Искусство находится вне меня. Итальянский художник. Marco Menato

Искусство находится вне меня. Итальянский художник. Marco Menato

Сверхреалистичные портреты с щепоткой потустороннего от художника Марко Грасси

30-летний итальянский художник Марко Грасси рисует замысловатые портреты так реалистично, что они похожи на фотографии. Еще примечательнее его работы делают маленькие неординарные детали, которыми он награждает своих персонажей. Из-за этого Грасси балансирует на тонкой грани между гиперреализмом и сюрреализмом, мастерски запутывая воображение своих зрителей.

«Моя цель — вызывать сильные эмоции, попытаться сделать людей более восприимчивыми. Мне хочется совместить реальность и сюрреализм, чтобы исследовать человеческую природу и мысли людей в более индивидуальной манере», — объясняет художник.

Время работы над одним портретом зависит от его размера и сложности, но обычно Грасси посвящает картине несколько месяцев: «Это очень долгая работа, которая требует чрезвычайного внимания на всех этапах».

Добавляя в портреты сюрреалистичные элементы (вместо того чтобы просто изображать реальные черты), Грасси стремится подчеркнуть двойственный характер жизни: «Наш внутренний мир, сокровенный и крайне чувствительный, в противоположность нашему интересу к внешней стороне вещей — таких как вазы, горшки, раковины. Они красивые и дорогие, но пустые».

«Самая главная моя задача — всегда поддерживать высочайшее качество портретов, и в человеческих чертах, и в дополнительных элементах; постараться создать однородную во всех аспектах работу, а также превозмочь идею живописи, которая всего лишь имитирует фотографию», — объясняет Грасси.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

10 Бредовых художественных произведений, сделанных из физиологических жидкостей

Художники: они могут быть, мягко говоря, немного странноватыми. Если они не отрезают себе уши, они распиливают коров напополам с помощью бензопилы (не паникуйте, корова была изначально мёртвой).

Но есть художники, которые выносят причудливость на совершенно иной уровень. Учитывая популярность шокирующего и сенсационного искусства, они не ограничиваются ничем. Поэтому в своих работах они используют кровь, мочу, фекалии и всё остальное.

10. Банки фекалий

Пьеро Манцони (Piero Manzoni) был знаменит тем, что он был шутником, и не только в жизни, но даже после смерти. Перед смертью в трагическом возрасте 29 лет этот итальянский концептуальный художник подготовил последнюю шутку для арт-рынка: он заполнил не менее 90 консервных банок собственными экскрементами. Эти 30-граммовые баночки были маркированы «Де**мо художника» (Merda d’artista), и каждая баночка оценивалась в её вес золотом (примерно в 37 долларов в 1961 году), далее баночки отправились путешествовать по рынку. В 2008 году баночка под номером 084 была продана на аукционе за 150 000 долларов.

Поскольку банки никогда не были открыты, мы знаем, что последняя шутка достанется тому, кто первым осмелится открыть баночку и показать, что внутри. Фекалии Манцони или что-то ещё?

9. Кувшин мочи (и Иисус)

На фотографии Андреса Серрано (Andres Serano) 1987 года под названием «Христос в Моче» (Piss Christ) изображено небольшое пластиковое распятие, включающее Иисуса, погружённое в стакан с янтарной жидкостью, которая является мочой художника.

Эта фотография является частью серии: Серрано погрузил несколько классических статуэток в различные жидкости, от молока до крови. Серрано обвиняли в удешевлении христианства, но американский художник всегда утверждал, что Христос в моче сам по себе является комментарием по поводу удешевления и коммерциализации христианских верований в современной эпохе.

8. Бюсты из крови

Автопортреты появились ещё в те времена, когда первый пещерный человек взял кусок кремня и начал рисовал пенисы на стенах скал, но Марк Куинн (Mark Quinn) взял эту многовековую традицию и добавил причудливый, и слегка шокирующий аспект: каждые пять лет Куинн создаёт бюст своей головы, используя свою замороженную кровь. Для каждого такого бюста ему требуется 4,5 литра крови, которую он выкачивает из себя на протяжении более пяти месяцев, до того как замораживает её в форме.

7. Батарейки из пота

Медиа-художницы Даниэла Костова и Оливия Робинсон (Olivia Robinson) собрали физиологическую жидкость на благо человечества, изобретя батарейки из пота. Костова и Робинсон использовали пот, который они собирали с добровольцев, одетых в специальные костюмы, чтобы выработать достаточно электричества для освещения карты мира, состоящей из светодиодных ламп. Этот проект получил название «Отходы, превращаемые в Работу: Источник каждого человека» (Waste to Work Everyman’s Source). Работа включает в себя не только карту мира, но и процесс сбора пота, а также механизм работы самих батарей, работающих на нём. С тех пор художницы создали аналогичные работы, одна из которых отображала уровень тревоги в Нью-Йорке, используя данные, полученные от департамента труда штата Нью-Йорк (New York State Labor Department). Их искусство исследует взаимосвязь между трудом, потом, оплатой труда, и безработицей.

Читать еще:  Две вселенные. Laure Ketfa

6. Цветы, сделанные с помощью мочи

За свою короткую жизнь Хелен Чадвик (Helen Chadwick) создала одни из самых интригующих и провоцирующих на размышления предметов британского искусства, появившихся за последнее столетие. Одними из самых ярких её работ являются цветы, сделанные с помощью мочи: 12 белых эмалированных бронзовых слепков, сделанных из отверстий, куда она и её муж мочились на снегу. Цветы, возможно, больше всего привлекают своей инвертацией пола: скульптуры Хелен получились более фаллическими по форме, чем у её мужа.

5. Nexus Vomitus

В своей работе «Nexus Vomitus», художница Милли Браун (Millie Brown) сотрудничала с оперными певицами Патрицией Хаммонд (Patricia Hammond) и Зитой Сайм (Zita Syme) для создания 30-минутного ролика, состоящего из рвоты и музыкального исполнения. В видеоролике, оперное пение играет в фоновом режиме, в то время как Браун глотает молоко, окрашенное пищевыми красителями, и вызывает у себя рвоту, создавая пятна радуги на холсте. Браун повторила это представление в видео Леди Гага.

4. Красный – это цвет

На губах женщин, изображённых на фотографиях Ингрид Бертон-Мойн (Ingrid Berthon-Moine) не помада — это менструальная кровь. Каждая фотография идёт в комплекте с эвфемистической игрой на искусственных названиях помад, таких как «Чисто Красный» или «Запретный Красный». Хотите верьте, хотите – нет, но во время создания своей коллекции «Красный это цвет» в 2009 году Бертон-Мойн всё ещё училась в школе.

3. Polpette Al Grasso Di Marco (Фрикадельки с жиром Марко)

Давайте не будет вдаваться в дебаты о том, считается ли телесный жир физиологической жидкостью или нет – когда художник идёт на то, чтобы сделать липосакцию для дальнейшего использования жира в искусстве – он считается физиологической жидкостью.

Родившийся в Чили художник Марко Эваристти (Marco Evaristti) пригласил нескольких друзей на ужин и удивил их своим последним художественным проектом: фрикадельки были сделаны из говядины и его собственного телесного жира. Эваристти также выставил свои фрикадельки в общественной галерее в виде 13 консервных баночек, разложенных на длинном столе. Эваристти говорит, что его фрикадельки ничем не отвратительнее фрикаделек, продающихся в магазине, и что художественная работа вызывает дискуссии о циклической природе питания, потребления и медицинского вмешательства.

2. Картины, созданные методом окисления

Энди Уорхол (Andy Warhol) играл с противоречивыми ситуациями вплоть до своей смерти в 1987 году, в относительно молодом возрасте 58 лет. В последнее десятилетие своей жизни, Уорхол создал серию художественных работ в сотрудничестве с Виктором Гюго. Но это не было стандартным сотрудничеством: Уорхол платил Гюго, чтобы тот приезжал в его студию, снимал штаны и мочился на полотна, которые Уорхол до этого обрабатывал краской, основанной на меди. В результате реакции между кислой мочой и медью появлялись яркие сочетания жёлтого, оранжевого, и зелёного цветов.

1. Возвращение Пупочных Канатиков

«Возвращение Пупочных Канатиков» (Homecoming of Navel Strings) это инсталляция, сделанная художником Норитоши Хиракава (Noritoshi Hirakawa), которая шокировала зрителей на ярмарке искусств «London Frieze Art Fair» в 2004 году, и продолжает шокировать их, где бы она не появлялась. Возвращение представляет собой молодую женщину, читающую роман Филипа Пулмана (Philip Pullman) рядом с кучей человеческих фекалий – причём куча обновляется, старая заменяется свежей и твёрдой каждое утро шестидневного события. Увенчивала эту инсталляцию пурпурная картина, на которой был изображён человеческий сфинктер.

Кто сказал, что выставки искусства скучные?

Мои любимые современные художники: Marco Mazzoni

Среди искусствоведов и критиков «старой школы» ныне бытует весьма предвзятое мнение о том, что с появлением «современного искусства», искусство как таковое скоропостижно скончалось. А приход в мир живописи таких замечательных персон как Баския (Basquiat) и Энди Уорхолл (Andy Warhol) окончательно закрепил за собой эту невероятно печальную теорию.

Но, как говорится — «дорога возникает под ногами идущего», и если я верю в вечную жизнь любого живого творчества, то ни критики, ни литература и интернет не посмеют сказать что-либо против.

И вот однажды, пролистывая в свободное время очередной рядовой арт-блог, я совершенно случайно наткнулась на единственную размещённую работу неизвестного мне художника:

Согласитесь, усомниться в красоте увиденного невозможно.

Сразу же я принялась за поиск этого автора.

Так и узнала о молодом графике и живописце Marco Mazzoni.

Настоящий волшебник, он работает одними лишь цветными карандашами, создавая действительно сказочные образы — женские лица, словно целиком и полностью сплетённые из диковинных цветов, птиц и бабочек. Тонкая вязь перьев и лепестков в лёгком вихре пыльцы — все его картины будто бы действительно наполнены свежим воздухом и дышат.

Читать еще:  Женщины в творчестве 16+ Jo King

Разумеется, многим из просматривающих его работы, может показаться странным и, возможно даже пугающим, отсутствие глаз на большинстве холстов, ведь «глаза — зеркало души». Но и этому есть объяснение: Marco рассказывал о том, как тревожит его сама возможность «оживить» свои картины, прописав глаза. Конечно, было несколько попыток, но, согласитесь — более чем в жизни, в ТАКОЙ красоте есть что-то трепетно-трагичное.

Так же Marco создал великое множество других работ, несколько странных и мрачных:

. и спокойных, лёгких, добрых:

И сожалея о том, что нельзя перегружать статью обилием иллюстраций,

напоследок хочу сказать спасибо этому великолепному Художнику. )

Известные работы Андреа Мантенья

Знаковые работы и история жизни Андреа Мантенья.

Андреа Мантенья

Андреа Мантенья — один из выдающихся художников раннего Ренессанса. В 1441 отправляется в Падую, где обучается у Франческо Скварчоне, который знакомит его с античным искусством. На его творчество в значительной мере повлияли скульптуры Донателло (1386–1466), Андреа дель Кастаньи и Якопо Беллини. С 1448 Мантенья работает самостоятельно и скоро становится признанным мастером. В 1460 является придворным живописцем династии Гонзага в Мантуе. Для произведений Мантеньи характерны анатомически точное изображение человеческого тела, тщательное воспроизведение деталей, так же как и умелая передача перспективы. Эти нововведения оказали сильное влияние на его шуринов — Джентиле и Джованни Беллини. Его гравюры по меди также обрели широкую известность севернее Альп.

Мантенья одним из первых в эпоху Возрождения изобразил Юдифь. Его Юдифь малоэмоциональна, её взгляд обращен в вечность, это изображение близко к изображениям святых.

Юдифь и Олоферн

Мантенья первым перешел от христианских к античным темам и первым изучил анатомию обнаженного тела. Он первым принялся за исследование характера движения, механизма сокращения мускулов. Он обогатил новыми законами и композицию картин. Никогда не встречаются у него лица, выведенные только как портреты, число которых можно было бы произвольно увеличить. Все фигуры участвуют в действии, все подчинены твердо сплоченному целому. Обнаружилась новая красота композиции, не терпящая прежнего, столь излюбленного небрежного нанизывания подробностей.

Мантенья и живопись

Мантенья считается основоположником техники живописи на холсте. Самый ранний живописный холст в Италии — это картина Мантеньи «Святая Евфимйя», созданная в 1454 году. Вазари писал, что, в период написания цикла картин «Триумф Цезаря» для дворцового театра в Мантуе в 1482–1492 годах, Андреа Мантенья уже имел большой опыт работы на холсте.

Художник, избежавший какой бы то ни было классификации, стоящий вне школ и направлений, Мантенья оказал неоспоримое воздействие на живопись Италии — от Падуи до Венеции. Благодаря широкому распространению гравюр Мантеньи, итальянское Возрождение проникло в Германию.

Распятие (около 1458)

Дерево, темпера, 61*93 см. Лувр, Париж.

Первоначально это произведение представляло центральную картину пределлы Алтаря Сан Дзено, справа и слева от которой изображены сюжеты Моления о чаше и Воскресения. Сегодня эти картины находятся в Музее изящных искусств в Туре. Картина пронизана острым трагическим чувством. С необыкновенной силой переданы глубокие драматические переживания женщин, оплакивающих Христа. В этом произведении художественный стиль Мантеньи проявился в строгой и пластической монументальности образов.

Мужской портрет (1459–1466)

Дерево, темпера, 41,3*29,5 см. Уффици, Флоренция.

Данный портрет является одним из лучших произведений Мантеньи. Стройная композиция помогает запечатлеть строгий облик персонажа. Мантенья применяет метод поворота модели в три четверти, заимствованный у мастеров северноевропейской живописи. В целом портрет является идентичным изображением Карло Медичи.

Мадонна делла Виттория (1496)

Холст, темпера, 280*165 см. Лувр, Париж.

Это произведение Мантенья пишет по заказу маркграфа Франческо II Гонзага (1466–1519) — он изображен слева на переднем плане — в память о битве под Форново ди Таро в 1495. Знаменитой алтарной картине присущи использование оптической иллюзии, эффекта перголы, героический стиль изображения персонажей, теплый колорит.

Купольная фреска Камеры дельи Спози (1465–1475)

Фрагмент росписи. Фреска, диаметр: 270 см. Кастелло Сан Джорджо, Паллаццо Дукале, Мантуя.

На фреске, расположенной на своде маленькой квадратной комнаты, Мантенья впервые в западноевропейском искусстве создал иллюзию пространства, уходящего в небо. Отверстие окружено парапетом, вокруг которого изображены ангелы, смотрящие вниз, люди и животные. Это смелая композиция, где фигуры изображены в необычной перспективе. Фреска была образцом для последующих поколений художников, особенно стиля барокко.

Людовико Гонзага, его семья и двор (1474)

Фрагмент росписи. Фреска, 600*807 см. Кастелло Сан Джорджо, Паллаццо Дукале, Мантуя.

Фрески из Камеры дельи Спози, спальни Людовико III Гонзага (1414–1478), являются знаменитым образцом мировой живописи итальянского Ренессанса. В выразительных сценах с ярко выраженной перспективой и отображением природных мотивов Мантенья представляет большое, полное великолепия окружение маркграфа — семью и ближайших подданных.

Читать еще:  Индийский художник. Gurdish Pannu

Парнас (1497)

Холст, темпера, 60*192 см. Лувр, Париж.

Изображение горы Муз является первой картиной из цикла, написанного по заказу мантуанской графини Изабеллы д’Эсте (1474–1539) для ее рабочего кабинета. В центре картины представлены девять богинь искусств, танцующих под музыку Аполлона, над ним — смеющийся над Амуром Вулкан. Справа рядом друг с другом — Меркурий и Пегас. Нетрадиционным для подобных произведений выглядит изображение Марса и Венеры. Холм, на котором они стоят, — сквозной и открывает вид вдаль. Справа возвышается сооружение, похожее на крепость. Пейзаж изображен тщательно и с фантазией.

Торжество добродетели над пороком (1502)

Холст, темпера, 160*192 см. Лувр, Париж.

Картина, отражающая сюжет морально-поучительной аллегории, также относится к декорации рабочего кабинета Изабеллы д’Эсте. Она изображает сцену, на которой Минерва — богиня войны и благоразумия, вооруженная щитом, копьем и шлемом, изгоняет порок из сада добродетели. Наряду с Парнасом эта картина оказала огромное влияние на развитие светской живописи XVI в. Сад окружен арочной каменной изгородью, украшенной цветами. Через нее просматривается окружающий пейзаж. Другие божества наблюдают с облака за драматическим действием в саду добродетели.

Как один художник превратил банки c человеческими отходами в произведения искусства на $300 000!

Классифицируйте это произведение искусства вне авангарда и в статус действительно странного. Откройте для себя историю, посвященную почтению человека к человеческим фекалиям.

В 1961 году, один итальянский художник по имени Пьеро Мандзони, решил наполнить консервные банки своими экскрементами и назвать их искусством.

Вы правильно прочитали. Человеческая какашка буквально превратилась в искусство, потому что определенный человек ее консервировал. Мандзони даже назвал свою постановку «Дерьмо художника».

На этикетке каждого из них на английском, французском и немецком языках написано: «Дерьмо художника», содержание которого составляет 30 г свежей консервации, произведенные и закатанные в мае 1961 года. Каждая банка пронумерована и имеет отпечаток от 1 до 90.

Мандзони не нужно было уходить далеко от дома, чтобы найти вдохновение для своих банок.

Отец художника владел консервным заводом и не сделал исключение для выбранной карьеры Мандзони. Легенда гласит, что отец Мандзони сказал:

«Твоя работа — дерьмо».

Молодой человек воспринимал своего отца в буквальном смысле и с чрезвычайно плодотворными результатами.

Вместо отвращения, художники увлеченно приняли концепцию Мандзони. Один человек, личный фанат Мансони по имени Альберто Люсия, обменял 30 грамм 18-каратного золота на банку экскрементов Мандзони.

Цена золота в то время означала, что Пьеро Мандзони заработал на продаже около 37 долларов. Такое же количество золота сегодня стоит около 1400 долларов.

Итальянец изобрел концепт-арт, в котором суть искусства не столько о содержании, сколько о намерениях художника. В этом случае Мандзони был алхимиком, превращавшим г***но буквально в золото.

В 2000 году, британский музей «Tate» купил банку за 30 000 долларов. Прошло 16 лет, и на художественном аукционе в Милане, в декабре 2016 года, была продана консервная банка с мировым рекордом в $ 300 000. Если на аукционе была продана банка, которая когда-то принадлежала Альберто Люсия, это возврат инвестиций на 8 100% за 55 лет. Это очень хорошо по чьим-либо стандартам.

Его работа не без противоречия. Некоторые люди сомневаются, что банки Мандзони действительно полны его экскрементов. Банки изготовлены из стали и поэтому не могут быть сканированы рентгеновскими лучами для определения их содержимого. Можно взорвать банку, но в ней может оказаться просто гипс, к ужасу мира искусства.

«Дерьмо художника» — не единственное пышное концептуальное искусство, созданное Мандзони. Принимая подсказки от Ива Кляйна, отца авангардного движения, Мандзони вдохновился. В 1959 году, на отдельных листах бумаги он написал какие-то строки, прежде чем сложить их и запечатать в конверты. Пьеро Мандзони подписал конверты, и они стали личным выражением художника.

Вот как работает концепт-арт Пьеро Мандзони: если владелец одного из запечатанных конвертов открывает его, чтобы увидеть, что внутри, искусство становится бесполезным. То же самое касается его консервных банок. Никто не знает наверняка, что внутри, но суть в том, что выражения и идеи художника являются ценными. Никто не знает, действительно ли фекалии Мандзони находятся во всех 90 жестяных банках, но именно художественное выражение делает его достойным для владельца.

Искусство Мандзони так же эфемерно, как и его жизнь. Он умер в 1963 году в возрасте 29 лет после сердечного приступа. Он оставил после себя большой бетонный блок и 90 банок г***на, которые теперь стоят сотни тысяч долларов каждая для коллекционера.

Поразмышляйте об этом в следующий раз, когда вы сядете и будете думать о том, как заработать дополнительные деньги!

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector