Под влиянием традиционных художников. Nancy Boren

Под влиянием традиционных художников. Nancy Boren

15 фактов о Пите Мондриане – художнике, оказавшем влияние на компьютерную реальность

1. Мондриан считается основателем De Stijl

De Stijl. это голландское движение в искусстве возникло в начале 20-го века, а его название переводится как «стиль». De Stijl — группа художников и архитекторов, которые развивали абстрактное искусство и использовали в основном простые формы, такие как линии и блоки, а картины рисовались только в черных, белых или основных (красный, желтый, синий) цветах. Мондриан, наряду с Тео ван Дусбургом, Вильмосом Хусзаром, Бартом ван дер Лек и некоторыми другими художниками, считается основателем этого движения.

2. Духовная природа объектов

Мондриан стремился передать духовную природу объектов в «ее чистом виде». В 1914 году он объяснил это голландскому искусствоведу Бреммеру в письме следующим образом: «Я выстраиваю линии и цветовые комбинации на плоской поверхности, чтобы выразить красоту самым простым способом. Природа (или, то, что я вижу) вдохновляет меня и побуждает передать ее как можно ближе к истине.

Я считаю, что это вполне возможно путем рисования горизонтальных и вертикальных линий, причем это нужно делать не по плану, а руководствуясь интуицией» .

3. От традиционного искусства к абстракции

Хотя общество De Stijl было посвящено «абсолютному низложению традиций», изначально его основатели учились именно традиционному искусству. Мондриана с раннего детства поощряли рисовать родители и его дядя, Фриц Мондриан, известный художник. Далее голландец учился в Королевской Академии искусств в Амстердаме, где увлекался пейзажной живописью.

4. Постимпрессионизм и творчество Мондриана

Творчество художника-новатора, крупнейшего представителя символизма в нидерландской живописи Яна Торопа, так впечатлило Мондриана, что он начал увлекаться постимпрессионизмом. Это влияние прослеживается в пейзажах, созданных Мондрианом в 1930-х годах.

5. Увлечение кубизмом

Когда в 1911 году Мондриан переехал в Париж, он увлекся кубизмом Жоржа Брака и Пабло Пикассо. Мондриан начал экспериментировать в своем творчестве, отказавшись от ярких красок (которые были присущи ему во время былого увлечения постимпрессионизмом) и начав использовать более приглушенные тона.

6. Хотя его страстью была абстракция, официальная работа художника была прямой ее противоположностью

Люди, которым не нравится абстракция в стиле De Stijl, могут ошибочно предположить, что Мондриан не создавал более сложных картин. На самом же деле, он был весьма талантливым художником не только в абстракции. В различные моменты своей карьеры, он давал уроки рисования, делал наброски для научных исследований, а также рисовал репродукции великих произведений для музеев.

7. Самые известные работы Мондриана были созданы после Первой мировой войны

Мондриан перед войной жил в Париже. Когда началась Первая мировая, он как раз гостил у родственников в Нидерландах и не смог вернуться в Францию. После окончания боевых действий Мондриан вернулся в Париж и создал ряд произведений, которые определили его уникальный стиль, выделявшийся его даже среди единомышленников в De Stijl, а именно — «нео-пластицизм». К 1925 году эти картины были нарасхват среди элитных коллекционеров Европы.

8. Жизнь среди картин

Вместо того, чтобы обзавестись отдельной студией, он объединил свой дом и рабочее пространство, с удовольствием приглашая друзей попить чаю у него в гостиной прямо среди работ. В своих квартирах в Лондоне и Париже, Мондриан «усовершенствовал» эту систему, создав своего рода 3D — версию своих работ, покрасив стены квартир в свойственной ему технике.

9. «Белоснежку» Диснея — любимый мультфильм художника

Первый полнометражный анимационный фильм просто очаровал художника-интеллектуала после того, как он увидел «Белоснежку» весной 1938 года вместе со своим братом в Париже. Когда Мондриан переехал в Лондон, он начал посылать своему брату открытки , украшенные вырезками из рекламы фильма и написанные «в манере гномов из Белоснежки».

10. Художник и музыка

Скучный образ художника в раздумье среди абстрактных творений — это вовсе не относится к Мондриану. Хотя Мондриана часто описывают как интроверта, он упивался джазовой сценой Лондона, постоянно посещая танцпол с американской светской львицей и коллекционером произведений искусства Пегги Гуггенхайм.

Несмотря на весь его энтузиазм, его подруга Мириам Габо, жена русского скульптора Наума Габо, как-то вспоминала: «Мондриан был ужасным танцором. Все просто не переносили танцевать с ним».

11. Гитлер считал, что Мондриан — дегенерат

В 1937 году две картины Мондриана были включены в «Выставку дегенеративногго искусства» Гитлера. Тем самым, Мондриан был включен в нацистский черный список. Художник не стал ждать, чем это закончится, и 7 сентября 1940 года бежал из Лондона в Нью-Йорк.

12. Переезд в Америку стал новым витком в творчестве художника

В Нью – Йорке Мондриан сразу же влился в мир местной творческой элиты. Он оказывал поддержку американским художникам-абстракционистам, а его бывший партнер по танцам Пегги Гуггенхайм стала преданным сторонником и участником выставок работ художника.

В этот период творчества Мондриан начал использовать более сложные элементы в картинах, такие как двойные линии, а также и линии ярко-желтого, а не черного цвета. К сожалению, эта глава его творчества прервалась, когда Мондриан умер от пневмонии в 1944 году в возрасте 71 года.

13. Работы Мондриана вдохновили две школы современного искусства

Дело Мондриан не умерло и после его смерти. Немецкое движение Bauhaus было сфокусировано на функциональности и эффективности дизайна. Архитекторы, как и Мондриан, использовали упрощенные линии и теорию цвета голландского художника. В течении минимализма, которое возникло в 1960-е годы в Нью-Йорке, использовались геометрические формы и ограниченная цветовая палитра, подобно нео-пластицизму.

14. Мондриан стал вдохновением для моды

В 1965 году французский модельер Ив Сен — Лоран разработал шесть коктейльных платьев, которые он назвал коллекцией Мондриана. Каждое из этих платьев имело очень простую форму, а цветовая гамма была белой, с черными линиями и цветными прямоугольниками.

15. Художник вдохновлял даже программистов

Мондриан был настолько известным, что даже программисты относились к нему с огромным уважением. Они считали, что абстрактные картины художника похожи на некий эзотерический язык программирования. Дэвид Морган-Мар хотел назвать свой уникальный язык программирования «Mondrian», но назвал его в итоге «Piet» (именно так звучит имя художника на голландском). Программа на Piet выглядит как постживописная абстракция.

Путь женщины в искусстве: известные художницы и их прекрасные работы

Женщина в живописи

На протяжении многих веков в мире, где превалировали мужчины, женщинам отводилась второстепенная роль. Но женщины ничуть не хуже владели кистью и красками, чем мужчины. Приведу несколько примеров. В 1521году Альбрехт Дюрер, приехав в гости к голландскому книжному иллюстратору Герхарду Хоуренбоуту, был поражен работами его дочери Сузанны. «Диву даешься, на что способна и баба», следствием чего была покупка одной из ее картин. Женщины и искусство — такое сочетание само по себе казалось многим мужчинам подозрительным. И вплоть до последнего столетия путь женщины в университеты и академии оставался, как правило, закрытым. С трудом удавалось пробить дорогу в художественные школы одиночкам, и только в частные. Этим путем пошла Паула Беккер. Родившись в Дрездене в 1876 году, начала заниматься в частной художественной школе в Берлине, но скоро оставила, так как сочла обучение никуда не годным. Девушка отправилась в сообщество художников Ворпсведе, что на севере Германии, познакомилась и впоследствии вышла замуж за известного художника Отто Модерзона. И хотя Паула Модерзон-Беккер продолжала писать картины и после замужества, ее творчество оставалось при жизни почти неизвестным. Будучи женой всемирно известного художника, она оставалась в тени «ярчайшего гения». Сейчас ее картины оцениваются миром искусства гораздо выше, чем работы мужа.

Паула Беккер «Детская голова в белом платке»

Жизнь итальянки Розалбы Каррьеры — одно из немногих исключений. В 18 веке она славилась своими портретами, получала заказы князей и королей, стала членом Королевской академии в Париже. Герои ее портретов улыбчивы, красивы, очаровательны и обаятельны. Возможно, в этом кроется успех ее картин. Но большинство картин, написанных женской рукой, уходило в небытие, чтобы вновь найти признание через десятилетия. Многие работы бесследно исчезли.

Розальба Каррьера «Дама в голубом платье с бантом»

Розальба Каррьера «Портрет кардинала Полиньяка»

Скульптура, казалось бы, совсем «не женский вид» искусства. Но в руках талантливой «слабой половины» скульптура поднялась на новую ступень своего эволюционного развития. В.И. Мухина всем нам известна группой «Рабочий и колхозница», созданной из стали в 1937 году для Советского павильона ко Всемирной выставке в Париже. Для ее работ характерна монументальность, порыв. Вера Мухина замечательна в различных жанрах скульптуры-интересны психологические портреты, эскизы театрального оформления. В портретный жанр скульптора влились портреты полковника Б. Юсупова, С. Замкова, академика А. Крылова, полковника Л. Хижняка. С.Д. Лебедева, мастер скульптурного портрета, также вошла в историю целой галереей скульптурных портретов своих современников. Особенно ей близки модели хорошо знакомых людей: В. Мухиной, А. Твардовского, О. Книппер-Чеховой, С. Маршака, В. Татлина и т.д. В целях пропагандистского движения создаются бюсты А. Герцена, Ж. Дантона, М. Робеспьера.

С. Лебедева «Портрет А. Т. Твардовского»

Также интересным и оригинальным скульптором того времени была А. Голубкина, изваявшая портрет Андрея Белого (1907). Трогательна скульптура «Березка»(1927г.) в образе худенькой девушки. Портреты А. Толстого, Л. Толстого характерны и многогранны. Скульптурные портреты А. Голубкиной, представительнице культуры серебрянного века, можно посмотреть в музее-мастерской, расплложенной в старом уголке Москвы. Ее скульптурные портреты перекликаются с импрессионизмом, выражения лиц непосредствены и живы.

А. Голубкина «Портрет А.Н. Толстого»

Женщина в авангарде течений

Женщины активно присоединились к различным течениям в искусстве, которыми так полна была наша страна послереволюционного времени 20 столетия.

Н. Гончарова (1881-1962), стоявшая во главе авангардного движения, работала в рамках футуризма. Работы отличаются ритмичной заостренностью, условностью. Воплощены интересные крестьянские сюжеты, сцены из трудовой жизни, религиозные композиции. Ее крупноформатные, напоминающие храмовые иконы картины на религиозную тему, воспринимаются как иконные образы. До конца дней она проповедовала русский авангардизм, несмотря на то, что вторую половину жизни находилась во Франции.

Н. Гончарова «Автопортрет»

О. Розанова (1886-1918) — участница «Союза молодежи», под влиянием футуризма писала городские пейзажи, где было подмечено все самое характерное и выразительное. А такие работы, как «Метроном», «Рабочая шкатулка» погружают нас в покой и тишину. Интересны ее работы из дерева с фигурными композициями. Многогранность таланта Розановой вылилась и в написании картин в супрематической манере.

О. Розанова «Бубновая Дама»

Н. Удальцова (1886-1961) работала в манере кубизма. Картины «Скрипка», «Музыкальные инструменты», «Кухня», «Ресторан» выполнены в этом стиле. Что отличает работы — тонкий сгармонированный свет, интересный подход к кубизму. Позже она напишет экспрессивные пейзажи, полные внутреннего напряжения и выразительности. Л.Попова (1889-1924) также вошла в число наиболее выдающихся мастеров русского авангарда. Сложной ритмичной композицией из рук, голов, треугольников выделяются картины «Путешественницы», «Портрет философа». Была создана целая серия «Живописной архитектоники», где формы предметов в каждом произведении по-разному интерпретируются. Мария Башкирцева, мастерски владеющая кистью, проникновенно пишет свой «Дождевой зонтик»(1883).

М. Башкирцева «Дождевой зонт»

А чего стоят работы всеми любимой З.Е. Серебряковой. Знаменитая картина «За туалетом» (Автопортрет), 1909г, а также «Веление холста», «Крестьяне». Ее работы свежи и непосредственны, полны милой ласковой прелести. Особо по своей выразительности раскрывается портретный жанр.

З. Серебрякова «За туалетом»

Женская виртуозная живопись

Т. Яблонская (1917-2005) является настолько многогранным художником, что, глядя на ее картины, трудно поверить, что все написано одной рукой. Всем известна картина «Утро», на которой девочка делает зарядку у окна. «Хлеб» — сбор урожая, крепкие красавицы-крестьянки. Картины наполнены радость, ощущением счастья и любви.

Т. Яблонская «Хлеб»

Т. Яблонская «Утро»

Виртуозно владея маслом, Татьяна Назаренко (1944г.) создает «Проводы зимы», «Бабушка и Николка». Вихрь праздника проносится на картинах «Новогоднее гуляние», «Карнавал», «Татьянин день». Заслуживает особого внимания инсталляция «Переход», состоящая из 80 фанерных «обманок» в рост человека. В серии воплотились все обитатели нашего города из самых разных социальных слоев. Картины находятся в Третьяковской галерее, Русском музее и многих других за рубежом.

Татьяна Назаренко (1944г.) создает «Проводы зимы»

Здесь представлена лишь малая толика женских имен, вошедших в историю мирового искусства. В своей статье я постаралась уменьшить предубеждения по отношению к женскому искусству, представить прошлые и настоящие достижения художниц в правильном свете.

6 самых интересных художников на Венецианской биеннале

Политическая, феминистическая и молодежная – 58-я Венецианская биеннале начнется 11 мая, но до официального старта уже успела получить несколько характерных прозвищ. Vogue.ua выбирает самых интересных ее участников.

Откуда: Йоханнесбург

Фотограф и социальная активистка, Занеле Мухоли изображает в своих работах темнокожих лесбиянок и геев, а также снимает документальные фильмы. В них она говорит о преступлениях на почве ненависти к гомосексуалистам, совершающихся в Южной Африке, – с чем довелось столкнуться и ей самой. На биеннале покажет знаменитый автопортрет, снятый на кровати в собственной квартире.

На фото: Bona, Charlottesville, Virginia, 2015; серебряно-желатиновая печать; собственность галерей Stevenson (Кейптаун/Йоханнесбург) и Yancey Richardson (Нью-Йорк)

Откуда: родилась в Нигерии, живет в Лос-Анджелесе

Колониальное прошлое Нигерии – одна из ключевых тем Нджидики Акуниили Кросби, «женщины года» в 2018-м по версии The New York Times, чьи персональные выставки проходят в MoMA и Whitney. На биеннале Кросби покажет живописную серию 2013 года. Ее герои заняты приятными делами – болтают, ужинают, пьют вино. Поверх живописи девушка накладывает коллажи из газетных вырезок с новостями о расистских скандалах и старыми фотографиями из судебных залов, где нигерийские адвокаты изображены в белых париках.

На фото: And We Begin to Let Go, 2013; акрил, уголь, пастель, мраморная пыль, коллаж на бумаге; собственность художника, Victoria Miro and David Zwirner

Откуда: Лос-Анджелес

Участник прошлогодней биеннале в Музее Whitney, популярный американский художник Генри Тейлор пишет яркие, сочные работы о людях. В основном это или знаменитости, или друзья художника, или пациенты психиатрической клиники в Камарильо, где Тейлор десять лет проработал медбратом. В Венеции покажет серию работ, посвященную душевнобольным людям.

На фото: Another Wrong, 2013; акрил на холсте, собственность Zabludowicz Collection

Откуда: родилась в Эфиопии, живет в Нью-Йорке

Джулия Мерету покажет в Венеции новую живописную серию «Пой, не похороненный, пой». Это крупноформатные (3 х 3 м) полотна в смешанной технике. Их основа – измененные в фотошопе фотографии из новостных сводок, на которые аэрографом художница сначала наносит абстрактный рисунок, а потом еще один – графический, тонкий, от руки. Название серии отсылает к роману Джастин Уорд об одной американской семье, которую навещают призраки умерших родственников. Для художницы такое наслоение техник – повод поговорить об истории двух ее родин, Африки и США.

На фото: Sing, Unburied, Sing (J.W.), 2018; чернила и акрил на холсте; собственность художника, галереи Marian Goodman (Нью-Йорк) и White Cube (Лондон)

Откуда: Токио

В 9 лет Мари ампутировали ноги из-за редкой болезни, из-за нее же пальцы на ее правой руке срослись и сейчас напоминают клешни краба. Свою историю девушка трансформировала в искусство: она создает инсталляции с собой в главной роли, где ее ноги и руки продолжаются скульптурами, текстильными куклами, ракушками. В Венеции Мари Катаяма покажет серию автопортретов.

На фото: Cannot Turn the Clock Back #005, 2017; цифровая печать; собственность художника

Откуда: родился в Бангкоке, живет в Нью-Йорке

Арт-Базель, биеннале в Венеции и Whitney – далеко не все выставки, в которых принимает участие Коракрит Арунанондчай в этом году. В Венеции художник, который у себя на родине известен как поп-звезда, представит сложную эффектную видеоинсталляцию под названием «История в комнате, заполненной людьми со смешными именами». Это проект о мифах, призраках, прошлом и настоящем Таиланда. Сейчас работу Коракрита из этой же серии можно увидеть в PinchukArtCentre в рамках выставки Future Generation Art Prize.

На фото: No History In A Room Filled With People With Funny Names 5, 2018; трехканальное видео, инсталляция: ракушки, ветки деревьев, лазер, смола, светодиодные фонари, тканевые подушки; собственность Carlos/Ishikawa (Лондон), C L E A R I N G (Нью-Йорк/Брюссель), галерея Bangkok CityCity (Бангкок)

Откуда: Индонезия

Хандивирман Сапутра сознательно отделяет себя от социально-политического художественного дискурса, в котором работает большинство его коллег в Индонезии. Сапутра делает странные скульптуры из подручных материалов, подчеркивая, что в них нет смысла – кроме развлечения. В Венеции он покажет серию аморфных скульптур из мыла, одетых в саронг – традиционную одежду мужчин в странах Юго-Восточной Азии.

На фото: Holding Base Below Hook, 2011–2014; акриловая краска, пена, красящий пигмент, саронг, полиуретановая краска; собственность Courtesy Mori Art Museum (Токио)

Журнал «ПАРТНЕР»

Художницы эпохи Ренессанса

Елена Лопушанская (Дюссельдорф)

Идея рассказать о художницах эпохи Ренессанса возникла спонтанно, именно так, как и возникают идеи. О титанах и просто значительных художниках-мужчинах этого времени написаны десятки тысяч книг, но в них практически нет упоминаний об их коллегах-современницах! Найдется немного людей, даже в среде специалистов, которым известны, к примеру, имена, а тем более биографии и творчество нидерландок Левины Терлинк (1520 — 1576) и Катарины ван Хемессен (1528 — ок. 1565) или итальянок Барбары Лонги (1552 -1638), Феде Галиции (1578 -1630), Лавинии Фонтана (1552 — 1614), Мариэтты Робусти (1554/55 — 1590), Проперции де Росси и, наконец, наиболее талантливой из них — Софонисбы Ангуиссола (ок. 1535 — 1625). И это неполный перечень имен!

А ведь известно, что в эпоху Ренессанса и в Нидерландах, и особенно в Италии, женщины в обществе занимали вполне достойное положение. Их обучали рисованию и живописи, языкам, поэзии и даже философии; они пели и играли на различных инструментах, им посвящали сонеты, в их честь устраивали турниры и пр. Как же случилось так, что их постигло забвение, несмотря на прижизненную известность, а порой и славу?

Несмотря на относительно благополучные социальные условия, женщинам было доступно далеко не всё, на что могли рассчитывать их коллеги-мужчины. Особенно если дамы с художественным дарованием принадлежали к аристократическим семьям. Не «царским делом» считалось писать на заказ, а тем более продавать свои произведения. Они дарили свои работы и только таким путем могли обрести некоторую известность.

Художницы были ограничены и в жанрах: они не владели своей мастерской, а работали в домашних условиях, за редким исключением в лице Лавинии Фонтана, следовательно, не создавали масштабных крупнофигурных композиций на мифологические или религиозные сюжеты. Они писали произведения небольшого формата, предназначавшиеся в основном для домашнего обихода (портреты, иконы, хотя это слово лишь относительно соответствует немецкому «Andachtsbilder», и натюрморты). И ещё: можно ли представить себе даму эпохи Возрождения, которая занималась бы изучением анатомии, препарируя трупы, как это тайком делал Леонардо, или зарисовывала бы обнаженные человеческие фигуры с натуры. Женщинам это не подобало.

Многие художницы не подписывали свои работы: одни — из соображений непрестижности занятия в глазах высшего света, другие — дабы засыпанный заказами отец-художник мог беспрепятственно выдать дочерние работы за собственные, что было намного выгоднее. Иногда подписи не ставили и без всякой видимой причины. В результате изрядное количество произведений художниц Ренессанса оказалось в составе творческого наследия известных мастеров-мужчин! Так, например, некоторые портреты Софонисбы Ангуиссолы приписывались Тициану, Эль Греко, а иные — придворному художнику Филиппа II Санчесу Коэльо! Понятно, что такая, пусть и ошибочная атрибуция, свидетельствует об очень высоком художественном уровне ее работ.

Итак, первые две причины забвения: отсутствие подписи и, как следствие, упоминания в истории искусства. И еще одна причина и, конечно, не последняя: препятствия, чинимые коллегами по цеху. Женщин не принимали в гильдии художников и тем самым лишали возможности участия в общественных заказах: росписях ратуш, церквей, создании официальных портретов и пр., т.е. произведений, пользовавшихся и большей известностью, и хранившихся тщательнее, чем небольшие работы, находившиеся преимущественно в частных руках.

За исключением Проперции Росси и аристократки Софонисбы Ангуиссола, большинство художниц Ренессанса были дочерьми живописцев и учились ремеслу у своих отцов. Некоторым удалось сделать собственную карьеру.

Так, уроженка Брюгге, миниатюристка Левина Терлинк, обучившаяся мастерству у отца и деда, процветала при английском дворе Тюдоров. Ее портретные миниатюры пользовались огромным спросом, и существует предположение, что этой технике у нее учился сам Ганс Гольбейн Младший. Успех Левины очевиден: она бессменно оставалась на своем месте при четырех властителях: Генрихе VIII, Эдуарде I, Марии I (Кровавой) и Елизавете I.

Еще большей славы и благополучия добилась Лавиния Фонтана, дочь одного из ведущих художников Болоньи Просперо Фонтана. Замуж она вышла за состоятельного дворянина по фамилии Заппи, который тоже считал себя художником, но на поверку оказался совершенно бездарен и, когда Лавиния стала знаменитой, был допущен лишь к несложным работам по грунтовке холста и обрамлению рамами готовых произведений супруги. Таким образом, главой семьи, «добытчицей» являлась Лавиния, а муж скромно вел домашнее хозяйство и заботился о многочисленном потомстве: 11-ти детях! Когда Лавинии исполнилось 40 лет, начался крутой взлет ее карьеры: художница написала по заказу испанского короля Филиппа II картину «Святое семейство» для Эскориала и получила за нее астрономическую сумму в 1000 дукатов. Папа Климент VIII пригласил Лавинию ко двору на должность официального художника. Впоследствии она стала членом Римской академии и в ее честь отчеканили медаль(!): на одной стороне — Лавиния за мольбертом, на другой — ее профиль. Лавиния Фонтана — первая итальянская художница, которая отважилась писать обнаженную натуру, конечно, лишь основываясь на известных образцах. Не принадлежа к знати, она могла участвовать и побеждать в открытой конкуренции с другими мастерами. Но Лавиния являлась, скорее, исключением, чем правилом.

По-иному сложилась жизнь у дочери нотариуса Проперции Росси, по всей вероятности первой женщины-скульптора в истории искусства, одной из тех, о ком Вазари писал в своих «Vita». Она умерла в бедности, оклеветанная коллегами-мужчинами, желавшими устранить конкурентку и много в этом преуспевшими. Сохранилась ее работа в мраморе — барельеф «Иосиф и жена Потифара», которой восхищался выдающийся итальянский скульптор Антонио Канова.

Вызывает сочувствие и судьба талантливой Мариэтты Робусти(ля Тинторетта), любимой дочери великого венецианского художника Якопо Робусти, прозванного Тинторетто, которая, без сомнения, участвовала вместе с братом Доменико в создании многих работ Тинторетто. Отец переодевал ее в костюм мальчика, чтобы она могла повсюду сопровождать его, помогая (?) или наблюдая за его работой. В Венеции практически нет ни одной церкви, не говоря уже о Дворце дожей, где не было бы огромных полотен Тинторетто. С этим просто физически не справиться одному человеку! И почти нигде вы не найдете даже беглого упоминания о его дочери. Свидетельства современников говорят о том, что Мариэтта была успешной портретисткой, принимавшей заказы от венецианской знати. Император Максимилиан II приглашал ее ко двору в качестве придворной художницы, но Тинторетто не отпустил дочь от себя. Что явилось причиной отказа: эгоизм любящего отца или его нежелание лишиться ценной и «дешевой» помощницы. Даже замуж Мариэтта вышла за человека, который согласился жить под одной крышей с Тинторетто. Она умерла в молодые годы в тени своего великого отца, не подписав ни единого своего произведения и переняв его манеру в столь высокой степени, что ее работы невозможно отличить от работ самого Тинторетто. Мариэтта была похоронена в венецианской приходской церкви своей семьи, Santa Maria dell’Orto, в окружении картин отца. Как пишут биографы, старый художник так никогда и не оправился от своей утраты. В 1920 году на одной из работ Тинторетто нашли букву «М». Возможно, это свидетельство авторства Мариэтты.

Дочь художника и уроженка Милана Феде Галиция является первым в Италии мастером натюрморта. Ее работы выдерживают конкуренцию даже с натюрмортами знаменитого испанца Франциско Сурбарана!

А самая талантливая из художниц Ренессана, Софонисба Ангуиссола, несомненно заслуживает отдельного рассказа.

Художники биеннале молодого искусства

Всякий смотр молодого искусства — это прежде всего шанс увидеть великих художников до того, как они достигнут своей славы. 3 ноября в Музее Москвы открылась вторая часть Основного проекта VII Московской международной биеннале молодого искусства (все участники должны быть младше 35 лет). Во втором корпусе Музея Москвы показывают три проекта: «Я не знаю, Земля кружится или нет. », «Собственные места//Архивные пространства» и forbidden body language, над которыми трудились в общей сложности 47 художников из 10 стран. К пяти из ним директор WLH Art Consultancy Александр Бланарь советует присмотреться особенно внимательно.

Кураторы: Лизавета Матвеева и Франческа Альтамура (Россия и США)

Мэтт Копсон — художник молодой и многообещающий. Во всяком случае, на ланче Swiss Institute в Базеле Ханс Ульрих Обрист в личной беседе представил его как одного из своих любимых авторов. По большей части Мэтт работает с лазерными проекциями (одна из них несколько лет назад продавалась на ярмарке Liste в Базеле) и вызывает интерес не только у кураторов, но и у брендов. Он уже успел устроить неоновую вечеринку в LV Fondation в Париже. В 2019 году у него прошла выставка в Swiss Institute в Нью-Йорке, а его работы представляли галереи C-L-E-A-R-I-N-G и Sadie Coles HQ.

На биеннале молодого искусства Мэтт представляет цифровую работу, в которой переосмысляет классических басенных персонажей — лису и медведя. У Копсона этот дуэт существует в самых разных вымышленных пространствах — от фанфикшена до драматургии Беккета.

Проект «Я не знаю, Земля кружится или нет. »

Кураторы: Лизавета Матвеева и Франческа Альтамура (Россия и США)

Выпускник лондонского колледжа Голдсмитс Габи Саххар занимается живописью, видеоартом, перформансом. Учиться он закончил в 2015 году, и его работы сразу же попали в галерею Zabludowicz Collection, а он таким образом оказался в одной компании с большими мастерами: Вольфгангом Тильмансом, Эдом Аткинсом и Мэттью Барни. Своим Габи считают и в фэшн-индустрии, ведь он также работает моделью и участвовал в показах Yeezy, Kenzo, Hood by Air, Vetements и Rick Owens. Неудивительно, что о его работах пишет Dazed, i-D, Frieze Magazine, а Harper’s Bazaar Italy включает в список самых интересных начинающих художников. Вот и прошлогодняя выставка Second Home в галерее Sweetwater в Берлине собрала немало восторженных публикаций.

На биеннале Габи впервые представит одноканальное видео Truth and Kinship, а также пять новых живописных работ, перенесенных в цифровое пространство.

Проект «Я не знаю, Земля кружится или нет. »

Кураторы: Джулия Морале и Штерре Барентсен (Италия и Германия/Нидерланды)

Арт-объекты Ольги Шурыгиной (она работает в разных жанрах: от видео до керамики) были нарасхват на недавно прошедшей ярмарке молодого искусства blazar. В проектах Ольги переосмысляются как традиционные женские символы, так и узбекские мотивы, ставшие для Шурыгиной частью семейной истории — ее бабушка работала художницей по ткани на фабрике в Узбекистане. Для биеннале Ольга Шурыгина создала работу-мираж, выложив символическое дно Аральского моря тремя тысячами керамических блюд.

Проект «Собственные места//Архивные пространства»

Читать еще:  Природа и люди. Hanna Kaciniel
Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector