Живопись маслом. David Shingler

Живопись маслом. David Shingler

Несерьезные рисунки серьезного художника Дэвида Шригли (David Shrigley)

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Хотя Шригли работает в самых разных жанрах визуального искусства, от скульптуры до анимации, прежде всего он известен своими рисунками. И ему не приходится жаловаться на невостребованность или отсутствие поклонников. Художник издал несколько книг, вел еженедельную рубрику в журнале The Guardian’s Weekend, снял видеоклип для группы Blur, выпустил музыкальный альбом при участии David Byrne, Hot Chip и Franz Ferdinand, и провел несколько десятков персональных выставок в Европе и Америке.

Работы Шригли полюбились публике за своеобразное видение мира: его картинки нервные, запутанные и беспорядочные, но в то же время в чем-то по-детски искренние и наивные, как если бы развитый не по годам ребенок подражал напыщенной примитивистской манере взрослого художника. Толстая черная линия его маркера без видимого алгоритма блуждает по рабочей поверхности, и все же всегда безошибочно прибывает именно туда, где ей самое место, захватывая и фиксируя то одну, то другую вечную тему, или просто мимолетное впечатление.

Для Шригли рисунок так и остался процессом чистого самовыражения, как у малыша, который в первый раз в жизни осознанно взял в руки карандаш. Поменялись только темы и сюжеты. «Я помню, как я садился рисовать, когда мне было четыре или пять, — рассказывает Дэвид. –По большому счету, сам процесс не изменился, хоть я уже и взрослый дядька. Рисунок все еще доставляет мне удовольствие сам по себе, независимо от результата. Рисовать было весело в детском саду, и все еще весело сейчас».

Высшее художественное образование не мешает Шригли признаваться в том, что рисовать, в академическом смысле слова, он не умеет: «Я просто не заинтересован в реалистичной передаче трехмерного пространства. У меня это не особенно хорошо получается, да и рисовальщик из меня посредственный. Конечно, моя графика достаточно продумана, или, по крайней мере, отвечает поставленной задаче, но все же это не иллюстрация».

Номинация на премию Тернера для него – большой жест, свидетельство признания со стороны довольно снобистского мира современного искусства, куда редко допускается что-то, что можно назвать веселым, шутливым и общедоступным.

Эдуардо Салльс (Eduardo Salles), про которого мы уже писали, — один из многих художников-иллюстраторов, работающих в схожем жанре.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Дэвид Шригли

Если вы еще не подписаны на Дэвида Шригли в Instagram (@DavidShrigley), то вам незамедлительно стоит это сделать. Работы этого британского художника, номинанта на премию Тернера 2013 года, очень тонко и иронично отображают сегодняшний мир. Неудивительно, что французский дом Ruinart, много лет сотрудничающий с яркими представителями художественного мира, пригласил именно его для нового совместного проекта и дал ему карт-бланш на создание произведений. Итогом стала серия работ, объединенных названием «Необычные пузырьки» (Bulles singuliуeres): 36 рисунков, три неоновые надписи, два керамических сосуда и одна дверь. В них он рассуждает об истории компании и даже поднимает экологические проблемы, которым дом уделяет особое внимание. Один из рисунков, представленный на выставке, которая ненадолго открылась в начале марта в Париже, оказался особенно злободневным. Он выглядит как передовица газеты с огромной надписью: «It won’t be like this forever» («Так не будет вечно»). После презентации во Франции работы Дэвида Шригли будут представлены на международных выставках в 37 странах мира, в том числе в России — на международной ярмарке современного искусства Cosmoscow в сентябре 2020 года.

Сколько по времени — от идеи до готового произведения — занимает создание ваших рисунков?

В хороший день, включая большие работы, я могу сделать штук десять. Возможно, только три из них будут хорошие. Но это долгий-долгий день.

Вы всегда следуете четкому замыслу или это по большей части импровизация?

Иногда я составляю список того, что буду рисовать. Когда готов рисунок, я даю ему отдохнуть и думаю о тексте, который стоит на него добавить. Иногда я начинаю с текста. У меня нет никаких правил или стратегии — только вот, например, создать десяток в день. Я могу нарисовать десять, и они будут ужасны, но моя работа сделана.

Но плохие работы вы уничтожаете?

Какую самую глупую или смешную вещь вы видели недавно?

Хм. Есть вещи глупые, а есть смешные, и они не всегда совпадают. Глупые вещи скорее раздражают. Я живу в Брайтоне, и наш район знаменит тем, что у нас никто не убирает собачье дерьмо. Это очень и очень раздражает. И кто-то написал на стене, около которой чаще всего выгуливают собак: «Pick up your shit» («Подбери свое дерьмо»). Но вместо того чтобы написать просто «дерьмо», так как это все-таки грубое слово, они написали с точками «Д.Е.Р.Ь.М.О». Конечно, всем понятно, что это значит — выражение недовольства тем, что люди не берут на себя стандартную общественную ответственность. В то же время написать все это баллончиком на стене особенно странно, так как тоже не совсем социально ответственно. Это глупо, но немного смешно. Я, кстати, всегда убираю за своей собакой.

Что еще у вас вызывает смех?

Я стараюсь в данный момент не смотреть новости, политика немного удручает. Новости вгоняют в депрессию, все вгоняет в депрессию. Я люблю комедии. Люблю стендап, я не часто хожу на выступления, но стараюсь. Когда они хорошо сделаны, то я удивляюсь, почему же я не хожу чаще? Но когда ты попадаешь на несмешной стендап, то это противоположное чувство. Разочарование. Посмеяться всегда хорошо.

Читать еще:  Занимательная атрибуция: откуда берутся рафаэли...

Вы ждете какой-то определенной реакции людей на ваши работы?

Не знаю. Мне кажется, нужно создавать работы для себя. Иначе нельзя ждать, что они кому-то понравятся. Я хочу, чтобы мои работы заинтересовывали, предлагали зрителю подумать о том, что же все это значит на самом деле. Чтобы люди продолжали думать о смысле какое-то время после.

В ваших работах определенно есть сарказм. А еще оптимизм. Какая сторона вам ближе?

Оптимизм, без сомнения. Оптимизм — это добродетель, а пессимизм должен быть кратким. У вас есть выбор. Это не чувство или сторона, это то, каким ты решил быть.

Точно нет! Мне нравятся люди. Я скромный, и я не люблю быть в центре внимания. Но я люблю людей, компанию. Хотя я также очень доволен компанией с самим собой.

Вам предпочитаете путешествовать или находиться дома в Брайтоне?

Я люблю быть дома. Может быть, сейчас мы все должны немного посидеть дома. Доделать всю работу, почитать книги. Провести время с семьей и животными.

А вы когда-нибудь были в России или планируете туда приехать?

Я никогда не был в России! Ближе всего к России я был только в Будапеште или Праге. Но Россия, Москва, это же так далеко.

Ну не так далеко, всего три с половиной часа на самолете из Парижа.

Я большой фанат русских писателей: Булгаков, Достоевский, их книги сильно повлияли на меня, когда я был молод. Но три часа — это много! Хотя когда-нибудь я, конечно, приеду. Только в хорошую погоду, мне не очень нравится зима.

Беседовал Александр Бланарь, директор WLH Art Consultancy

Самый дорогой художник современности – Дэвид Хокни

С овременного художника Дэвида Хокни в статьях, посвящённых ему, часто называют «британо-американцем». Появился он на свет в Англии, в графстве Йоркшир, но приехав в зрелом возрасте в Калифорнию, влюбился в неё. Самый дорогой художник современности – основатель британского поп-арта, Хокни получил известность и как автор спорной искусствоведческой теории.

Этапы становления

Дэвид Хокни появился на свет 9 июля 1937 года. Семья была достаточно необычной. Отец мальчика, бухгалтер Кеннет Хокни, всю жизнь испытывал тягу к рисованию, был художником-любителем. Кроме того, являясь пацифистом, он принципиально отказался от службы в армии во время Второй мировой войны. Мать Дэвида, Луиза Хокни, придерживалась строгих взглядов методической церкви, и не ела мясных блюд – диковинка в то время.

Ещё один интересный факт. Кеннет Хокни разделял позицию коммунистов, и одевался, подражая Фиделю Кастро. Его сын начал носить вещи в стиле русских крестьян, за что его прозвали «Борисом». Мальчик рано начал рисовать, и отец этому только радовался. В 50-х годах Дэвид окончил Школу искусств Брэдфорда, В армии он служить не стал, как и Кеннет, предпочтя альтернативный вариант – работу санитаром в госпиталях. Затем юноша уехал в Лондон и поступил в Королевский художественный колледж.

Уже в то время Дэвид приобретает популярность. Он рисует плакаты в поддержку ядерного разоружения. То, что его работы замечательны – признают и преподаватели, и студенты. Но тут показывает себя непокорная натура Хокни. Он отказывается делать дипломный проект, полагая, что о художнике должны говорить его картины. Когда юноше пригрозили, что ему попросту не выдадут диплом, он нарисовал скетч на эту тему. Но в итоге руководство колледжа всё-таки пошло навстречу, и образование Хокни завершил.

Это время, когда художник вырабатывает свой стиль. В 1960 году он раз за разом посещает выставку Пикассо. Впоследствии Хокни придерживался убеждения, что кубизм современным обществом недооценён. Год спустя Дэвида приглашают принять участие в выставке «Молодые современники». Она была развёрнута в Королевском колледже искусств, с неё и начался британский поп-арт. Работы Хокни обратили на себя внимание.

Его музой стал Лос-Анджелес

Вскоре после этого Дэвид с друзьями отправился в Нью-Йорк. Здесь можно было вволю ходить по музеям и картинным галереям. А также по гей-клубам – Хокни уже понял, что он принадлежит к представителям нетрадиционной ориентации. Наиболее значимые его работы этого периода – офорты «Похождения повесы в Нью-Йорке». На них изображён этакий «ботаник», пустившийся во все тяжкие. У искусствоведов не вызывает сомнений, что офорты – ответ на оперу «Похождения повесы» Стравинского.

А картина Хокни «Два сцепившихся мальчишки» позже получила премию Джона Моора. Дэвид живёт насыщенной жизнью – путешествует по Берлину и Египту, читает лекции в университетах США, создаёт серию иллюстраций к стихотворениям своего любимого поэта Константиноса Кавафиса.

А затем иллюстрирует сказки братьев Гримм. Хокни прочёл их все, и долго находился под впечатлением сюжетов и поэтического слога авторов. В 1966 году Хокни поселился в Лос-Анджелесе. Он просто влюбился в этот город, залитый солнечным светом. Калифорния напоминала ему Италию – родину великих художников. Здесь он написал самые известные свои картины. Одна из них «Большой всплеск» – настоящая икона 20-го века. Дэвида интересовали работы Леонардо да Винчи, изучавшего структуру и законы воды.

Читать еще:  Ирландский художник. Attila Nagy

Вот в бассейн прыгнул юноша. Вода взметнулась на пару секунд. Именно этот момент и запечатлел Хокни. В это время определяется стиль работ Дэвида Хокни. Краски на его полотнах насыщены и, вместе с тем, прозрачны, наивность сочетается с отрешённостью. Ещё одна знаменитая картина «Питер вылезает из бассейна Ника», на ней запечатлён Питер Шлезингер, любовник художника.

«Бассейн с двумя фигурами» бьёт рекорды

Затем Хокни возвращается в Англию, принимает участие в публичных демонстрациях, вместе с другими отстаивая гражданские свободы. В 1968 году проходит большая выставка художника, после чего Дэвида начинают считать основателем британского поп-арта. В начале 70-х годов Хокни жил в Париже, а в 1979 году стал одним из основателей Музея современного искусства в своём любимом Лос-Анджелесе.

80-е годы принесли ему новую славу – Дэвид начал создавать фотоколлажи. Картины получались из разрезанных полароидных снимков. Обрезки собирались таким образом, что зрителю казалось – изображение движется. В 90-е годы художник пишет пейзажи родного Йоркшира, изображает на полотнах своих любимых собак. Известность получила и гипотеза Хокни-Фальк, выдвинутая в 2001 году. Художник и физик утверждали, что развитие живописи в эпоху Ренессанса обусловлено прогрессом в оптике – появились сферические зеркала и другие инструменты.

Итогом новой теории стала книга Хокни «Тайное знание: восстановление утраченных техник старых мастеров». В 2011 году Хокни объявили «самым влиятельным художником Великобритании всех времен». Но Дэвида Хокни можно назвать и самым дорогим художником современности. Его картина «Бассейн с двумя фигурами» была продана в Нью-Йорке на аукционе за 90,3 млн долларов. Это рекорд. Причём полотно купили сразу – не прошло и 10 минут с начала торгов. Покупателем стал миллиардер Джо Льюис.

Ещё:

*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.

Надежда Ильина рассказывает о фламандском методе живописи…

Сегодня я хочу более подробно рассказать Вам о фламандском методе живописи, который мы совсем недавно изучали в 1-ой серии моего курса «Тайные знания старых мастеров», а также хочется показать Вам небольшой отчёт о результатах и самом процессе нашего онлайн обучения.

На курсе я рассказала о старинных методах живописи, о грунтовках, лаках и красках, раскрыла множество секретов, которые мы применили на практике — написали натюрморт по мотивам творчества малых голландцев. С самого начала мы вели работу, учитывая все нюансы фламандской техники живописи.

Этот метод пришёл на смену темпере, которой писали до этого. Считается, что, как и основы масляной живописи, метод был разработан фламандским художником раннего Возрождения — Ян Ван-Эйком. Отсюда начинает вести свою историю живопись маслом.

Итак. Это метод живописи, которым, по словам Ван-Мандера, пользовались живописцы Фландрии: Ван-Эйки, Дюрер, Лука Лейденский и Питер Брейгель. Метод заключается в следующем: на белый и гладко отшлифованный клеевой грунт переводился припорохом или иным способом рисунок, который исполнялся предварительно в натуральную величину картины отдельно на бумаге («картон»), так как рисовать непосредственно на грунте избегали, чтобы не нарушить его белизны, игравшей большое значение во фламандской живописи.

Затем рисунок оттушевывался прозрачной коричневой таким образом, чтобы грунт просвечивал через неё.

Названная тушёвка производилась либо темперой и тогда это делалось наподобие гравюры, штрихами, либо масляной краской, при этом работа выполнялась с максимальной тщательностью и уже в этом виде представляла собой художественное произведение.

По оттушёванному масляной краской рисунку, после высыхания писали и заканчивали живопись либо в холодных полутонах, затем добавляя тёплые, (которые ван-Мандер называет «Мёртвыми тонами»), либо заканчивали работу цветными лессировками, в один приём, полукорпусно, оставляя просвечивать коричневую подготовку в полутонах и тенях. Мы использовали именно этот метод.

Краски фламандцы всегда наносили тонким и ровным слоем, чтобы использовать просвечивание белого грунта и получить гладкую поверхность, по которой, при надобности, можно было бы лессировать ещё много раз.

С развитием живописного мастерства художников вышеописанные методы претерпевали некоторые изменения или упрощения, каждый художник использовал немного отличный от других, свой способ.

Но основа долгое время оставалась та же: живопись у фламандцев всегда выполнялась по белому клеевому грунту, (который не втягивал масла из красок), тонким слоем красок, наносившимся таким образом, чтобы в создании общего живописного эффекта принимали участие не только все слои живописи, но и белый грунт, являвшийся как бы источником света, освещающим картину изнутри.

Вот так проходил наш курс «Тайные знания старых мастеров»

Хочется поделиться с Вами видео-отчетом о прошедшем курсе. За 2 недели мы написали настоящий классический натюрморт, по методике малых голландцев. Спасибо всем, кто принял участие в курсе!

Дэвид Хокни: 10 фактов из биографии художника

Живописец, график, фотограф, сценограф, живой классик британского искусства Дэвид Хокни (David Hockney, р. 9.07.1937) почти 60 из своих восьмидесяти лет потратил на то, чтобы построить свой счастливый мир при помощи кисти и холста.

Хокни — главный герой арт-года. Калифорнийские бассейны, пейзажи, портреты, оптические эксперименты — более 160 работ показывает парижский Центр Помпиду. До этого обширную ретроспективу подготовила Tate Britain, RA (Королевская Академия искусств в Лондоне) организовала выставку его портретов. Его называют самым влиятельным британским художником (20 тыс. билетов на выставку Хокни в Тейт были распроданы еще до открытия — рекордный показатель для галереи).

Читать еще:  Застывшее мгновение. Gregory Crewdson

«Борис» Хокни — сын бухгалтера из Брэдфорда. Отец в свободное от службы время посещал вечерние курсы в местной художественной школе и, сочувствуя коммунистам, одевался в духе кубинского лидера Фиделя Кастро. Подражавший отцу Дэвид в том же сэконд-хэнде покупал вещи «под русского крестьянина», за что получил прозвище «Борис». «Отец научил меня не обращать внимания на то, что скажут соседи». Мать — Лаура Хокни — была вегетарианкой (редкость в то время) и методисткой, воспитывала детей в религиозном духе.

Скандал в Королевском колледже искусств Хокни отказался писать дипломную работу, заявив, что художника можно оценивать только по его работам. Администрация пригрозила, что не выдаст ему бумагу об окончании. Студент в знак протеста нарисовал скетч под названием «Дипломная работа» (The Diploma). Учитывая растущую уже в то время популярность Хокни, после скандала художник все-таки получил диплом.

Сказки В 1960-х Хокни работал как иллюстратор. По словам Хокни, он прочел все 350 сказок братьев Гримм. 39 офортов на медных пластинках были выполнены для шести из них: «Рапунцель», «Птица-найденыш», «Старый Ринкранк», «Маленький морской заяц», «О том, кто ходил страху учиться» и «Румпельштильцхен». Художник использовал старую и достаточно изощренную технику акватинты для того, чтобы добиться глубокого черного цвета.

Калифорния и мужская красота В Калифорнии Хокни прожил 30 лет, впервые приехав сюда в 1964 году. «Калифорния по-настоящему потрясла меня. Где-то в глубине себя я уже знал, что полюблю ее. Когда мой самолет пролетал над Сан-Бернардино, и я увидел бассейны и дома, и солнце — это взволновало меня больше, чем какой-либо другой город. Я никогда не видел таких домов». В Лос-Анджелесе Хокни начал писать натуралистичные произведения: на них были души и бассейны с прозрачной голубой водой, тропическая растительность и, конечно, мужские фигуры. В качестве набросков Хокни начал использовать полароидные снимки. Музой и любовником художника стал Питер Шлезингер, с которым он познакомился в 1966 году. В Калифорнии созданы знаковые работы: «Большой всплеск», «Калифорнийский коллекционер», «Питер вылезает из бассейна Ника», «Политая лужайка» и др.

Восемь раз на выставке Пикассо В 80-х Дэвид Хокни делал фотоколлажи, которые называл joiners (англ. «столяры»). Множество полароидных снимков одного и того же объекта художник разрезал на куски и воссоздавал первоначальное изображение уже в виде коллажа. Иногда фото могли делаться в разное время или с разного ракурса, что создавало ощущение «динамики изменений». Работы Хокни, выполненные в технике фотомонтажа, сравнивают с кубизмом, учитывая интерес художника к данному направлению: в 1960 году Хокни, по собственным воспоминаниям, восемь раз посетил выставку Пикассо в галерее Тейт. В 1985 году Дэвид Хокни сотрудничал с Vogue и даже сделал портрет Селии Биртвел в технике коллажа для обложки журнала. Хокни утверждает, что кубизм так и не получил должного развития, поскольку подавляющее большинство воспринимает его лишь как стиль, не более.

Тезис Хокни-Фалько В 2001 году Дэвид Хокни вместе с физиком Чарльзом М. Фалько (р. 1948), специалистом в области оптики тонких пленок, выдвинули теорию, которая впоследствии получила название «гипотеза Хокни-Фалько». Суть гипотезы была в том, что прогресс, достигнутый в западноевропейской реалистичной живописи с началом Ренессанса вызван исключительно техническим прогрессом (появлением камеры-обскура, камеры-люцида и сферических зеркал), а не эволюцией мастерства и талантом живописцев. Хокни опубликовал книгу «Тайное знание: восстановление утраченных техник старых мастеров» (англ. Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters, 2001).

После смерти любимой таксы Стэнли в 2004 году Хокни вернулся в Йоркшир и стал писать йоркширские пейзажи, мысленно возвращаясь назад в солнечные края. «Простая смена времен года становится чем-­то особенным для того, кто долго жил в Калифорнии». Оранжевые стволы, едко­-зеленая трава, фиолетовая земля, ярко­-бирюзовые деревья… Это полотно Хокни «Зимний лес» (2009). Британские тусклые кусты и травы предстают в пышном цвету, поля залиты солнцем — живопись в духе Ван Гога и примитивистов.

«Сборные» полотна Многие картины Хокни имеют гигантские размеры, составлены они могут быть из 6, 15, 32, 60 (!) холстов. Например, «Приход весны в Волдгейте», Восточный Йоркшир, 2011, достигает более 3 метров в высоту и 10 в длину. Все это для того, чтобы зритель мог «войти в пейзаж, ощутить себя внутри». Cвою самую большую картину — Bigger Trees Near Warter (4,6 на 12 метров) — Хокни подарил лондонской Tate. Дэвид Хокни также автор шестиметрового витража Вестминстерского аббатства.

С сигаретой в зубах Хокни — курильщик с огромным стажем, chain smoker, как говорят англичане. Активно выступал за отмену запрета на курение в пабах, утверждая, что это «уничтожит богемную жизнь».

«Я согласен со старой китайской истиной: живопись требует трех вещей — руки, глаза и сердца»

Акварель, масло и «цифра» Хокни, который, по его словам, «никогда не изменял живописи» и в совершенстве освоил жанр картины, еще и экспериментировал с Polaroid, факсом, компьютером, а в 73 года увлекся продукцией Apple — сделал серию пейзажей на iPhone и iPad при помощи приложения Brushes. С момента, когда он открыл для себя «цифровые игрушки», художник нарисовал сотни портретов, натюрмортов и пейзажей. «Потребовалось некоторое время, прежде чем я осознал, насколько это серьезный прибор. Я считаю это восхитительным изобретением».

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector