Человеческая фигура. Британский художник. Andre Leonard

Человеческая фигура. Британский художник. Andre Leonard

Человеческая фигура. Британский художник. Andre Leonard

Авторизуясь в LiveJournal с помощью стороннего сервиса вы принимаете условия Пользовательского соглашения LiveJournal

Великий художник Anders Leonard Zorn | 1860 — 1920гг

Великий шведский художник, скульптор и график Андерс Леонард Цорн (Anders Leonard Zorn). Про него говорили, что природа наделила его всем тем, что только может желать художник. И, действительно, за какую бы работу не брался живописец, ему все удавалось. Он писал акварелью, масляными красками, увлекался офортом, гравюрой и скульптурой. И все, к чему бы ни прикоснулась рука мастера, становилось очередным шедевром в копилке произведений искусств.

Андерс Цорн родился 18 февраля 1860 года в шведском провинциальном городке Мура. Он рос в крестьянской семье, и его родители не могли дать детям хорошего образования. В пятнадцать лет Андерс уезжает в Стокгольм. Он мечтает стать скульптором и поступает в Государственную шведскую художественную школу. После ее окончания Цорна принимают в Академию художеств. За все время обучения Андерс понимает, что больше склоняется к живописи, чем к скульптуре. К тому же опытные учителя в полной мере раскрыли художественный талант юноши. Первый успех пришел к мастеру, когда ему было 20 лет. Его рисунок тушью под названием «Скорбь», написанный в традициях салонного сентиментального искусства, был оценен зрителями. Уже в годы обучения Цорн начал принимать заказы на написание картин, и он всегда был при работе.

После окончания обучения живописец отправляется путешествовать. В 1882 году он селится в Лондоне, но при этом много ездит. Цорн путешествует по Испании, Италии, Алжиру, Константинополю, Балканам. При этом он не забывает о своей родине и периодически приезжает в Швецию. Примечательно, что именно в этой стране произведения мастера наполнены наибольшим спокойствием и умиротворенности. Работая в своем собственном стиле, Цорн всегда привлекал внимание зрителей.

В 1888 году художник переезжает в Париж. Там он начинает писать масляными красками. Обнаженные натуры изображены по-простому, бесхитростно, что особенно привлекает внимание. Живописцу чужды грубость и пошлость, поэтому он выгодно выделяется среди своих современников. Проживая в Париже, Цорн рисует портреты. Он точно подмечает мимику, жесты, черты характера позировавших ему людей и отображает их на холсте.

В 1896 году живописец переезжает в родной город Мура, и главной темой его творчества становятся пейзажи Швеции. После 1923 года Цорн несколько раз ездил в Америку. Там его работы также принимались очень благосклонно. Так, в Америке Цорн написал портреты таких видных деятелей, как Тафт, Рузвельт, Кливленд. Умер художник в Муре, 22 августа 1920 года.

Андерс Леонард Цорн прожил яркую насыщенную жизнь. С молодости он узнал, что такое любовь публики и всеобщее признание. В какую бы страну не приехал мастер, его везде принимали благосклонно. Художник обладал особой, своей собственной, техникой письма. На его картинах нельзя найти единую плавную линию. Изображения состоят из множества штрихов, которое представляют собой единое целое. Если рассмотреть произведения Цорна поближе, то можно увидеть, что такая штриховка придает изображению динамики. Все люди на картинах мастера выглядят максимально естественно. Это делает произведения Цорта уникальными, и они будут привлекать внимание зрителей еще долгое время. ©.

Reveil, Boulevard Clichy

In Alhambra Park


Man and Boy in Algiers

Почему этот рисунок стал знаменитым? Леонардо да Винчи и секрет «Витрувианского человека» (9 фото)

Что здесь нарисовано?

Здесь нарисовано ровно то, что написано в названии работы — «Витрувианский человек». Но поскольку сегодня мало кто помнит, что это такое, давайте расшифруем это титулование.

Во времена Юлия Цезаря жил-был в Риме известный архитектор по имени Витрувий. Не известно, реально ли он был великим как строитель. Главная его заслуга перед историей искусства в том, что он написал «Десять книг об архитектуре»: такой огромный компендиум, куда собрал все правила, хитрости и приемчики античной архитектуры, как римской, так и древнегреческой. Дальше он умер, а книге подфартило — она уцелела! С античными книгами, особенно про точные науки, а не про про пошловатую мифологию, это не всегда случалось. В эпоху Возрождения с нее отряхнули средневековую пыль и стали использовать по прямому назначению, как инструкцию.

Плоды сего мы пожинаем до сих пор: это и московский Большой театр, и американские Капитолий с Белым домом, советские станции метро. да куча всего.

Станция метро Электрозаводская (Москва). Фото: Wikimedia Commons (cc)

Помимо описания всяких колонн, пилястр, орнаментов и всяких финтифлюшек чисто архитектурных, Витрувий вдруг еще внезапно, между главами о циклах морозостойкости кирпичей и качестве затирки (шутка), подробно остановился на размерах и пропорциях homo sapiens. Потому что именно от человеческих пропорций и зависит комфортное пребывание внутри интерьера и ощущение от фасадов, что они красивые. Все должно быть соразмерно, тогда подсознанию приятно.

Описана вся эта система пропорций без авторских картинок, только словами. Причем так, что без стакана не разберешься: высота человека составляет четыре локтя от кончиков пальцев (24 ладони), длина руки составляет ⅖ его высоты и так далее. Выведена она была Витрувием на основе античных теорий красоты, прежде всего, канона скульптора Поликлета.

Читать еще:  Сумасшедший! Или гений?

Витрувий бросил эти несколько слов, что здания должны иметь пропорции человека, а тело человека — это модель пропорции. И с вытянутыми руками и ногами тело идеально вписывается сразу в 2 идеальные геометрические фигуры — квадрат и круг.

Для людей эпохи Ренессанса, фанатевших по античным трактатам, как дети по Гарри Поттеру, это высказывание стало практически религиозным догматом, воплощением целой философии. Оно иллюстрировало тезис идеального порядка, красоты, познания эстетики с помощью разума.

Ренессансные люди, еще до Леонардо да Винчи, обсасывали это высказывание Витрувия так и эдак, пытались его нарисовать. Но получалось фигово.

Аэлита Андре — самая юная художница в мире

Австралийская художница Аэлита Андре (Aelita Andre) заставила вздрогнуть профессиональный мир искусств. На ее счету две персональные выставки — в США и Италии, десятки ее картин разошлись по частным коллекциям, а ведь ей всего 4 года.

P. S. Обязательно досмотрите пост до конца, там вас ожидает любопытный конкурс!

1. Аэлита начала рисовать, когда ей было 9 месяцев.

2. Работа Аэлиты «Остров динозавров».

3. Художество Аэлиты ближе всего к абстрактному и сюрреалистичному направлениям.

4. Самая дорогая картина Аэлиты была продана за 30 000 долл., а общая стоимость проданных картин составляет почти миллион долларов.

5. Аэлита сама выбирает, когда и что ей рисовать. Может отвлечься, убежать играть, но потом обязательно вернется и закончит начатое.

7. Аэлита является членом Национальной ассоциации визуальных искусств Австралии.

8. С профессиональной точки зрения, некоторые картины Аэлиты так хороши, что отдельные критики высказывают сомнение в полном авторстве ребенка.

9. По словам родителей, их дочь просто одержима живописью.

10. Аэлита Андре — самый молодой художник в мире.

11. Этим летом прошла выставка Аэлиты в Agora Gallery в Нью-Йорке, а в сентябре — в Chianciano в Тоскане, Италия.

12. Аэлита любит играть на пианино, петь, есть шоколад и разговаривать на русском языке.

13. Однажды директор художественной галереи в Мельбурне увидел фотографии работ неизвестного художника и решил включить их в выставочную экспозицию. Уже когда были отпечатаны рекламные буклеты и даны анонсы в СМИ, директор с удивлением узнал, что этому художнику всего два года. Он был в шоке, но программу менять не стал.

А теперь внимание, КОНКУРС!

Конечно, Аэлите помогали ее родители, и вряд ли девочка в 9 месяцев сама решила, что хочет рисовать. Не все родители могут помочь своему ребенку заработать такие деньги уже в 2 годика, но в их силах сделать вклад в финансовое образование собственного ребенка. Как, кстати, вы объяснили бы ребенку, что такое банковский вклад?

Предложите в комментах свой вариант, как это сделать, и автор самого лучшего комментария получит от нас печатную версию книги «Дети и деньги» — самоучителя, с которым ваши дети смогут освоить финансовую грамоту, играя. Книга вышла в издательстве «Манн, Иванов и Фербер», и как все их книги, она яркая, красивая и нескучная, в ней можно писать и даже рисовать!

«Голконда» Магритта

В Индии было свое Эльдорадо, правда, добывали там алмазы, а не золото. Называлось то место Голкондой. Так же назвал свою работу сюрреалист Рене Магритт.

В безликом городском пейзаже мы видим десятки мужских силуэтов. Презентабельные джентльмены подвешены в воздухе, но, по всей видимости, это их совершенно не смущает. Строгий костюм, котелок, невзрачные цвета. «Котелок — самый неоригинальный головной убор, удивления не вызывает. Человек в котелке — это господин Посредственность при всей своей анонимности. Я тоже ношу котелок, у меня нет особого желания выделяться из массы», — говорил Магритт.

Лица некоторых мужчин обозначены схематично. У большинства же нет и намека на них. Тотально вычищенная личность. Ни признака индивидуальности. Казалось бы. Но чем дольше вы рассматриваете полотно, тем больше деталей замечаете: у кого-то есть портфель, а у кого-то — рука в кармане. И так до бесконечности.

«Голконда» — это размышление художника о месте человека в обществе. Кажущаяся типичность образов наводит на мысль, что масса подавляет личность, а замечаемые, пусть и не без труда, различия — о присущей каждому индивидуальности. Фигуры расположены в виде ромбических решеток, которые напоминают о кристаллической структуре алмаза. Общество, которое поначалу воспринимается как хаотичная масса, на самом деле имеет структуру и действует в довольно жестких рамках.

Сам Магритт говорил, что картина олицетворяет одноликость толпы и одиночество индивидуума, который может прикоснуться к настоящей жизни лишь во сне.

Голконда — древняя индийская крепость, где был алмазный рынок. За обилие драгоценных камней Голконду наделили символикой богатства. Почему Магритт назвал свою картину именно так? Как всегда в случае с сюрреалистами, нет одного верного ответа. Самый простой — название не связано с содержанием, а создаваемый за счет этого диссонанс является своего рода провокацией, очередной попыткой заставить зрителя поломать голову.

Если все же вам не дает покоя этот ребус, то вот еще несколько версий. Расположение мужчин (та самая кристаллическая решетка) отсылает к главному товару Голконды — алмазу. И, продолжая тему драгоценностей, можно выдвинуть еще одну версию. Мы уже заметили, что среди изображенных мужчин нет идентичных, так и среди алмазов нет двух одинаковых.

Невозмутимость, с которой джентльмены воспринимают свое подвешенное состояние, напоминает самоуверенность и спокойствие, которые дает богатство (а ведь именно символом богатства является Голконда).

И напоследок расшифровка от самого художника: «Голконда был богатым городом в Индии, нечто вроде чуда, а я считаю чудом, что смогу на земле шагать по небу».

Магритт был сюрреалистом особого толка. Он живо включился в игру «реальность — сон», но действовал своими инструментами. Не признавал психоанализ, не менял образы привычного. Напротив, Магритт создавал свой магический реализм, погружая нейтральные, знакомые зрителю предметы в не свойственный для них контекст. Создаваемое за счет этого напряжение заставляет зрителя нервничать, искать ключ к разгадке, метаться мыслями от образа к образу. И это именно то, зачем весь Магритт.

Образы, которые он выбирает, навязчивы и абсурдны. Человек не может не отреагировать на этот диссонанс. В процессе осмысления и заключается, по мнению Магритта, подлинный смысл картины. А как вы понимаете, у каждого зрителя — свой процесс, потому и смысл каждый вкладывает свой. Вырисовывается та же Голконда: мы, зрители, в своей массе охвачены некоей общей, традиционной концепцией «что хотел сказать автор», но индивидуально каждый запускает свой процесс осознания идеи, которую хочет донести до нас художник.

«Мои картины — это видимые изображения, которые ничего не скрывают. Они вызывают тайну и, действительно, когда видишь, одну из моих картин, спрашиваешь себя этот простой вопрос: что это значит? Это не означает ничего, потому что тайна ничего не значит, это непознаваемое», — говорил Магритт.

Судьба художника

Сегодня Магритт — один из самых известных и тиражируемых художников. Его образный ряд хорошо запоминается, легко воспроизводится и неизменно дорого продается. Ни да ни взять — шедевры от рекламщика. Смешно, но Магритт и правда начинал в рекламе, даже имел свое успешное агентство. До поездки в Париж, где Рене познакомился с идеологом сюрреализма Андре Бретоном и примкнул к его единомышленникам, Магритт рисовал продающие плакаты и обои. И именно реклама обеспечила художника деньгами.

Мы помним, как повезло сюрреалистам. Возникновение их течения совпало с умонастроениями людей. Витавшее в воздухе желание эпатировать они смогли зафиксировать на полотнах, а пугающие сны и бегство от реальности — зашифровать в многоликих причудливых образах.

Магритт тоже добился славы и денег за свои картины еще при жизни. Скончался он от рака поджелудочной железы 15 августа 1967 года, оставив недописанным новый вариант своей, возможно, самой известной картины «Империя света».

Карл Андре: жизнь и творчество художника

Карл Андре (англ. Carl Andre; род. 16 сентября 1935, Куинси, Массачусетс) — американский художник, представитель минимализма.

СОДЕРЖАНИЕ

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Андре родился 16 сентября 1935 в Куинси, Массачусетс.

Он изучал искусство в Академии Филипса в Андовере (Массачусетс) с 1951 по 1953. Во время учёбы в академии он подружился с Холлисом Фрэмптоном, который позднее повлиял на радикальные подходы Андре к скульптуре.

Андре служил в армии США в Северной Каролине в 1955—1956, переехал в Нью-Йорк в 1956.

В Нью-Йорке Фрэмптон представил Андре Константину Бранкузи, благодаря которому Андре в 1958 вновь свел знакомство с бывшим сокурсником по Академии Филипса, Фрэнком Стеллой. Андре делил студию со Стеллой с 1958 по 1960. В ранних скульптурах Андре из дерева можно увидеть влияние Бранкузи, но разговоры со Стеллой о пространстве и форме привели его к поискам в другом направлении.

В период, когда Андре делил студию со Стеллой, он создал серию деревянных скульптур, таких как Radial Arm Saw (1959) и Maple Spindle Exercise (1959).

С 1960 по 1964 Андре работал кондуктором в Нью-Джерси. Опыт «синего воротничка» повлиял на творческую индивидуальность Андре. В этот период Андре сфокусировался преимущественно на написании текстов (только в 1980 была опубликована книга «12 диалогов»). Конкретная поэзия Андре выставлялась в США и Европе, полное собрание находится в коллекции Музея Stedelijk в Амстердаме.

В 1960 Андре сделал наброски серии скульптур, которую он назвал «Элементы». Он предложил делать эти скульптуры из стандартных блоков дерева 12 x 12 x 36″ (30.2 x 30.2 x 90.7 см), простые конфигурации, но из-за недостатка средств не смог купить древесину. Важность «Элементов» даже в виде набросков заключается в решении использовать модульные единицы в регулярных повторяющихся композициях, принцип, который стал фундаментальным для его более поздних работ.

В 1965 он впервые публично выставил свои скульптуры на выставке «Shape and Structure» (куратор Henry Geldzahler) в Галерее Tibor de Nagy. Противоречивая работа Андре «Lever» была в 1966 включена в выставку «Primary Structures» в Еврейском музее в Нью-Йорке.

В 1970 прошла персональная выставка Андре в Музее Гуггенхайма. В 1966 Карл Андре революционизировал скульптуру новаторскими работами (такими как «37 Pieces of Work», впервые была выставлена в Музее Гуггенхайма в 1970), которые лежали плоско на земле вместо того, чтобы подыматься вверх в окружающем пространстве. Андре приглашал зрителей прогуляться по скульптуре, так они могли ощутить на сенсорном уровне ощущения от различных материалов (таких как сталь и алюминий) и различия между стоянием в центре скульптуры и нахождением за пределами её границ.

В 1969 Андре помог в организации Коалиции работников искусства (Art Workers Coalition).

В 1970-х художник готовит ряд масштабных инсталляций, таких как «Blocks and Stones» в 1973 для Портлендского центра визуального искусства, Орегон, а также работы для публичных пространств, как «Stone Field Sculpture» в 1977 в Хартфорде.

В 1972 Галерея Тейт купила работу Андре «Equivalent VIII», композицию из кирпичей. Она выставлялась несколько раз без происшествий, но стала центром скандала в 1976 после публикации в The Sunday Times. «Кирпичная полемика» стала одним из самых известных дебатов в Британии о современном искусстве.

В период с 1971 года и по 2009 год состоялось много персональных выставок знаменитого художника в таких городах как Лондон, Париж, Нью-Йорк, Дюссельдорф, Вена др.

ТВОРЧЕСТВО

Характерные черты скульптуры Андре — использование промышленных материалов, модульных единиц, артикуляция трехмерности посредством рассмотрения негативного и позитивного пространства.

Андре стремился свести словарь скульптуры к базовым фонемам, таким как квадраты, кубы, линии и диаграммы. В исследовании формы структуры и пространства, Андре делал акцент на отношения места и зрителя. Его композиции лежат где-то между бытием идей и тестированием границ физического присутствия.

Карл Андре(Carl Andre) всегда считал, что скульптура это не только определенная конструкция или объект, это еще и её окружение.

Направление разрабатываемое этим скульптором со временем стало популярным. Любители интеллектуального творчества находили в его скульптурах множество прогрессивных взглядов и технологий, которые в дальнейшем были усовершенствованны самим автором. Особое влияние на творчество этого талантливого скульптора оказало посещение Стоунхенджа. Карл Андре был поражен величественной простотой и сложностью форм. Он начал воплощать в своих дальнейших скульптурах технологию этого древнего сооружения. Среди ярких работ скульптора можно найти много фигур созданных на открытом пространстве, которые поражают не только неординарностью, но и масштабами.

Одной из известнейших скульптур Карла Андре(Carl Andre) является квадрат «Steel-Magnesium Plain». Он состоит из 36 квадратных пластин. Скульптура выполнена из стали и магния. Несмотря на простоту конструкции, скульптор добился неповторимого эффекта искривления пространства. Находясь неподалеку от этого объекта можно ощутить молекулярную структуру окружающей среды, эффект чего создает этот квадрат.

ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИ ХУДОЖНИКА

Андре работал кондуктором в Нью-Джерси. Впоследствии для него не было необычным одеваться в комбинезон и синюю рубашку даже на самые официальные мероприятия.

ТРАГЕДИЯ АНЫ МЕНДЬЕТА

В 1979 году приятели-художники Леон Голуб и Нэнси Сперо, познакомили Андре с авангардной художницей кубинского происхождения Аной Мендьета. Вскоре завязался роман. Карл Андре путешествует с ней по Италии и Германии, вводит в круг художественного бомонда Нью-Йорка, помогает в организации её выставок. На шестом году отношений, в январе 1985 года Андре и Мендьета поженились.

Но это не спасло выдыхающийся к тому времени, омрачённый скандалами союз двух самобытных, равно претендующих на лидерство художников.

8 сентября 1985 года, после ссоры с мужем Мендьета выпала из окна их квартиры на 34-м этаже в Гринвич-Виллидж и разбилась насмерть. Андре был обвинен в убийстве второй степени, и ему предстояло пережить три трудных года судебного разбирательства. В ходе судебного процесса он пошёл на отчаянный шаг и отказался от суда присяжных. Семья Аны Мендьета и активистки феминистского движения считали, что мягкая реакция сторонников Карла Андре (большей частью, представителей художественного истеблишмента Нью-Йорка) снимает с белого мужчины ответственность за насилие в отношении латиноамериканской женщины. В частности, представляющая близкий Ане Мендьета круг перформансистов художница Кароли Шнеeман, требовала от Андре публичных объяснений, что же на самом деле произошло в роковую ночь в квартире 34-го этажа. Феминистки пикетировали галерею Полы Купер, где шла выставка Андре, преследовали художника на улицах города, травили его в печатной прессе и на телевидении.

Выстоять помогла настоящая поддержка друзей.

В СИЗО острова-тюрьмы Рикерс Карл Андре пробыл недолго; он вышел под залог в четверть миллиона долларов, который внёс за него художник-минималист, старый друг Фрэнк Стелла; а Клас Олденбург на первое время дал Андре приют в своей мастерской. Наконец, после изматывающей судебной тяжбы, 11 февраля 1988 года судья Шлезингер снял все обвинения с Карла Андре, и художник был признан полностью невиновным.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector