Nick Pedersen. Современный американский художник

Nick Pedersen. Современный американский художник

Просветление в фотоработах Nick Pedersen

Американский фотограф Ник Педерсен (Nick Pedersen) своим творчеством словно призывает всех желающих обогатиться душевно, а для этого следует устремиться вперёд, по пути к просветлению. Его героев можно встретить то в мрачном лесу, то встречающими диких животных, то следящими за падающими звёздами. Страждущий обязательно найдёт путь, чтобы взойти на священную гору Сумеру и ощутить истину. Конечно, дорога к просветлению будет долгой, но ни ураганы, ни бушующие моря не способны остановить того, кто решил прикоснуться к кладези абсолютной мудрости.

Путь к просветлению. Луна. Автор — Ник Педерсен.

Фотограф Ник Педерсен родом из города Солт-Лейк-Сити, но вот уже три года как он переехал в Нью-Йорк, где целью автора стало получение приличного художественного образования в Институте Пратта. Ник вырос в горах, поэтому его коллажи о долгой дороге к священноё горе построены на детских впечатлениях, когда он маленьким мальчиком восхищался высокими скалами и каменистыми вершинами, укутанными облаками.

Его проект о чёрно-белом мире, в котором маленькому человеку предстоит пройти долгий путь к вожделенному просветлению называется «Сумеру». По Петерсону, Сумеру представляет собой центр Вселенной, священную Буддийскую гору, возвышающуюся где-то в далёких северных краях, которая открывает истину только тем, кто сумел взобраться на её вершину.

По дороге к просветлению придётся пройти и через сумрачный лес. Автор — Ник Педерсен.

Ник Петерсен увлекается восточной философией, он читает и расшифровывает дзенские притчи, а заодно он увлекается иллюстрированием чёрно-белыми коллажами того, что он называет «путём просветления». Художник старается продемонстрировать попытки его героев с человеческим «я» обязательно достичь вершины волшебной горы Сумеру.

Встреча с тигром. Автор — Ник Педерсен.

Ник Педерсен сравнивает себя с авторами дзенских текстов, так как тоже хочет изобразить сознание в виде пространства. Он изучает метафорический смысл разума и духовного чаяния личности, которые он представляет себе как блуждания человека в темноте и тумане, ведь понять истинную сущность природы вещей сразу, удаётся не всегда.

Художница Ники Боэм — дорога в сказку!

Ники Боэм — американская художница, изучавшая искусство в Оклендском Художественном Институте в Калифорнии. Будучи художественным руководителем нескольких национальных художественных агентств, получила многочисленные награды как иллюстратор и графический дизайнер. О её искусстве написано много статей в национальных журналах и были изданы несколько книг. Ее работы удивительно нежные и теплые, включая даже зимнюю рождественскую серию.

Закончив учебу в Оклендском художественном институте в Калифорнии, Ники трудилась в нескольких национальных рекламных агентствах. Эта работа дала ей несметные вознаграждения в области графического дизайна и иллюстрации, а также популярность в социальных сферах.

Сегодня Ники Боэм – благополучная и востребованная американская художница. Её полотна широко известны как в России, так и за рубежом. В настоящее время выпускается множество товаров для хобби и творчества с репродукциями Ники Боэм. Это раскраски по номерам на холсте, пазлы, алмазная мозаика, вышивка и многое другое.

Картины этой художницы можно смело назвать сказочными. Каждое полотно – это теплое волшебство, встретившись с которым, Вы никогда его не забудете. Её холстам присуща особенная атмосфера. В них господствует расположение торжества, ожидание чудес, сердечность и открытость.

Все её холсты преисполнены добром и светом, художница отдает предпочтение теплым оттенкам и нежным цветам.

Её пейзажи имеют различные направления: сельский, морской, городской, особенно часто Ники рисует маяки, но вне зависимости от этого, любой ландшафт отвечает общему расположению творчества Ники и по-особому эмоционально воздействует на своего зрителя. Особое признание получила серия картин на тему Рождества, которую оценили и знатоки, и широкая публика. По мотивам этих картин были выпущены календари, пазлы, поздравительные открытки и другие сувениры.

Самые богатые и успешные художники современности

Самые богатые художники мира по версии ARTINFO

Джефф Кунс (Jeff Koons) современный американский художник. Известен своим пристрастием к китчу, особенно в скульптуре. Его работы входят в число самых дорогих произведений современных художников.

Он получил признание в 80-х годах, после чего создал студию-завод в Сохо (Нью-Йорк) Сейчас художник является президентом корпорации Jeff Koons LLC со штаб-квартирой в Нью-Йорк и 135 сотрудниками. Фактически это фабрика по производству предметов современного искусства — Кунс создаёт образы и модели на компьютере, а коллектив работает над их воплощением в материале.

В 1988 году Кунс сделал четыре скульптуры Майкла Джексона и его шимпанзе в натуральную величину окрашеные в золото. В 2001 году одна из них была продана за 5,6 миллона долларов. В 2007 году его работа Сердце была продана за $ 23,6 млн. на аукционе Сотбис и установила рекорд по самым дорогим произведением искусства, проданных на аукционе художника при жизни.

Дэмьен Стивен Херст (Damien Hirst) английский художник, предприниматель, коллекционер произведений искусства, а также самая знаменитая фигура группы Young British Artists доминирующая на арт-сцене с 1990-х годов.

Херст является самым богатым живущим художником в мире — на 2010 год его состояние оценивалось в £215 миллионов. Смерть — центральная тема в его работах. Наиболее известная серия художника — Natural History: мертвые животные (включая акулу, овцу и корову) в формальдегиде. Акула была продана в 2004 году за $ 12 млн.

Читать еще:  Mticulous art form. Gerard Boersma

Такаси Мураками современный японский художник, живописец, скульптор и дизайнер. Живёт и работает в Токио и Нью-Йорке.

Мураками известен своим сотрудничеством с Marc Jacobs по созданию сумок и других товаров для Louis Vuitton. В своих работах Мураками играет с такими противоположностями, как Восток-Запад, прошлое и настоящее, высокое и низкое, оставаясь при этом забавным и доступным. Его работы объединяют мир популярной японской современной культуры и исторической японской живописи.

В 2008 скульптура Такаси Мураками «My Lonesome Cowboy» (1998 г) была продана на аукционе Sotheby за $15.2 миллионов.

Аниш Капур (Anish Kapoor) скульптор, член группы «Новая Британская Скульптура», лауреат Премии Тернера.

Произведения скульптора как правило просты, имеют изогнутые линии, монохромны и ярко окрашены. Ранние работы часто были покрыты пигментом, который покрывал работу и пол вокруг нее. Порой работы Аниша Капура имеют зеркальную поверхность, отражающую и искажающую зрителя и окружение.

С конца 1990-х Капур создал ряд масштабных работ, включая Тарантара 35-метровое произведение, установленное в Baltic Flour Mills в Гейтсхеде, Англия и Марсий большая работа из стали и поливинила в Турбинном зале Галереи Тейт-Модерн. В 2000 г, одна из работ Капура Параболические воды, состоящая из вращающейся окрашенной воды, была показана в Лондоне. В 2001 г Зеркало неба, большое зеркальное произведение, которое отражало небо и окружающее пространство, было установлено в Ноттингеме.

Джаспер Джонс (Jasper Johns) современный американский художник.

Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Наиболее известная работа Джаспера Джонса «Флаг» (1954—1955), которую он нарисовал после сна об американском флаге.

Его работу порой относят к нео-дадаизму а не поп-арту, несмотря на то, что он часто использует образы массовой культуры. Ранние работы созданы с использованием таких простых образов, как флаги, карты, мишени, буквы и цифры. Трактовка поверхности часто сочная и живописная. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись.

В 1998 году Музе метрополитен в Нью-Йорке заплатил более 20 миллионов долларов за «Белый флаг» Джонса.В данное время Джаспер Джонс проживает в Коннектикуте и является самым дорогим здравствующим художником.

Брайс Марден (Brice Marden) — американский художник — минималист.

В Йеле Марден разработал формальные принципы, которые характеризовали его графику и живопись в последующие десятилетия: преобладание прямоугольных форматов, повторяющееся использование приглушенной индивидуальной палитры. Эти ранние монохромные работы покрыты толстым слоем энкаустики, открывая следы мастихина, сохраняя следы работы художника. Это отличает манеру Мардена от современников-минималистов, которые предпочитали индустриальное качество работ, к которым будто не прикасалась рука художника.

Джулиан Шнабель (Julian Schnabel) — американский художник и кинорежиссер.

Картины Шнабеля в основном очень большие, были сделаны наспех и отличались обилием материалов и стилей. В качестве холста художник часто использовал линолеум, бархат, звериные шкуры. Из картин выступали различные предметы. Например, оленьи рога, как на картине «Предыстория: Слава, Честь, Привилегия, Надежда», 1981 года. Шнабель создавал похожие на коллажи, с цитатами из старых мастеров, порой ребячливые картины.

Художница Ники Боэм — дорога в сказку!

Ники Боэм — американская художница, изучавшая искусство в Оклендском Художественном Институте в Калифорнии. Будучи художественным руководителем нескольких национальных художественных агентств, получила многочисленные награды как иллюстратор и графический дизайнер. О её искусстве написано много статей в национальных журналах и были изданы несколько книг. Ее работы удивительно нежные и теплые, включая даже зимнюю рождественскую серию.

Закончив учебу в Оклендском художественном институте в Калифорнии, Ники трудилась в нескольких национальных рекламных агентствах. Эта работа дала ей несметные вознаграждения в области графического дизайна и иллюстрации, а также популярность в социальных сферах.

Сегодня Ники Боэм – благополучная и востребованная американская художница. Её полотна широко известны как в России, так и за рубежом. В настоящее время выпускается множество товаров для хобби и творчества с репродукциями Ники Боэм. Это раскраски по номерам на холсте, пазлы, алмазная мозаика, вышивка и многое другое.

Картины этой художницы можно смело назвать сказочными. Каждое полотно – это теплое волшебство, встретившись с которым, Вы никогда его не забудете. Её холстам присуща особенная атмосфера. В них господствует расположение торжества, ожидание чудес, сердечность и открытость.

Все её холсты преисполнены добром и светом, художница отдает предпочтение теплым оттенкам и нежным цветам.

Её пейзажи имеют различные направления: сельский, морской, городской, особенно часто Ники рисует маяки, но вне зависимости от этого, любой ландшафт отвечает общему расположению творчества Ники и по-особому эмоционально воздействует на своего зрителя. Особое признание получила серия картин на тему Рождества, которую оценили и знатоки, и широкая публика. По мотивам этих картин были выпущены календари, пазлы, поздравительные открытки и другие сувениры.

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Читать еще:  Robert Mc Ginnis. Эстетичный pin up

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

Читать еще:  "Жизнь глазами фронтовиков" представлена в Новом Манеже

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector