Портреты в импрессионистском стиле. Dean Buhler

Портреты в импрессионистском стиле. Dean Buhler

Импрессионисты и фотография: секреты создания некоторых шедевров

Эдгар Дега. Четыре танцовщицы

В середине 1895 года знаменитый художник-импрессионист Эдгар Дега принимает танцовщицу в своей студии и фотографирует в различных танцевальных позах. Результат — три фотопластины, которые художник использует для создания разных композиций. Месяцы спустя Дега находит способ объединить три пластины, которые позволили ему завершить свою знаменитую картину «Голубые танцовщицы».

Дега был одним из первых, кто использовал фотографическую технику для своих картин. В конце 19-го века изобретение Ньепса и Дагера произвело революцию в подходах к живописи. Рама, движение, свет. Путь приближения к реальности в живописи внезапно был потрясен появлением первых фотографий. Тем не менее, изменился не только способ восприятия и изображения натуры. В своей подробной работе по импрессионизму и фотографии профессор Антонио Гонсалес Гарсия раскрывает десятки примеров, демонстрирующих, что многие из самых известных импрессионистических композиций были вдохновлены фотографическим оригиналом.

Художники, такие как Ван Гог, Тулуз Лотрек, Моне или Гоген, использовали фотографии для своих работ и переводили фотокомпозиции на свой родной язык живописи. Хотя в этом не было ничего плохого, большинство авторов скрывали оригиналы, опасаясь, что раскрытие секрета их использования уменьшит значимость их картин.

Поль Гоген

Поль Сезанн

Анри Тулуз-Лотрек

Винсент Ван Гог

Эдгар Дега

В начале 90-х годов художник по имени Том Стэнфорд пролистал старые фотографии в антикварном магазине и обнаружил смутно знакомый дагерротип. Он купил его за доллар и отвез домой. Затем, после тщательного анализа фотографии, он заключил, что это сам Винсент Ван Гог и на фото он очень похож на некоторые из самых успешных автопортретов художника.

Изображение было сделано в 1886 году, Ван Гог предстаёт на нём в костюме и галстуке-бабочке, дагерротип подписан фотографом Виктором Морином, который делал снимки местного духовенства в Брюсселе. Эксперты, проанализирвоавшие фотографию, сразу заявили, что это портрет художника, и что нет никаких сомнений в том, что Ван Гог использовал его для выполнения некоторых из своих знаменитых автопортретов.

Идея была немедленно отвергнута музеем Ван Гога в Амстердаме. Представители музея сказали, что каждый год они получают более 300 фотографий и рисунков от людей, которые считают, что они нашли голландские портреты художника.

Но более поздние исследования, которые выполнялись путем дублирования изображения с некоторыми портретами Ван Гога, были неопровержимыми: человек на фотографии — Винсент Ван Гог, и тот же образ использовался для создания некоторых автопортретов. То есть Ван Гог скопировал свою фотографию.

Как объясняет профессор Гонсалес Гарсия, прогрессивные технические достижения, удешевление и коммерческий запуск камеры Kodak облегчили для многих живописцев занятие фотографией в качестве любителей, не отказываясь от живописи. И в этом смысле Эдгар Дега был настоящим пионером, учитывая его одержимость фотографией.

На изображении, приведённом выше, показаны два его друга, поэт Стефан Малларме и художник Огюст Ренуар, вместе позирующие для Дега. В зеркале, как призрак Веласкеса, мы можем различить Дега и его камеру, а также жену и дочь Малларме. Как объяснил поэт Поль Валери, для фотографирования требовалось «девять ламп с маслом . и ужасная четверть часа неподвижности снимаемых людей».

В октябре 1895 года Жюли Мане, дочь Берты Моризо и племянница Эдуара Мане, пишет в своем дневнике: «Мсье Дега только и думает, что о фотографии. Он пригласил всех нас к себе на ужин на следующей неделе и собирается изобразить нас искусственным светом». Действительно, фотографируя, Дега становился настоящим перфекционистом, приказывая своим гостям принять ту или иную позу и смотреть в камеру определённым образом. «В такие моменты, — рассказывал свидетель этих сессий, — его друзья всегда относились к нему с настоящим ужасом. Если он пригласит вас на вечер, вы знаете, чего ожидать: два часа военного повиновения».

Эдгар Дега. Автопортрет

Перевод с испанского Маритты Кесич при помощи Гугл-переводчика.

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

«И сумрачный германский гений. » Немецкий импрессионизм.( Часть 2)

«Видеть, чувствовать, выражать – в этом все искусство».
Братья Э. и Ж. Гонкур.

В 1898 году был создан Берлинский сецессион, объединение более 60 оппозиционно настроенных по отношению к академическому направлению художников, первым его президентом был Макс Либерман. Одной из причин раскола в среде художников послужил отказ жюри готовившейся выставки от участия в ней пейзажа Вальтера Лейстикова.

Берлин медленно, но неуклонно становится столицей искусства, а Берлинская Академия художеств, членом и профессором которой был Либерман, приобретает мировую известность. В Сецессионе проповедовались либерализм и толерантность в искусстве, но преобладали все-таки импрессионисты, появился даже термин – «берлинский импрессионизм», а зарождающийся экспрессионизм практически не принимался жюри для участия в выставках.
Одним из ведущих художников берлинского Сецессиона, сменившим в 1915 году Либермана на посту президента, был
Ловис Коринф (Lovis Corinth, 1858-1925), настоящее имя Франц Генрих Луи, родился в семье кожевенника, рано начал рисовать,

учился живописи в Академии Кёнигсберга, а затем Мюнхена, который считался в 1880-е годы одним из центров авангардного искусства Европы. В тот период на него оказали большое влияние творчество Курбе и художников Барбизонской школы (Руссо, Милле, Дюпре и другие).

После возвращения в 1888 году в Кёнигсберг он берет себе псевдоним, под которым и работает всю жизнь. После недолгого пребывания в Мюнхенской академии Коринф присоединяется к группе художников Мюнхенского сецессиона, а в 1899 году принимает участие в выставке, организованной уже участниками Берлинского сецессиона.

Мюнхенский период не был особенно продуктивным из-за пристрастия к вину, но после переезда в Берлин и открытия в 1902 году своей школы живописи для женщин Коринф влюбился в одну из своих студенток, на 20 лет моложе него, женился на ней, она стала его музой, матерью его детей, семейная жизнь и ее радости стала главной темой его творчества.

В 1911 году после перенесенного инсульта и левостороннего паралича у него начинается тремор рук, хромота, но благодаря заботе своей жены он уже через год возвращается к мольберту, важной темой его картин и офортов были в это время пейзажи Баварских Альп, где у семьи был дом.

В 1925 году во время пребывания в Нидерландах он заболел пневмонией и умер в Зандворте. Ловис Коринф прошел за свою творческую жизнь как художник и гравер путь от академической традиции через импрессионизм до экспрессионизма и синтеза его с импрессионизмом, воплощая библейские сюжеты, создавая портреты, сцены семейной жизни, великолепные пейзажи.

Третьим художником, кроме Либермана и Коринфа, говоря о немецких импрессионистах, обычно называют
Макса Слевогта или Слефогта (Мах Slevogt 1868-1932), живописца, гравера, иллюстратора, сторонника и пропагандиста пленэрной живописи.

Он родился в семье капитана Фридриха фон Слевогта, рано потерял отца, после окончания школы учился в Академии изящных искусств в Мюнхене, там появились его первые пейзажи в коричневых тонах, изображающие окрестности Нойкастля. К концу 90-х годов его палитра постепенно меняется, приобретает более светлые тона и импрессионистский характер.

Читать еще:  Отражение моей действительности. Luisa Villavicencio

После поездки с другом по Италии он возвращается в Мюнхен и начинает работать как профессиональный художник с большим кругом интересов в живописи, акварели, графике, книжной иллюстрации. Он считал, что художник должен не только передавать зрительные впечатления на холсте, но и давать волю воображению, будить фантазию.

В 1900 году Слевогт участвовал во Всемирной выставке в Париже со своей работой «Шехерезада», там был потрясен знакомством с работами Эдуарда Мане и после путешествия в Египет создает свой, свободный от чужих влияний стиль письма, светлый и блестящий.

Он подружился со знаменитым португальским баритоном Франциско d’Андраде и, обладая неплохим голосом, даже подумывает о певческой карьере.

В 1914 году Слевогт путешествует по Египту, пишет акварели и картины, ставшие гордостью немецкого импрессионизма. Во время Первой мировой войны он был военным художником на Западном фронте, ему пришлось искать новые выразительные средства для передачи ужасов войны. Слевогт становится членом Академии искусств в Берлине, ведет там мастер-класс живописи, создает декорации для «Дон Жуана» Моцарта, работает над иллюстрациями к «Фаусту» Гете.

Его 60-летие отмечается большой выставкой в Берлине, а последние годы жизни он посвятил религиозной росписи в Церкви мира в Людвигсхафене. Похоронен Макс Слевогт в семейной гробнице в Нойкастле.

Еще один представитель немецкого импрессионизма, получивший признание уже в самом начале своей карьеры, привлек меня своей светлой палитрой, легкостью письма, наибольшей близостью к манере французских импрессионистов.

Готтард (Готхард) Кюль (Gotthardt Kuehl, 1850 —1915) родился в Любеке, учился живописи в Дрезденской академии и в Мюнхене, одиннадцать лет жил в Париже, путешествовал по Италии и Нидерландам, был профессором в Дрезденской академии, всю жизнь занимался преподавательской работой, участвовал в деятельности Берлинского сецессиона.

Наиболее известны его пейзажи и сюжеты городской жизни, большая часть которых хранится в музея родного Любека, Дрездена и Мюнхена.

Лессер Ури (Lesser Ury, 1861 – 1931), известен своими пейзажами, натюрмортами, большую часть жизни провел в Берлине, любил этот город и был его обер-бургомистром в качестве признания «художественного прославления имперской столицы».

Он прекрасно владел разными техниками, писал маслом и пастелью, которая помогала ему насытить свои пейзажи воздухом и светом. Макс Либерман чувствовал в нем сильного конкурента, всячески препятствовал его участию в выставках, и только после смерти Либермана Ури смог участвовать в деятельности Берлинского сецессиона, а в 1921 году стал его почетным членом.

В 1931 году планировалось устроить чествование художника в связи с его 70-летием, но он не дожил три недели до него, умерев от сердечного заболевания.

Еще один художник, вызвавший у меня интерес своей биографией и творчеством —
Лев Путц (Leo Putz, 1869 – 1940), родился в Тироле (Австро-Венгрия), но учился и жил в Мюнхене, участник Мюнхенского сецессиона, его творчество отражает и арт-нуво, и импрессионизм, и элементы экспрессионизма, был награжден несколькими медалями за свои работы.

После шестилетнего плодотворного пребывания с семьей в Южной Америке и преподавания там он вернулся в 1935 году для участия в крупной выставки в Мюнхене и увидел совсем другую Германию. Его работы были отнесены к «дегенеративному искусству», его несколько раз допрашивали в гестапо, он был отстранен от работы и, в конце концов, вынужден был бежать в Южный (итальянский) Тироль.

Завершая тему немецкого импрессионизма (а ее можно продолжать еще долго), можно сделать вывод о том, что он был более экспрессионистичен, более «яростен», более «осязаем», чем французский, в творчестве этих художников видны истоки живописи всех последующих поколений немецких экспрессионистов.

Дневник живописи

В каждой картине – тайна, судьба, послание

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Читать еще:  Подводные картины. Patsy Mcarthur

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Возникновение импрессионизма: как рождалось впечатление

Импрессионисты отказались от Салона и устроили свою первую отдельную выставку в 1874 году. Их стиль, вызвавший бурную реакцию общества, формировался постепенно.

Художники-импрессионисты: в чем особенности их стиля?

Цель художника-импрессиониста — не изображение самой действительности, в своей работе он передает собственное впечатление от того, что видит, атмосферу происходящего в определенный момент. Он всегда обращает внимание на игру света и движение воздуха, отказывается от чёрного и белого цветов, ведь в реальности они никогда не встречаются в чистом виде. Для импрессионистов было важно писать свои полотна с натуры, на открытом воздухе. Они использовали короткие отдельные мазки, что придавало их картинам вибрацию и движение.

Название течения родилось благодаря попытке журналиста Луи Леруа иронизировать над стилем импрессионистов в своём фельетоне в газете «Le Charivari». Поводом употребить это слово стала картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» (от фр. «Impression, soleil levant»). Постепенно пренебрежение Леруа забыли, и слово «импрессионизм» превратилось в термин, точно передающий суть творчества его представителей.

Черты импрессионизма: от Веласкеса до Делакруа и Коро

Посетители выставки 1874 года восприняли стиль импрессионистов как революцию, но на самом деле его возникновение вовсе не было резким. Черты этого течения встречаются еще у Эль Греко и Диего Веласкеса в XVI-XVII веках: они пытались передать освещение в определенный момент и изобразить движение с помощью пробелов между мазками. Тем не менее, они любили использовать открытый чёрный цвет. В одно время с Веласкесом творил Питер Пауль Рубенс, тонко передававший свет и тень. Чистого чёрного цвета на его полотнах нет.

Однако гораздо более сильно на импрессионистов повлияли художники XIX века. Здесь стоит говорить о вкладе представителей барбизонской школы, особенно Шарля-Франсуа Добиньи, и близких к ней художников: Камиля Коро, Гюстава Курбе и Эжена Будена. Черты импрессионизма в их работах появились примерно в середине века. Барбизонскую школу окрестили по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где жили несколько её представителей. В окрестностях деревни работали многие художники (не только из этой школы), создавая свои пейзажи на пленэре.

Барбизонец Добиньи известен лирическими равнинными пейзажами. Ему нравилось изображать воду и небо, ему была важна работа с натуры, и для нее он даже устроил себе плавучую мастерскую, в которой писал, поднимаясь по течению реки Уазы. Добиньи усердно работал со светом и добился больших успехов в воспроизведении изменчивого воздуха, улавливал мельчайшие оттенки цвета.

Много внимания освещению уделял и Коро. Он старался передать его как можно более естественно, перенеся на полотно атмосферу происходящего так, чтобы не потерять материальность предметов. Коро несколько раз мог переписывать один этюд ради того, чтобы свет и оттенки получились наиболее натурально. Для него очень много значила близость человека к природе. В его работах много серых тонов, которые он получал не из чёрного и белого цветов (их он не использовал), а с помощью смешения многих ярких красок. Коро стал любимым живописцем Альфреда Сислея.

Гюстав Курбе, мастер пейзажа, прошел путь от романтизма к реализму. Он никогда не работал на пленэре, но умел изображать открытое пространство с помощью цветовых пятен, а также контраста между яркими красками и затемненными фрагментами. Курбе преподавал и говорил своим ученикам, что они должны изображать то, что видят и чувствуют — это главная идея импрессионизма. Наибольшее влияние он оказал на Эдуарда Мане.

В отличие от Курбе, Эжен Буден не представлял своего творчества без работы на открытом воздухе. Небо и море — его любимые сюжеты. На своих полотнах ему удавалось удивительно точно передавать реальные соотношения цветов. Буден часто рисовал пастели и акварели, а не только писал маслом по холсту. Этот художник был дружен с импрессионистами и принял участие в их первой выставке в 1874 году. Именно привил Клоду Моне любовь к работе на открытом воздухе.

Более того, во время франко-прусской войны 1870−1871 годов Моне, Сислей и Писарро были в Англии, где изучали творчество Констебла, Тёрнера и Крома. Потом импрессионисты вспоминали, что эти великие английские пейзажисты сильно повлияли на их стиль.

Эжен Делакруа создал свои первые акварели с импрессионистским чертами еще в 30-е годы XIX века. Поэтому, если следовать строгой хронологии, о нём стоило бы говорить еще перед упоминанием барбизонской школы. Однако многие исследователи считают Делакруа наиболее близким к импрессионистам среди всех предшественников этого течения, и из-за этого мы описываем его творчество последним. Действительно, уже во времена работы над акварелями 30-х годов этот художник понимал различие между естественным цветом предметов и теми красками, которые им придает освещение. Он, можно сказать, предвосхитил картину Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), написав своё полотно «Море в Дьеппе». Журналист Жюль Лафорг сравнил мазки Делакруа и Моне, заметив, что оба художника передают движение в своих работах вибрирующими мазками.

Мане, Ренуар и другие

Среди самих импрессионистов главную роль в формировании этого стиля сыграл тот человек, который всегда называл себя «независимым» художником, и имя ему Эдуард Мане. Его полотна «Завтрак на траве» и «Олимпия» шокировали публику еще в 1863 году в Салоне Отверженных, где были выставлены картины, не принятые официальным салоном. Эти две работы Мане можно назвать программными. Он, как и все импрессионисты, имел классическое образование и обучался академической живописи, но в этих двух картинах отошел от её стандартов, и именно это шокировало зрителей. Мане называли сумасшедшим, например, из-за того, что в работе «Завтрак на траве» он изобразил обнаженную даму среди парадно одетых мужчин. «Олимпию» возмущенные зрители несколько раз повреждали. Эти полотна поняли, пожалуй, только Эмиль Золя и Шарль Бодлер. Другая поразительная картина Мане, более ранняя «Музыка в Тюильри», тоже подверглась жесткой критике. Публика не поняла тонкую градацию цвета, назвав её «мешаниной красок», в то время как именно она вместе с обобщением форм создала взаимосвязь изображенных людей и предметов со средой, в которой они находились, и это прекрасно послужило передаче атмосферы схваченного Мане момента. Он писал то, что видел, работая с натуры, придавая огромное значение естественному освещению, выражая своё впечатление от увиденного на холсте, и Мане можно назвать главой течения импрессионистов, пусть он и не хотел связывать себя с их группой.

Читать еще:  Нейроэстетика: что для нашего мозга красиво, а что нет

Пьер Огюст Ренуар достиг необычайного мастерства в жанре портрета. Он прекрасно отражал настроение модели, особенно это касается картин, изображающих женщин и детей. Этот художник больше других импрессионистов заботился о технике своей работы. Он писал то мелкими, плотными мазками, то длинными, полупрозрачными, положенными с пробелами. Часто эти приёмы соседствуют на одном полотне. Его картины запоминаются своей жизнерадостностью. Ренуар очень любил работать на открытом воздухе и творил до последних дней своей жизни, несмотря на сковавший его тело ревматизм, поразивший, в том числе, кисти рук.

Золотым временем импрессионизма в творчестве Клода Моне стали 1870-е годы. Именно он добился наибольшего успеха в передаче изменчивого естественного освещения. Этот мастер работал практически только на пленэре, создавая пейзажи, и с течением времени он всё реже изображал на них людей. Моне одним из первых начал писать серии картин, показывающих одно и то же место, но в разное время суток или года, после смены погоды. Так появились циклы изображений Руанского собора, вокзала Сан-Лазар в Париже, мостов Лондона. Такие серии помогли Моне научиться передавать свежие, яркие, естественные краски и тончайшие нюансы освещения.

Среди импрессионистов-пейзажистов стоит выделить Альфреда Сислея с его целостностью и тонким лиризмом творчества. Он любил изображать гармонию природы, очень большое значение на своих полотнах придавая небу, глубоко разрабатывая его оттенки и освещение: небеса никогда не были для этого мастера только фоном и даже могли служить главным выразителем настроения всего полотна. Постоянно работая на пленэре, художник научился переносить на полотно всю глубину открытого пространства с его струящимся воздухом. С развитием стиля Сислея спокойствие его пейзажей стало сменяться энергичностью, а цвета становились более контрастными.

К сожалению, расцвет импрессионизма не был долгим: громко заявив о себе в 1870-е годы, к началу 1890-х это течение сошло со сцены, уступив место постимпрессионизму, представители которого были заняты поисками нового в искусстве.

Классика и импрессионизм в картинах Огюста Ренуара

В конце зимы 1841 года в семье простого французского портного родился шестой ребенок. Мальчика назвали Пьером Огюстом, но мать никогда не пользовалась первым именем – в сочетании с фамилией оно казалось ей неблагозвучным. Так и вошел в жизнь своей семьи, а позже и в историю мировой живописи, выдающийся художник-импрессионист Огюст Ренуар.

Завтрак гребцов

В ряду других представителей импрессионизма этот человек занимает несколько обособленное место. Картины Огюста Ренуара отличаются тонким сочетанием классического стиля и техники мелких мазков, передающих мимолетность сцены, а кроме того, необычным выбором жанра картин. Импрессионисты ставили своей целью запечатлеть мгновенные изменения в состояниях природы, поэтому работа на пленэре была важным условием создания картин. Огюст Ренуар, хотя и разделял эти взгляды, но больше всего любил писать людей и жанровые сцены – как на открытом воздухе, так и в помещении.

Палитра художника отличалась мягкостью, краски часто смешивались, а мелкие контрастные мазки перемежались с плавными цветовыми переходами. Много взяв как от классики, так и от импрессионизма, при создании картин Огюст Ренуар с годами выработал собственный уникальный стиль живописи. Но путь к этому был долгим и тернистым.

Уже в молодости Огюст был успешным декоратором: занимался росписью по фарфору и ткани, украшал стены в кафе и трактирах. Точность руки и потрясающая скорость работы позволяла молодому мастеру иметь приличный заработок. Но карьера ремесленника-кустаря не удовлетворяла его.

Лягушатник

В 21 год молодой человек поступил учиться в мастерскую Глейра, где обрел не только навыки классической художественной школы, но еще и круг единомышленников, которые хотели расширить рамки академического искусства. Моне, Базиль, Сислей, Писсаро и другие основали кружок «непримиримых». На своих полотнах молодые художники старались отразить реальность в ее мимолетной изменчивости. Отдельные контрастные мазки, создание очертаний с помощью цвета, а не контуров, приверженность к работе на пленэре – многое отличало их от корифеев старой школы. Позже это направление стали называть импрессионизмом.

Площадь Троицы. Париж

Однако общество и критики того времени относились к новому течению в живописи более чем скептически. Энтузиаст своего дела, Ренуар около 15 лет едва сводил концы с концами, напряженно работая над полотнами, которые позже будут украшать залы крупнейших музеев мира.

Бал в Мулен де ла Галет

Поворотным моментом в творческой карьере художника стало знакомство с семьей Шарпантье, в гостиной у которых частенько собирался высший свет парижской богемы. Молва о новом модном портретисте облетела французскую столицу, теперь многие захотели приобрести картины Огюста Ренуара.

Мадам Шарпантье с детьми

Надо сказать, что в портретной живописи художник не признавал никаких правил. Свои картины Огюст Ренуар писал без четких контуров, мелкими мазками, передающими мягкую одухотворенность. А в качестве основных цветов для портретов мастер нередко выбирал нетрадиционные сочетания, например розовый и зеленый. Жемчужиной творчества Ренуара в этом жанре по праву считается серия портретов актрисы Жанны Самари.

Портрет Жанны Самари

После поездки в Италию и знакомства с классическими работами итальянских мастеров стиль художника сильно меняется, становится более «сухим», образы предметов обретают устойчивость.

Зонтики

Большой ценитель женской красоты, Ренуар в зрелом периоде своего творчества уделял много внимания обнаженной натуре. По словам художника, он всегда работал над изображением до тех пор, пока у него самого не возникало желания ущипнуть холст.

Последние годы художника были омрачены борьбой с прогрессирующим ревматизмом. Болезнь побеждала, но Ренуар делал все, чтобы иметь возможность продолжать работать. Даже будучи практически парализованным, он умудрялся писать кистью, привязанной к руке.

Девушка с мандолиной

Выдающийся художник не любил драматический жанр в живописи, он считал, что цель искусства – показать приятное и радостное состояние людей в их обычной жизни. Картины Огюста Ренуара всегда наполнены светом, жизнерадостностью, легкостью и весельем: любя жизнь, художник старался передать это удовольствие окружающим. Недаром его искусство стало бесценным даром как современникам, так и многим поколениям потомков.

Светлана Виноградова

Поделиться «Классика и импрессионизм в картинах Огюста Ренуара»

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector