Живая живопись. Французский художник. Tonio Klay

Живая живопись. Французский художник. Tonio Klay

Почему шедевр француза Жана Фуке, посвящённый Деве Марии, посчитали кощунственным: «Меленский диптих»

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

О художнике

Еще одним важным результатом путешествия в Рим стало то, что Фуке ввел концепции и методы итальянского искусства эпохи Возрождения во французскую живопись. Его последующие работы в области живописи, панно, манускриптов и портретной живописи принесли ему репутацию самого важного французского художника 1400-х годов. В Италии Фуке вдохновлялся фресками Фра Анджелико. Работы знаменитого флорентийца оказали глубокое влияние на него самого. Новая наука о перспективе в итальянском искусстве также повлияла на его творчество. По возвращении из Италии Фуке создал иедивидуальный стиль живописи, сочетающий в себе элементы монументальной итальянской и детализированной фламандской живописи.

В 1447 году Фуке завершил великолепный портрет короля Карла VII. Эта работа стала одной из самых известных французских картин эпохи Возрождения. Впоследствии Жана Фуке пригласили работать художником короля Карла VII. Переживая тяжелую болезнь, Карл VII заблаговременно поручил Фуке создать цветную посмертную маску для публичных похорон. Это свидетельство не только высочайшего мастерства Фуке, но и безграничного доверия короля. При преемнике Карла, Людовике XI, Фуке был назначен peintre du roy (официальным придворным художником). В этой почитаемой должности Фуке руководил большой мастерской, которая создавала картины и рукописи для двора.

«Меленский диптих»

Около 1450 года Фуке создал свою самую известную работу под названием «Меленский диптих». Религиозный диптих Жана Фуке из Соборной церкви Нотр-Дам в Мелён — один из шедевров французской живописи и искусства XV века. Заказчиком был Этьен Шевалье, казначей короля Карла VII, для которого Жан Фуке уже создал великолепный иллюминированный манускрипт «Часослов».

Шедевр, который сейчас считается одной из величайших картин эпохи Возрождения во Франции XV века, состоит из двух частей. На левой панели в коленопреклоненной позе изображен заказчик Этьен Шевалье. Слева от него – святой Стефан. Последний, облаченный в мантию дьякона, держит книгу, на которой находится зазубренный камень — символ его мученичества. Из смертельной раны на макушке капает кровь. В руке у него главные опознавательные атрибуты – Евангелие и камень, которым он впоследствии был убит. Оба героя смотрят на правую панель с Богородицей.

На правой створке изображена Мадонна, которая восседает на троне в абстрактном пространстве. Фон выполнен в стиле итальянского Возрождения и очень похож на церковный интерьер. Он демонстрирует пилястры, чередующиеся с инкрустированными мраморными панелями. Отчетливо видна фреска с надписью «Estienne Chevalier» (отсылка к заказчику работы). Еще одно упоминание о донаторе содержит Иисус. Младенец сидит на коленях у Мадонны. Его палец указывает в сторону Шевалье, как бы предполагая, что его молитва о божественном милосердии будет услышана. Мадонна изображена с удивительно тонкой талией, модной стрижкой и в великолепном наряде. Ее трон украшен внушительными жемчужинами, драгоценными камнями и изысканными золотыми кистями. Фон заполнен херувимами, раскрашенными в ярко-красный и синий цвета. Лицо и кожа Аньес окрашены в бледно-серый цвет, напоминающий гризайль. Вероятно, это авторский намек на факт ее смерти в 1450 году.

Скандальный фурор

Обнаженная грудь остается загадкой. Совершенно ясно – на полотне нет и намека на то, что Мадонна собиралась кормить Иисуса. Большие размеры, дерзкий вид и идеально сферическая форма — это преднамеренная демонстрация чувственной красоты, что совершенно неуместно для Царицы Небесной. Если учесть местоположение диптиха – в церкви – изображение выглядит просто кощунственно. Однако, как утверждают придворные летописцы Частеллен и Энеа Сильвио Пикколомини (позже Папа Пий II), полотно сыграло в пользу королю. Более того, в то время мало кто из верующих посчитал бы кощунственным называть умершую королевскую любовницу Девой Марией. Мнение о работе было различным. Например, картина не нашла одобрения у голландского историка искусства и средневекового летописца Йохана Хейзинга, который назвал картину ужасающей.

Левая панель с портретом Этьена Шевалье и изображением святого Стефана попала в коллекцию Берлинской картинной галереи в 1896 году. А правая панель, изображающая Мадонну, принадлежала Королевскому музею изящных искусств Антверпена с начала XIX века. Кроме того, сохранился эмалевый медальон с автопортретом Жана Фуке, некогда украшавший раму диптиха, а сейчас хранящийся в Лувре. В январе 2018 года в Берлине произошло сенсационное воссоединение двух частей диптиха (хоть и на короткое время). Событие помогло восстановить утраченное единство великого произведения искусства.

Забытый после смерти, но вновь открытый в XIX веке Фуке по сей день считается выдающимся художником в европейском искусстве. Историки искусства считают его величайшим французским художником XV века, который сочетал в себе методы итальянских художников раннего Возрождения и технику нидерландских художников эпохи Возрождения.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Почему шедевр француза Жана Фуке, посвящённый Деве Марии, посчитали кощунственным: «Меленский диптих»

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

О художнике

Еще одним важным результатом путешествия в Рим стало то, что Фуке ввел концепции и методы итальянского искусства эпохи Возрождения во французскую живопись. Его последующие работы в области живописи, панно, манускриптов и портретной живописи принесли ему репутацию самого важного французского художника 1400-х годов. В Италии Фуке вдохновлялся фресками Фра Анджелико. Работы знаменитого флорентийца оказали глубокое влияние на него самого. Новая наука о перспективе в итальянском искусстве также повлияла на его творчество. По возвращении из Италии Фуке создал иедивидуальный стиль живописи, сочетающий в себе элементы монументальной итальянской и детализированной фламандской живописи.

В 1447 году Фуке завершил великолепный портрет короля Карла VII. Эта работа стала одной из самых известных французских картин эпохи Возрождения. Впоследствии Жана Фуке пригласили работать художником короля Карла VII. Переживая тяжелую болезнь, Карл VII заблаговременно поручил Фуке создать цветную посмертную маску для публичных похорон. Это свидетельство не только высочайшего мастерства Фуке, но и безграничного доверия короля. При преемнике Карла, Людовике XI, Фуке был назначен peintre du roy (официальным придворным художником). В этой почитаемой должности Фуке руководил большой мастерской, которая создавала картины и рукописи для двора.

Читать еще:  Изобразительное искусство в пастели. Ewelina Ladzinska

«Меленский диптих»

Около 1450 года Фуке создал свою самую известную работу под названием «Меленский диптих». Религиозный диптих Жана Фуке из Соборной церкви Нотр-Дам в Мелён — один из шедевров французской живописи и искусства XV века. Заказчиком был Этьен Шевалье, казначей короля Карла VII, для которого Жан Фуке уже создал великолепный иллюминированный манускрипт «Часослов».

Шедевр, который сейчас считается одной из величайших картин эпохи Возрождения во Франции XV века, состоит из двух частей. На левой панели в коленопреклоненной позе изображен заказчик Этьен Шевалье. Слева от него – святой Стефан. Последний, облаченный в мантию дьякона, держит книгу, на которой находится зазубренный камень — символ его мученичества. Из смертельной раны на макушке капает кровь. В руке у него главные опознавательные атрибуты – Евангелие и камень, которым он впоследствии был убит. Оба героя смотрят на правую панель с Богородицей.

На правой створке изображена Мадонна, которая восседает на троне в абстрактном пространстве. Фон выполнен в стиле итальянского Возрождения и очень похож на церковный интерьер. Он демонстрирует пилястры, чередующиеся с инкрустированными мраморными панелями. Отчетливо видна фреска с надписью «Estienne Chevalier» (отсылка к заказчику работы). Еще одно упоминание о донаторе содержит Иисус. Младенец сидит на коленях у Мадонны. Его палец указывает в сторону Шевалье, как бы предполагая, что его молитва о божественном милосердии будет услышана. Мадонна изображена с удивительно тонкой талией, модной стрижкой и в великолепном наряде. Ее трон украшен внушительными жемчужинами, драгоценными камнями и изысканными золотыми кистями. Фон заполнен херувимами, раскрашенными в ярко-красный и синий цвета. Лицо и кожа Аньес окрашены в бледно-серый цвет, напоминающий гризайль. Вероятно, это авторский намек на факт ее смерти в 1450 году.

Скандальный фурор

Обнаженная грудь остается загадкой. Совершенно ясно – на полотне нет и намека на то, что Мадонна собиралась кормить Иисуса. Большие размеры, дерзкий вид и идеально сферическая форма — это преднамеренная демонстрация чувственной красоты, что совершенно неуместно для Царицы Небесной. Если учесть местоположение диптиха – в церкви – изображение выглядит просто кощунственно. Однако, как утверждают придворные летописцы Частеллен и Энеа Сильвио Пикколомини (позже Папа Пий II), полотно сыграло в пользу королю. Более того, в то время мало кто из верующих посчитал бы кощунственным называть умершую королевскую любовницу Девой Марией. Мнение о работе было различным. Например, картина не нашла одобрения у голландского историка искусства и средневекового летописца Йохана Хейзинга, который назвал картину ужасающей.

Левая панель с портретом Этьена Шевалье и изображением святого Стефана попала в коллекцию Берлинской картинной галереи в 1896 году. А правая панель, изображающая Мадонну, принадлежала Королевскому музею изящных искусств Антверпена с начала XIX века. Кроме того, сохранился эмалевый медальон с автопортретом Жана Фуке, некогда украшавший раму диптиха, а сейчас хранящийся в Лувре. В январе 2018 года в Берлине произошло сенсационное воссоединение двух частей диптиха (хоть и на короткое время). Событие помогло восстановить утраченное единство великого произведения искусства.

Забытый после смерти, но вновь открытый в XIX веке Фуке по сей день считается выдающимся художником в европейском искусстве. Историки искусства считают его величайшим французским художником XV века, который сочетал в себе методы итальянских художников раннего Возрождения и технику нидерландских художников эпохи Возрождения.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Отон Фриез

Achille-Émile Othon Friesz

Отон Фриез

Achille-Émile Othon Friesz

  • Дата рождения: 6 февраля 1879 г. ; Le Havre, France
  • Дата смерти: 10 января 1949 г. ; Paris, France
  • Национальность:француз
  • Направление:Постимпрессионизм
  • Школа/группа:Фовисты (Дикие)
  • Сфера:живопись
  • Википедия:ru.wikipedia.org/wiki/Фриез,_Отон

Заказать
репродукцию

Анри Ашиль Эмиль Отон Фриез (фр. Henri-Achille-Emile-Othon Friesz; 6 февраля 1879, Гавр — 10 января 1949, Париж) — французский художник.

Отон Фриез родился 6 февраля 1879 года в Гавре. Друзья Фриеза говорили, что он был похож на викинга. Семья происходила из Эльзаса, дед был капитаном дальнего плавания, его профессию унаследовал и отец и должен был унаследовать Отон. С 12 лет он начал учиться в Муниципальной школе изящных искусств. Учителем Фриеза стал тот самый Шарль Луйе, у которого брали первые уроки живописи и рисунка Рауль Дюфи и Жорж Брак. Уже в Гавре у Фриеза появились товарищи по искусству, вместе с которыми он вошел позже в круг «диких».

В 1898 году, после окончания гаврской художественной школы, Фриез, как позже и Дюфи, получил у муниципалитета Гавра стипендию для обучения в школе искусств в Париже и поступил в мастерскую профессора Леона Бонна. К моменту появления в Париже Дюфи, Фриез уже подружился со всей компанией Матисса. Он поселился на Монмартре, естественно вступил в круг монмартровских поэтов и художников, и позже уступил свою мастерскую Дюфи.

Жизнь и творчество Фриеза развивалась примерно так же, как и у его друзей. Он не избежал раздумий над наследием Поля Сезанна и кубизмом Пикассо. Хотя для него линия поисков фактуры была ограничена, он нашёл то равновесие пластики и цвета, которое не позволило ему изменить выбранному с самого началу пути.

В начале своего творчества главной темой его работ являются изображения морских гаваней и портов, а также портретная живопись. В Париже у него проявляется интерес к творчеству импрессионистов, что нашло отражение в написанных в начале XX века работах — например, в серии картин «Пон-Нёф» (Pont-Neuf, 1903—1904). В результате знакомства с Матиссом и Жоржем Руо Фриез становится приверженцем фовизма. Так, систематическое применение техники чистых цветовых контрастов, применяемых по всей поверхности полотна, можно наблюдать уже с 1905 года. Крупноформатные работы этого периода, часто изображающие как бы увиденные с высоты пейзажи или изображения обнажённого человеческого тела, принадлежат к лучшим работам Фриеза. В 1908—1909 годах художник резко меняет манеру письма, перейдя к упрощённой, схематичной форме изображения.

В начале Первой мировой войны он был мобилизован. 1915 годом датируется портрет Андрэ Рей, будущей жены Фриеза.

После войны Фриез занимает мастерскую на улице Нотр-Дам-де-Жан в Париже, в которой он работает до конца жизни. В 20-е и 30-е годы XX столетия он — профессор ряда художественных академий Франции, в этот период жизни Фриез много пишет в Провансе и в родной Нормандии, в Юре, подолгу живет в Пулоне, ездит в Италию, Бельгию, США.

С 1925 года картины Фриеза начинает покупать музей Франции, а в 1933 году он получает орден Почётного Легиона.

Не избежал Фриез и прикладного искусства — его ковер «Мир» был выставлен в 1935 году, а в 1937 он выполнил одну из росписей для Всемирной выставки во дворце Шайо.

После Второй мировой войны Фриезу предложили кафедру в Школе изящных искусств, но он отказался.

Отон Фриез умер 10 января 1949 года в своей Парижской мастерской.

С начала XX века Фриез начинает выставляться в Гавре, а в 1901 году вместе с Дюфи и Руо — на Международной выставке в Венеции. С 1903 г. Фриез вместе с друзьями участвует в Салоне Независимых, а с 1904 г. в Осеннем салоне, где он в 1905 году оказывается одним из несомненно «диких». Уже в 1904 году состоялась первая персональная выставка работ Фриеза. Галерея коллекционеров представила публике 46 его работ. С 1905 года Фриеза начинает выставлять Берта Вейль, а с 1907 на персональных и групповых выставках у Дрюэ и было приобретено большинство картин, хранящихся в российских коллекциях. Фриез был представлен вместе с другими «дикими» в салоне «Золотого руна» в Москве и на выставке в Праге в 1910 году.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Чарующий мир праздника. Французский художник Gaston de Latouche (1854-1913)

Автор — ovenca. Это цитата этого сообщения
Чарующий мир праздника. Французский художник Gaston de Latouche (1854-1913)

Глядя на работы Латуша, думаешь о богатстве и беспечности, о флирте в ухоженных французских садах и фейерверках! В невероятном сверхсолнечном освещении бьют фонтаны, а в них (подумать только!) — упитанные лебеди! Возможно, эти пасторали казались бы китчем, если бы не юмор автора и брызжущее веселье его героинь, весьма чувственно изображенных.

Ах, какое было время перед Первой мировой! Сказочное веселье и преувеличенная красота!

Клод Дебюсси — Арабеска

Гастон де Латуш / Gaston de Latouche (1854-1913) — французский живописец, иллюстратор, скульптор и гравер, представитель постимпрессионизма, родился в Сен-Клу в семье родом из Нормандии. Художник-самоучка, с детства был полон решимости стать художником, и был поддержан в этих амбициях его зажиточными родителями. В десять лет начинает брать уроки рисования, которые были прерваны Франко-прусской войной. Впоследствии продолжит заниматься живописью самостоятельно.

Его первые картины изображали бытовые сцены в голландском стиле 17 века. Они были суровыми и мрачными и не принесли автору успеха, впоследствии он сжег большую их часть. В конце 1880-х, под влиянием своего друга Феликса Бракемона, Латуш отказался от своего раннего стиля, перешел в лагерь постимпрессионистов, и изменил свою академическую манеру письма. Его новая манера испытала влияние художников рококо, таких как Антуан Ватто и Франсуа Буше, также Латуш был вдохновлён Пюви де Шаванном. Это изменение сразу повлекло за собой большой успех.

В 1890 г. выставленные в Societe Nationale Des Beaux-Arts, Que «Пионы» и «Флоксы» — красочные сцены женщин, детей и цветов, принесли ему известность. Эти работы представляют собой начало радикального сдвига в палитре и технике художника. В течение шести лет, до 1896 года, он постепенно и неуклонно эволюционировал от реализма к идеализму, который станет отличительной чертой его творчества: создание гармоничного, светлого и чарующего мира парков и садов, нимф и фонтанов, фейерверков и праздников.

Гастон де Латуш был признан в Салонах Парижа (1884, 1888) и на Всемирных выставках в Париже (1889, 1900). В 1900 году он получил орден Почетного легиона и был произведен в офицеры легиона (1909). В качестве дальнейшего доказательства своего успеха, в 1908 г. он выставил более трехсот впечатляющих ретроспективных работ в галерее Жоржа Пети в Париже, а год спустя принял участие в других больших шоу — Boussod и Valadon в Гааге.

В результате художник получил многочисленные официальные заказы для создания крупномасштабных декоративных панелей, в том числе, для украшения залов Версаля, Елисейского дворца, Министерства Сельского хозяйства и Министерства Правосудия Парижа, столовой лайнера La France. Кроме того, он написал фрески для дома драматурга Эдмона Ростана в Камбо, Пиренеи Атлантические.

Эти большие полотна и фрески, напоминают работы художников 18-го века, таких как Робер и Жан Оноре Фрагонар, и характеризуются яркими красками и широкими мазками. И все же с самыми известными работами Латуша остаются светлые картины садов и праздников, выполненные в его собственной манере тонкой кистью с красивыми яркими палитрами.

В мягком искусственном освещении работ де Латуша можно легко вообразить игру струнного квартета Клода Дебюсси или Рейнальдо Анома и свежесть вечернего бриза, доносящего аромат цветов через зеленую арочную решетку террасы. В отдаленном небе фейерверк коронует праздничный вечер мерцающим золотым и розовым светом.

На ужине в казино

Эти работы редко изображают определенные ситуации и все же они точно передают настроения общества перед Первой мировой войной. Богатство в мире политической и артистической власти, блестящие и изящные социальные образы. Чувственная передача кажется весьма ажурной, со склонностью этого времени к богатству и преувеличенной красоте. Своевольное и гармоничное использование цвета остается удивительным и очаровательным.

Талант, по достоинству отмеченный во время жизни художника, одинаково хорошо ценится и сегодня. Все годы Гастон де Латуш вел активную творческую жизнь. В 1913 году художник умер во время работы за мольбертом.

Наскальная живопись во Франции

Франция может похвастаться богатыми традициями в истории и культуре с древнейших времен. На территории этой страны сделаны археологические открытия, перевернувшие представления научного мира о жизни человека в каменный век. Один из главных источников информации для ученых – наскальная живопись, обнаруженная в разных уголках этого государства.

Пещера Ласко

Великое археологическое открытие произошло случайно в 1940 году в пещере недалеко от Монтиньяка, расположенной в юго-западной части Франции. Во время грозы упало дерево, которое приоткрыло вход в пещеру группе любопытных подростков. Юноши обнаружили внутри наскальные рисунки, многие из которых сохранились идеально.

Пещера Ласко небольшая – длина проходов составляет всего 250 метров. Однако тут расположены тысячи изображений, выполненных минеральными красками черного, желтого и красного цветов. Под сводами пещеры можно увидеть людей, символы и животных – их тут больше всего. Лошади, олени, бизоны, носороги изображены в движении. Ученые разделили пещеру на тематические залы.

Широкую известность получил Зал быков. Другое его название – Ротонда. Размер одного из четырех изображенных в этом зале быков – более пяти метров. На сегодняшний день это крупнейший из когда-либо обнаруженных наскальных рисунков.

Предполагают, что древняя живопись, найденная в пещере Ласко, была сделана в 18-15 веках до нашей эры. Во время раскопок тут также обнаружены похожие на украшения предметы и костяные орудия.

С 1979 года Ласко внесена в реестр Всемирного наследия ЮНЕСКО. Вход для туристов закрыт уже более двадцати лет. Однако все желающие могут побывать в ее копии и познакомиться с живописью легендарного Зала Быков и Осевого прохода – часть пещеры воссоздана в натуральную величину в 200 метрах от оригинала.

Пещера Коске

На побережье Средиземного моря недалеко от Марселя находится еще одно место, где можно увидеть рисунки, выполненные художниками древности. Необычную пещеру в 1985 году обнаружил дайвер Анри Коске, в честь которого и было названо это уникальное место.

В наши дни побывать внутри пещеры Коске под силу не каждому – вход располагается глубоко под водой. Каждому, кто хочет увидеть рисунки, придется преодолеть 137-метровый тоннель. Сам Анри Коске смог добраться до наскальной живописи только спустя шесть лет после открытия пещеры. В 1992 году тут погибли дайверы-любители, после чего вход ограничили. Погружаться в Коске рекомендуют только с опытным инструктором.

Большая часть рисунков, созданных примерно 29 тысяч лет назад, уничтожена морской водой. Самые древние – простые очертания, отпечатки ступней и ладоней. Позже были выполнены изображения животных и птиц. Примечательно, что тут можно увидеть тюленей, пингвинов и медуз.

Пещера Шове

Самые древние наскальные рисунки в мире обнаружены в пещере на юге Франции в 1994 году – их возраст около тридцати тысяч лет. Эта находка стала сенсацией в научном мире. Раньше ученые полагали, что искусство развивалось от примитивных форм к сложным. Однако более 300 изображений, найденных в пещере Шове, опровергли эту теорию.

По мнению исследователей, древний человек, который жил в тот период, был способен нарисовать простейшие вещи – например, линии или точки. Однако вопреки этому древние художники талантливо рисовали животных ледникового периода. Найденную тут живопись по праву считают одной из самых совершенных в эпоху палеолита.

Как и многие другие пещеры, Шове сегодня закрыта для посещения туристами. Однако побывать внутри можно, посмотрев фильм «Пещера забытых снов».

Пещера Нио

Еще одно скопление древних рисунков находится на юго-востоке Франции. Уже с семнадцатого века пещера Нио известна любопытным путешественникам и местным жителям. Им даже не приходило в голову, что изображения на стенах – уникальный образцы наскальной живописи, поэтому тут можно увидеть рядом с рисунками надписи.

Все изменилось в 1906 году, когда капитан Моляр решил составить подробный план этого места и открыл зал, который позже назвали Черным салоном. Этот зал – самый большой в пещере. Изображения животных расположены не беспорядочно, они сформированы в отдельные композиции. Древний художник необычным образом использовал естественное углубление пещеры. По форме оно напоминает голову оленя. Сверху дорисованы рога – получилось необычное объемное изображение.

Археологи продолжили изучение пещеры. В 1970 году обнаружен еще один зал – Ресо-Кластр. Внутри него можно увидеть наскальную живопись и отпечатки ног наших далеких предков. Предполагают, что они принадлежали детям не старше двенадцати лет.

Рисунки в Нио были нанесены в период 11500-10500 до нашей эры. Больше всего здесь изображений животных: козлов, оленей, бизонов. Вероятно, тут проводили обряды для привлечения удачи на охоте, так как на стенах много рисунков зверей, пронзенных стрелами.

Первые образцы древней живописи можно увидеть уже в 500 метрах от входа. Большая часть наскальных изображений находится в главном туннеле, протяженность которого 2 километра.

Для туристов рядом создан Пиренейский парк доисторического искусства, в котором можно познакомиться с образом жизни древнего человека и лучше понять выполненные им наскальные рисунки.

Исследование работ древних художников продолжается и в наши дни, многие из них так и не разгаданы. Губительное воздействие на древнюю живопись оказывает изменение температуры и влажности, поэтому вход во многие пещеры закрыт или ограничен, а рядом с ними открыты музеи для туристов.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector