Живопись маслом. Anna Van Fleet

Живопись маслом. Anna Van Fleet

Надежда Ильина рассказывает о фламандском методе живописи…

Сегодня я хочу более подробно рассказать Вам о фламандском методе живописи, который мы совсем недавно изучали в 1-ой серии моего курса «Тайные знания старых мастеров», а также хочется показать Вам небольшой отчёт о результатах и самом процессе нашего онлайн обучения.

На курсе я рассказала о старинных методах живописи, о грунтовках, лаках и красках, раскрыла множество секретов, которые мы применили на практике — написали натюрморт по мотивам творчества малых голландцев. С самого начала мы вели работу, учитывая все нюансы фламандской техники живописи.

Этот метод пришёл на смену темпере, которой писали до этого. Считается, что, как и основы масляной живописи, метод был разработан фламандским художником раннего Возрождения — Ян Ван-Эйком. Отсюда начинает вести свою историю живопись маслом.

Итак. Это метод живописи, которым, по словам Ван-Мандера, пользовались живописцы Фландрии: Ван-Эйки, Дюрер, Лука Лейденский и Питер Брейгель. Метод заключается в следующем: на белый и гладко отшлифованный клеевой грунт переводился припорохом или иным способом рисунок, который исполнялся предварительно в натуральную величину картины отдельно на бумаге («картон»), так как рисовать непосредственно на грунте избегали, чтобы не нарушить его белизны, игравшей большое значение во фламандской живописи.

Затем рисунок оттушевывался прозрачной коричневой таким образом, чтобы грунт просвечивал через неё.

Названная тушёвка производилась либо темперой и тогда это делалось наподобие гравюры, штрихами, либо масляной краской, при этом работа выполнялась с максимальной тщательностью и уже в этом виде представляла собой художественное произведение.

По оттушёванному масляной краской рисунку, после высыхания писали и заканчивали живопись либо в холодных полутонах, затем добавляя тёплые, (которые ван-Мандер называет «Мёртвыми тонами»), либо заканчивали работу цветными лессировками, в один приём, полукорпусно, оставляя просвечивать коричневую подготовку в полутонах и тенях. Мы использовали именно этот метод.

Краски фламандцы всегда наносили тонким и ровным слоем, чтобы использовать просвечивание белого грунта и получить гладкую поверхность, по которой, при надобности, можно было бы лессировать ещё много раз.

С развитием живописного мастерства художников вышеописанные методы претерпевали некоторые изменения или упрощения, каждый художник использовал немного отличный от других, свой способ.

Но основа долгое время оставалась та же: живопись у фламандцев всегда выполнялась по белому клеевому грунту, (который не втягивал масла из красок), тонким слоем красок, наносившимся таким образом, чтобы в создании общего живописного эффекта принимали участие не только все слои живописи, но и белый грунт, являвшийся как бы источником света, освещающим картину изнутри.

Вот так проходил наш курс «Тайные знания старых мастеров»

Хочется поделиться с Вами видео-отчетом о прошедшем курсе. За 2 недели мы написали настоящий классический натюрморт, по методике малых голландцев. Спасибо всем, кто принял участие в курсе!

К истории натюрморта. Обманка или Trompe L’oile. ч.1

«Есть такой жанр живописи — обманка»
Автор текста © Copyright: Койфман Валерий, 2009

В истории европейского искусства есть необычные картины, которые стоят как бы в стороне от других и которые называются «обманки», или «тромплеи» (фр. „trompe l’oile“ — обман зрения).
С виду обманка — это просто разновидность натюрморта, но отличить ее от натюрморта не трудно, слишком уж явно автор обманки пытается выдать рукотворное изображение (живопись, рисунок, фреску или мозаику) за кусок реального мира. Применение обоих терминов («обманка» и «тромплея») для обозначения картин этого жанра является правомерным.
Считается, что обманки лучше всего рассматривать в оригиналах, так как репродукции в журналах и книгах неспособны передать всю полноту ощущений. В значительной степени это объясняется тем, что нужный эффект «обмана» обычно связан с размером оригинала и с расстоянием между изображением и зрителем. Искусствоведение этот жанр почти не замечает, и в «Историях искусств» тромплеи можно отыскать с трудом. Многие тромплеи, несмотря на то, что их главной задачей было лишь введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в залах музеях, где такие композиции, конечно же, не могут обмануть зрителя, зато неизменно возбуждают у него искреннее восхищение.

История картин-обманок восходит к Древней Греции. Легенда рассказывает, что в VI веке до нашей эры жили два выдающихся художника Зевксис из Гераклеи и Паррасий из Эфеса, которые однажды поспорили, кто лучше напишет картину.
Собрался народ, вышли соперники, у каждого в руках картина под покрывалом.
Зевксис отдернул покрывало — на картине была виноградная гроздь, такая похожая, что птицы слетелись ее клевать. Народ рукоплескал. «Теперь ты отдерни покрывало!» — сказал Зевксис Паррасию.
«Не могу, — ответил Паррасий, — ведь покрывало нарисованное». Зевксис склонил голову и сказал: «Ты победил! Я обманул глаза птиц, а ты обманул глаза живописца».
Распространению такого рода картин уже в Новое время способствовало изобретение перспективы, светотеней, но особенно… масляных красок. Рецепты их приготовления встречались еще в книгах XIII века.
В начале XV века великий голландский художник Ян ван Эйк настолько улучшил технологию приготовления красок, что его считают изобретателем живописи маслом. Он первым достиг в своих работах исключительной глубины и богатства цвета, а также тонкости светотеневых и цветовых переходов. После Яна ван Эйка художники получили возможность добиваться такого изображения, которое нетрудно было спутать с живой природой.
Временем расцвета тромплей в Европе стал ХVII век, и это относится, прежде всего, к Италии, Голландии, Бельгии, Франции. Правда, первой после античности европейской обманкой считается, созданная еще в XVI веке, знаменитая картина итальянца Якопо де Барбери «Куропатка и железные перчатки» (1504, Старая Пинакотека, Мюнхен).

В ней уже были все признаки тромплеи — виртуозная иллюзорность манеры изображения (перья убитой птицы, сверкающий металл рыцарской перчатки), а, главное, художник заставляет задуматься зрителя — двухмерная живопись перед ним или трехмерные реальные объекты? Ведь даже нарисованная бумажка с подписью мастера столь реальна, что, кажется, колеблется от нашего дыхания.
Выдающимися создателями обманок в XVII веке были ученик Рембрандта голландец Самуэль ван Хоогстратен и фламандец Корнелис Норбертус Гейсбрехт, ставший придворным художником датского короля.

Читать еще:  Идущий по лезвию реальности. Bono Zwir (фотограф)


Samuel van Hoogstraten «Trompe l’oeil. Pinboard, Letter Board»

Samuel van Hoogstraten «Tromp-l’oeil Still Life» 1664


Cornelius Norbertus Gijsbrechts «Quodlibet» 1675

Мастера обманки применяли множество приемов, чтобы вызвать у зрителя желание дотронуться до предметов, представленных на картине. Они писали полуопущенные занавески, отогнутые уголки листов бумаги, создавали иллюзию прикрепленного к стене листа бумаги, вбитого гвоздя и так далее.

Скрытые от взгляда фрагменты предметов и надписей побуждали человека протянуть руку, чтобы отдернуть иллюзорную занавеску и увидеть предмет или прочитать фразу целиком.
Мастера умело использовали светотень, передавали блеск стекла, металла, тщательно выписывали фактуру предметов, стараясь сделать их, осязаемо реальными.


Louis Leopold Boilly «Grappe de raisin en trompe l’oeil»

Поскольку тромплеи в принципе делались для того, чтобы ввести в заблуждение зрителя, они иногда не вставлялись в раму, чтобы выглядеть как можно более естественными. Внимательно рассматривая эти картины, зритель был часто «. сам обманываться рад», восхищаясь мастерством и изяществом их исполнения.

В России самым знаменитым мастером тромплеи был художник начала XIX века граф Федор Толстой. Он был почетным членом многих европейских Академий художеств. Сложно даже сказать, какие произведения в первую очередь приходят на ум любителю искусства при упоминании его имени, но «кормили» художника именно картины-обманки, которые он часто выполнял на заказ, в том числе для императриц Марии Федоровны и Елизаветы Алексеевны.
И в этом искусстве Федору Толстому трудно найти равных.


Граф Федор Петрович Толстой «Ветка малины, бабочка и муравей»

Свою знаменитую акварель «Ягоды красной и белой смородины» (1818) он повторял столь многократно, что сам художник говорил: «. можно не шутя сказать, что моя семья питалась одной смородиной».

Следует также отметить, что свойственная тромплеям повышенная иллюзорность, увеличивая «вещную» реальность, уменьшает реальность пространственную.

Обманки стремятся к строго фиксированной точке зрения зрителя. Не случайно идеальным объектом изображения в таком натюрморте считается стена и прикрепленный к ней лист бумаги или столешница с положенной на нее акварелью или гравюрой. Взгляд зрителя при этом направлен перпендикулярно плоскости рисунка – горизонтально или сверху вниз.

С одной стороны, тромплеи могут показаться данью примитивному натурализму или т. н. «внехудожественному» иллюзионизму, демонстрирующему ловкое мастерство художника и более ничего.
Вот просто деревянная доска или дверца шкафа, а на ней прибитые гвоздиками узкие полоски кожи, старые распечатанные письма, расческа, гусиное перо, ножик для его «острения», брошки, бантики, ножницы. Эти изображения, волнуют нас, но в то же время раздражают какой то «пограничностью» ощущений. Ни тебе картина, ни тебе реальность.


Domenico Remps

В самом жанре обманки заложено, как сказал бы М. Булгаков, «разоблачение всяческой магии», картина сама показывает нам, как искусство обманывает нас. В таком случае, это самый ироничный и одновременно самый виртуозный из жанров европейского изобразительного искусства. С другой стороны обманка выступает в искусстве как определенный этап в выработке принципиального представления о том, что же такое искусство.
Более того, обманки как жанр — это не просто этап, не просто тщательно, иллюзионистически нарисованные наборы предметов; это еще и воплощенное не в словах, а в красках и линиях знание о природе искусства.


William Gordon «Trompe l’oeil»1877

Это своего рода попытка дать ответ на мучительный вопрос в вечном споре-диалоге художника и зрителя о том, где же грань, разделяющая мир нарисованный, т. е. мир искусства, от того, что мы условились называть миром реальности. Собственно говоря, главным содержанием картин-обманок и является эта самая грань.
Вот такие непростые размышления вызывают, казалось бы, простые картины, называемые «обманками», хотя, по сути, речь идет едва ли не о самом правдивом из всех жанров живописи.

Урок по 7-слойной живописи. Мастер-класс 1. Копирование картины «Пастушка».

1. Первый слой, закрепляющий контруры на холсте,- имприматура. Его видно снизу на первой фотографии.

2. Подмалевок умброй-1 .

3. После 6 дней просушки: Подмалевок умброй-2 .

4. После 14 дней просушки: Подмалевок умброй- 3. Жженая умбра.

На Подмалевок- 1 я потратила 8 часов работы, на подмалевок-2 ушло 4 часа и 1 час ушел на подмалевок-3 (только самые темные места).

5. Мертвый слой для фона я колорировала зеленым оттенком.Смесь состоит из жженой кости, жженой умбры, прусской синей, светло-желтой охры, белил.

Мертвый слой переднего плана колорировала жженой умброй в теплый оттенок.

6. Начав делать цветной слой на фоне, я, одновременно, сделала дополнительный мертвый слой на лице.

Цветной слой-1 для фона. Краски: окись хрома, светло-желтая охра, бирюзовый, белила, кадмий светло-желтый .

Для девочки, шляпы и волос я использовала в смесях 13 масляных красок: жженая сиена, кадмий светло-красный, кадмий пурпурный, теоиндиго красно-коричневый, неаполетанский телесный, неап. розовый, неап. оранжевый, глауконит, кобальт светло-синий, охра золотистая, жженая умбра, кобальт фиолетовый, белила.

7. Цветной слой-2. На этом слое я отодвинула назад левую овечку лессировкой, чтоб выдвинуть вперед руку девочки. В портретной живописи маслом всегда важна плановость.

В первом цветном слое я написала тени и света сирени чтоб во втором слое поверх прописать детали — бутоны и лепестки — корпусно, без растушевки.

После того, как масло хорошо просохло, я покрыла картину лаком и вставила в двойную раму.

Надеюсь, мастер-класс по живописи был полезен!

Рок-группа Greta Van Fleet — главный объект для всеобщей ненависти. Почему так вышло?

Вот группа Greta Van Fleet. Она получила «Грэмми» за лучший рок-альбом на прошлой неделе. У нее первые места в британских и американских чартах. У клипа на песню «Highway Tune», в котором музыканты просто выступают, 37 миллионов просмотров. А еще ее все ненавидят — и, кажется, вполне заслуженно.

Читать еще:  Искусство коллажа

Она одна из трех причин того, что мейнстримовый рок в 2018 году скатился в говно, по мнению The Rolling Stone (еще два примера: Imagine Dragons и кавер Weezer на группу Toto). Pitchfork поставил их дебютному альбому 1,6 баллов из 10, даже у «÷» Эда Ширана оценка выше. Обозреватель The New York Times недоумевает, почему именно Greta Van Fleet настолько популярны. На Reddit их последнему альбому посвящен отдельный тред, полный хейта. Мэтт Миллер из Rolling Stone, пытаясь объяснить причины столь сильной ненависти слушателей и критиков в отношении группы, говорит, что участники Greta Van Fleet слишком наивны, они не слышали ничего, кроме старой музыки, а их вообще быстро вытащили на сцену и в чарты, им еще учиться и учиться.

Их четверо, они из Мичигана. Трое участников — включая вокалиста Джоша Кишку — братья, двое из них — близнецы. Они слушали «старую музыку» в детстве: Би Би Кинга, Bad Company, Cream и других. Про Led Zeppelin до колледжа Джош якобы не слышал, а его вокал, страшно похожий на голос Роберта Планта, у него получился случайно, когда он пытался перекричать коллег на репетиции.

Группа только начала играть и записываться, а ее подхватил ветеран музыкальной индустрии Джейсон Флом из Lava Records. Он в свое время помогал запустить карьеру Лорд, Paramore и Кид Рока. Первый же сингл Greta Van Fleet «Highway Tune» занял первое место в мейнстрим-рок-чарте, а на ее выступления засобирались ровесники участников группы.

Greta Van Fleet не слышали о The Black Keys, хотя обложка альбома последних висела у них в гараже, а еще не любят хип-хоп и считают, что люди им занимаются «по неправильным причинам, ради денег».

«Они звучат прям как Led Zeppelin. Там вокалист косит под меня один в один. Милый паренек. Ненавижу его (смеется). Да, он скопировал под ноль один очень знакомый мне голос! Но мне что, по судам его затаскать? Пускай поет», — это Роберт Плант, вокалист Led Zeppelin. То, что GVF копируют отцов хард-рока — одна из главных претензий к группе. Они звучат как кавер-группа Led Zeppelin, только без каверов и без шаманской энергетики. Они даже внешне пытаются быть похожими на рок рубежа 1960-1970-х, получается похоже на костюмированную вечеринку в караоке-баре.

Впрочем, это не самое интересное в кейсе Greta Van Fleet. В конце концов в нулевые весь ретро-рок был про бесконечное копирование (см. Editors или Jet), и это не вызывало такую ненависть. То, что Greta Van Fleet устраивают шоу с переодеваниями в Led Zeppelin, — тоже не проблема. Точнее, не было бы проблемой, если бы это было сделано хотя бы с долей иронии: были же Tenacious D, были же Spinal Tap в конце концов, была же великая в своем внешнем дурновкусии группа The Darkness.

Проблема в том, что GVF не шутят. Они будто бы заново восстанавливают карьеру Led Zeppelin с постными лицами: вот мы послушали старый блюз и рок-н-ролл, а вот мы надели костюмы семидесятых и заиграли настоящую музыку, а кто делает рэп, тот продается. Хуже того: они иногда, сами того не зная, копируют Spinal Tap, но совсем не понимают шутки и на полном серьезе объясняют текст.

У журналистов и слушателей всегда должны быть объекты для ненависти. В 2017 году ими были The Chainsmokers. GVF называют «The Chainsmokers от рока», что забавно: The Chainsmokers называли «Nickelback от EDM», в смысле «нет группы хуже в мире на данный момент». Вот какая преемственность получается. Но тут есть нюансы: все-таки The Chainsmokers делали и делают музыку более, кхм, прогрессивную, и при том прекрасно понимали, что они — продажные конъюнктурщики. А Nickelback хоть и делали музыку безумно пафосную и страшно серьёзную, но не пытались один-в-один передрать стилистику предшественников из, скажем, Creed или Pearl Jam.

Впрочем, всё это тоже не очень важно. Интересно понять, как вышло, группа Greta Van Fleet по факту являются одной из самых популярных новых рок-групп на данный момент.

В 2011 году в «Афише» вышел программный текст Александра Горбачева про закономерный кризис рок-музыки. Среди прочего там говорилось, что «рок существует там, где его предполагаемая аутентичность может быть верифицирована» опытом, каноном, аутсайдерством. Рок превратился в ностальгический аттракцион: люди готовы идти на шоу Бон Джови и U2, но не готовы покупать пластинки новых групп, потому что кроме дизайна там ничего не осталось.

Прошло восемь лет. Гитарная рок-музыка вроде бы уже прошла кризисную точку, есть куча музыкантов с гитарами, которых уже не стыдно и приятно слушать: Snail Mail, Japandroids, Cloud Nothings и так далее и тому подобное. Более того, лучшим альбомом года в топах изданий внезапно становится диск The 1975, стадионный рок, каким он должен быть: громкий, пафосный, моложавый — и при том лишенный натужной серьезности. И тут — Greta Van Fleet, очередная попытка воссоздать канон по крупицам, чтобы его продавать как ностальгический аттракцион, оживить драпировку и сценические декорации. И эта попытка внезапно оказалась успешной.

Консервативный саунд группы легко противопоставить прогрессивной музыкальной повестке. От этого возникают параллели с победой Трампа, всеобщего объекта ненависти, успех которого стал реакцией на слишком быстрые изменения в обществе. Симптоматично, что в итоге именно GVF выбрало жюри «Грэмми», которое критикуют за консерватизм и которое отчаянно пытается выглядеть прогрессивно. Нет-нет, да старые рефлексы срабатывают.

Это очень красивое сравнение, но всё-таки Greta Van Fleet не заслуживают такой демонизации.

Читать еще:  Искусство, которое убивает

На днях все обсуждали текст «American Boy», кавер-стори Esquire про белого гетеросексуального молодого человека из американской провинции, который из-за привилегий вынужден постоянно бить себя по рукам, когда хочет высказаться. Текст раскритиковали за однобокость и даже расизм.

Greta Van Fleet — это по факту такой же «American Boy», только в рок-музыке. Наивный реакционизм. Его носители не со зла такие, у них такой бэкграунд. Потом большие дяди из индустрии слишком быстро вытащили их на большую сцену, презентовали как антитезу злободневной музыке, превратили в большое и красивое ностальгическое шоу. Что пугает: внезапно это шоу оказалось очень востребованным.

«Картина маслом»: 5 художников, работы которых поражают воображение

С 19 по 27 сентября 2020 года в ЦВЗ «Манеж» пройдёт Международный интерактивный фестиваль современного искусства ARLIFE FEST, который объединит художников со всего мира, работающих в самых разных техниках. Известные мастера масляной живописи из Великобритании, США, Индии и России, принимающие участие в фестивале, делятся этапами творческого пути, источниками вдохновения и тем, какие изменения этот вид искусства претерпевает сегодня.

В своих работах, которые имеют глубокий философский подтекст, молодой британский художник во втором поколении Бен Эштон исследует взаимодействие культур прошлого и настоящего, высмеивая британскую напыщенность и чопорность. Основу его творчества составляют портреты, выполненные в технике гиперреализма, а также иммерсивные инсталляции.

Несмотря на фундаментальное классическое образование в колледже Абингдон, Ньюкаслском университете и школе изобразительных искусств Феликса Слейда, художник признаётся, что больше всего знаний и навыков почерпнул, самостоятельно копируя старых мастеров в музеях британской столицы.

«Я провёл много часов напротив одних и тех же шедевров живописи в Национальной галерее в Лондоне, анализируя картины слой за слоем, чтобы понять, как мастера прошлого добивались нужного эффекта. Поэтому, можно сказать, что моими главными учителями были Рембрандт, ван Дейк, Вермеер и Рубенс. Именно их традиции легли в основу моего творчества» – отмечает художник.

Работы Бена Эштона эспонируются на выставках в США, Англии и Германии, а сам художник дважды удостаивался звания лучшего портретиста по версии Национальной портретной галереи в Лондоне.

Художница родом из Польши Агнес Грохульска окончила Академию изящных искусств в Варшаве, после чего переехала в Ричмонд (штат Вирджиния, США), где работает по сей день. Агнес создаёт картины в авторской технике, опираясь на традиции реализма. В работе использует масло, уголь и графит. Её любимые сюжеты – портреты и пейзажи.

Карьера художницы началась в 2006 году, и сегодня её работы находятся в постоянной экспозиции галереи Эрика Шиндлера в Ричмонде и частных коллекциях, регулярно экспонируются на выставках по всей Америке и в ряде стран Европы, публикуются в американских журналах.

В своих картинах художник Марк Теннант поёт гимн американской жизни, изображая на своих полотнах самые разные сюжеты, начиная от работ, вдохновлённых эпохой 1960-х годов, и заканчивая современными сюжетами о жизни молодого поколения. Отличительной особенностью его работ является использование крупных, экспрессивных мазков и полустёртые, размытые черты лица, благодаря чему художник словно передаёт собирательный образ персонажа.

Марк Теннант работает в жанре фигуративной живописи. Его картины дважды выставлялись в рамках легендарного Осеннего салона в Париже, а также вошли в постоянные экспозиции ведущих музеев и галерей Европы и США. Более 20 лет он преподаёт живопись и за это время работал в Лувре, Метрополитен-музее, был директором отделения изобразительного искусства в Университете академии искусств в Сан-Франциско.

На фестивале ARTLIFE посетители смогут не только увидеть картины этих художников, но и принять участие в их мастер-классах, а также приобрести футболки, толстовки и аксессуары с их картинами. Запуск лимитированной линейки приурочен к созданию благотворительного фонда ARTLIFE CHARITY, поэтому все средства от продаж пойдут на помощь детям, оказавшимся в трудной жизненной ситуации, чтобы дать им возможность получить качественное образование в сфере искусства и раскрыть заложенный в каждом ребёнке творческий потенциал.

Индийский художник Басист Кумар родом из Бокаро – промышленного сердца Индии, где гармонично соседствуют скалистые горы и заброшенные угольные шахты, многие из которых со временем превратились в большие пруды. Именно эти воспоминания, по признанию художника, вызвали его любовь к пейзажам.

Басист Кумар получил образование сначала в Колледже искусств в Дели и в ведущем художественной университете Индии Вишва-Бхарати в Шантиникетане, а затем в Китайской академии искусств, куда был направлен одним из немногих студентов на стипендию. Уже во время обучения его талант был отмечен премиями и наградами.

Древняя индийская культура и духовность в сочетании с традиционным и современным искусством Китая легли в основу авторского стиля художника, который исследует в своём творчестве взаимоотношения человека и природы. «Мои картины основаны на опыте, а не на идеях, и следуют индийской традиции ставить интеллектуальность и духовность рядом как две тропы, ведущие к одной и той же цели» – говорит художник.

Признанный мастер сюжетной живописи Анна Березовская создаёт сложные, многоплановые картины, в которых каждый зритель видит нечто своё. Основу узнаваемого авторского стиля, который сама художница называет поэтическим реализмом, составляет уникальный сплав из техник реализма, абстракции и сюрреализма.

Её полотна, над которыми Анна подолгу работает, доводя до совершенства, напоминают отдельные волшебные миры, полные тайных символов и знаков. «Мои картины – это чаще всего отображения того, что я будто бы когда-то и где-то видела. Это мои сны, которые иногда реальнее реальности. Почти все картины автопортретны, но не в смысле внешней похожести, – они созвучны моим сегодняшним мыслям» – поясняет художница.

В настоящее время Анна Березовская – член Союза Художников России, а её работы находятся в частных собраниях коллекционеров из России, США, Европы и Азии, а также регулярно экспонируются на групповых и персональных выставках по всему миру.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector