7)
  • Индия (9)
  • Интерьеры помещений (36)
  • Испания (27)
  • Италия (80)
  • Картинки (15)
  • Кино (60)
  • Китай (39)
  • Классическая живопись (1136)
  • Конкурсы красоты (10)
  • Корея (6)
  • Короли спорта (13)
  • Коста-Рика (1)
  • Культура, искусство (7734)
  • Ландшафтный дизайн (53)
  • Литва (3)
  • Литература (202)
  • Мастера фотографии (237)
  • Мир животных (90)
  • Мир моды (122)
  • Монако (4)
  • Мудрые мысли (8)
  • Музыка (разных жанров) (276)
  • Нидерланды (12)
  • Новая Зеландия (5)
  • Норвегия (7)
  • Опера (26)
  • Открытки (84)
  • Пакистан (1)
  • Польша (15)
  • Португалия (10)
  • Природа (251)
  • Путешествия (743)
  • Разное (37)
  • Россия (271)
  • Города (58)
  • Храмы (23)
  • Румыния (1)
  • С Ш А (89)
  • Сингапур (3)
  • Скульптура (114)
  • Словения (5)
  • Советские и российские актеры (404)
  • Современная живопись (4439)
  • Таиланд (4)
  • Театры, библиотеки, музеи (60)
  • Турция (3)
  • Украина (10)
  • Хорватия (10)
  • Цветы (127)
  • Черногория (4)
  • Чехия (24)
  • Швейцария (21)
  • Швеция (10)
  • Эстония (1)
  • Ювелирные изделия (50)
  • Япония (41)

Поиск по дневнику

Подписка по e-mail

Статистика

Художник-импрессионист Виллем Хенритс

Художник- импрессионист

Виллем Хенритс

Willem Haenraets — художник-импрессионист родился в Heerlen (Нидерланды) 9-ого октября 1940 года в нидерландском городе Херлен.

Интерес к рисованию проявил еще в раннем детстве. В 17 лет Уиллем поступает в Художественную Академию Maastricht. Через четыре года обучения одаренный студент получил стипендию от правительства Бельгии для учебы в Национальном институте изящных искусств в Антверпене. Здесь у него появилась собственная мастерская. Художник брал мастер-классы у знаменитых профессоров Sarina (Atelier Opsomer) и Vaarten. Именно благодаря Хенритсу традиции бельгийско-голландская школы получили процветающее продолжение. Старые мастера были, конечно, счастливы, что растет замечательная смена, и всячески содействовали его продвижению. В это же время состоялась и его первая выставка. На заработанные деньги молодой художник купил мотороллер и объездил много живописных мест в округе, особенно порт Антверпена. Именно здесь состоялось его знакомство с одним из судовладельцев, благодаря помощи которого начинающий художник стал писать много портретов на заказ. К сожалению, судовладелец скончался, и Виллем отправился в Париж, где остановился на несколько месяцев. На площади Place de Tetre он писал портреты с раннего утра до позднего вечера, так что смог купить дом в Бергене (Голландия), где впоследствии поселился со своей первой женой Ханной. В это время он писал очень много картин, они продавались в галереях и художественных салонах. Но тут случилось несчастье – Ханна погибла в автомобильной аварии, оставив его с шестинедельной дочерью.

70-е годы
После некоторого беспорядочного периода жизни художник решил вернуться в Херлен, где поселился в небольшом замке Kasteel Terworm и с головой погрузился в работу. Он продавал свои картины в Голландии и Германии. В конце 70-х Виллем встретил свою вторую жену с ее маленькой дочерью. Позже у них родился сын.
80-е годы
В середине 80-х художник начал издавать свои работы, и это изменило его жизнь как в финансовой сфере, так и в сфере художественных ярмарок и выставок. Он стал регулярно получать приглашения на выставки в Соединенные Штаты, Англию. В то время, как его литографии показывались на выставках, оригинальные работы были представлены в галерее на Родео Драйв в Беверли-Хиллс. Работы живописца получили мировую известность, и он провел выставку в Нагойе, в Японии. Это был огромный успех — японцам особенно нравятся романтические картины в мягких цветах.
90-е годы
В этот период художник сблизился с владельцем галереи на Stokstraat в Маастрихе. Вместе они проводили прекрасные выставки в Gallery Renoir каждые два года. Однако из-за болезни владельца галереи это сотрудничество завершилось.

Наши дни
В 2003 году художник купил дом в муниципалитете Hondon de las Nieves в Испании. Муниципалитет попросил его выставить свои работы в Casa de Cultura городка. По словам художника, это было очень приятное событие. В настоящее время Willem Haenraets работает с издателем, который представляет его работы по всему миру в форме литографий и высококачественных постеров. Подлинники работ продаются им самим и владельцами галерей.

Работы художника находятся в частных коллекциях в Бельгии, Голландии, Франции, Германии, Англии, Испании, Канаде, США, Японии и Италии.

ЗИНАИДА ГИППИУС
«Любовь одна»

Единый раз вскипает пеной
И рассыпается волна.
Не может сердце жить изменой,
Измены нет: любовь — одна.

Мы негодуем, иль играем,
Иль лжем — но в сердце тишина.
Мы никогда не изменяем:
Душа одна — любовь одна.

Однообразно и пустынно,
Однообразием сильна,
Проходит жизнь. И в жизни длинной
Любовь одна, всегда одна.

Читать еще:  Повседневная жизнь. Hiroshi Mori

Лишь в неизменном — бесконечность,
Лишь в постоянном — глубина.
И дальше путь, и ближе вечность,
И всё ясней: любовь одна.

Любви мы платим нашей кровью,
Но верная душа — верна,
И любим мы одной любовью.
Любовь одна, как смерть одна.
(1896 г.)

Импрессионисты и фотография: секреты создания некоторых шедевров

Эдгар Дега. Четыре танцовщицы

В середине 1895 года знаменитый художник-импрессионист Эдгар Дега принимает танцовщицу в своей студии и фотографирует в различных танцевальных позах. Результат — три фотопластины, которые художник использует для создания разных композиций. Месяцы спустя Дега находит способ объединить три пластины, которые позволили ему завершить свою знаменитую картину «Голубые танцовщицы».

Дега был одним из первых, кто использовал фотографическую технику для своих картин. В конце 19-го века изобретение Ньепса и Дагера произвело революцию в подходах к живописи. Рама, движение, свет. Путь приближения к реальности в живописи внезапно был потрясен появлением первых фотографий. Тем не менее, изменился не только способ восприятия и изображения натуры. В своей подробной работе по импрессионизму и фотографии профессор Антонио Гонсалес Гарсия раскрывает десятки примеров, демонстрирующих, что многие из самых известных импрессионистических композиций были вдохновлены фотографическим оригиналом.

Художники, такие как Ван Гог, Тулуз Лотрек, Моне или Гоген, использовали фотографии для своих работ и переводили фотокомпозиции на свой родной язык живописи. Хотя в этом не было ничего плохого, большинство авторов скрывали оригиналы, опасаясь, что раскрытие секрета их использования уменьшит значимость их картин.

Поль Гоген

Поль Сезанн

Анри Тулуз-Лотрек

Винсент Ван Гог

Эдгар Дега

В начале 90-х годов художник по имени Том Стэнфорд пролистал старые фотографии в антикварном магазине и обнаружил смутно знакомый дагерротип. Он купил его за доллар и отвез домой. Затем, после тщательного анализа фотографии, он заключил, что это сам Винсент Ван Гог и на фото он очень похож на некоторые из самых успешных автопортретов художника.

Изображение было сделано в 1886 году, Ван Гог предстаёт на нём в костюме и галстуке-бабочке, дагерротип подписан фотографом Виктором Морином, который делал снимки местного духовенства в Брюсселе. Эксперты, проанализирвоавшие фотографию, сразу заявили, что это портрет художника, и что нет никаких сомнений в том, что Ван Гог использовал его для выполнения некоторых из своих знаменитых автопортретов.

Идея была немедленно отвергнута музеем Ван Гога в Амстердаме. Представители музея сказали, что каждый год они получают более 300 фотографий и рисунков от людей, которые считают, что они нашли голландские портреты художника.

Но более поздние исследования, которые выполнялись путем дублирования изображения с некоторыми портретами Ван Гога, были неопровержимыми: человек на фотографии — Винсент Ван Гог, и тот же образ использовался для создания некоторых автопортретов. То есть Ван Гог скопировал свою фотографию.

Как объясняет профессор Гонсалес Гарсия, прогрессивные технические достижения, удешевление и коммерческий запуск камеры Kodak облегчили для многих живописцев занятие фотографией в качестве любителей, не отказываясь от живописи. И в этом смысле Эдгар Дега был настоящим пионером, учитывая его одержимость фотографией.

На изображении, приведённом выше, показаны два его друга, поэт Стефан Малларме и художник Огюст Ренуар, вместе позирующие для Дега. В зеркале, как призрак Веласкеса, мы можем различить Дега и его камеру, а также жену и дочь Малларме. Как объяснил поэт Поль Валери, для фотографирования требовалось «девять ламп с маслом . и ужасная четверть часа неподвижности снимаемых людей».

В октябре 1895 года Жюли Мане, дочь Берты Моризо и племянница Эдуара Мане, пишет в своем дневнике: «Мсье Дега только и думает, что о фотографии. Он пригласил всех нас к себе на ужин на следующей неделе и собирается изобразить нас искусственным светом». Действительно, фотографируя, Дега становился настоящим перфекционистом, приказывая своим гостям принять ту или иную позу и смотреть в камеру определённым образом. «В такие моменты, — рассказывал свидетель этих сессий, — его друзья всегда относились к нему с настоящим ужасом. Если он пригласит вас на вечер, вы знаете, чего ожидать: два часа военного повиновения».

Эдгар Дега. Автопортрет

Перевод с испанского Маритты Кесич при помощи Гугл-переводчика.

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Живопись. Современный импрессионизм. Часть 1: Кент Уоллис (Kent R. Wallis)

В живописи меня всегда трогало такое направление, как импрессионизм. И, хотя я не являюсь его ярким представителем, этот стиль изобразительного искусства всегда воодушевлял и вдохновлял меня.

Импрессионизм зародился во Франции в последней трети XIX столетия. Нам известно множество художников-импрессионистов, это Моне, Пикассо, Ренуар, Мане, Писсаро, Делакруа др. До сегодняшнего дня импрессионизм – это одно из самых почитаемых и популярных направлений. Современные художники-импрессионисты составляют довольно мощное ответвление в живописи, их работы по праву востребованы и высоко оцениваются почитателями изобразительного искусства.

Сегодня речь пойдет о зарубежном художнике-импрессионисте, уже всемирно известном живописце Кенте Уоллисе (Kent R. Wallis).

Кент Уоллис – американский художник, который выбрал путь художника, будучи взрослым состоявшимся человеком, уже имеющим семью. Именно его жена подтолкнула его к живописи, как к смыслу всей жизни. Изначально Уоллис работал в области маркетинга и финансов, после чего в течение полугода он кардинально изменил свою жизнь, целиком посвятив себя изобразительному искусству. Уоллис – художник-самоучка и иногда жалуется на то, что ему не хватает опыта, чтобы быстро схватить мгновение и зафиксировать его на холсте. Но живопись для него исходит из сердца, а не из головы. Вот как художник говорит о своем творчестве: «То, что действительно волнует меня, является цветом особенным, смешанным с солнечным светом. Я пишу достаточно быстро, чтобы поймать эту красоту. Я не смотрю на живопись, как на интеллектуальное усилие. Мой подход – больше чувства, чем интеллектуальный процесс. Я только чувствую свой путь в восхищении природой. Я не горжусь своим успехом… Я только описываю то, что вижу… Но если бы страна отвернулась от импрессионизма, то я все равно продолжал бы писать, чтобы отобразить чистоту и цвет всего этого. Это все, что я делаю…»

Читать еще:  Прагматический идеализм. Petros Papapostolou

На сегодняшний день художник-импрессионист Кент Уоллис – всемирно известный художник! Он имеет многочисленные награды в области изобразительного искусства, является членом общества художников северной калифорнии PleinAir, а также членом общества пленэрных художников Америки. Состоит в обществе Американских импрессионистов. В России творчество Кента Уоллиса не только знают, но и любят. Да и как можно не любить его картины, переполненные красками и эмоциями!

Да, именно красками! Это и есть визитная карточка художника Кента Уоллиса. Его картины просто плещут цветом! При этом имеют спокойную глубину и величие.

Вот только некоторые картины художника-импрессиониста Кента Уоллиса.

Дневник живописи

В каждой картине – тайна, судьба, послание

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

Читать еще:  Немецкий художник. Johann Studinsky

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Чем импрессионизм отличается от экспрессионизма?

Импрессионизм и экспрессионизм представляют собой различные направления в искусстве.

Импрессионизм (от англ. impression — впечатление) зародился во Франции в конце 1860-х годов. Его представители пытались передать сцены из реального мира, передав при этом свои впечатления от них. Художники этого стиля накладывали краски отдельными мазками и использовали контрастные тона (красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой) на одном участке картины. Отличительной особенностью картин импрессионистов является эффект мерцания красок. Картины импрессионистов не затрагивали острые социальные проблемы.

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве в первые десятилетия двадцатого века, преимущественно в Германии и Австрии. Его представители стремились не только изобразить окружающий мир, но и передать художественными способами эмоциональное состояние автора.

Откуда произошли названия стилей?

Слово «импрессионизм» происходит от названия картины Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», которая была представлена на выставке 1874 года. Журналист журнала «Le Charivari» Луи Леруа, посетив выставку, обозвал художников, которые в ней участвовали, «импрессионистами», желая выразить тем самым свое пренебрежение к игнорированию участниками выставки классического жанра. Название тем не менее прижилось и потеряло свой первоначальный отрицательный смысл.

Термин «экспрессионизм» был введен чешским историком искусств Антонином Матешеком в 1910 году в противоположность термину импрессионизм.

Что послужило предпосылкой для возникновения импрессионизма?

Импрессионизм возник на сломе общественно-исторических эпох и отразил наиболее характерные моменты своего времени. Некоторые молодые художники, стремясь отойти от религиозного воздействия и академического искусства, которое выражало вкусы правительственных кругов, начинают искать новые средства выражения стиля.

Основоположниками стиля были его наиболее яркие представители — Эдуард Мане, Эдгар Дега, Огюст Ренуар, Клод Моне. Художники резкими мазками накладывали на холст краски, которые в глазах зрителя, отошедшего от картины на достаточное расстояние, создавали желаемый результат. Художники стремились использовать те приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, но с восприятием самого художника. Например, земля на картинах импрессионистов может быть фиолетовой, сиреневой, голубой, розовой или оранжевой, но никогда — коричневой. Чтобы добиться желаемого результата, художники часто прибегали к технике оптического смешения, они не смешивали цвета между собой, а накладывали их на полотно рядом. В результате мелкие мазки красной и синей краски зритель видел как фиолетовые. Благодаря владению цветом, импрессионистам удавалось отражать в картинах движение облаков, игру света, порывы ветра, струи дождя или падающий снег.

Наиболее типичной для импрессионистов темой был пейзаж, однако они в своём творчестве художники затрагивали и многие другие темы — такие, как сцены повседневной жизни современного города, быт людей и развлечения.

Изначально импрессионизм был встречен критиками насмешками и травлей, но, уже с конца 1880-х годов новая техника в живописи была подхвачена представителями академического и салонного искусства. К 1886 году импрессионизм завоевал весь мир искусства и распространился в США, Великобритании, Германии, Скандинавии.

Как возник экспрессионизм и кто был его основателем?

Экспрессионизм возник как реакция на события Первой Мировой войны, которые разрушили привычный быт и те начала, на которых покоилась европейская культура. Художники восприняли действительность субъективно, и через свои эмоциональные картины, наполненные разочарованием, тревогой и страхом, пытались воздействовать на публику.

Для выражения чувства раздражения, отвращения и тревоги экспрессионисты использовали угловатые, искорёженные линии, деформацию предметов, быстрые и грубые мазки, кричащий колорит. Художники отдавали предпочтение контрастным цветам для того, чтобы усилить воздействие на зрителя и не оставить его равнодушным.

Своими предшественниками экспрессионисты считали постимпрессионистов. Первое сообщество, с которого началось развитие экспрессионизма, возникло в 1905 году, и получило название «Мост». Четверо студентов-архитекторов дрезденской Технической школы организовали коллектив, в котором художники проявляли свою индивидуальность. Программа объединения была составлена Эрнстом Людвигом Кирхнером, и помимо него в «Мост» входили Фриц Блейль, Карл Шмидт-Ротлуф и Эрих Хеккель.

В 1906 году художники организовали первую выставку, которую положительно восприняла общественность. В 1912 году к течению присоединилась еще одна группа «Синий всадник», организованная Василием Кандинским. В ее состав также вошли немецкие художники — Август Макке, Генрих Кампендонк, Франц Марк, Пауль Клее и др.

С приходом к власти Гитлера в 1933 году экспрессионизм был объявлен «дегенеративным искусством», а его представители потеряли возможность выставлять свои работы. Несмотря на запрет, художники продолжали работать в рамках экспрессионизма на протяжении многих десятилетий.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector