Портретная живопись. Richard Kuhn

Портретная живопись. Richard Kuhn

Портретная живопись

Портрет – один из основных жанров в изобразительном искусстве, показывающий внешность одного конкретного человека, а иногда и группы людей. Главная задача художника-портретиста – добиться не только максимального внешнего сходства портрета с оригиналом, но и точная передача индивидуальных черт характера, и создание образа, типичного для той или иной эпохи.

История портрета насчитывает несколько тысячелетий, а зародился он как жанр живописи в античном искусстве. При раскопках на острове Крит было найдено много фресок с живописными женскими изображениями. Самое известное из них было условно названо учёными «Парижанка».

Другие древние находки, имеющие непосредственное отношение к портретной живописи, относятся уже к Египту с первого по четвёртый века нашей эры. Это – деревянные доски или холсты с выполненными на них портретами, которые в те времена помещались в гробницу усопшего вместе с его мумией. Эти изображения выполнены в технике, которая называется энкаустика, то есть, красками, сделанными на основе воска.

В эпоху Средневековья практически все живописные изображения были привязаны к религиозным сюжетам, а портрет существовал лишь как профильное изображение дарителей (донаторов), которые были только частью общей композиции.

Настоящий расцвет портретной живописи начался в эпоху Ренессанса. Художники Возрождения проповедовали гуманистические идеалы, главной их моделью становится человек, а пейзажи и интерьер – только фон для каждой отдельной личности. Величайший шедевр того времени известен каждому – это «Джоконда» Леонардо да Винчи.

Неоценимым надо назвать и тот вклад, что внесли в развитие портретной живописи Тициан, написавший целую галерею портретов своих современников, нидерландец Ян ванн Эйк, немец Альбрехт Дюрер, чьи автопортреты – пример для многих художников.

Валентин Коротков — Думы (фрагмент). 2005. Галерея «Колизей Арт»

Ранее, желающему получить свой портрет было необходимо провести некоторое время перед художником, в ожидании, пока тот не сделает грубый набросок будущей картины и более качественный набросок лица модели. Сегодняшние технологие позволили живописцам рисовать портрет с фотографии, сколь угодно долго изучая игру света и тени, улавливая самые незаметные эмоции лица, совмещая объекты из разных снимков, добавляя толику своего воображения.

АНГЛИЙСКАЯ ПОРТРЕТНАЯ ЖИВОПИСЬ XVI ВЕКА

Автор — Булгакова_Татьяна. Это цитата этого сообщения
АНГЛИЙСКАЯ ПОРТРЕТНАЯ ЖИВОПИСЬ XVI ВЕКА

Английский художник Джордж Гауэр (1540-1596)

Портрет Томаса Слингсби

Портрет Дженнет Паркинсон, жена Кутберта Хескета

Портрет Анны Ноллис

Гораций, лорд Вере Тилбери

Портрет леди Филиппы Конингсби

Сэр Томас Конингсби

Мэри Дентон, урождённая Мартен

Портрет Ричарда Дрейка

Элизабет Ноллис, леди Лейтон

Джентльмен, член семейства Дакр

Элизабет Сиденхэм, леди Дрейк

Мэри Невилл, леди Дакр и Грегори Файнс

Портрет леди Китсон

Сэр Томас Кистон

Портрет Мари Корнвэлис, графини Бат

Портрет леди в белом

Портрет Фрэнсис Кингсмилл, миссис Джон Крокер

Портрет Летиции Ноллис

Элизабет Литтлтон, леди Уиллоуби

Королева Елизавета I

Портрет леди, возможно Изабель Гиффорд

Леди Фрэнсис Сидни, графиня Сассекс, основательница Сидни-Сассекс колледжа

Женский портрет, вероятно Елизаветы I

«Сито», портрет английской королевы Елизаветы I

Королева Елизавета I

Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru

Последние записи в этом журнале

Пожалуйста проголосуйте в 3-ем этапе конкурса ЛЮБИМЫЕ ХУДОЖНИКИ БАШКИРИИ за работы замечательного уфимского художника Ралифа Ахметшина (за те,…

Зкзит-полл (за кого вы проголосовали 18 марта)

отсюда Что произошло это ни в 2 словах, ни в 2 томах не опишешь. Причём сейчас скажут ждали. Да — ждали, но не такой же ужас. Что ужас объяснять…

Просьба к друзьям проголосовать.

Начался второй этап конкурса ЛЮБИМЫЕ ХУЖОЖНИКИ БАШКИРИИ, который продлится до 1 января. Просьба проголосовать за картины замечательного уфимского…

Нужна ваша помощь! (Товарищи прошу помочь доктору Богданову. )

Что доктор Богданов каким — то чудом жив, это многие знают. Но с его болезнбю нужны постоянные обследования и деньги, деньги и деньги. Всю жизнь он…

А дальновидно ли пренебрегать культурой?

Есть в России художник — Ралиф Ахметшин. Что это достаточно известный художник в стране в общем не секрет. Не так много в России пейзажистов…

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 1. Портретная живопись от возникновения до Раннего Ренессанса.

Портретная живопись — очень обширная тема, портретный жанр в исторической ретроспективе является самым ранним, самым значимым проявлением в искусстве. Уже ранние наскальные рисунки первобытного человека, представляющие собой обведенные теневые силуэты профиля, можно считать портретами эпохи. А уж «фаюмские портреты», погребальные портреты, созданные в I-III веках в Египте и продолжающие видоизмененную под греко-римским влиянием местную традицию посмертных масок на мумии, поражают воображение своей выразительностью и реалистичностью.

Ранние фаюмские портреты выполнены в технике энкаустики (восковая живопись расплавленными красками) с обильным использованием сусального золота на древесной основе. Позже стали использовать загрунтованное полотно и темперную технику, с применение яичного желтка или животного клея.

По этим погребальным маскам (а их обнаружено в разных местах более 900) мы можем судить о том, как выглядели люди той эпохи, какой была мода, что они носили, какие у них были прически и украшения.
Следующим этапом в развитии портретной живописи было раннее средневековье, когда художник был скован строгими религиозными правилами и надуманными церковными канонами. Живопись как таковая была ограничена религиозными сюжетами и изображениями всевозможных святых. Средневековое искусство не знало портрета в современном значении этого понятия, художники не преследовали цели создать живое сходство с образом оригинала. Материальный мир с его индивидуальными формами не обладал важностью и оставался всего лишь отражением, тенью мира духовного, поэтому художественную форму можно определить как «символический портрет» в иконографии и скульптуре.

Читать еще:  Пейзажи Москвы. Игорь Разживин

Зарождение настоящего портретного жанра в живописи происходит в период поздней готики благодаря духовному пробуждению Европы, достигая своего расцвета в эпоху, именуемую Северным Ренессансом (об этом периоде поговорим отдельно позже).
Постепенно художники начали придавать святым черты лица реально существовавших людей, иногда используя даже автопортреты.

Этот период и стиль в живописи принято называть «Проторенессансом» (дученто и треченто — 1200-1300 годы), возникшим в Италии, представителями которого были такие художники, как Томазо да Модена, Симоне Мартини, Тадео ди Бартотло, но самым известным его представителем считается Джотто ди Бондоне (1266- 1337).

Джотто можно назвать основателем итальянской школы живописи, сумевшим преодолеть иконописный стиль, использовать трехмерное пространство, светотень и иллюзию глубины. Основоположник современного искусствознания и художник Джо́рджо Ваза́ри (1511 — 1574) писал о Джотто: «И поистине чудом величайшим было то, что век тот, и грубый, и неумелый, возымел силу проявить себя через Джотто столь мудро, что рисунок, о котором люди того времени имели немного или вовсе никакого понятия, благодаря ему полностью вернулся к жизни.»

«Интерес Джотто к сложным пространственным и оптическим эффектам изменил историю живописи больше, чем какие-либо живописные приобретения его современников.»
Можно сказать, что он был провозвестником взлета итальянской живописи вообще и портретной в частности, выразившегося уже в эпоху Раннего Возрождения (Кватроченто: 1420-1500). В этот период создавали свои шедевры Гирландайо, Гоццоли, Козимо Роселли , Мантенья, Бальдовинетти, Филиппино Липпи, Перуджино, Пьеро делла Франческа и Мазаччо. Реалистический портрет, родившийся в эпоху Ренессанса, обязан своим появлением зарождению гуманистической философии, признанию ценности внутреннего мира отдельного человека и распространению станковой живописи. Портрет очень быстро завоевывает популярность в придворной среде, где становится средством прославления государей и приближенных ко двору, великих людей страны или города.

В этот период часто можно видеть проникновение портрета в монументальную живопись на религиозную тему в качестве «скрытого» портрета, где в образе святых и библейских персонажей, изображались разные известные люди, так например, в «донаторских» портретах можно видеть лица донаторов (донатор -заказчик произведений изобразительного искусства или архитектурного сооружения), которые хотели быть запечатленными на память о своих благодеяниях, изображались они обычно коленопреклоненными и молящимися, чаще — строго в профиль.

Обычно портретные изображения располагались по краям картины или фрески, и их прототипами были выдающиеся современники, родственники правителей или сами художники, как на этом портрете Мазаччо.

Постепенно в «ренессансный»метод внедряется портретирование с натуры, и благодаря схожести с оригиналом все сильнее проявляется индивидуальность образа в произведении на религиозную тему. Савонарола (итальянский монах и реформатор 1494—1498 годов) в одной проповеди упрекал художников, за то, что они в храмах изображают святых с лицами реальных людей, а молодые люди, видя тех на улицах, говорят: «эта — Магдалина, тот — Сан Джованни, вон та — Дева Мария».

Иногда, как например, в росписи Беноццо Гоццоли в капелле волхвов в Палаццо Медичи, можно увидеть мастерство в натуралистичной передаче лица, так как каждая голова на этой фреске соответствует кому-либо из членов семьи Медичи.

Еще одним важным новшеством в станковой портретной живописи стало появление пейзажного или интерьерного фона, в отличие от более ранних портретов на одноцветном, обычно черном, фоне. Этот прием особенно ярко проявился в период Высокого Возрождения, но впервые использовался именно в Раннем.

Наряду с появлением живописного фона меняется и положение фигуры или лица — привычное профильное изображение все чаще уступает место полуобороту и полному фронтальному положению, со взглядом, устремленным вдаль или на смотрящего.

Период Раннего Возрождения имеет решающее значения для развития портретной живописи, хотя и считается, что портреты эпохи Высокого Возрождения являются более важным этапом в развитии европейского портретного искусства. «Позже портретный образ будет богаче, сложнее и тоньше, иметь больше остроты и драматизма, но в нём будет не доставать радостного и сильного чувства первого открытия ценности человеческой личности, выражение в ней безмятежной гармонии индивидуального начала и типических черт». ( Гращенков В. Н.). Портрет в итальянской живописи Раннего Возрождения.)

Романтические женские портреты московского художника, который объединил французский арт-модерн и русский реализм

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Тема женщины в живописи – вечная животрепещущая тема. Женское начало и чувственность, нежность и трепетность, воспетые мастерами разных эпох, не оставляют равнодушными и нынешних. Подтверждением этому служат огромное множество виртуальных галерей, авторских сайтов, блогов, размещенных во всемирной сети.

Ода женщине в красках

И среди всех творческих изысканий очень существенно выделяются работы москвича Владимира Мухина. Его потрясающие женские портреты в стиле французского модерна и русского реализма, восхищают и самобытностью, и оригинальностью, и одухотворенностью. Глядя на галерею его произведений убеждаемся лишний раз в том, что ничто не может зацепить зрителя в живописи так сильно, как личные чувства самого художника, пережитые и испытанные к своим образам.

Анализируя творчество художника, многие искусствоведы считают, что самобытность, отраженная и в стиле, и в манере Владимира – уникальна и совершенно нова для современного русского искусства. Поэтому Мухина часто называют ярким представителем и продолжателем арт-модерна, несмотря на то, что он весьма часто задействует в своем творчестве элементы реализма.

Читать еще:  Прагматический идеализм. Petros Papapostolou

Хочется подчеркнуть, что мастер овладев техникой сочетания этих двух, казалось бы, несочетаемых направлений в живописи, а именно французского модерна и основных традиций академического русского изобразительного искусства, нашел свое авторское лицо, неподражаемую манеру и художественный стиль в написании портретов девушек и женщин, жанровых сцен в интерьерах и на лоне природы.

Яркие динамичные творения московского художника восхищают зрителя с первого мгновения неординарной техникой, колоритом, изысканностью линий, светотеневым и композиционным решением, позитивной энергетикой, тонким лиризмом и театральностью.

К тому же живописная техника художника богата на фактурную основу и красочность палитры, а портретные образы лишены характерного для многих мастеров однообразия и «заезженности» сюжетов. Все свежо, ново и самобытно, а также построено на контрастах как цветовых, так и композиционных. К слову, контрастны в творчестве мастера и сами женские образы – кроткие и самоуверенные, нежные и чувственные… И все они в равной степени интересны зрителю.

Что любопытно пишет Владимир Мухин свои работы на полотнах большого размера, некоторые из них иногда доходят размерами до двух метров. Можно себе только представить, как в реальности впечатляет зрителя фактурная текстура и яркий колорит на его масштабных холстах… Сложно вообразимое зрелище, это нужно видеть только воочию.

«Искусство – это нечто неуловимое, вне времени и вне пространства. Искусство дарит возможность ощущать себя человеком Мира…. В процессе создания работы я вбираю в себя цвета, звуки, запахи, а затем фиксирую эти ощущения в красках, c помощью мазков кисти передаю красоту, теплоту и нежность и в то же время реальность своих переживаний. Это и есть Искусство. В этом и заключается смысл творчества», – так рассуждает о своей деятельности Владимир Мухин, достигший своим творчеством мирового признания, давая интервью журналистам.

Несколько слов о художнике

Владимир Мухин (1971 г.р.) родился в Казахстане. Художественному мастерству учился в Пензенском училище им. К.А. Савицкого, а позже во Всероссийской Академии живописи, ваяния и зодчества им. И.С. Глазунова. Именно в этом вузе молодой художник получил основу, ставшую крепким фундаментом его творчества, и получил глубокие знание графики и тонкое чувство колорита, которые позволили ему в будущем так профессионально совместить реализм с модерном.

Персональную выставочную деятельность Мухин начинал в 2000-х в ЦДХ, что на Крымском Валу в Москве. У мастера, обладающего огромными творческими способностями и неиссякаемыми идеями, творческая карьера складывалась весьма успешно. В те годы он становится постоянным участником всевозможных отечественных и международных форумов и выставок. За два десятилетия он получил членство во многих российских и международных творческих организациях, в том числе в Союзе художников России, Международном художественном фонде, Международной Ассоциации изобразительных Искусств в ЮНЕСКО. Также Владимира Мухина удостоили звания академика Международной Академии изобразительных искусств в США. И это уже не говоря о многочисленных наградах, дипломах и премиях.

В последнее время Мухин плодотворно сотрудничает с некоторыми ведущими галереями Америки, регулярно проводя там свои персональные выставки. Но живёт художник и творит свои картины по-прежнему в своей московской мастерской.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

7 главных работ Герхарда Рихтера с выставки в Еврейском музее

«Впервые работы Рихтера я увидел, когда был сокуратором галереи Тейт. Это был 1995 год, и к тому времени Рихтер уже получил свое признание — стал одним из главных художников мира. Я тогда подумал, до чего это выдающийся мастер — не из тех, кто продолжает традицию, но в корне меняет ее. С одной стороны, это удивительно сильный живописец, с другой — ему так много есть что сказать о нашем отношении с окружающим миром, реальности, эмоциях и даже музыке.

Меня очень интересовали две темы его работы: с одной стороны, развитие абстракции, с другой — фотографические картины Рихтера, которые всем известны. Герхард говорил, что реальность невозможно познать, но в нашей голове есть образ реальности, и это философское понятие в некотором смысле стало его путеводной звездой — он работал над этой темой всю жизнь. Мы живем в мире, где доминирует медиа: только подумайте, какими мы помним исторические события, например, 9/11. Многие из нас не видели этого, но помнят картинки из медиа — и наша связь с реальностью становится все более сложной и опосредованной».

Биркенау, 2014. Холст, масло

«Эти картины связаны с самым страшным эпизодом истории XX века. Рихтер смотрел на фотографии лагеря 1944 года — где люди бегут через леса, где происходят ужасные вещи, где мир как будто бы перевернулся. Он задал себе один вопрос: можно ли нарисовать картину по мотивам этих событий? Он взял эти фотографии и создал черно-белые фигуративные рисунки. Но потом понял, что они совершенно не передают смысла того кошмара, который случился. И нарисовал сверху абстрактную композицию. А потом сделал это снова и снова. И форма, которую теперь приняла картина, — это память о Биркенау. Я задал ему вопрос: почему ты сначала попытался нарисовать реалистическую картину? Он мне ответил: чтобы доказать самому себе, что это невозможно. Ни одна картина не может показать реальность Биркенау. Тогда я его спросил, что же означает тот результат, который получился? И он сказал: это беззвучная эмоция. Ни одна картина, ни одна фотография не покажет, что случилось. Это самое близкое из того, что можно сделать, чтобы помнить об этом».

Читать еще:  Новая история искусства: женщины и искусство

Биркенау, 2015. 93 фрагмента книги «Биркенау». Бумага, цифровая печать

«Он разобрал свою картину на 93 фрагмента, перетасовал их и разложил в новом порядке. Новая композиция показывает то, как работает наша память с прошлым, — она делит его на фрагменты и раскладывает по-новому».

Биркенау, 2014. Фотография. 4 работы

«Не знаю, получится ли у вас понять сразу, но это на самом деле фотографии. Вам кажется, что вы смотрите на настоящие картины, но вы смотрите на самом деле на репродукцию. Зачем было делать это? Рихтер говорит, что есть историческое событие, и на него наслаивается наше восприятие, наша память — уровень за уровнем. В своих работах он двигался от фотографии и репрезентации к абстракции, шаг за шагом. А когда вы смотрите на картины Рихтера, которые он разобрал на части или сфотографировал, и размышляете о них, то заново переосмысливаете его работы — точно так же, как мы сегодня заново осмысливаем события, которые лежат в их основе».

Посещение музея, 2011. Цветная фотография, лак

«У Рихтера есть две любимые темы: картины, основанные на фотографиях, и абстрактные работы. Для большинства художников эти направления противоречат друг другу, ты как будто бы не можешь быть всем: либо ты фигуративный художник, либо абстрактный. А Рихтер знаменит тем, что ему удается совместить все и сразу. Он занимается образом — тем, что напоминает реальность, но ей не соответствует. А вот в этой работе он использует свои собственные фотографии, а надо сказать, что он постоянно фотографирует. Если вы присмотритесь повнимательнее, то увидите, как в этих работах под абстрактными пятнами краски скрывается фотография. Обычно фотографии и живопись художники используют отдельно, но здесь происходит что-то новое: они становятся чем-то единым и целым. А лично у меня от этих работ возникают собственные ассоциации: я вспоминаю тот момент, когда чистое ощущение цвета и формы вдруг приобретает значение — как будто мы смотрели на расплывчатые тона и не могли понять, что это. А потом вдруг что-то щелкает в голове, и образ принимает форму. И вы понимаете, что это, например, человек — или стул. В целом вся выставка — об этом моменте».

Аггада, 2006. Холст, масло

«Это, как мне кажется, самая прекрасная картина на выставке. Еще один реверанс месту, где все происходит, Еврейскому музею. Аггада — текст, который рассказывает историю еврейского народа, а именно про тот момент, когда евреи покинули Египет. Это случилось так давно, что мы даже не можем представить, как это было в действительности, но теперь у нас есть картина, которая рассказывает об этом. Я помню, как Рихтер однажды сказал мне удивительную вещь. Он атеист, но много думает о вещах, которые невозможно познать, — а что это такое на самом деле, как не вера. И вот он говорит мне, что нужно потерять Бога, чтобы обрести веру. А чтобы писать картины, нужно потерять для себя искусство».

Аладдин, 2010. Стекло, акрил

«Все свои знаменитые работы он пишет малярной кистью или валиком, создавая плотную живопись, уровень за уровнем: слои краски как следует проникают друг в друга. А недавно он поступил совершенно наоборот — предоставил краске полную свободу. Вместо масла он выбрал акрил, то есть ту краску, которую непросто удержать на месте, — и позволил ей жить своей жизнью на стекле. А потом зафиксировал результат — покрыл его сверху другим стеклом и тем самым остановил движение краски, как будто бы его заморозил. Он остановил момент и тем самым как будто бы создал фотографию: попытался действовать как камера — как машина, которая не делает суждений, не решает, что рисовать, а просто обладает удивительной способностью останавливать время, когда вы нажимаете на кнопку».

Эльба, 2012. Бумага, художественная печать

«Это самая ранняя работа из тех, что представлены здесь, — 1957 года. Рихтеру тогда было 15 лет. Он учился в художественной школе в Дрездене, чтобы получить традиционное образование в области живописи. И вот однажды он создал серию этих картин, часть из которых достаточно фигуративна, — видите маленькие человеческие фигурки, луну, ландшафт? Но чем дальше он над ними работает, тем более абстрактными они становятся. Мне кажется удивительным, что в самом начале своей карьеры он уже пытался понять то, чем занимался всю дальнейшую жизнь. Как будто бы он родился с этим размышлением о границе фигуративной живописи и абстракции.

XX век выдался в этом смысле очень скучным: художники либо копировали окружающий мир, либо создавали ему альтернативу, абстракцию. А он вобрал в себя все. А та работа, на которую вы смотрите сейчас, — одновременно и самая ранняя, и самая поздняя. Вы не смотрите на реальные рисунки, но на недавно оцифрованные работы. Это маленькая хитрость, с помощью которой, как я думаю, Рихтер хотел сказать, что вы никогда не смотрите на реальность».

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector