Carlos Villabon. Испанский художник. Акрил

Carlos Villabon. Испанский художник. Акрил

В Испании неудачно отреставрировали статую на историческом здании. Теперь ее сравнивают с картошкой и Трампом

Реставратор-любитель изуродовал статую 1923 года в испанском городе Паленсия, пишет The Art Newspaper. Первым на это обратил внимание художник Антонио Гузман Капель, он опубликовал снимки скульптуры в своем фейсбуке

Фигура, украшающая фасад здания, где сейчас находится главный офис местного банка, раньше изображала улыбающуюся женщину, замечает The Art Newspaper. После неудачной реставрации ее начали сравнивать с мультипликационным персонажем, картошкой и президентом США Дональдом Трампом. Имя человека, отреставрировавшего статую, не сообщается.

В Профессиональной ассоциации по сохранению и реставрации культурного наследия Испании заявили, что это не профессиональная реставрация. Вице-президент организации Мария Борхас заметила, что неудачные реставрационные работы в стране проводят слишком часто. По ее словам, культурное наследие Испании оказалось в уязвимой ситуации.

Что еще известно:

Ранее реставраторы-любители испортили несколько исторических памятников в Испании. Так, в 2021 году пенсионерка Сесилия Хименес «восстановила» пострадавшую от влажности фреску Ecce Homo в городе Борха, после чего картину стали называть «Пушистым Иисусом» и «Обезьяньим Христом».

It’s a botch-up! Monkey Christ and the worst art repairs of all time
«As another religious painting restoration goes horribly wrong, we take a look at some of the finest examples of butchered statues, art installations and frescoes.»https://t.co/aZy3QEwcNU pic.twitter.com/cLmUhi1J93

В 2018-м в одном из храмов Эстельи отреставрировали статую святого Георгия 16-го века, в результате чего его лицо стало ярко-розовым, а шлем — светло-голубым. В 2020-м реставратор мебели из Валенсии испортил копию картины «Непорочное зачатие» с лицом Мадонны, которое тоже стало похоже на картошку.

By the same artist who gave St George a makeover?
16C wooden sculpture, Estella, Spain. pic.twitter.com/5ANAs9w5Hh

— The Countryman magazine (@Countrymaned) February 6, 2019

The original is on the left. The two attempts at «restoring» it are on the right. Ouch.
«Experts call for regulation after latest botched art restoration in Spain: Immaculate Conception painting by Murillo reportedly cleaned by furniture restorer.»https://t.co/t3kAIZYnNS pic.twitter.com/m8Kabrt7Qu

— Mark Rees (@reviewwales) June 22, 2020

Следить за событиями удобно в нашем новостном телеграм-канале. Присоединяйтесь

vanatik05

vanatik05 (Nataly)

«Сколько же полотен
Этих светогамм!
Благодарна, Господи!
Только б свет звучал.
Как палитра многогранна
Звукополотна!
Цветовые звукопятна,
Все звукотона. «

ХОАКИН ТУРИНА

Мы уже говорили раньше о немецком, американском и итальянском направлениях импрессионизма, каждый из них, родившийся от французского, имел свои особенности, вспомните социальную и политическую направленность итальянских сюжетов или характерную немецкую экспрессивность. Пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников, многие из них долгие годы жили и работали в Париже, в отличие от итальянцев они много путешествовали, разнообразная природа Испании привлекала их своими пейзажами, стиль многих из них был более размашистым, они использовали более интенсивный цвет, чем французы, любили яркий белый, насыщенный красный, «вибрирующие» поверхности, «искры» на воде, солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах «отражался воздух Испании».

.

Большая заслуга в этом принадлежит не только великим предшественникам импрессионистов, например Веласкесу, но и их современнику и учителю бельгийского происхождения, большую часть жизни прожившему в Испании — CARLOS DE HAES (1826-1898). Его называли «первооткрывателем испанского ландшафта» и проводником идеи работы на пленэре.

Одним из первых его учеников был Мартин Рико (1833-1908), родившийся в артистической семье, получивший первоначальное художественное образование в Школе изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился у своего брата Бернардо и работал как рисовальщик и гравер. Мартин начинал как последователь Барбизонской школы и Тернера, под влиянием его работ пейзажи Рико становятся более «очеловеченными»,

а его путешествия по Европе, знакомство с художниками разных направлений, особенно с Писсарро, все больше склоняют его к импрессионизму. Он очень много времени проводит в Англии, Франции, Швейцарии.

Любимым и последним местом в его жизни становится Венеция, которую он воспел в многочисленных картинах,

получивших признание зрителей и критики, и имевших особенный успех в США, где находится большинство его работ того периода.

Ignacio Pinazo Camarlench (1849 — 1916), один из самых известных художников Валенсии, родился в бедной семье и вынужден был с раннего возраста зарабатывать на жизнь укладчиком декоративной плитки и ювелирными работами по серебру. После смерти родителей он жил с дедушкой и бабушкой, страсть к рисованию привела его в Художественную академию Сан-Карлос в Валенсии, он обеспечивал свое существование в это время изготовлением шляп. Первый успех пришел к нему в возрасте 21 года на Национальной выставке в Барселоне.

После пятилетнего пребывания в Италии Игнасио вернулся на родину, резко изменив свои пристрастия: вместо обычных для него исторических тем он перешел к семейным сюжетам, сценам из повседневной жизни и обнаженной натуре.

Это было уже началом более интимного импрессионистского направления не только по сюжетам, но и по более живому, рыхлому стилю, использованию пленэра, хотя у него все еще преобладали более темные краски, характерные для классической испанской живописи.

Луис Хименес Аранда (1845 — 1928), родился в Севилье, в семье художников и первые навыки рисования получил у своего брата Хосе, а затем продолжил свое образование в Академии искусств Севильи. После завершения учебы, он переехал в Мадрид, где в течение непродолжительного периода жил и знакомился с творчеством испанских мастеров в музее Прадо.

Читать еще:  Andy Rudak. Картонные города

В 1867 году он отправился в Рим для дальнейшего изучения живописи, написав несколько картин, имевших успех на мадридских выставках. В Италии он находит свой стиль и темы, рисуя бытовые сцены в элегантных интерьерах и садах 18-го века.

В 1874 году Хименес впервые приезжает в Париж, чтобы заключить контракт с артдилерами на продажу своих картин. В 1876 Луис поселился в Париже, и уже в следующем году начинает выставляться в Парижском Салоне, пользуясь репутацией мастера, сильного в характеристике изображаемых лиц и происшествий, блестящего в колорите и виртуозно владеющего кистью.

С 1890 года Хименес, благодаря знакомству со многими парижскими художниками и увлечению творчеством Сорольи, заинтересовался передачей света и «воздуха» в работах импрессионистов, что и привело его окончательно в их лагерь.

Теперь я перехожу к трем художникам, которые работали в основном в Испании и смогли передать ее образ, ее дух, ее ландшафты в своих картинах очень по-разному, но ярче всех представляли своими работами импрессионистское направление в испанской живописи того времени. Это художники Beruete, Sorolla и Regoyos.

Laureano Barrau (1863 — 1957), родился в буржуазной семье, учился в Школе изящных искусств в Барселоне, а после переезда в Мадрид изучал живопись по картинам великих мастеров в Прадо. Начав затем учиться в Париже в Художественной Академии у знаменитого Жерома, он уже спустя два года получает Римскую премию в Барселоне, давшую ему возможность продолжить изучение теперь уже великих итальянских мастеров.

Он приобретает известность и награды в главных городах Европы и уже с 28 лет участвует в выставках Парижского Салона изящных искусств.

В 47 лет Барро поселяется с семьей на острове Ибица, очарованный его красотой, он пишет там свои лучшие работы, наполненные светом и цветом, и остается там до конца жизни.

Там же после его смерти жена открывает в 1963 году рядом со старой четырехсотлетней церковью музей, в котором хранится около 200 его картин.

На мой взгляд, его работы прекрасны, эмоциональны, радостны, пронизаны светом и лучше всего соответствуют понятию «импрессионистский стиль».

Joaquín Sorolla y Bastida (1863 — 1923) родился в Валенсии в семье торговца. Уже через 2 года он и его младшая сестра остались сиротами после смерти родителей, вероятно, от холеры, и их воспитывали родственники матери. С 9 лет у Хоакина проявились художественные наклонности и он начинает получать образование сначала в своем городе, а 18 лет оправляется в Мадрид изучать наследие великих испанцев в Прадо.

После службы в армии, благодаря полученному гранту, он в течение четырех лет учится живописи в Испанской академии в Риме, ненадолго едет в Париж, где происходит его первое знакомство с современной французской живописью.

В 1988 году Соролья возвращается в Валенсию, женится, у него рождаются один за другим трое детей, а в 1985 году вся семья переезжает в Мадрид, где он увлечен написанием больших полотен на исторические и мифологические темы, успешно участвует в выставках в Мадриде, Европе и США.

Вскоре он становится признанным главой современной испанской школы живописи, выставляется в Париже на Всемирной выставке, за участие в которой награждается почетной медалью и орденом Почетного легиона, становится членом сразу трех академий — Парижа, Лиссабона и родной Валенсии.

Участие Сорольи в 1906 году в большой выставке (около 500 его работ) в Париже, принесло ему звание «Офицера ордена Почетного легиона». В 1911 году он начал большую серию картин об Испании по контракту с американским магнатом и меценатом Хангтингтоном. В этих работах, которые были закончены в 1919 году, с любовью и вдохновением представлена жизнь и природа испанских провинций.

Три последних года жизни художник был парализован после инсульта, случившего у него во время работы в саду за мольбертом. Он оставил после себя свыше двух тысяч произведений, все оставшиеся работы вдова передала в дар Испанской республике, и они составили основную коллекцию Музея Сорольи в его доме в Мадриде.

О третьем художнике из триумвирата наиболее знаменитых, Darío de Regoyos, и о современных испанских импрессионистах я расскажу во второй части.
Как всегда,предлагаю посмотреть слайдшоу, в котором в три раза больше репродукций и музыка Мануэля де Фальи.

Невероятный тропический дом художника Карлоса Паез Виларо

Художник Карлос Паез Виларо родился в Монтевидео, Уругвай в 1923 году. Он купил землю вдоль восточного побережья живописного Пунта Баллена в 1958 году, и построил там маленький деревянный домик, который в течение долгого времени назывался.

Художник Карлос Паез Виларо родился в Монтевидео, Уругвай в 1923 году. Он купил землю вдоль восточного побережья живописного Пунта Баллена в 1958 году, и построил там маленький деревянный домик, который в течение долгого времени назывался “Casapueblo” (“Деревянный дом”).

Это побеленная структура, напоминающая о Микенах в Греции, была построена шаг за шагом самим художником, затем это место стало для него не только домом, но и студией-музеем. Постепенно он добавлял комнаты для гостей и к 1968 году этот маленький домик увеличился. А еще позже он открыл часть часть Casapueblo для туристов в качестве отеля. Вышеупомянутая фотография и есть его первое создание по имени “Casapueblo” в Уругвае. Фотографии ниже — так же его работа, которая расположена в аргентинском Буэнос-Айресе. Дом назвали “Bengala” в честь бенгальского тигра. Оригинальное сооружение находится на краю огромного сада, скрытого в тропическом лесу. Дом с галереями и куполами был разработан в стиле предыдущей его работы — Casapueblo.

Читать еще:  "Русалка". Валерий Петров

Еще одно необычное строение расположено возле дома “Bengala”, оно использовалось в качестве студии художника.

В круглой гостиной, в сердце дома Bengala, естественный свет проникает прямо сквозь крышу:

Это куполообразный потолок в гостиной:

Круглые линии и текстурированные стены окутывают каждую комнату дома, где царит атмосфера уюта и тепла.

Каждый угол — новое открытие. Позади бара пристроена старинная решетка от поезда.

С парадной двери видна лестница, так же отображающая овальные черты дома. Она открывает перед нами библиотеку украшенную статуями и тотемами, которые были привезены из Африки.

Эта большая прихожая ведет в гомнату для гостей.

Этот коридор соединяет главный сектор с пансионами, который действует в качестве отдельного дома с гостиной, кухней и даже с собственным баром.

Вот спальня для гостей, где сохраняется стиль, присутствующий во всем доме, однако художник отошел от традиционно белого цвета стен:

Эта спальня находится в отдельном строении, неподалеку от главного дома, через плантации сахарного тростника.

Стол отделан керамической плиткой и заключен в капсулу вокруг фигового дерева и пальм, которые работают как естественный пляжный зонтик. Стулья, сделанные из ивового прута, приглашают Вас в спокойную окружающую среду.

Все спальни наверху приводят к большой террасе, которая располагается среди белых куполов.

Цементные купола были перфорированы с яркими кристаллами, вдохновленные коралловыми рифами и морскими животными.

Почему уничтожили полотно Пикассо, и как его вернула нейросеть

Коллаж © LIFE. Фото © Imagno / Getty Images, © Архив

» src=»https://static.life.ru/posts/2019/09/1244471/f2e1be41765dd03423525f91f2efde87.jpg» loading=»lazy» style=»width:100%;height:100%;object-fit:cover»/>

Видели полотно «Старый гитарист»? Если да, то вы знаете, о чём речь. Если нет — посмотрите внимательно. И ещё раз. Очень внимательно.

Эту картину Пабло Пикассо написал, когда ему было 22. И, как вы уже поняли, ему тогда было очень плохо. Вообще, весь «голубой период» надо понимать не только в смысле цветовой гаммы, но и в смысле «грустный».

На самом деле начиналось всё довольно бодро и весело: уже и Королевская академия изящных искусств в Мадриде успела надоесть, и приехал в Барселону, и выставки персональные, и любимое кафе «Четыре кота», и бордели, и всё прочее для искусства и вдохновения. А главное — друг был. Тоже художник, конечно. Звали его Карлос Касагемас. Посмотрите, какие картины писал.

Они с Пикассо очень дружили. А Карлос любил одну девушку. Жермен. Жермену Гаргальо. Ударение на последний слог — француженка. Танцовщица. Они одно время все вместе где-то «тусили», и 19-летний Касагемас влюбился безоглядно и навсегда. А она отвергала. Может быть, вся беда в том, что у мальчика были проблемы с потенцией, а может, просто сердцу не прикажешь, кто знает. Страдал невыразимо. Писал ей письма. Предлагал замуж. Пикассо, само собой, как мог поддерживал. Однажды друзья вместе провели Рождество, а потом поехали к родственникам Пикассо в Малагу Новый год встречать. Но там как-то Касагемас не очень красиво себя повёл, и Пикассо в сердцах его выпроводил. Друг уехал, отправился прямиком в Париж к Жермен и получил очередной отказ. Тогда Касагемас объявил, что возвращается в Испанию, и устроил прощальный ужин. Пригласил друзей и эту девушку. Пикассо там не было. И вот на этой вечеринке, действительно прощальной, художник в последний раз просит её выйти за него. Она говорит «нет», он достаёт пистолет и стреляет. Сначала в неё, потом в себя. В неё не попал. Умер в больнице.

Картина Пабло Пикассо «Смерть Касагемаса», 1901. Фото © «Артхив»

Если бы не это, вероятно, не было бы никакого «голубого периода». Конечно, Пикассо горевал и винил себя. На первых картинах, написанных после этого, — собственно Касагемас в гробу. На одной — с простреленным виском, на другой рядом плакальщицы, а наверху на небо его провожают три голые девицы в чулках, по мнению искусствоведов, подруги его и Пабло, и одна из них — Жермен.

Картина Пабло Пикассо «Похороны Касагемаса», 1901. Фото © «Артхив»

Потом Пикассо ещё много раз его писал. Судя по этим картинам, красивый был молодой человек. Выразительное лицо. Взять хотя бы широко известную поразительную (простите за субъективное мнение) картину «Жизнь». У парня, который обнимает девушку, лицо тоже — Касагемаса.

Картина Пабло Пикассо «Жизнь», 1903. Фото © Flickr/NichoDesign

И на всех картинах «голубого периода» — то же страдание, та же боль. И ещё немощь. Старость. Часто изображал слепых. Всё это одно большое размышление о жизни.

Читать еще:  Francois Brunelle. Мы не похожи друг на друга!

И вот наконец мы смотрим на «Слепого гитариста», картину 1903 года. Три года прошло, а краски те же. Музыкант повесил голову так, как будто умер, играя. Не доиграв. Худые ноги и руки, длинные пальцы — всё это искусствоведам и вообще понимающим в живописи людям напоминает Эль Греко. Пикассо им восхищался. Да… Так вот, видим седую голову, шею… Заметили, да? Там лицо. В смысле не лицо гитариста, там виднеется какое-то другое. Женское. А если на гитару посмотреть, то просматривается вроде как нога. Когда полотно «просветили» рентгеном, убедились, что так и есть: под одной картиной прячется другая.

Эксперты говорят, объясняется это весьма прозаично: в те времена Пикассо был нищим и у него просто не хватало денег на новые холсты. Он рисовал женщину, кормящую ребёнка грудью, а потом решил создать новое произведение, но было не на чем. И он решил, что этой работой можно пожертвовать. Только в мире искусства с этим категорически не согласны.

Эту женщину решили вернуть. Но до сих пор это было практически невозможно: силуэт слишком смутный, какие краски использовались, непонятно. По сути это означает, что нужно было писать картину заново. Но ведь ни один человек не сможет повторить Пикассо при всём желании: это будет другой человек, у него другая жизнь. Всё другое. Вот именно. Ни один человек. Через сотню лет после смерти Касагемаса настало новое время. И новые люди задались вопросом: а что, если восстановлением картины займётся не человек? И они познакомили с шедеврами живописи нейросеть — сеть искусственных нейронов. По образу и подобию мозга. Ещё не разум, скорее, идеальная машина для объективной обработки информации. В ней не хранится память о том, как мать рассказывала сказки, нет воспоминаний о погибшем друге. Нет никакого личного восприятия. Нет своей жизни. Есть только картины Пикассо. Искусственный интеллект «просканировал» весь «голубой период». От него не ускользнуло ничто: машина. А потом ему показали силуэт и дали задание — закончить работу так, как это сделал бы автор всех этих картин. И вот что скрывалось за слепым одиноким человеком и гитарой, по его скромному искусственному мнению.

В целом получается в том же духе — сплошное одиночество и тоска, верно? Правда, говорили, что у неё ребёнок должен был быть на руках. Это, наверное, она его правой рукой держит. Разработчики подчёркивают, что никто не претендует ни на какую нейросетевую гениальность и вообще не решится окончательно и бесповоротно объявить, что картина была именно такой. Но для истории искусства — пригодится.

Нежные женские образы в картинах испанского художника Vicente Romero Redonto

Сейчас идет тематическая неделя на тему Испания, поэтому самое время поговорить о художниках этой страны.

Удивительные женские образы в картинах Vicente Romero Redonto поразили меня чистотой и нежностью, просто глаз не оторвать. И я не могла не познакомить вас с ними.

Vicente Romero Redondo испанский художник родился в Мадриде в 1956 году. С раннего детства мечтал заниматься живописью. В 1982 году получил диплом с отличием факультета изобразительного искусства в «Сан-Фернандо», самой престижной художественной школе в Испании. Сальвадор Дали тоже учился там. В течение первых лет учебы посвятил всё свое время скульптуре, пока не осознал, что только в живописи он может выразить все свои чувства!

Он обязан своей технике масляной живописи академической подготовке, хотя в большей степени изучал пастель, которую он находит более привлекательной и спонтанной. Недавно Vicente вернулся к использованию масла в своих работах (что было забыто в последние 4 года), тем самым производя взаимосвязь между этими двумя методами.

В конце восьмидесятых Ромеро и его жена обосновались на побережье Коста Брава, выбрав светлое и тихое место для своей студии, творчества и вдохновения. И с переездом начался новый этап в его творческой жизни. Красоты Средиземноморья, прекрасный ландшафт, красота моделей — стали идеальными условия для написания его картин.

В каждой женщине есть свои прекрасные черты! И Винсент как-то особенно трогательно чувствует и передает в своих работах самую суть женщины — любить, быть любимой женщиной и матерью! Для него женщина — абсолютный источник вдохновенья, загадка для природы, которую он всю жизнь пытается разгадать.

Его морская серия мне больше всего понравилась. Может быть потому что я очень люблю море!

Сразу представила себя на месте этих девушек и внутренне улыбнулась.

Чувствуется как дует легкий ветерок, слегка набегают волны, а ты гуляешь с босыми ногами по теплому песку и наслаждаешься жизнью.

Да, я поняла в чем секрет успеха его работ. В них есть любовь! Винсент показывает женщину легкой и красивой во всех проявлениях жизни. Он любуется каждым моментом, наблюдает, как любимая спит, играет с ребенком, работает и отдыхает. А еще в его творениях много солнечного света и пастельная цветовая гамма, отчего они очень уютные.

Предлагаю вам полюбоваться красотой, грацией и элегантностью женщин глазами Vicente Romero.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector