Портретная и фигуративная живопись. Pitchanan Saayopoua

Портретная и фигуративная живопись. Pitchanan Saayopoua

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

Фигуративное искусство и фигуративизм — антиподы абстракционизма и концептуализма

Фигуративное искусство — это направление изобразительного искусства, в произведениях которого всегда наглядно присутствуют реальные объекты. Фигуративизм — это лишь один из стилей фигуративного искусства, эти определения не являются синонимами. В фигуративизме основным объектом изображения выступают фигуры людей или животных.

Фигуративное искусство по своей сути является противоположностью абстрактного, отрицающего необходимость изображения реалистичных вещей в работах художника. Напротив, фигуративисты стремятся в своих произведениях с максимальной достоверностью отразить окружающие их объекты.

Разновидности фигуративного искусства

Фигуративное искусство основано на реально существующем мире, а не на глубоко скрытых в подсознании иллюзиях автора. Сторонники этого направления убеждены, что художник должен создавать репрезентативные, то есть узнаваемые образы в своих произведениях.

Объектами для творчества могут быть самые разные одушевленные и неодушевленные предметы: люди, дома, животные, автомобили, растения. Но для реализации своих идей автор вправе использовать все доступные средства:

  • широкую цветовую палитру;
  • причудливые и оригинальные формы предметов;
  • сочетание контрастов, роль света и тени;
  • перспективу и объем.

Поэтому к фигуративному искусству можно отнести произведения многих жанров:

Аналогичным образом фигуративное искусство объединяет множество разнообразных стилей, в которых главным объектом изображения является реальный мир, в том числе:

Кроме того, фигуративное искусство всегда направлено на эмоциональное восприятие зрителя посредством репрезентации узнаваемых форм предметов и объектов. Этим оно кардинально отличается от концептуализма, сторонники которого видят своей главной целью передачу идеи, а форма творческого выражения для них не важна.

История фигуративного искусства

Исторические корни фигуративного искусства можно обнаружить в древнейшие времена. Даже первобытные люди в своих наскальных рисунках очень часто стремились точно изобразить окружающий мир.

Но художникам всегда было присуще желание несколько исказить, а точнее — приукрасить реальность. Мастера античной эпохи сознательно идеализировали черты человеческой фигуры в своих произведениях. В Византийской империи основным видом изобразительного искусства стала иконопись, в которой пропорции тел были отчетливо стилизованы, а символика цветов и предметов играла важную роль.

В эпоху Ренессанса художники видели свое предназначение в воспевании идеалов гуманизма и антропоцентризма. Поэтому величайшие мастера того времени создавали удивительные по красоте, но далеко не всегда реалистичные произведения. Эта тенденция продолжилась и в другие исторические эпохи, вплоть до появления импрессионизма.

Черты фигуративного искусства, несмотря на появление новых стилей и жанров, всегда оставались различимыми в картинах и скульптурах художников. Но на рубеже XIX-XX веков в мировой культуре появился революционный авангардизм. Многие художники начали решительно отказываться от тысячелетних академических традиций, в том числе и от фигуративизма. Возникла и быстро начала обретать популярность абстрактная живопись, которая постепенно заняла лидирующие позиции в современной мировой культуре.

Читать еще:  Прекрасный мир. Mirjana Gotovac

В наступившем XXI веке соотношение количества приверженцев абстрактного и фигуративного искусства постоянно меняется. Часть художников активно выступает за возвращение старых традиций в живописи и скульптуре, а их оппоненты усердно отстаивают противоположную точку зрения. Кто победит в этой борьбе — не решаются сказать даже профессионалы в сфере искусства.

Портал Very Important Lot предоставляет всем желающим уникальную возможность принять участие в арт-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины у современных художников по доступной цене.

Китайская живопись Гохуа

Китайская живопись обозначается термином Гохуа 国画, что буквально обозначает «живопись [нашей] страны».


Гу Кайчжи. Наставница поучает придворных дам

Китайская живопись появилась в глубокой древности, и дата ее возникновения, благодаря новым археологическим находкам, отодвигается все дальше вглубь веков. Китайская живопись гохуа с точки зрения европейца довольно необычна и даже загадочна. Она разительно отличается от европейской живописи. Причем это различие присутствует буквально во всем, в материалах, технике исполнения и в инструментах.

Традиционная живопись Китая символична и иносказательна. Если мы привыкли рассматривать картины европейских мастеров, то работы китайских мастеров надо читать и понимать. Тем более, что в Китае живопись и каллиграфия очень близки. В Китае любой художник это каллиграф, а любой каллиграф это художник. И там, и там используется одинаковый линейный способ письма, одинаковые материалы и инструменты: кисть, мягкая пористая бумага из бамбукового или конопляного волокна, тушь и минеральные и растительные краски типа акварели.


Рыбак. Китай, ок. 1350. Тушь, бумага. Художник – У Чжэнь (1280–1354). Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Отличительные черты китайской живописи от европейской это то, что здесь не используются объемы, формы, перспектива в привычном для нас понимании, игра теней, не соблюдение пропорций, да и цвета здесь не такие выразительные. Традиционная китайская живопись это в основном монохром и рисунки создаются с помощью линейного рисунка. Еще одно важное отличие китайской живописи от европейской это то, что китайские мастера все свои картины пишут без предварительных эскизов.


Старые деревья, ровная даль. Китай, ок. 1080. Художник – Го Си (ок. 1020–1090). Тушь, цветные краски, шелк. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Интересно то, что в китайской живописи отсутствует натюрморт, по крайней мере, в привычном для нас понимании. Неподвижные предметы с точки зрения китайцев оторваны от действительности и мертвы. В картине обязательно должна присутствовать динамика жизни и времени. Если художник изображал камни или фрукты, то рядом с камнем всегда присутствовало растение, причем фрукты всегда изображаются на ветке.


Лошадь «Молния в ночи». Фрагмент. Китай, ок. 750. Тушь, бумага. Длина живописного поля – 34 см, ширина – 30.8 см. Приписывается художнику Хань Гану (ок. 706–783). Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Мастера живописи в Китае используют кисти разных размеров, от очень тонких, до очень толстых. Штрих может быть легким, как осенний лист, или мощным, как тигр. Для китайской живописи характерно лаконичность, ясная композиция, а также выразительные и ритмичные контуры и конечно же плоскостное исполнение без светотеней. Ещё одной необычной особенностью является пометка картин печатью мастера, которая заменяет личную подпись.

Творения замечательных китайских художников зачастую содержат в себе глубокую философскую концепцию. Китайский художник и теоретик живописи V века Се Хэ в своем трактате «Заметки о категориях старинной живописи» («Гухуа пиньлу») сформулировал шесть законов живописи, шесть основных художественных принципов, которые должны принять к сведению мастера.Так вот первый принцип это «одухотворенный ритм живого движения». То есть, прежде всего, важно передать сущность увиденного, а не внешнее сходство.


Изысканное собрание в абрикосовом саду. Фрагмент. Китай, ок. 1437. Художник – Се Хуань (1377–1452). Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Жанры в китайской живописи это, прежде всего пейзаж (горы и водоемы), а так же изображение цветов и птиц, портрет и анималистический жанр.

Китайские художники стремились передать сущность предметов. Поэтому им были чужды натурализм, стремление к внешнему сходству. Они старались передать лирическое переживание, настроение, возникающее от общения с природой, призывая слиться с ней, постигнуть ее тайны.


Зяблики и бамбук. Китай, XII в. Художник – император Хуэй-цзун (1082–1135). Тушь, цветные краски, шелк. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Стили китайской живописи

В традиционной китайской живописи существует два стиля это гунби и се-и.

Гунби — «техника прилежной кисти», «техника тонкой кисти». В отличие от се-и техника гунби предполагает реалистичность и высокую детализацию предмета, прописывание мелких деталей.


Весеннее утро в Ханьском дворце. Фрагмент. XVI в. Художник – Цю Ин (ок. 1494–1552). Музей императорского дворца, Тайбэй

Именно в этом стиле работали художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцовых покоев императорских семей и знати. Скажем больше, художники, работавшие на службе у императора, просто обязаны были владеть стилем гунби.

Особенности присущие стилю гунби:

  • Детализация предмета, контурная техника
  • Усиление контраста путем послойного наложения цвета
  • Изысканное изображение предметов

Самые известные художники стиля гунби:

Ян Либянь (ок. 600-673) — известный художник династии Тан. Больше всего любил изображать сюжеты из даосских и буддистских притч.

Чжан Сюань (713-755) — теоретик и историк живописиЧжан Яньюань(IXв.) охарактеризовал его лишь одним предложением: «Чжан Сюань любил рисовать женщин и детей».При жизни не пользовался большой известностью. Но имя мастера часто упоминалось в позднейших дискуссиях о танской живописи

Чжоу Фан (ок. 730-800) — китайский художник периодаТан. Мастер ушёл далеко в своём стиле, посвятил своё искусство портретированию богатых и знатных людей.

Гу Хучжон (937-975)

Император Хуэй Чжун (1082-1135)

Тан Инь (1470-1524)

Цю Ин (1494-1552) — не был придворным художником, это самородок, который добился художественных достижений упорным трудом.

Чэнь Хуншоу (1598-1652) — поэт, художник, каллиграф. Его работы отличались экзотичностью, легкостью и свободным стилем.

Стиль китайской живописи се-и (寫意) это передача идеи и чувств художника. Этот стиль предполагает свободную манеру письма. Здесь главное не внешнее сходство, а свое особое видение, душевное настроение мастера, сущность объекта. Именно здесь художник творит под влиянием сиюминутного настроения, по наитию. Копировать такие картины очень трудно, скорее не возможно.

В этом стиле нет четких линий, нет детализации. Стилю Се-и присущи широкие, свободные мазки широкой кистью. Недаром этот стиль называют «грубая кисть».

Картины писались тушью в черно-белых тонах и не выглядели так нарядно как произведения в стиле гунби, но зато они более искренни. В более позднем периоде китайской живописи преобладали произведения мастеров, работавших в стиле се-и.

Читать еще:  Немецкий художник. Charlotta Janssen

Один из самых известных художников традиционной китайской живописи мастер Чжан Дацянь говорил, что се-и это передача духа предмета и его внутренней сущности.

Китайская живопись в настоящее время

В наши дни живопись гохуа значительно расширила свой диапазон и вышла за узкие рамки традиционных тематик, следуя новому времени. Современные мастера художественной кисти наполняют свои полотна, исполненные в стиле гохуа, новым смыслом, живым духом современности.

Колоссальные изменения в политической системе Китая в конце двадцатого столетия, привели грандиозным переменам и в культурной жизни. Новое поколение китайских художников, свободно мыслящих и критически смотрящих на вещи, создало новую китайскую живопись. Благодаря смелым экспериментам с разными стилями, сблизились два мира искусств — Западный и Восточный.

Китайская традиционная живопись является огромным вкладом в художественную культуру всего человечества.

Традиционная китайская живопись в России

Сравнительно недавно в России никто толком и не знал ничего о китайской живописи. Зато сейчас множество людей с увлечением занимаются этим видом искусства. Живопись Гохуа подкупает своим «дружелюбием» к новичкам, своей простотой в освоении, своей необычностью и конечно своей таинственностью и загадочностью. Особенно легко освоение китайской живописи дается детям. Для них это очень интересный и увлекательный процесс.

Сегодня в нашей стране есть много замечательных, известных мастеров китайской живописи, которые прочно стоят на одной ступеньке с китайскими художниками.

Kakejiku — японский взгляд на живопись

Сегодня мне захотелось познакомить вас с необычным, не типичным для нас европейцев, японским восприятием понятия живопись. Прочитав эту публикацию, вы увидите мировоззренческую разницу между нами и ними в отношении к картине, возможно даже немного останетесь в недоумении. Но думаю, вам будет несомненно интересно узнать что значит 100 картин для европейца и те же 100 картин для японца. Итак, начнем!

В Японии существует интересная форма живописи и называется она какедзику. «Kakejiku» — это японский висячий свиток. Произведение живописи или каллиграфии, которое обычно монтируется с краями шелковой ткани на гибких подложках. Kakejiku можно свернуть для хранения. По сравнению с «макимоно», который должен быть развернут по горизонтали и желательно на плоской поверхности, kakejiku предназначен для подвешивания к стене как часть внутреннего убранства комнаты. Он традиционно показан в алькове «tokonoma» комнаты, которая специально конструирована для того, чтобы показать ценные предметы. Он также может быть повешен в самой важной комнате дома, где проводится чайная церемония или другие традиционные мероприятия. Kakejiku также часто висит в комнатах боевых искусств, называемых «doujou» (учебные комнаты). Рядом с какэдзику часто находятся другие предметы («окимоно»), такие как мечи («катана»), куклы, «бонсай» или цветочные композиции («икебана»). Существенным аспектом kakejiku является то, что он не предназначен для постоянного подвешивания, что делает его универсальным в его размещении.

«Какэдзику» (висячий свиток) был введен в Японию в период Хэйан (794-1185), главным образом для отображения буддийских изображений для религиозного поклонения, или как способ отображения каллиграфии или поэзии.«

Оригинальная архитектура японского жилья значительно развилась со времен Муромати (1336-1573). В этом архитектурном стиле, где комната в японском стиле (называемая «washitsu») стала комнатой, на полу которой уложены татами, и она содержит одно специальное пространство, которое называется альковом «tokonoma». Самой важной особенностью токономы является отображение какэдзику. Токонома рассматривалась как пространство, соединяющее искусство и повседневную жизнь, поэтому пейзажи, картины цветов и птиц, портреты и поэзия стали любимыми темами.

В период Момоямы (1573-1600) были представлены два великих государя: Нобунага Ода и Хидэеси Тоетоми. Они очень любили «чаною» (чайные церемонии). Чайные церемонии обычно проводились в комнате с альковом токонома. В этот период был разработан и создан архитектурный стиль токонома. Наряду с развитием стиля токонома, были также разработаны методы живописи и монтажа, потому что kakejiku всегда отображался в токономе. Кроме того, когда Сен-но Рикюу упомянул о важности какэдзику, какэдзику стал чрезвычайно популярен среди людей, которые были очарованы чайными церемониями.

В период Эдо (1603-1868) в Японии было всего несколько крупных войн. Миролюбие периода Эдо позволило японской культуре достичь полной зрелости. Многие известные художники процветали и соперничали друг с другом. Kakejiku также стал популярным среди общественности.

После периода Мэйдзи (1868) многие художники соревновались друг с другом в технике, потому что в этот период люди стали абсолютно свободны в выборе своих занятий. До Второй Мировой Войны, и в течение некоторого времени после этой войны, большинство картин в японском стиле были разработаны, чтобы стать украшением в виде kakejiku.

Однако возникает вопрос, почему заменяется «kakejiku» (висячий свиток)? Дух чайной церемонии, традиционного японского искусства, глубоко влияет на этот японский обычай. Существует сердце гостеприимства под названием «омотенаши» в чайной церемонии. Когда японцы думают о настроении чайной церемонии, они многое принимают во внимание. Более конкретно, они думают о различных методах, которые они могли бы использовать, чтобы создать настроение лучше. Kakejiku отображается, чтобы выразить уважение к гостям косвенно, и считается самым важным инструментом в чайной церемонии. Таким образом, kakejiku заменяется в зависимости от случаев или сезонов. В омотенаши сердце заставляет их изменить kakejiku.

Какэдзику развивался в эпоху Муромати (1336-1573) наряду с развитием чайных церемоний. В результате люди начали думать, что важно было выразить формальность случая и уважение к гостям, показывая различные виды kakejiku. Многие обычаи какэдзику были выведены из этого типа мышления в Японии. Конечно, многие владельцы имеют свои kakejiku с целью получить самому наслаждения от созерцания, и это также часть удовольствия, чтобы показать их своим гостям.

Существует ”токонома» альков в «washitsu» (традиционный японский стиль комнаты), где отображается “kakejiku” (висит свиток). Однако в комнате, кроме kakejiku очень мало мебели. У японцев нет обычая вешать много картин на стены внутри комнаты. Они обычно показывают kakejiku только в tokonoma, и заменяют его другим в зависимости от случаев, гостей и сезонов. Говорят, что этот стиль отображения контрастирует с западным стилем. Многие картины часто отображаются на стенах западных зданий, таких как старые европейские здания или дворцы. Например, если есть 100 картин, это будет западный стиль, чтобы отобразить все 100 картин на стенах. Однако японцы кладут все 100 картин в шкаф и выбирают только одну, чтобы выставить на короткий срок в своем фиксированном месте (токонома). Поэтому между Западом и Японией существует явное различие в функциях, требуемых от живописи. На Западе живопись нуждается в раме для прочности, потому что она отображается в течение длительного времени. В Японии, однако, картина не нуждается в такой большой защите, потому что она отображается только в течение короткого времени. Удобство использования являются очень важными элементами для картины, потому что японцы будут часто менять ее. Также необходимо не занимать место для хранения. То есть стиль, который удовлетворяет вышеуказанным условиям, является стилем какэдзику. Kakejiku сворачивается, когда убирают его, и разворачивается при вывешивании его. В результате, гибкость и прочность необходимые качества какэдзику. Поэтому “Хонсю » (основную работу) укрепляют, подкрепляя ее другим листом бумаги, а вокруг Хонсю прикрепляют полотна, и они соединяются. Это грубый процесс монтажа для kakejiku. Если kakejiku свернут, этот стиль предотвращает honshi от сминания, разрыва и загрязнения. Даже если Хонсю поврежден или становится грязным, срок службы Хонсю и его эстетическая ценность могут быть сохранены в течение нескольких сотен лет путем повторного монтажа kakejiku. Kakejiku-это идеальный стиль; он позволяет японцам наслаждаться своими картинами в лучшем виде.

Читать еще:  Пастельный скрейпинг (Pastel scraping)

Вот, пожалуй и все, надеюсь вам было интересно и вы узнали что то новое для себя! Думаю, полезно время от времени проникнуться мыслью насколько мы разные люди на этой планете. А от меня вам мои дорогие, как всегда, «Всем мира и каждому свое!»

Картины Дорис Йоа. Фигуративная живопись. Портреты. Часть 2

Свои картины Doris Joa пишет акварелью и маслом — это цветы, розы, лошади, люди, портреты и натюрморты.

Картины художницы находятся у многих коллекционеров и ценителей по всему миру. Ее стиль живописи позволяет ей отобразить жизнь в натуралистическом реализме. На картинах Дорис Йоа цветы яркие, а лошади красочные. Ее образные рисунки детей и молодых женщин, создают историю, которая предлагает зрителю стать ее участником. Дорис Йоа отображает и дарит зрителю красоту, радость жизни и природы. Романтический реализм позволяет отразить красоту, которая длится в течение всех четырех сезонов каждого года.

Она также пишет образные работы и в частности, о детстве. Посредством своих картин она любит рассказывать истории, рассказывать зрителю, как дети могут интересно и просто проводить время, чтобы увидеть и понять вещи, которые взрослые не видят, потому что сильно заняты.

“Под березой” — акварельная живопись. Это — очень романтичная и идиллическая сцена – маленькая девочка проникла через садовую калитку, увидела анютины глазки и захотела полюбоваться ими.

“Таинственный сарай” — картина о маленькой девочке, зашедшей в старый сарай и ей очень любопытно, что она сможет там найти. В этой живописи есть некоторая тайна. Что эта девочка надеется найти? Эта девочка, похоже, собирается искать какие-то вещи. В своей руке она держит маленькую маргаритку, которую она нашла за пределами этого сарая. А когда она увидела сарай, то возникло непреодолимое желание, исследовать, что там находится.

“Послеполуденные мечты” — акварельная живопись. Разве это не замечательно, когда дети могут наслаждаться такими беззаботными днями? Просто лежать на траве и мечтать? Эта акварельная живопись передает эту атмосферу. Маленькая девочка лежит под деревом на траве. Она мечтает и наслаждается послеполуденным солнцем – она просто наслаждается своим детством.

Хотя Doris Joa любит писать в реалистическом стиле, в 2005 году Дорис начала новую серию, написанную маслом, в которой создала смелые, красочные картины лошадей. Ее «красочные лошади» являются совершенно особыми. «Я люблю создавать яркие, забавные оттенки, которые приглашают зрителей к исследованию лошади, почувствовать свободный дух каждой из лошадей. Я люблю создавать эти картины, используя игривые оттенки».

Это изображение лошади очень отличается от других — зеленая лошадь на темно-фиолетовом фоне. Вряд ли фотография может передать, как выглядит картина в действительности, но это красивая лошадь, и выглядит очень необычно.

Нарисовать портрет в акварели — действительно сложно, потому, что никакая ошибка не позволительна!

Хотелось бы процитировать Стива Хэнкса – знаменитого американского живописца: “Живопись тонов кожи может быть очень хитрой. Если Вы смотрите на руку, Вы сможете увидеть много цветов. Вы сможете увидеть, что кожа прозрачна, и можно заметить цвет вен, проникающих через нее. Художники часто спрашивают меня, какие тона я использую для оттенков кожи, но кожа — многоцветна, поэтому нет ответа на этот вопрос. Ее цвет меняется в соответствии с освещением и объектами находящимися вокруг и их цветностью. Акварель также прозрачна и может быть нанесено множество слоев, которые заставят кожу ожить”.

В женских портретах Doris Joa элегантность, изящество и мягкая женственность.

Дорис Йоа создает рассказы о детстве и материнстве – те особенные эмоции и связи, которые созданы и лелеются. «Я люблю возвращать воспоминания и волшебные моменты через эти реалистично созданные картины». «Особые моменты» – акварель. Эта живопись изображает действительно особые моменты между матерями и дочерьми, ведь дочери любят быть с ними и делать те же самые вещи, которые делают они.

Поскольку Doris Joa любящая мать, то, конечно, лучшие модели – это ее дети, и она всегда старается сделать их фотографии, а потом запечатлеть в картине.

Doris Joa любит рассказывать истории в своих картинах, как дети растут и что для них важны те же самые вещи, что и для взрослых. В этой картине Дорис рассказывает как ее дочь, перед выходом на улицу, хотела убедиться, что она выглядит хорошо, слов родителей оказалось недостаточно — она хотела убедиться в этом сама. Конечно, она еще слишком маленькая, чтобы дотянуться до зеркала, но она взобралась на стул и, таким образом, смогла удостовериться, что шляпа сидит правильно.

“Мое пространство” — акварельная живопись. Все дети любят играть с разными картонками и пакетами и дочери Дорис не исключение. Картонная коробка превратилась в «замок» и началась таинственная и увлекательная жизнь в выдуманном мире. Наигравшись, «принцесса» уснула. На картине Вы можете увидеть улыбку на ее лице. Кошки – любопытные создания — интересно, что же происходит внутри «замка»? Скоро дети вырастут и никогда уже не будут играть таким образом, но эти моменты будут запечатлены в живописи.

Doris Joa получает вдохновение от всего прекрасного, что есть в жизни, не стали исключением и два новых члена семьи — два симпатичных котенка. Так возникла новая серия картин-миниатюр. Все картины котят написаны маслом, их размер 2,5″x3,5 ″ (6,25х8,75 см).

Картины художницы Дорис Йоа (Doris Joa), фото-галерея.

Копирование запрещено!
Все статьи являются интеллектуальной собственностью компании ArtWork2.com
Разрешено частичное использовании материалов в виде цитат,
при этом активная ссылка на сайт компании ArtWork2.com обязательна.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector