Kenny Random. Итальянский уличный художник

Kenny Random. Итальянский уличный художник

Творчество итальянских уличных художников

Alice Pasquini. Уличный художник из Рима. Она создает красивое искусство о людях и их отношениях. Алиса изображает чувства людей, исследуя разные точки зрения.

Alice Pasquini Alice Pasquini Alice Pasquini

SOLO. Итальянский уличный художник, родился в Риме в 1982 году. SOLO-это искусство которое уходит корнями в комиксы и стрит-арт. SOLO SOLO

Cheone. COSIMO CAIFFA aka “CHEONE” родился в 1979 году в Gallipoli в южном итальянском городе в провинции Лечче. Сегодня он живет и работает в Nerviano в северо-западной части Милана.

Cheone Cheone Cheone

Mr Blob. Мистер Клякса родился в маленькой деревушке в Calabria, регионе Италии. В настоящее время он базируется в Милане.

Mr Blob Mr Blob Mr Blob

Vesod. Vesod родился в Турине в 1981 году. Сейчас живет и работает в Venaria, Reale.

Vesod

Vesod Vesod

Комментарии приветствуются и их можно оставить внизу статьи

Добавляйте в свои контакты наш номер WhatsApp «Находка News». Мы ждем ваших комментариев, советов и новостей. Если вы хотите, чтобы о каком-то событии или происшествии узнали все, нажмите на зелёный квадратик справа (в мобильной версии сайта) или напишите в чате

50 лучших работ в жанре стрит-арт 2012 года

Предлагаем вашему вниманию подборку уличных рисунков, которые, на наш взгляд, стали самыми яркими событиями в указанном жанре творчества за нынешний год.

Escif, Катовице, Польша.

Pabi A, Лунд, Швеция.

The Wizard, Буэнос-Айрес, Аргентина.

Ludo, Париж, Франция.

Alice Pasquini, Рим, Италия.

SO Design & Graffiti4hire, Бирмингем, Англия.

Неизвестный автор, Каир, Египет.

ROA, Мехико-сити, Мексика.

Diana Guido, Мадрид, Испания.

Неизвестный автор, Лондон, Великобритания.

Adam Łokuciejewski и Szymon Czarnowski, Ольштын, Польша.

NemOs, Милан, Италия.

Sainer, Лодзь, Польша.

MTO, Ренн, Франция.

Неизвестный автор, Вальпарьисо, Чили.

Эрнест Захаревич, Пенанг, Малайзия.

David Walker, Лондон, Великобритания.

Самая большая альпона в мире, Дакка, Бангладеш.

nostradamvs

Парфюмерная мастерская.

Я делаю добро из зла, потому что его больше не из чего сделать.

Что это я вам всякие вещи, которых никто не знает, пересказываю. Обратимся к истории, известной довольно широко. Истории дурно пахнущей в прямом смысле этого слова. Немного грустной. Но в гораздо большей степени – смешной.
Жил-был на свете итальянский скульптор и художник по имени Пьеро Мандзони (Piero Manzoni). Вообще, почти всё его поколение юных и безалаберных художников стремилось в первую очередь разрушить стереотипные рамки понятий об искусстве, создавая что-то совершенно нестандартное и называя своё творчество гордым термином «концептуальное искусство» или «шок-арт» (последнее – точнее). Энрико Бай, Ив Кляйн, Агостино Боналуми – все они воевали с миром путём издевательства над искусством подобно тому как Уильям Берроуз или Дуглас Коупленд старательно изменяли понятие литературы. Но перейдём к делу.

В мае 1961 года Пьеро Мандзони разделил собственные фекалии на порции по 30 грамм и каждую из них запечатал в отдельную баночку, на которой красовалась надпись «Дерьмо художника»(«Merda d’Artista») на четырёх языках – итальянском, английском, немецком и французском. Получилось суммарно 90 баночек. Каждую он пронумеровал и расписался на ней. Каждая была продана на вес золота в буквальном смысле – то есть по рыночной цене 30 грамм золота. Чтобы вам было не очень противно забираться под кат, скажу, что речь пойдёт не только об это проекте: Мандзони умудрился продать даже своё дыхание.

Проект «Дерьмо художника»

Для ясности укажу, что Мандзони родился 13 июля 1933 года, то есть на момент создания шедевра ему было 27 лет. Ниже следует его портрет. С варёными яйцами.

Во вступлении я достаточно подробно рассказал о сути «произведения» Мандзони, и потому осталось лишь добавить несколько слов о последующей судьбе баночек с отходами итальянца. Будучи уже довольно известным художником, Мандзони легко продал все 90 баночек по цене золота, а спустя два года, в 1963 году, скончался. Биографическую справку я приведу позже.
Впервые баночки были выставлены в Риме в галерее Pescetto 12 августа 1961 года, а затем распроданы. Они отправились «гулять» по частным коллекциям и музеям. Иногда они «оседали» на публике, иногда – в каких-то закрытых собраниях.

Цена баночек постепенно росла. До недавнего времени рекордная цена за 30 грамм отходов художника была заплачена на аукционе Sotheby’s 23 мая 2007 года и равнялась 84 000 фунтов стерлингов (банка №18). Знаменитая галерея Тейт приобрела свою банку (№4) в 2000 году за 22300 фунтов стерлингов. Также баночки хранятся в музее Помпиду (Париж) и Музее современного искусства (Нью-Йорк). Последний раз баночка всплывала на продажу всё на том же «Сотбис» в октябре 2008 года (№83) при начальной цене в 50 000 фунтов стерлингов – и была продана за 97 250 фунтов. В общем, дерьмо художника сегодня почти в 100 раз дороже золота…

Мандзони объяснял свой проект весьма логично. «Я привлекаю внимание к доверчивости покупателей художественных произведений», — говорил он. «Всем этим миланским буржуазным свиньям нравится только дерьмо», — заявил он своему другу Агостино Боналуми перед началом процесса творения, и, как ни странно, оказался совершенно прав. Вот художник в процессе закатывания баночек:

Основная фишка баночек в том, что точно об их содержимом никто не знает. Вот уже 48 лет как боятся приоткрыть хотя бы одну. Правда, достоверно известно, что некоторые баночки взорвались (всё-таки консервы не рассчитаны на такую длительность хранения), но владельцы взорвавшихся шедевров хранят абсолютное молчание.

Читать еще:  Paper Architecture. Бумажный город

Молчание нарушил в июне 2007 года друг и ассистент Мандзони Агостино Боналуми. «С тех пор уже десятки лет многие люди спрашивают, а что на самом деле находится в банках. Ответ таков: я могу всех уверить, что в них ничего нет, кроме гипса. Если кто-то хочет проверить, пожалуйста», — вот что сказал Боналуми в одном из интервью. Впрочем, ничто не подтверждает его слова. Взорвавшиеся баночки канули в Лету, а целые никто не собирается открывать. Всё-таки слишком дорого за них было заплачено.

Проекты «Живые скульптуры», «Волшебный постамент» и «Основание мира».

В апреле 1961 года Мандзони придумал отличный ход для привлечения зрителей на выставку в галерее La Tartaruga (Рим, Италия). Он предлагал каждому посетителю стать на некоторое время настоящим произведением искусства, созданным художником Пьеро Мандзони.
Мандзони попросту усаживал добровольцев в красивые позы, затем брал фломастер и расписывался на их телах, как на скульптурах, а затем выдавал им сертификаты подлинности с собственной росписью.

Это называлось «Живые скульптуры» («Sculture viventi»). На тела он клеил специальные марки, на которых указывалось, в какой позе человек оставался обычным обывателем, а в какой – становился скульптурной композицией.

Другая тема заключалась в деревянном постаменте размерами 80 на 80 на 80 сантиметров («Base Magica»).

Любой желающий становился на постамент и превращался в скульптуру Мандзони. Добровольцев было хоть отбавляй, выставка пользовалась невероятной популярностью.

Тему постаментов в том же апреле 1961 года Мандзони продолжил скульптурой «Основание мира». Скульптура представляла собой постамент из стали и бронзы, причём перевёрнутый. Таким образом, на этом параллелепипеде (82х100х100) держалась земля.

В конце 1959 года Мандзони создал серию работ под названием «Линии» («Linee»). Каждая работа представляла собой чёрный тубус, в котором лежал лист бумаги. На листе была нарисована обыкновенная чёрная линия определённой длины. На этикетке на тубусе была указана длина линии, имя художника и дата изготовления линии. Всего Мандзони нарисовал и «упаковал» 68 линий.
Впервые он представил проект «Линии» в Милане, в галерее Azimut 4 декабря 1959 года. На выставке было показано 11 закрытых тубусов с линиями и одна развёрнутая. Самая короткая линия – 4 метра 89 сантиметров, самая длинная – 33 метра 63 сантиметра.

В мае 1960 года на другой выставке Мандзони подходил к своему проекту уже с другой стороны. «Тубусы ни в коем случае не должны быть открыты, а линии – развёрнуты!» — говорил он. Развёртку одной из линий на первой выставке он считал ошибкой.

Именно проект «Линии» зародил в Мандзони идею того, что некоторые работы художника ни в коем случае не должны открываться, оставаясь вечной загадкой – эта концепция нашла свой выход позже в проекте «Дерьмо».
Проект получил своеобразное продолжение в виде субпроекта «Линии исключительной длины» («Linee dalla lunghezza eccezionale»). Всего Мандзони создал три таких линии. Первую он нарисовал с помощью газетного пресса «Herning Avis» 4 июля 1960 года в городе Хернинге, Дания:

Эта линия имела длину 7200 метров! – на неё ушёл целый рулон газетной бумаги (вы представляете эти огромные технические рулоны, не так ли?) Вот так она выглядит:

Остальные две были покороче – 1000 метров и 1140 метров, и напечатаны 24 июля 1961 года:

Это было началом огромного проекта. Мандзони планировал напечатать множество сверхдлинных линий, запечатать их в стальные тубусы и разместить в галереях различных городов мира. Длина каждой новой линии должна была при развёртке «дотягивать» до следующего города, где бы хранилась очередная линия. Суммарная длина линий должна была опоясать земной шар. Ранняя смерть художника прервала проект.
Наконец, ещё одной гранью проекта «Линии» была тема «Линия бесконечной длины» («Linee di Lunghezza Infinita», 1960). Внешне она выглядела точно так же, как и обычные работы серии «Линии», но когда человек пытался открыть деревянный тубус размерами 15 на 48 сантиметров, обнаруживалось, что он – цельный, в нём просто нет полости, это кусок дерева. В таком «тубусе», утверждал Мандзони, может хранится линия любой длины, в том числе и бесконечной:

Прочие проекты и чуть-чуть о жизни Мандзони.

Расскажу кратко ещё о некоторых проектах Мандзони.
Широко известен стал его проект «Дыхание художника» («Fiato d’artista»). Нам сразу должен вспомниться «Последний выдох господина ПЖ» из фильма «Кин-дза-дза». Проект представлял собой обычные воздушные шарики, надутые художником.

До сегодняшнего дня 11 скульптур этой серии дошли лишь в сдутом и сплющенном виде.

Он планировал ещё серию работ «Кровь художника» — но не успел.
Напрямую связан с этим проектом проект «Тело воздуха» — просто огромный шар, наполненный воздухом.

На одной из выставок Мандзони прилюдно варил обычные яйца, а затем ставил на каждое отпечаток своего пальца. Яйца тут же раздавались посетителям, и их ели.

Несколько реликтов сохранилось до сих пор. Хотя, наверное, они уже давно протухли.

Начиная с 1957 года и до конца жизни Мандзони создавал проект «Achromes». Скульптуры этой серии представляли собой просто голые материалы. Например, «Гипс» — гипсовая доска. «Кроличьи шкурки» — скатанный из них шар. И так далее. Вот, собственно, шар из кроличьих шкурок:

Читать еще:  Loui Jover. Картины на старых страницах

Напоследок расскажу о жизни Мандзони – чуть-чуть.
Его первая выставка прошла в галерее Castello Sforzesco в Милане в августе 1956 года. Он выглядел подобно всем работящим и серьёзным молодым людям 50-х – 60-х. Тёмный костюм, неизменный галстук, приятная улыбка. Но это была внешняя сторона. Конечно, он чудовищно много курил, пил, употреблял наркотики разной степени тяжести.
6 февраля 1963 года он умер прямо в собственной студии в Милане от инфаркта миокарда. Ему было 29 лет.
Вот и всё, что тут ещё сказать.

На сайте Пьеро Мандзони http://www.pieromanzoni.org проводится интерактивное голосование: какую его работу вы считаете наиболее выдающейся и революционной. За что проголосовал я – не скажу.

Полный список историй можно посмотреть в оглавлении моего Живого Журнала.

Уличный художник Блек ле Ра: Бэнкси — это не миссия!

«Каждый раз, когда я думаю, что нарисовал что-то хоть сколько-то оригинальное, вдруг выясняется, что Блэк Ле Ра уже сделал это 20 лет назад»

Блек ле Ра (Blek le Rat), основоположник трафаретного граффити, крестный отец французского стрит арта, а самим французам и вовсе как дедушка этого самого стрит арта.

Настоящее имя Ксавье Пру (Xavier Prou), родился в Париже в 1951-м году. Псевдоним художника происходит от названия детского комикса Blek le Roc, в котором он заменил последнее слово на анаграмму слова art – rat ( с француского крыса). Кроме того, первыми уличными рисунками Ксавье были изображения крыс, которых художник называет «единственными свободными животными в городе» и которые «распространены по всему миру так же, как и стрит-арт».

Однако широкую известность он получил как художник, чей стиль был украден Бэнкси. Когда появились первые трафареты крыс Блэка, Бэнкси, которому, как считается, сейчас около 40, еще ходил в школу.

Блэк Лё Рэт не очень смахивает на типичного представителя граффити движения, который ассоциируется скорее с ребятами выходцами из рабочего класса, что оттачивали свое мастерство на улицах, рискуя быть арестованными, не оканчивали художественные школы. Блэк Лё Рэт напротив вырос в одном из роскошных районов Парижа, получил престижное художественное образование, но и путь его в искусстве не был таким уж простым.

Во время поездки в Америку 1971 год. Его поразило увиденное граффити в нью-йоркском метро, на баскетбольных площадках, граффити был повсюду. Он всех расспрашивал, что это и для чего, но тогда мало кто понимал смысл происходящего.

Граффити, этот вид уличного искусства, родился в США в середине шестидесятых годов, когда около десяти неизвестных художников начали изображать свои вымышленные имена на стенах.

В Париже, этот вид самовыражения, в то время еще не появился. Конечно, было много политических плакатов 1968 году во время студенческих беспорядков и, конечно, мы обсуждали искусство, плакаты созданные в мастерской школы изящных искусств. Но не было никакого больше движения художников, определяемого по исследованию городской архитектуры.

«В 1980 году я помогал моему другу Жерару Дюма, который работал в Парке культуры и отдыха. Парк был расположен позади супермаркета, мы наблюдали как дети воровали краску из супермаркета, а потом разрисовывали стены старого склада. Именно эти подростки стали для меня своеобразным вдохновением. «Мы поймали вирус.» И поэтому мы решили потратить один день, чтобы раздобыть краски спреи, чувствуя необходимость модернизма. В октябре 1981г в Париже, Рю де Фермопилы мы рисовали первое время на стенах ветхого дома, пытаясь копировать американский стиль граффити. Получалось просто ужасно. Я предложил сделать трафареты, старый метод, используемый итальянскими фашистами для своей пропаганды.»

«Когда я был ребенком мы с родителями ездили в городок под названием Падуя в Италии, — рассказывает художник, — И там я увидел граффити, сделанные фашистами. Пропагандистские лозунги были написаны на стенах при помощи трафаретов. Я помню, как расспрашивал отца об этом. Лицо Муссолини, нарисованное с помощью трафарета, навсегда осталось у меня в памяти». Так что его стиль сформировался под влиянием странной комбинации американского граффити и фашистской пропаганды. На формирование собственного стиля мне потребовалось 10 лет, чтобы добавить свою лепту.

Мы выбрали себе имя Блэк из итальянского комикса Блэк Ле Рок, который мы читали в детстве. Псевдоним был выбран, чтобы привлечь внимание всех людей квартала: «Кто авторы тезисов «маленькие крысы», «бананы», «бегущие люди», и всех других трафаретов распыленных в 18 округах Парижа?»»

«Наши ночные прогулки становились все более и более частыми. 31 декабря в 1981 мы решили нарисовать вокруг храма современного искусства, Центр Жоржа Помпиду, так называемой Бобур. В очень холодную ночь с 31 декабря на 1 января мы распылили много крыс, танков и маленьких символов, в этом культовой месте. Подошел музейный охранник, чтобы узнать, что мы делаем. Мы сказали: «Искусство», провоцируя беглую улыбку на губах храмовой стражи.
В конце зимы пара Блэк разделены. Я был один и взял себе имя BLEK LE RAT.»

В 1983 была создана первая большая фигура в натуральный размер (человеческий рост). Это был трафарет мужчины. Прототипом стал ирландец, вопящий на английских солдат в Белфасте в семидесятых. Фото-исходник было невероятно сильным по духу: мужчина был очень храбр, принимая во внимание то, что солдаты нервно пытались попасть в него из своих ружей. По словам Blek Le Rat’а, он всегда восхищался людьми, которые с риском для своей жизни, ни капли не колеблясь, говорят что думают. Blek очень часто использует это изображение в разных городах и странах, потому что трафарет именно этого мужчины вобрал множество различных аспектов в зависимости от того места, в котором он нанесен. Так для некоторых людей он приобретает образ Чаплина, бомжа или же анархиста.

Читать еще:  Ottorino De Lucchi. Реалистичные картины акварелью

Некоторые работы Blek Le Rat’а содержат религиозный контекст, и в память об Уорхоле и Да Винчи можно увидеть Адама и Еву, отдавших предпочтение банану, а не яблоку. Другая работа изображает художника, сидящего за столом на месте Христа на Тайне вечеря. Политический символизм также распространен: предлагается война комментариями с помощью армии марширующих солдат, несущих кисти вместо винтовок. В нескольких работах присутствуют голуби мира, бензовоз, управляемый смеющимся человеком — определенное заявление о топливном кризисе.

Двадцать лет спустя, когда изображения Бэнкси начали появляться по всему Лондону, сходство было поразительным.

Он даже имел наглость использовать товарного знака крысы, трафарет французского художника в некоторых из своих работ, а также одни и те же образы мужчин и солдат в натуральную величину.

Блек ле Ра всегда отказывался комментировать подобие своей работы.

Но в документальном фильме «Граффити войны», он наконец, признает, что он возмущен от плагиата Бэнкси.

Блек ле Ра: «Я рисовал много солдат. Когда я вижу солдата, богоматерь с ребенком или крыс, сделанных Бэнкси, конечно, я понимаю, откуда он взял идею.»

Интервьюер: Вас это злит?

БлР: Трудно сказать, конечно немного злит. Потому что когда ты художник, и у тебя есть своя собственная техника. Понимаете в искусстве очень сложно найти свою технику, свой стиль. И когда он у тебя есть и ты видишь, как кто-то берет и копирует его, тебе это не должно понравиться. Я не совсем уверен в его порядочности, понимаете.

Успех Бэнкси был построен частично на его анонимности и мифах, которые построили вокруг него.

Может сейчас уже настало время открыть свое лицо и сказать, я Бенкси. Чтобы все узнали кто он такой, потому что на самом деле многие люди считают, что Бэнкси негодяй. Но при этом очень много молодых людей считают, Бэнкси кем-то вроде Бога. (смеется)

В мире искусства царит неразбериха. Никому нет дела до настоящих художников. Все построено на том, чтобы выудить из людей побольше денег.

И: В ближайшие 20 лет в арт мире произойдет революция.

БлР: Стрит арт движение стартовало 40 лет назад в США, но мы все еще в начале пути. Художники найдут новые возможности для демонстрации и продажи своего искусства. И это не будет иметь ничего общего с галереями и инвесторами.

И: А до того момента?

БлР: Я буду продолжать работать. Но только на легальных стенах. Для нелегальных я уже слишком стар.

Неожиданный Рим: социальный стрит-арт на улицах города

В четвертую свою поездку в Вечный город я решила гулять подальше от центра, чтобы понаблюдать за жизнью местных и найти нетуристические места. Район Тор Маранча (Tor Marancia) стал для меня настоящим открытием!

В 2015 году после запуска проекта «Жизнь большого города» Тор Маранча превратили в самый красочный район Рима. 20 художников со всего мира в течение двух месяцев создавали здесь впечатляющие муралы на фасадах зданий.

Теперь этот район считается римским музеем уличного искусства под открытым небом.

История этого района объясняет, почему именно его выбрали для реализации данного проекта. В 1920-х годах фашисты начали выгонять жителей домов, расположенных возле Ватикана, чтобы поселиться там самим. И в 1947 году для таких семей был выделен район Тор Маранча. Большинству даже не предоставили крышу над головой. Комплекс социального жилья, который сохранился до настоящего времени, был построен спустя два десятилетия. Поэтому Стефано С. Антонелли и его партнеры решили заняться огромным художественным проектом, который, как они надеялись, поможет улучшить будущее тех, кто жил в этом районе.

Жители Рима и других городов поддержали идею и пожертвовали тысячи евро на реализацию проекта. Каждый из этих рисунков теперь частично принадлежит семьям, которые живут в зданиях. Теперь Тор Маранча больше не заброшенное место на окраине Рима, а уличный художественный музей и культурный центр города.

Самое удивительное то, как создавались эти шедевры. Прежде чем рисовать свои муралы, каждый художник проводил время в районе, знакомясь с семьями, которые жили в этих зданиях. После этого многие пересмотрели первоначальные концепции своих работ. То, что сейчас можно увидеть в Тор Маранча, – рисунки, которые искренне вдохновлены жителями района.

Так что если вы устали от толп туристов, которые бродят по центру города в любое время года, хотите увидеть другой Рим и жизнь настоящих римлян, то обязательно приходите в Тор Маранча.

Адрес района: 63 Via di Tor Marancia. Ознакомиться со всеми работами художников и забронировать тур по району можно на официальном сайте проекта.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector