Christian Gaillard. Современный французский художник

Christian Gaillard. Современный французский художник

«Костюмы огней» и испанская страсть от художника Кристиана Гайара

Подборка с тореодорами от Кристиана Гайара.

Кристиан Гайар – современный французский художник, прославившийся на весь мир потрясающими картинами на испанскую тематику. Мы расскажем вам о любимой теме Гайара — о матадорах.

Кристиан Гайар прославился на весь мир потрясающими картинами на испанскую тематику, выполненными в гиперреалистической технике. Смотря на полотна, сложно ощутить грань между реальностью и территорией живописи.

Кристиан Гайар родился Авиньоне (Франция) в 1951 году. В 22 года он начал карьеру иллюстратора, работал в известных рекламных агентствах Франции и украшал обложки престижных журналов своими рисунками. Немного позже он был награжден Академией графического дизайна Mecanorma премией «Иллюстратор года».

Работы Гайара невероятно популярны и разбросаны по частным и музейным коллекциям всего мира. На сегодняшний день галерея француза насчитывает более 140 картин. Прославился Гайар благодаря тому, что на картинах он изображает колоритных испанцев и испанок с огнем в глазах и страстью в жестах. Все картины выполнены в впечатляющем реалистическом стиле, и их легко можно спутать с фотографиями. Героями полотен Гайара стали как темпераментные мужчины, так и утонченные женщины, но особенно впечатляют картины с матадорами.

Бесстрашные тореро стоят к зрителям спиной и демонстрируют свои потрясающие костюмы. Выбор подобного ракурса создает впечатление, будто укротителя быков застали в самой непринужденной и живой позе, и он вот-вот повернется к нам лицом. Конечно, отдельного внимания заслуживает разнообразие облачений матадоров. Каждый костюм изумителен и неповторим. Гайар не имеет страха избыточности: он не скупится на золото костюмов и хрустальные слезы на лицах Мадонн, поэтому все детали выглядят гиперреалистично. Женские силуэты Гайара умело сочетают в себе силу и изящность. Напряженные руки танцовщиц фламенко, непосредственные взгляды девушек, которых застали за облачением в яркие костюмы, женственные силуэты подобные испанским гитарам – все это создает драму прямо в пространстве полотен.

Топ-5 французских художников, которыми гордится Франция

Франция подарила миру множество ярких самобытных художников. И это не только импрессионисты, пошатнувшие многовековые традиции. Страна соседствует с колыбелью живописи — прекрасной Италией. Поэтому неудивительно, что эпоха Возрождения оказала большое влияние на творческих людей. Но национальной оригинальной школы не сформировалось, Франция не может похвастаться мастерами, превосходящими талантом знаменитого Леонардо да Винчи или Караваджо. Свой вклад в мировое искусство уроженцы этой солнечной страны внесли в другое время.

Бартелеми д’Эйк

Бартелеми д’Эйк (Barthelemi d’Eyck), творчество которого относят к авиньонской школе, известен как придворный художник французского короля Рене Доброго. Интересно то, что Бартелеми д’Эйк никогда не ставил подпись на созданных полотнах. Поэтому известно совсем немного его картин, авторство которых искусствоведы признали безоговорочно. Наиболее интересные работы: «Распятие», «Святое семейство».

Бартелеми д’Эйка называют самым ярким представителем провансальского искусства XV века.

Эдуард Мане

Художник прославился как один из главных вдохновителей импрессионизма. Именно благодаря этому направлению в живописи Франция ворвалась на пьедестал модного искусства, опередив свою вечную соперницу — Италию. Сам Эдуард Мане (Edouard Manet) не считал себя бунтарем и на лидерство среди молодых французских художников, бросивших вызов буржуазным вкусам, не претендовал. Фрондерство было не свойственно его характеру. Грезил об официальном признании. И оно пришло, но для этого потребовалась почти вся жизнь.

В работах много экспериментировал с цветом. Он не старался передать на холсте так называемый природный оттенок. Давал волю фантазии. Если свинцовое небо не вдохновляло, на пейзаже возникала лазурь. Публика же требовала от художника фотографической точности.

Мане удалось изменить представление о предназначении живописи. Он отстоял право не прогибаться, а писать так, как видится внутреннему взору. И продолжал работать, наплевав на принятые шаблоны и традиции.

Огюст Ренуар

Импрессионизм называют самым радостным направлением в живописи. А наиболее позитивным и светлым художником той эпохи был Ренуар (Pierre-Auguste Renoir). В его работах полностью отсутствует негатив. Даже от использования черной краски он отказался. Проповедовал легкое, беззаботное отношение к жизни. Умел разглядеть прекрасное в банальном и привычном.

Ренуар любил людей, поэтому они присутствуют практически на каждой картине. Пейзажи использовал скорее как фон. На его работах радуются жизни парижане, друзья и знакомые художника.

Читать еще:  Jose De la Barra. Магической мир

Еще одно направление в живописи, которое принесло известность Ренуару — жанр ню. Его обнаженные женщины всегда прекрасны.

Ренуар — один из тех счастливцев, кому удалось при жизни купаться в лучах славы, увидеть собственные работы в знаменитом Лувре.

Поль Гоген

Поль Гоген (Paul Gauguin) — художник, принесший известность Франции уже после смерти. В начале творчества был близок к импрессионистам. В этой стилистике написаны знаменитые работы «Прекрасная Анжела», «Женщина с плодом манго». Но живопись в то время не была его основным занятием, на жизнь зарабатывал игрой на бирже.

В городе чувствовал себя несчастным. Имея в родословной корни свободолюбивых индейцев Перу, он стремился порвать с цивилизацией. Принял решение перебраться на Таити. Свои самые гениальные картины Гоген написал в Океании. Известно более 80 работ, созданных там. В том числе и полотно «Когда свадьба», проданное на аукционе за рекордные 300 млн долларов.

Паскаль Чове

Паскаль Чове (Pascal Chove) — известный современный французский художник. Предпочитает для своих работ использовать не привычный холст, а деревянные панели. Интересен его способ создания картин: к написанию подходит как архитектор. Центр вырисовывается наиболее тщательно, даже реалистично. Чем ближе к периферии, фигуры и предметы становятся более размыты.

В начале своей карьеры делал ставку на пейзажи. Но вот уже несколько лет работает исключительно над женскими портретами. В них и находит вдохновение. Фрески поражают нежностью и восхищением. От его девушек веет утренней свежестью и умиротворенностью.

Обратите внимание — портреты Паскаль Чове выполняет в трехмерной перспективе.

Тема: Эротические иллюстрации художников

Опции темы
Отображение
  • Линейный вид
  • Комбинированный вид
  • Древовидный вид

Эротические иллюстрации художников

ИЛЛЮСТРАЦИИ ПОЛЯ-ЭМИЛЯ БЕКА

21 Октября 2010 г.

Paul-Emile Becat (1885 — 1960)

Французский живописец и график Поль-Эмиль Бека родился в Париже 2 февраля 1885 года. Учился в парижской Школе изобразительных искусств у живописцев Габриеля Феррье и Франсуа Фламена. В 1913 году он впервые участвовал в Салоне французских художников, а в 1920 получил за свои живописные работы Grand Prix de Rome — стипендию французской Академии, позволяющую совершенствовать мастерство в Италии. Работы Бека отличали уверенное академическое рисование, точность в передаче деталей и некоторая «салонность». В 1920-1930 годах он создал ряд портретов известных французских писателей, издателей и библиофилов — Леона-Поля Фарга, Пьера Луиса, Люка Дюртена, Жюля Ромена, Сильвии Бич и др.
Первые опыты в книжной графике, к которой Бека обратился в начале 1920-х годов — «Жорж Дюамель» Люка Дюртена («Monnier», 1920) и «Одиночества» Эдуарда Эстанье («Georges Cres», 1922) — привлекли внимание парижских издателей, и Бека стал время от времени получать заказы на иллюстрации. Тем не менее, в эти годы художник занимался в основном живописью, и полотна художника получали весьма лестные отзывы.
К началу 1930-х годов художник стал признанным мастером живописи и графики. Особый интерес вызывали его гравюры, выполненные в технике «сухой иглы». С 1933 года начинается карьера Бека как специалиста по галантным текстам. В предвоенное десятилетие возрос интерес публики к малотиражным коллекционным изданиям, и работа над иллюстрациями к таким книгам принесла Бека европейскую известность. Художник обращался в основном к произведениям классической литературы, но в рисунках трактовал тексты по-своему, отбирая для иллюстрирования самые фривольные моменты. В годы Второй мировой войны Бека продолжал работать над иллюстрациями к коллекционным изданиям. В это время созданы самые известные циклы его рисунков: 24 цветных иллюстрации к «Манон Леско» аббата Прево («Le Vasseur», 1941), 24 цветных иллюстрации к «Науке любви» Овидия («La Tradition», 1942) и 13 монохромных гравюр к его же «Любовным элегиям» («Athina», 1943), 23 цветные иллюстрации к новому изданию «Песен Билитис» Пьера Луиса («Piazza», 1943).
За долгую творческую жизнь Бека создал графические серии к более чем 100 книгам, среди которых десятки произведений фривольной литературы. Он не оставлял работу до последних дней. Художник умер 1 января 1960 года в Париже, не дожив одного месяца до своего 75-летия. Однако галантные эротические иллюстрации Бека, исполненные с виртуозным мастерством, обеспечили ему прижизненную и посмертную славу.

Читать еще:  Drew Darcy. Современный английский художник

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

Читать еще:  ArtistsArea - настоящая онлайн галерея картин

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Как уличный художник Лоран Парселье сумел «приручить» солнечные лучи и стал знаменитым

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Французский художник — импрессионист Лоран Парселье (Laurent Parcelier) родился осенью 1962 года в Шамальер. С детских лет Лоран был увлечен рисованием. В художественной школе ему особенно нравилось работать над пейзажами с натуры, что очень отличало его от других учеников. А переехав в Париж, он продолжил заниматься живописью и прикладным искусством, параллельно начал подрабатывать в журнале «Triolo», для которого рисовал фантастические комиксы. Это занятие приносило Лорану немалое удовольствие и деньги. Увлекаясь разработкой комиксов, он создал даже несколько своих авторских альбомов, а также начал сотрудничать со многими другими изданиями.

А как-то совершенно случайно оказавшись на конкурсе уличной живописи, художник заразился творческой атмосферой и взял в руки кисти, и… что бы вы думали — выиграл первое призовое место. Лоран Парселье на то время уже был состоявшимся мультипликатором, но победа в конкурсе его подхлестнула на новый творческий эксперимент, и он решил поучаствовать в выставке в Salon des Beaux Arts de Perigueux. И не прогадал. На выставке работы художника произвели фурор — и публика, и критика были в восторге.

Так, благодаря случаю, в жизни и в творчестве художника произошел резкий поворот. И кто знает, как бы сложилась судьба Лорана, не окажись он случайным участником того конкурса. С тех пор Парселье регулярно начал принимать участие в таких мероприятиях, о нем заговорила пресса, посыпались приглашения из других стран.

Но тут неожиданно художник просто исчез, и несколько лет о нём никто не слышал.
А когда вновь появился в 1996 году — произвел огромную сенсацию. С большим восторгом его работы были встречены зрителем на весьма престижных выставках в Париже. Как оказалось, те годы, которые художник «молчал», были потрачены на создание своего уникального почерка и стиля, относящегося к современному импрессионизму.

Лоран начал писать яркие живые пейзажи, как бы свитые из солнечных зайчиков, согревающие последним летним теплом, пропитанные воздухом южной Франции. С того времени Лоран постоянный участник различных экспозиций как во Франции, так и за рубежом. Бывший неприметный уличный художник Парижа — стал всемирно известным и очень популярным мастером.

Его работы очень отличаются от традиционной французской импрессионистской живописи в первую очередь своей графичностью, которую художник приобрел, работая над комиксами и умением абстрактные хаотические мазки собрать в единый сюжет картины.

Удивительно, но в творчестве Парселье практически не встречается хмурых и дождливых картин. И даже осень на полотнах Парселье красочная, мягкая и теплая. «Кажется, что он живет на какой-то другой планете, где нет грусти и слез, где даже осень яркая и солнечная, а дождь — весёлый и теплый»,- написал о Лоране его коллега, художник Howard Behrens.

Как видим, Парселье – поэт искрящегося света, сумевший из тысяч солнечных зайчиков, как из пазлов, собрать удивительные и теплые картины, наполненные уютной домашней атмосферой с необычайно радужным колоритом, радующим глаз зрителя.

Картины современного импрессиониста — созерцательные, проливающие свет, излучающие тепло и создающие впечатление, что жизнь – это бесконечный праздник. Поэтому они, как своеобразная арт-терапия, пользуются большим спросом не только у ценителей живописи, а и обычных любителей.

Франция всегда славилась своими художниками, открывающими новые направления в искусстве. Удивительный стиль, называемый неоимпрессионизмом, придумал и внедрил в пошлом веке Поль Синьяк, картины которого можно рассмотреть лишь с определенного расстояния.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector