Живопись современного художника Александра Луфера

Живопись современного художника Александра Луфера

Путеводитель по наивному искусству

Н аивное искусство или искусство непрофессиональных художников нечасто попадает во внимание галеристов и арт-критиков. Однако работы наивистов, простые и открытые, могут быть не менее драматичны и даже художественно значимы, чем полотна признанных мастеров. О том, что такое наивное искусство и почему интересно за ним следить, — в материале портала «Культура.РФ».

Наивный — значит простой

Наивное искусство — это творчество художников без профессионального образования, которые при этом системно и постоянно занимаются живописью. В самом наиве можно выделить отдельные направления, например ар брют или аутсайдер-арт — искусство художников с психиатрическим диагнозом.

Очень важный вопрос для искусствоведов — как отличить наивиста от дилетанта. Критериями оценки творчества таких художников обычно служат самобытность и качество их работ. Большую роль играет и личность самого автора: посвятил ли он жизнь искусству, стремился ли что-то сказать в своих работах (живописных, графических, скульптурных).

Первый наивный

Наивное искусство существовало всегда. Наскальная живопись, палеолитическая скульптура и даже античные куросы и кариатиды — все это выполнено в примитивистской манере. Выделение наива как самостоятельного течения изобразительного искусства произошло не одномоментно: этот процесс занял более века и завершился в конце XIX столетия. Пионером этого новаторского течения стал Анри Руссо, французский художник-самоучка.

Руссо долгое время служил в таможне, уже в зрелом возрасте оставил профессию и серьезно занялся живописью. Впервые он пытался выставить некоторые работы в 1886 году на парижской «Выставке независимых», но был осмеян. А позже, в начале XX века, он познакомился с известными авангардистами, в том числе Робертом Делоне, который оценил смелый стиль Руссо. Авангардисты часто «вытаскивали» таких самобытных живописцев, как Руссо, помогали им развиваться и даже черпали в их работах, в их видении вдохновение для собственного художественного поиска. Вскоре работы Руссо начали пользоваться спросом, публика оценила оригинальность его сюжетов и особенно его работу с цветом.

В России наивное искусство предстало перед массовым зрителем на организованной художником Михаилом Ларионовым выставке «Мишень» 1913 года. Именно там впервые экспонировали работы Нико Пиросмани, которые привезли из Грузии братья Кирилл и Илья Зданевичи, художники и искусствоведы. До этой выставки публика не представляла, что любительское искусство могло быть больше, чем лубочные вывески и фольклорные росписи.

Наивные черты

Работы наивных мастеров часто объединяют атмосфера радости и восторженный взгляд на повседневную жизнь, яркий колорит и внимание к деталям, совмещение вымысла и реальности.

Многие классики отечественного наивного искусства кроме, пожалуй, Нико Пиросмани и Сосланбека Едзиева, прошло школу ЗНУИ — Заочного народного университета искусств. Он был основан в 1960 году на базе художественных курсов имени Надежды Крупской; в нем преподавали Роберт Фальк, Илья Машков, Кузьма Петров-Водкин и другие маститые авторы. Именно обучение в ЗНУИ давало наивистам возможность получить технические навыки, а также профессиональное мнение о своих работах.

Каждый наивист формируется как художник в некой изоляции, навсегда остается замкнут в рамках собственных идей и собственного стиля и может всю жизнь работать с кругом вечных тем. Так, работы Павла Леонова 1980-х и конца 1990-х годов мало чем отличаются: похожие композиции, похожие герои, все то же восприятие действительности, близкое к детскому. Разве что краски становятся более качественными, а холсты — масштабными. То же можно сказать об абсолютном большинстве наивистов. Даже на значимые общественные события они реагируют особенно: не меняют стилистику в зависимости от времени, а лишь добавляют в работы новые вещественные приметы эпохи. Как, например, классик наива Владимир Мелихов. Его работа «Раздвоение» — это прекрасная иллюстрация женской доли в Советском Союзе. На ней изображена женщина, которая буквально находится в двух местах одновременно: работает на заводе одной рукой, а второй — нянчит ребенка.

Наивные темы

Наивисты обращаются к общечеловеческим темам, близким каждому: рождение и смерть, любовь и дом. Их работы всегда понятны, поскольку художники стараются наиболее просто выражать волнующие их идеи, не углубляясь в символизм и скрытые смыслы.

Одним из первых сильных впечатлений наивного художника становится его выход в город, в социальную среду. Наивистам, которые, как правило, живут в деревне, свойственно идеализировать город, они пишут улицы и скверы светлыми, воздушными и причудливыми. Особенно художников, например Эльфриду Мильтс, вдохновляют технологические новшества — в частности, московское метро.

Еще одной общей для наивного искусства темой можно считать изображение человека — портреты и в особенности автопортреты. Наивистам присущ способ исследования мира через призму своей личности, собственного облика и облика окружающих людей. А также их интересует способ отражения внутреннего мира человека в его внешности. Поэтому работ портретного жанра дают возможность зрителю познакомиться с наивистами почти лично, узнать их такими, какими художники воспринимают самих себя. Замкнутость наивистов в собственном внутреннем мире иллюстрирует, например, автопортрет современного художника Александра Емельянова. Он изображает себя как совокупность образов и тем, к которым обращается.

Читать еще:  Животные и люди. Mikel Uribetxeberria (фотограф)

Почти все классики наивного искусства так или иначе интерпретируют тему детства. Наивисты всегда остаются детьми, поэтому связанные с этой идеей работы — трогательные и непосредственные — становятся некой точкой соприкосновения ребенка прошлого и ребенка нынешнего, до сих пор живущего в душе художника. Примечательно, что себя в образе ребенка наивисты почти никогда не пишут. Они концентрируются на окружающем мире, на портретах других детей, на изображении животных — на том, что можно увидеть в азбуке.

Следующая важная тема в наивном искусстве — тема застолья. Художники очень любят писать натюрморты, пиры, свадьбы и гулянья — особенно часто их можно увидеть на картинах Нико Пиросмани, Павла Леонова и Василия Григорьева, для которых застолье приобретает сакральный, евхаристический смысл. Пир любви, пир веселья, пир семейного круга — каждый художник находит в этой теме что-то очень личное и ценное. Как и в теме дома, семейного очага, который символизирует покой, уют и безопасность. В работах Павла Леонова, советская действительность всегда связана с радостью, праздниками и парадами. Даже труд Леонов изображает радостным и светлым.

Однако наивное искусство не всегда идиллическое. Например, аутсайдер-арт или ар брют зачастую оставляют у зрителя неясное тревожное ощущение. В этих работах не существует стройного и законченного мира — художники чаще всего концентрируются на одном мотиве или предмете и воспроизводят его в каждой работе. Для классика аутсайдер-арта Александра Лобанова таким объектом стала винтовка Мосина. Сам Лобанов из винтовки никогда не стрелял, да и в работах его нет ни войны, ни жестокости, ни боли. Этот предмет — словно артефакт, воплощение силы, как и активная советская символика, которая присутствует в абсолютном большинстве его работ.

Ключевые философские темы для художников — рождение и смерть. Наивисты обожествляют рождение человека, как физическое, так и личностное, сравнивают его с божественным зарождением жизни в общем. А уход человека они воспринимают с точки зрения оставшейся о нем памяти и боли. Так, например, на картине Светланы Никольской люди, облаченные в серое, контрастируют с насыщенно-красным фоном, прочесть их мысли или чувства невозможно — они будто окаменели.

Эпоха классического наива постепенно уходит. Сегодня столь закрытое и обособленное существование наивистов, каким оно было раньше, невозможно. Художники должны активно включаться в арт-процесс, понимать, что происходит на арт-рынке. Это не хорошо и не плохо — просто показатель времени. И тем ценнее будет каждое зрительское обращение к наивному искусству, пока оно окончательно не исчезло.

Автор: Екатерина Тарасова

Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала старшего научного сотрудника ММОМА, участника кураторской группы выставки «НАИВ…НО» Нину Лаврищеву и сотрудника Музея русского лубка и наивного искусства Марию Артамонову.

Русские пейзажи Александра Афонина, которого называют современным Шишкиным

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Александр Афонин (1966 г.р.) дар унаследовал от отца, учителя рисования, а мастерство развивал в художественной школе и училище родного города Курска. Окончив Московскую Академию живописи, ваяния и зодчества, остался в стенах Вуза на должности преподавателя на кафедре пейзажной живописи. Был удостоен звания доцента, профессора живописи, а позже заслуженного художника России. А на сегодняшний день он является руководителем пейзажной мастерской при академии живописи им. Глазунова и членом Международной федерации художников ЮНЕСКО.

Большую роль в становлении природного таланта Афонина сыграл метр русской живописи Илья Глазунов — ректор Академии, в которой учился Александр. Он своим студентам прививал любовь к России, к ее культурным и духовным ценностям. А среди лучших учеников Ильи Сергеевича, откликнувшихся на идею возрождения Отечества, был и Александр Афонин.

Дипломной работой выпускника Академии в 1995 году была картина «Есть на Волге утес. », показавшая истинное его мастерство и талант и, ставшая отправной точкой к вершине признания и популярности.

Ко всем своим заслугам Александр Павлович — постоянный участник отечественных и зарубежных художественных форумов и выставок. Репродукции его полотен изданы в персональных альбомах «Современный русский реализм» и «Александр и Сайда Афонины. Новые имена русского реализма».

А были времена, когда будучи студентом, Александр, чтобы заполучить альбом с репродукциями работ Шишкина, а стоил он намного больше, нежели была его стипендия, устроился на стройку подносить бетон. За смену так уставал, что валился с ног. Однако альбом был куплен и счастью студента Афонина не было предела.

Живопись Александра Павловича удивительно проста и реалистична. Его творения – гимн живой природе и ее красоте. Он, как когда-то и Иван Шишкин, в каждом своем творении возносит привычную всем красоту на достойное место в современном искусстве. Необъятные просторы русского пейзажа пленят зрителя своим размахом и панорамностью. И чтобы так великолепно передать примелькавшуюся простоту окружающего мира, художнику необходимо не только виртуозно владеть техникой, а и вложить кусочек своей души, своего мировоззрения.

Читать еще:  Искусство создания роскоши

Художник всегда отдавал предпочтение работе на пленэре, так как ничто не может заменить мастеру непосредственное общение с природой. «От копирования фотографических пейзажей художник незаметно для себя деградирует,— как-то высказался Александр Павлович.- Он утрачивает чувство свежести, ощущение воздуха. Недаром великие мастера, такие как Шишкин, Саврасов, Куинджи, Левитан, километры выхаживали в поисках натуры».

И что интересно, живописец постоянно находит такие образы в типичных русских пейзажах, которые сложно описать словами, их можно только прочувствовать всеми фибрами. Величие природы, воссозданной на полотнах, заставляет замирать сердце и с головой окунаться в ее простор, дышать ее атмосферой и наслаждаться мастерством талантливого живописца.

Специально для поклонников творчества великого Шишкина рассказ о том, какие личные драмы довели художника до отчаяния.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Знакомьтесь: молодые петербургские художники за которыми надо следить (а лучше коллекционировать)

Этих новых художников из Петербурга уже заметили галеристы. Значит, вам пора начать за ними следить (а лучше коллекционировать!). Бунт четырнадцати. Они получили академическое образование, при этом скрещивают новые медиа со старыми, делают инсталляции для рейвов, перформансы для БДТ и графику с лего-человечками. Новейшая классификация молодых и многобещающих петербургской арт-сцены: кто есть кто, что думают эксперты и (главное) где купить работы.

На Марине: жакет и юбка Belka Fashion, футболка Burberry (ДЛТ), цепь с кулоном и браслет Tous. На Егоре: рубашка и майка Helmut Lang, брюки Acne Studios (все — ДЛТ)

Новые графики

Графический факультет Академии художеств исправно поставляет арт-героев: самый медийный — бунтарь Леонид Цхэ, а за ним идет уже новая поросль.

Андрей Андреев. «Акт». Смешанная техника

Андрей Андреев

Смятые в «жвачку» цветные холсты Андрея показывала MIZK Gallery в новом московском галерейном кластере Cube — амбициозном проекте швейцарского коллекционера и российских арт-менеджеров. Музейная история у Андрея в наличии: на выставке «Гротеск. Радикальная текучесть» в МИСП «жвачки» соседствовали со второй звездой московского концептуализма после Ильи Кабакова Виктором Пивоваровым и экспонентом нынешней Венецианской биеннале Шишкиным-Хокусаем.
Где купить: pop/off/art gallery и MIZK Gallery, Москва

Matiush first. Из серии «Зимний сад»

Matiush first

Матиуш Первый, или Matiush first, — маленький король из сказки Януша Корчака, а еще псевдоним студентки кафедры графики Валерии Кузнецовой. Художница вдохновляется цветами и текстурами Дэвида Хокни, самого дорогого современного художника, и эстетикой японской графики. Кстати, работы Matiush first хорошо продавались на прошлогодней ярмарке современного искусства Cosmoscow — единственной приличной в стране.
Где купить: галерея Pink Pong, Москва

Татьяна Черномордова. Из серии «Площадки». Масло на дереве

Добрая живопись художника-самоучки Андрея Репникова

Живопись Андрея Репникова, выполненная в романтическом и юмористическом жанре, напоминает то ли открытки «Союзпечати», то ли кадры из старых мультфильмов. Особенно уносят в детство его альбомы «Сказочно-прекрасный» и «Колбаскин и компания».

Андрей Репников родился 28 июня 1963 года. Живет в Москве. Живопись стала его главным занятием с 1990 года. С тех пор автор написал свыше 5000 картин. Его работы участвуют в выставках, пополняют частные коллекции, хранятся в музее Ивана Бунина.

Творчество российского художника полнится добрым юмором, знакомыми персонажами и сценами. В репертуаре Репникова также природные пейзажи, морские сюжеты, городские улицы, монастыри и люди. Особенного народного признания удостоились его серии картин «Колбаскин и компания» и «Сказочно-прекрасный». Их герои искренни и добродушны, всем своим видом они «рассказывают» нам свои забавные истории, из которых складываются незатейливые сюжеты картин. Работы художника в Instagram и Gallerix.ru.

Люся — балетная фурия.

В гости к Винни Пуху просто так без дня рожденья.

Лечебная картина про деревню.

В стремлении понравиться, или Как куры нессуццо (- Мадам! я бежал за Вами три дня и три ночи, что бы сказать… как Вы мне безразл…)

Хомяки… тоже люди!

Ежик — птица гордая.

Волшебный сон Бабайки.

Три поросенка из оркестра клуба им. Всего Изящного (- Привет, девчонки!)

Василий мог делать два дела одновременно: спать и опаздывать на работу.

День рождения Кота.

Новогодняя морковка (- Ну ты кролику морковь кинул? — Нет! Она к рукам примерзлаааа)

В город за конфетами.

Арбуз для Мальвины (или кошмарный сон Бобика).

Картина великолепной зимы (или падение веселого грузина).

Ух ты… снег пошел!

Гуляем без фанатизма (антикорпоративная живопись).

Танец снежинок. Исполняют маститые самоучки.

Дедов гулена и бабкин домосед.

«Вы сечас кудой идети?» — Знакомился я запросто…

А вы Винни Пуха не видели?

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Читать еще:  Изобразительное искусство Канады. Elizabeth Elkin

Путь старых мастеров. Александр
Жерноклюев

Настоящее творчество — это всегда вызов. Это развитие традиций, их нарушение, переосмысление. Художник Александр Жерноклюев уже не раз обращался к мастерам старой школы. Я говорил с ним об этом пару лет назад в его студии. Наверное, поэтому мне было так интересно посетить новую выставку «Исследования старых мастеров», которая в прошлую пятницу открылась в Москве в Фонде развития русской культуры «Крафт-Павлова».

Вводная закончена. Время признаний и откровений. А считаю Александра одним из самых талантливых современных художников в России. Это, конечно, только моё мнение, навязывать не смею. Даже понятно, чем продиктована моя симпатия. Ещё в первую нашу встречу мы долго говорили о старых мастерах, об их технике, о том, как важно понимать, что сделали Рембрандт, Веласкес и другие для живописи.

Ничто новое не существует без старого. Новое здание без фундамента не возвести. Впрочем, достаточно прописных истин. Давайте примеры приведём.

Живописцы регулярно учатся друг у друга. Рембрандт, к примеру, повлиял на стольких мастеров, что, если всех перечислять, и огромной статьи не хватит. Вот только несколько имён. Илья Репин, Винсент ван Гог, Хаим Сутин, Николай Ге.

Главным героем нынешней выставки Александра Жерноклюева, бесспорно, стал Диего Веласкес. А анализ работ мастера такой величины — это всегда очень трудное занятие. Сколько великих художников училось на работах старого испанца? Франсиско Гойя, Теодор Жеррико, Френсис Бекон. Всех не перечислишь.

И на выставке Жерноклюева Веласкес встречает вас сразу. Причём в очень интересном виде. Прямо со стены в большом зале на вас смотрит «Портрет папы Иннокентия X». В вариации художника картина названа «Веласкес. Композиция 5».

Тут нужно сказать, что этот портрет кисти старого испанца не давал покоя очень многим мастерам. Его обожал Валентин Серов, Эдуард Мане. А вот Френсис Бэкон был буквально одержим им. В период с 50-х до начала 60-х годов XX века он создал множество вариантов этой картины. При этом интересно, что вживую он полотно Веласкеса не видел. Британский художник специально не хотел этого. Он боялся, что технические нюансы, на которые он обратит внимание, могут разрушить его собственное мнение, личное впечатление. Серия полотен Бэкона — это, прежде всего, внутренний диалог с шедевром, который, подобно каждой великой картине, давно уже начал жить собственной жизнью.

Александр Жерноклюев ведет свой диалог с Веласкесом, говорит с ним своим языком. Ему, прежде всего, интересно было понять, как бы полотна мастера могли выглядеть в наши дни, когда существует уже большое разнообразие техник, инструментов и стилей. Вот что он сам говорит по этому поводу: «Я дошёл до такого состояния своих живописных навыков, что пора было переходить к какому-то разговору, хотелось исследования, познания…»

В его варианте «Портрета Иннокентия X» много отсылок к собственному творчеству. Например, к серии «Красные матросы». Этот диалог уникален и интересен.

Меня же больше всего на выставке поразили небольшие портреты, выделенные в отдельную серию: «Веласкес. Композиция 6». Особенно запомнились «Часть 2» и «Часть 5».

Ведь есть одна важная вещь в настоящей живописи. Она должна производить на нас эффект приковывать наше внимание. Делать так, что мы не можем оторвать глаз от картины. Стоим и смотрим на неё.

Мне повезло. Впервые я увидел эти картины Александра Жерноклюева ещё пару месяцев назад. В его студии. Ещё тогда я пристально рассматривал их. А на выставке, при правильно выставленном освещении, эффект только усилился. Почти всё время я простоял рядом с этими небольшими портретами.

Всё дело в том, что я увидел то, что на-настоящему поразило меня. Увидел работу настоящего мастера. Действительно, первопричиной был Веласкес. Но из диалога старого и современного художника родилось нечто новое. Нечто невообразимое. И я говорю не о смешении техник, я говорю о конечном результате с эстетической точки зрения. Когда портрет, несмотря на то, что в нём отсутствует реалистичность изображения, начинает говорить с вами. Устанавливает зрительный контакт.

Происходит то, что можно назвать разрушением времени. Когда визуальный образ вызывает такой поток ассоциаций, что изменяется само восприятие действительности. Время истончается, растягивается, становится незаметным. Вы в прошлом, в вашем воображении, в представлениях о будущем. Вас бросает из одного в другое. Это можно сравнить с маятником. Картина — место его крепления. Колебания затихают и вы снова перед полотном. Только уже немного иной. Ведь говорили без слов, но лично с вами, основываясь на ваших знаниях, вашем опыте. Так рождается настоящее искусство.

Это то, что так редко можно увидеть сегодня. Что-то настоящее в мире, где сегодня так много фальшивого. Приходите. Посмотрите на это сами. Выставка проходит в Фонде развития русской культуры «Крафт-Павлова» по адресу город Москва, улица Покровка 1/13/6, с2 до 15 февраля 2019 года.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector