Испанский художник. Carlos Marijuan

Испанский художник. Carlos Marijuan

ИСПАНСКИЙ ИМПРЕССИОНИЗМ. Часть 1.

Мы уже говорили раньше о немецком, американском и итальянском направлениях импрессионизма, каждый из них, родившийся от французского, имел свои особенности, вспомните социальную и политическую направленность итальянских сюжетов или характерную немецкую экспрессивность. Пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников, многие из них долгие годы жили и работали в Париже, в отличие от итальянцев они много путешествовали, разнообразная природа Испании привлекала их своими пейзажами, стиль многих из них был более размашистым, они использовали более интенсивный цвет, чем французы, любили яркий белый, насыщенный красный, «вибрирующие» поверхности, «искры» на воде, солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах «отражался воздух Испании».

.

Большая заслуга в этом принадлежит не только великим предшественникам импрессионистов, например Веласкесу, но и их современнику и учителю бельгийского происхождения, большую часть жизни прожившему в Испании — CARLOS DE HAES (1826-1898). Его называли «первооткрывателем испанского ландшафта» и проводником идеи работы на пленэре.

Одним из первых его учеников был Мартин Рико (1833-1908), родившийся в артистической семье, получивший первоначальное художественное образование в Школе изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился у своего брата Бернардо и работал как рисовальщик и гравер. Мартин начинал как последователь Барбизонской школы и Тернера, под влиянием его работ пейзажи Рико становятся более «очеловеченными»,

а его путешествия по Европе, знакомство с художниками разных направлений, особенно с Писсарро, все больше склоняют его к импрессионизму. Он очень много времени проводит в Англии, Франции, Швейцарии.

Любимым и последним местом в его жизни становится Венеция, которую он воспел в многочисленных картинах,

получивших признание зрителей и критики, и имевших особенный успех в США, где находится большинство его работ того периода.

Ignacio Pinazo Camarlench (1849 — 1916), один из самых известных художников Валенсии, родился в бедной семье и вынужден был с раннего возраста зарабатывать на жизнь укладчиком декоративной плитки и ювелирными работами по серебру. После смерти родителей он жил с дедушкой и бабушкой, страсть к рисованию привела его в Художественную академию Сан-Карлос в Валенсии, он обеспечивал свое существование в это время изготовлением шляп. Первый успех пришел к нему в возрасте 21 года на Национальной выставке в Барселоне.

После пятилетнего пребывания в Италии Игнасио вернулся на родину, резко изменив свои пристрастия: вместо обычных для него исторических тем он перешел к семейным сюжетам, сценам из повседневной жизни и обнаженной натуре.

Это было уже началом более интимного импрессионистского направления не только по сюжетам, но и по более живому, рыхлому стилю, использованию пленэра, хотя у него все еще преобладали более темные краски, характерные для классической испанской живописи.

Луис Хименес Аранда (1845 — 1928), родился в Севилье, в семье художников и первые навыки рисования получил у своего брата Хосе, а затем продолжил свое образование в Академии искусств Севильи. После завершения учебы, он переехал в Мадрид, где в течение непродолжительного периода жил и знакомился с творчеством испанских мастеров в музее Прадо.

В 1867 году он отправился в Рим для дальнейшего изучения живописи, написав несколько картин, имевших успех на мадридских выставках. В Италии он находит свой стиль и темы, рисуя бытовые сцены в элегантных интерьерах и садах 18-го века.

В 1874 году Хименес впервые приезжает в Париж, чтобы заключить контракт с артдилерами на продажу своих картин. В 1876 Луис поселился в Париже, и уже в следующем году начинает выставляться в Парижском Салоне, пользуясь репутацией мастера, сильного в характеристике изображаемых лиц и происшествий, блестящего в колорите и виртуозно владеющего кистью.

С 1890 года Хименес, благодаря знакомству со многими парижскими художниками и увлечению творчеством Сорольи, заинтересовался передачей света и «воздуха» в работах импрессионистов, что и привело его окончательно в их лагерь.

Теперь я перехожу к трем художникам, которые работали в основном в Испании и смогли передать ее образ, ее дух, ее ландшафты в своих картинах очень по-разному, но ярче всех представляли своими работами импрессионистское направление в испанской живописи того времени. Это художники Beruete, Sorolla и Regoyos.

Laureano Barrau (1863 — 1957), родился в буржуазной семье, учился в Школе изящных искусств в Барселоне, а после переезда в Мадрид изучал живопись по картинам великих мастеров в Прадо. Начав затем учиться в Париже в Художественной Академии у знаменитого Жерома, он уже спустя два года получает Римскую премию в Барселоне, давшую ему возможность продолжить изучение теперь уже великих итальянских мастеров.

Он приобретает известность и награды в главных городах Европы и уже с 28 лет участвует в выставках Парижского Салона изящных искусств.

В 47 лет Барро поселяется с семьей на острове Ибица, очарованный его красотой, он пишет там свои лучшие работы, наполненные светом и цветом, и остается там до конца жизни.

Там же после его смерти жена открывает в 1963 году рядом со старой четырехсотлетней церковью музей, в котором хранится около 200 его картин.

На мой взгляд, его работы прекрасны, эмоциональны, радостны, пронизаны светом и лучше всего соответствуют понятию «импрессионистский стиль».

Joaquín Sorolla y Bastida (1863 — 1923) родился в Валенсии в семье торговца. Уже через 2 года он и его младшая сестра остались сиротами после смерти родителей, вероятно, от холеры, и их воспитывали родственники матери. С 9 лет у Хоакина проявились художественные наклонности и он начинает получать образование сначала в своем городе, а 18 лет оправляется в Мадрид изучать наследие великих испанцев в Прадо.

После службы в армии, благодаря полученному гранту, он в течение четырех лет учится живописи в Испанской академии в Риме, ненадолго едет в Париж, где происходит его первое знакомство с современной французской живописью.

Читать еще:  Есть бизнес, но нет принтера этикеток? Вам к нам!

В 1988 году Соролья возвращается в Валенсию, женится, у него рождаются один за другим трое детей, а в 1985 году вся семья переезжает в Мадрид, где он увлечен написанием больших полотен на исторические и мифологические темы, успешно участвует в выставках в Мадриде, Европе и США.

Вскоре он становится признанным главой современной испанской школы живописи, выставляется в Париже на Всемирной выставке, за участие в которой награждается почетной медалью и орденом Почетного легиона, становится членом сразу трех академий — Парижа, Лиссабона и родной Валенсии.

Участие Сорольи в 1906 году в большой выставке (около 500 его работ) в Париже, принесло ему звание «Офицера ордена Почетного легиона». В 1911 году он начал большую серию картин об Испании по контракту с американским магнатом и меценатом Хангтингтоном. В этих работах, которые были закончены в 1919 году, с любовью и вдохновением представлена жизнь и природа испанских провинций.

Три последних года жизни художник был парализован после инсульта, случившего у него во время работы в саду за мольбертом. Он оставил после себя свыше двух тысяч произведений, все оставшиеся работы вдова передала в дар Испанской республике, и они составили основную коллекцию Музея Сорольи в его доме в Мадриде.

О третьем художнике из триумвирата наиболее знаменитых, Darío de Regoyos, и о современных испанских импрессионистах я расскажу во второй части.
Как всегда,предлагаю посмотреть слайдшоу, в котором в три раза больше репродукций и музыка Мануэля де Фальи.

Почему уничтожили полотно Пикассо, и как его вернула нейросеть

Коллаж © LIFE. Фото © Imagno / Getty Images, © Архив

» src=»https://static.life.ru/posts/2019/09/1244471/f2e1be41765dd03423525f91f2efde87.jpg» loading=»lazy» style=»width:100%;height:100%;object-fit:cover»/>

Видели полотно «Старый гитарист»? Если да, то вы знаете, о чём речь. Если нет — посмотрите внимательно. И ещё раз. Очень внимательно.

Эту картину Пабло Пикассо написал, когда ему было 22. И, как вы уже поняли, ему тогда было очень плохо. Вообще, весь «голубой период» надо понимать не только в смысле цветовой гаммы, но и в смысле «грустный».

На самом деле начиналось всё довольно бодро и весело: уже и Королевская академия изящных искусств в Мадриде успела надоесть, и приехал в Барселону, и выставки персональные, и любимое кафе «Четыре кота», и бордели, и всё прочее для искусства и вдохновения. А главное — друг был. Тоже художник, конечно. Звали его Карлос Касагемас. Посмотрите, какие картины писал.

Они с Пикассо очень дружили. А Карлос любил одну девушку. Жермен. Жермену Гаргальо. Ударение на последний слог — француженка. Танцовщица. Они одно время все вместе где-то «тусили», и 19-летний Касагемас влюбился безоглядно и навсегда. А она отвергала. Может быть, вся беда в том, что у мальчика были проблемы с потенцией, а может, просто сердцу не прикажешь, кто знает. Страдал невыразимо. Писал ей письма. Предлагал замуж. Пикассо, само собой, как мог поддерживал. Однажды друзья вместе провели Рождество, а потом поехали к родственникам Пикассо в Малагу Новый год встречать. Но там как-то Касагемас не очень красиво себя повёл, и Пикассо в сердцах его выпроводил. Друг уехал, отправился прямиком в Париж к Жермен и получил очередной отказ. Тогда Касагемас объявил, что возвращается в Испанию, и устроил прощальный ужин. Пригласил друзей и эту девушку. Пикассо там не было. И вот на этой вечеринке, действительно прощальной, художник в последний раз просит её выйти за него. Она говорит «нет», он достаёт пистолет и стреляет. Сначала в неё, потом в себя. В неё не попал. Умер в больнице.

Картина Пабло Пикассо «Смерть Касагемаса», 1901. Фото © «Артхив»

Если бы не это, вероятно, не было бы никакого «голубого периода». Конечно, Пикассо горевал и винил себя. На первых картинах, написанных после этого, — собственно Касагемас в гробу. На одной — с простреленным виском, на другой рядом плакальщицы, а наверху на небо его провожают три голые девицы в чулках, по мнению искусствоведов, подруги его и Пабло, и одна из них — Жермен.

Картина Пабло Пикассо «Похороны Касагемаса», 1901. Фото © «Артхив»

Потом Пикассо ещё много раз его писал. Судя по этим картинам, красивый был молодой человек. Выразительное лицо. Взять хотя бы широко известную поразительную (простите за субъективное мнение) картину «Жизнь». У парня, который обнимает девушку, лицо тоже — Касагемаса.

Картина Пабло Пикассо «Жизнь», 1903. Фото © Flickr/NichoDesign

И на всех картинах «голубого периода» — то же страдание, та же боль. И ещё немощь. Старость. Часто изображал слепых. Всё это одно большое размышление о жизни.

И вот наконец мы смотрим на «Слепого гитариста», картину 1903 года. Три года прошло, а краски те же. Музыкант повесил голову так, как будто умер, играя. Не доиграв. Худые ноги и руки, длинные пальцы — всё это искусствоведам и вообще понимающим в живописи людям напоминает Эль Греко. Пикассо им восхищался. Да… Так вот, видим седую голову, шею… Заметили, да? Там лицо. В смысле не лицо гитариста, там виднеется какое-то другое. Женское. А если на гитару посмотреть, то просматривается вроде как нога. Когда полотно «просветили» рентгеном, убедились, что так и есть: под одной картиной прячется другая.

Эксперты говорят, объясняется это весьма прозаично: в те времена Пикассо был нищим и у него просто не хватало денег на новые холсты. Он рисовал женщину, кормящую ребёнка грудью, а потом решил создать новое произведение, но было не на чем. И он решил, что этой работой можно пожертвовать. Только в мире искусства с этим категорически не согласны.

Эту женщину решили вернуть. Но до сих пор это было практически невозможно: силуэт слишком смутный, какие краски использовались, непонятно. По сути это означает, что нужно было писать картину заново. Но ведь ни один человек не сможет повторить Пикассо при всём желании: это будет другой человек, у него другая жизнь. Всё другое. Вот именно. Ни один человек. Через сотню лет после смерти Касагемаса настало новое время. И новые люди задались вопросом: а что, если восстановлением картины займётся не человек? И они познакомили с шедеврами живописи нейросеть — сеть искусственных нейронов. По образу и подобию мозга. Ещё не разум, скорее, идеальная машина для объективной обработки информации. В ней не хранится память о том, как мать рассказывала сказки, нет воспоминаний о погибшем друге. Нет никакого личного восприятия. Нет своей жизни. Есть только картины Пикассо. Искусственный интеллект «просканировал» весь «голубой период». От него не ускользнуло ничто: машина. А потом ему показали силуэт и дали задание — закончить работу так, как это сделал бы автор всех этих картин. И вот что скрывалось за слепым одиноким человеком и гитарой, по его скромному искусственному мнению.

Читать еще:  Женщина и домашняя обстановка. Amy Freeman

В целом получается в том же духе — сплошное одиночество и тоска, верно? Правда, говорили, что у неё ребёнок должен был быть на руках. Это, наверное, она его правой рукой держит. Разработчики подчёркивают, что никто не претендует ни на какую нейросетевую гениальность и вообще не решится окончательно и бесповоротно объявить, что картина была именно такой. Но для истории искусства — пригодится.

Нежные женские образы в картинах испанского художника Vicente Romero Redonto

Сейчас идет тематическая неделя на тему Испания, поэтому самое время поговорить о художниках этой страны.

Удивительные женские образы в картинах Vicente Romero Redonto поразили меня чистотой и нежностью, просто глаз не оторвать. И я не могла не познакомить вас с ними.

Vicente Romero Redondo испанский художник родился в Мадриде в 1956 году. С раннего детства мечтал заниматься живописью. В 1982 году получил диплом с отличием факультета изобразительного искусства в «Сан-Фернандо», самой престижной художественной школе в Испании. Сальвадор Дали тоже учился там. В течение первых лет учебы посвятил всё свое время скульптуре, пока не осознал, что только в живописи он может выразить все свои чувства!

Он обязан своей технике масляной живописи академической подготовке, хотя в большей степени изучал пастель, которую он находит более привлекательной и спонтанной. Недавно Vicente вернулся к использованию масла в своих работах (что было забыто в последние 4 года), тем самым производя взаимосвязь между этими двумя методами.

В конце восьмидесятых Ромеро и его жена обосновались на побережье Коста Брава, выбрав светлое и тихое место для своей студии, творчества и вдохновения. И с переездом начался новый этап в его творческой жизни. Красоты Средиземноморья, прекрасный ландшафт, красота моделей — стали идеальными условия для написания его картин.

В каждой женщине есть свои прекрасные черты! И Винсент как-то особенно трогательно чувствует и передает в своих работах самую суть женщины — любить, быть любимой женщиной и матерью! Для него женщина — абсолютный источник вдохновенья, загадка для природы, которую он всю жизнь пытается разгадать.

Его морская серия мне больше всего понравилась. Может быть потому что я очень люблю море!

Сразу представила себя на месте этих девушек и внутренне улыбнулась.

Чувствуется как дует легкий ветерок, слегка набегают волны, а ты гуляешь с босыми ногами по теплому песку и наслаждаешься жизнью.

Да, я поняла в чем секрет успеха его работ. В них есть любовь! Винсент показывает женщину легкой и красивой во всех проявлениях жизни. Он любуется каждым моментом, наблюдает, как любимая спит, играет с ребенком, работает и отдыхает. А еще в его творениях много солнечного света и пастельная цветовая гамма, отчего они очень уютные.

Предлагаю вам полюбоваться красотой, грацией и элегантностью женщин глазами Vicente Romero.

Солнце, море и немного ню: Как картины испанского импрессиониста Сорольи-и-Бастиды покорили мир

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Немного об испанском импрессионисте

Хоакин Соролья-и-Бастида родился в Валенсии, на берегу Средиземного моря в 1863 году. Не продолжительным было детство мальчишки в кругу семьи. Его родители умерли от эпидемии холеры, и в двухлетнем возрасте он остался круглым сиротой. Вместе с сестрой мальчику пришлось жить на попечении тётки в ее доме. Надежд возложенных на мальчика, который должен был пойти по стопам дяди-слесаря, он не оправдал.

Заметив в подростке задатки художника, дядя отказался от идеи преемственности профессии и купил племяннику краски. А в 15 лет отправил учиться рисованию в школку ремесел. Однако обучение в ней было не по карману бедному слесарю. А мальчишке так хотелось учиться, что он написал небольшую картину на продажу и сдал ее в антикварную лавку. Сколько же было у подростка радости, когда его работу купил ее хозяин. К тому же в этой лавке юный художник познакомился со знаменитым фотографом, который стал его опекать и оплачивать юноше обучение. Это знакомство действительно было знаковым, и не только в плане будущей профессии, но и в личной жизни: спустя годы Соролья страстно влюбится и возьмет в жены дочь своего покровителя.

Окончив школу ремесел, юный художник отправляется в Мадридскую Академию художеств. Там за успешную учебу Соролья получил денежное пособие на обучение в Риме. Четыре года прожил молодой художник в столице Италии, постигая великое искусство итальянских художников-классиков. Довелось ему побывать и в Париже, где познакомился с художниками современной живописи и в частности с импрессионистами.

А вернувшись после учебы в Валенсию, молодой художник женился на Клотильде дель Кастильо, которая стала не только любовью всей его жизни, бессменной музой, но и матерью трех его дочерей. Дети были для отца отрадой и моделями для его работ. Не пройдет и десятилетия, и о Соролье заговорит пол мира. Его работы наградят премиями и в Испании, и в США, а также они высоко будут оценены экспертами Парижского салона.

Читать еще:  Индийский художник. Jagannath Paul

Очень высоко была оценена персональная экспозиция работ художника на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Живописец был награжден почетной медалью и орденом Почётного легиона, получив почетное членство в академиях Парижа, Лиссабона и Валенсии.

После признания в Соединенных Штатах Америки, к художнику приходит и слава, и популярность и финансовая стабильность. Теперь Соролья смог себе позволить приобрести небольшой участок земли в Мадриде, и по собственному проекту выстроить дом в окружении садов, создать свой маленький рай, ставший залогом счастливой семейной жизни.

Через шесть лет после триумфа художник выставил в Париже около 500 работ, и получил звание офицера ордена Почетного легиона. Экспозиции такого гигантского масштаба были организованы в Англии и в Америке. А спустя еще пять лет, 48-летний художник заключил контракт с магнатом из США на серию полотен о жизни Испании, о быте ее провинций. Около десяти лет художник будет кропотливо трудиться над серией этих картин. А едва успев их окончить и отправить заказчику в Америку, с ним случится беда. Хоакина разобьет паралич, вследствие инсульта, прямо во время работы за мольбертом.

Три года художник, лишенный возможности двигаться и творить, был прикован к постели. А в 1926 году, спустя три года после смерти живописца испанская серия полотен была предоставлена для просмотра широкой публике. Мир увидел Испанию совершенно иную, нежели привык видеть с картин других художников.

Хотелось бы отметить, что Хоакин Соролья обладал потрясающей творческой энергией и оставил после себя около двух тысяч художественных творений. После его кончины вдова именитого импрессиониста передала его работы в дар стране. Они то и составили основную часть коллекции произведений искусства в Музее Сорольи в Мадриде, открытом в 1932 году. Остальная часть произведений хранится в музейных собраниях и в частных коллекциях по всему миру.

Отличительной чертой работ великого мастера была легкость, солнечный свет, и светлая цветовая гамма, что совершенно не вязалось с искусством Испании, художники которой во все века отдавали предпочтение тяжелым темным цветам. Соролья практически всегда работал на пленэре, будь то портрет, уголок природы, пляж, море. Одним словом на открытом пространстве, где картинная плоскость была залита солнечными лучами. Отсюда и светлая палитра красок и избыток света. Соролья никогда не работал в темных мастерских и никогда не писал мрачные полотна, исключением были конкурсные работы, написанные еще в академии. Новаторство мастера и в том, что он изображал, то что видел вокруг. Дети, бегающие по пляжу и купающиеся в морской воде, рыбаки с лодками снастями и быками, тянущими их лодки. А больше всего художник любил писать свою семью.

Видимо недостаток материнской любви и тепла семейного очага в детстве заставляло художника всей своей сущностью тянуться к самым близким людям. Главными героинями картин очень часто и густо становились супруга Сорольи — Клотильда и их три дочери.

В 1909 году мастер пишет одно из самых известных полотен, где Клотильда со и старшей дочкой прогуливаются по пляжу. Легкий морской ветер обдувает две женских фигуры в белых платьях и пытается вырвать зонтик из рук девушки. Удивительное чувство вызывает это полотно: поэтическая воздушность, умиротворение, очень спокойная цветовая гамма, навевает чувство блаженства.

Карлос Алонсо Перес (исп. Carlos Alonso Pérez; 1881, Сарагоса — 1914) — испанский живописец

Автор — truskovalent. Это цитата этого сообщения
Карлос Алонсо Перес (исп. Carlos Alonso Pérez; 1881, Сарагоса — 1914) — испанский живописец.

Карлос Алонсо Перес

(исп. Carlos Alonso Pérez ; 1881, Сарагоса— 1914) —

испанский живописец.

Сын художника Мариано Алонсо Переса . Первые уроки живописи получил у отца. Выставлял свои работы ещë будучи подростком.

Затем, как и многие художники его поколения, был учеником М. Фортуни в Риме, оказавшим большое влияние на его творчество.

Позже переехал в Париж, где коммерческие условия для художников были более благоприятными, чем в Испании. Здесь было открыто большое количество частных галерей.

В Париже в 1860-х годах проживало и работало много испанских, в основном, каталонских художников.

Вместе с отцом, также жившим в это время в Париже, в 1901 году К. Алонсо-Перес начал выставлять свои работы, в двадцатилетнем возрасте уже участвовал в парижском Салоне (1901).

В творчестве К. Алонсо-Перес пошëл по стопам своего отца, изображая на своих полотнах беззаботные жанровые сцены в стиле Людовика XVI. Многие из написанные в кокетливой манере, такие как «Уроки бильярда», напоминают картины в стиле рококо Франсуа Буше .

К. Алонсо-Перес также создал ряд картин современной ему парижской жизни, часто с использованием модных костюмов из более раннего периода — конца XVIII — XIX веков. Большая часть мужской одежды отражает моду восемнадцатого века (напудренные парики и шляпы треуголки) . Это показывает, что художник в попытке найти свой собственный уникальный стиль , экспериментировал с манерой письма, унаследованной от своего отца и традициями, заложенными Фортуни.

Кроме того, им создан целый ряд картин, таких как «Центральный рынок Парижа», изображающих последствия промышленного развития страны и современной торговли.

Художник испытал влияние импрессионистов в подходе к цвету и свету, в частности, творчества Пьера-Огюста Ренуара .

К Карлоса Алонсо Переса, но и работы отца художника.. Алонсо-Перес также создал ряд литографий («Бал эпохи Людовика XV», в настоящее время в коллекции Лувра ) и иллюстраций для художественных журналов. Занимался созданием проектов гобеленов.

Умер в 1914 в возрасте 33 лет.

Пост представляет работы не только Карлоса Алонсо Переса, но и его отца.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector