Эмоциональные коллажи. David Delruelle

Эмоциональные коллажи. David Delruelle

Части тела, органы и природа — Сюрреальные коллажи Дэвида Дельрюэля

Прямая линия Путина с народом 15.06.17 (Ноябрь 2020)

С его необычными сочетаниями людей, мест и предметов молодой художник-коллаж Дэвид Дельрюэль, кажется, является современным дополнением к сюрреалистическому движению Бельгии, которое началось с произведений Рене Магритта в начале и середине 20-го века. Жизнь и творчество Делруэля, чьи мечты похожи на изобразительные образы, придают им совершенно новый смысл.

Искусство коллажа — это опыт, которым многие из нас наслаждались в наши дошкольные дни. Но, в профессиональном мире искусства, коллаж — уважаемый и серьезный корабль, и несколько художников создают коллаж более мощно, чем Дэвид Делруэль.

После окончания визуального искусства из EPS Saint-Luc Brussels в 2012 году, Delruelle посвятил себя практике коллажа. «То, что я люблю в искусстве коллажа», — говорит Делруэль, — это процесс его создания, поиск старых книг в благотворительных магазинах или блошиных рынках, открытие картинок с другого времени. Мне нравится работать со старой бумагой: текстуры, цвета часто очень особенные. Мне также нравится тот факт, что я могу дать вторую жизнь этим книгам. Живопись и скульптура — мои два других любимых носителя, и я с нетерпением жду возможности экспериментировать с ними больше в будущем ».

Ни концептуальные, ни чисто инстинктивные коллажи Делруэля не являются результатом идей, вдохновленных его собственными воспоминаниями или реакциями на события в новостях, и, таким образом, возникают социальные проблемы. «Когда я нахожу правильный материал, я позволяю себе пойти и попробовать несколько вещей, чтобы дать жизнь моей идее», объясняет он. Существует игра между идеями Дельрюэля, архетипическими изображениями, которые он находит, и тем, как он работает над ними, чтобы создать новые, но знакомые образы. Поиск правильных изображений, которые нужно манипулировать в его коллажах, становится важной задачей, и в некотором смысле он должен полагаться на то, что уже сделано, чтобы создать что-то новое.

Хотя Дельруэль не включает в свои коллажи свои картины или фотографии, художник говорит, что он готов попробовать: «Сейчас я работаю с черно-белыми фотографиями. Я собираюсь переехать в Париж на несколько недель, чтобы открыть новые книжные магазины второй книги и попробовать новые вещи. Когда я вернусь в Брюссель, я буду готов экспериментировать с новыми материалами, рисуя среди других ».

Ручной подход Delruelle помогает обеспечить ощущение знакомого, которое вы получаете от его коллажей. Старая фотоэстетичность в своих произведениях работает, чтобы пролить в нашу память простую дыру, создавая пространство для этих новых комбинаций вещей. Вместо того, чтобы использовать цифровые методы для объединения коллажей, Delruelle предпочитает вырезать и вставлять свои собственные руки. «Мне очень нравится прикосновение бумаги, — говорит он, — и может видеть объем слоев. Мне также нравится, как сложный ручной коллаж, препятствия, которые вы должны обойти ».

Есть заметные общие темы во всех коллекциях коллажей Делруэля, а именно сцены природных ландшафтов, частей человеческого тела и внутренних органов. «Это все, что у нас есть, — объясняет художник. «Абсолютное величие природы — это напоминание о том, насколько мы малы. Мне нравится играть с весами, оппозициями и противостоять человеку прекрасному, но опасному миру. Эти радикальные оппозиции часто являются метафорами для более интимных чувств, таких как любовь, страх, гнев или отвращение ».

Основанная в Брюсселе, Delruelle открывает местную сцену искусства, в которой говорится, что «Брюссель — отличный город для современного искусства. Есть множество прекрасных галерей. Хотелось бы, чтобы у нас скоро появился настоящий музей современного искусства, но новое правительство не думает об этом. Они резко сократили бюджет сектора культуры, это очень плохо ». Делруэль в настоящее время демонстрирует свою работу в галерее современного искусства до 3 января 2015 года.

Вы можете больше узнать о современном использовании техники коллажа в «Age of Collage», опубликованной в 2013 году.

Части тела, органы и природа — Сюрреальные коллажи Дэвида Дельрюэля

Прямая линия Путина с народом 15.06.17 (Ноябрь 2020)

С его необычными сочетаниями людей, мест и предметов молодой художник-коллаж Дэвид Дельрюэль, кажется, является современным дополнением к сюрреалистическому движению Бельгии, которое началось с произведений Рене Магритта в начале и середине 20-го века. Жизнь и творчество Делруэля, чьи мечты похожи на изобразительные образы, придают им совершенно новый смысл.

Искусство коллажа — это опыт, которым многие из нас наслаждались в наши дошкольные дни. Но, в профессиональном мире искусства, коллаж — уважаемый и серьезный корабль, и несколько художников создают коллаж более мощно, чем Дэвид Делруэль.

После окончания визуального искусства из EPS Saint-Luc Brussels в 2012 году, Delruelle посвятил себя практике коллажа. «То, что я люблю в искусстве коллажа», — говорит Делруэль, — это процесс его создания, поиск старых книг в благотворительных магазинах или блошиных рынках, открытие картинок с другого времени. Мне нравится работать со старой бумагой: текстуры, цвета часто очень особенные. Мне также нравится тот факт, что я могу дать вторую жизнь этим книгам. Живопись и скульптура — мои два других любимых носителя, и я с нетерпением жду возможности экспериментировать с ними больше в будущем ».

Ни концептуальные, ни чисто инстинктивные коллажи Делруэля не являются результатом идей, вдохновленных его собственными воспоминаниями или реакциями на события в новостях, и, таким образом, возникают социальные проблемы. «Когда я нахожу правильный материал, я позволяю себе пойти и попробовать несколько вещей, чтобы дать жизнь моей идее», объясняет он. Существует игра между идеями Дельрюэля, архетипическими изображениями, которые он находит, и тем, как он работает над ними, чтобы создать новые, но знакомые образы. Поиск правильных изображений, которые нужно манипулировать в его коллажах, становится важной задачей, и в некотором смысле он должен полагаться на то, что уже сделано, чтобы создать что-то новое.

Читать еще:  Сложности повседневной жизни. Jinchul Kim

Хотя Дельруэль не включает в свои коллажи свои картины или фотографии, художник говорит, что он готов попробовать: «Сейчас я работаю с черно-белыми фотографиями. Я собираюсь переехать в Париж на несколько недель, чтобы открыть новые книжные магазины второй книги и попробовать новые вещи. Когда я вернусь в Брюссель, я буду готов экспериментировать с новыми материалами, рисуя среди других ».

Ручной подход Delruelle помогает обеспечить ощущение знакомого, которое вы получаете от его коллажей. Старая фотоэстетичность в своих произведениях работает, чтобы пролить в нашу память простую дыру, создавая пространство для этих новых комбинаций вещей. Вместо того, чтобы использовать цифровые методы для объединения коллажей, Delruelle предпочитает вырезать и вставлять свои собственные руки. «Мне очень нравится прикосновение бумаги, — говорит он, — и может видеть объем слоев. Мне также нравится, как сложный ручной коллаж, препятствия, которые вы должны обойти ».

Есть заметные общие темы во всех коллекциях коллажей Делруэля, а именно сцены природных ландшафтов, частей человеческого тела и внутренних органов. «Это все, что у нас есть, — объясняет художник. «Абсолютное величие природы — это напоминание о том, насколько мы малы. Мне нравится играть с весами, оппозициями и противостоять человеку прекрасному, но опасному миру. Эти радикальные оппозиции часто являются метафорами для более интимных чувств, таких как любовь, страх, гнев или отвращение ».

Основанная в Брюсселе, Delruelle открывает местную сцену искусства, в которой говорится, что «Брюссель — отличный город для современного искусства. Есть множество прекрасных галерей. Хотелось бы, чтобы у нас скоро появился настоящий музей современного искусства, но новое правительство не думает об этом. Они резко сократили бюджет сектора культуры, это очень плохо ». Делруэль в настоящее время демонстрирует свою работу в галерее современного искусства до 3 января 2015 года.

Вы можете больше узнать о современном использовании техники коллажа в «Age of Collage», опубликованной в 2013 году.

Cut Out Art: люди для коллажа

Персонажи с картин Дэвида Хокни

Юля Хомутская, Джессика Нгуен

Время чтения: 13 мин

Архитекторы многое заимствуют у художников: в коллажах к архитектурным проектам часто можно увидеть фрагменты известных картин и фотографий, а в визуализациях — узнать прямые отсылки к знаковым произведениям искусства. Не удивительно. Художественные приёмы, подсмотренные у классиков и современных художников, делают подачу проекта более выразительной.

В серии материалов Cut Out Art кураторы и преподаватели Софт Культуры рассказывают о том, где сами ищут вдохновение для подачи проектов, и делятся коллекцией людей, предметов и растений, вырезанных из любимых произведений искусства. В этом выпуске архитектор и преподаватель дистанционного курса «Photoshop. Визуализация против коллажа» Юля Хомутская рассказывает о художнике Дэвиде Хокни и делится подборкой персонажей, вырезанных из его картин.

Дэвид Хокни — культовый британский художник, ключевая фигура поп-арта и самый дорогой художник современности. Большинство архитекторов знакомо с художником благодаря персонажам с его картин: яркие угловатые фигуры человечков часто используют при создании коллажей к архитектурным проектам.

Работы Хокни обрели популярность ещё во времена свингующих 1960-х, но несмотря на модные тенденции того времени, художник никогда не переходил на сторону концептуального искусства — он продолжал писать картины и очень практически подходил к приёмам создания изображений.

Сегодня Хокни продолжает активно работать. Несмотря на успех он никогда не останавливается в своём творческом развитии и постоянно пробует новое: почти за 70 лет художник успел попробовать себя в живописи, сценографии, фотографии, коллаже, принтах — и даже серии картин, созданных с помощью факса, а сейчас Хокни рисует на iPad во время прогулок.

В работах Хокни много выразительных объектов: растений, мебели и предметов декора. Почему же именно люди стали так популярны у архитекторов и дизайнеров? Попробуем разобраться на примере раннего и позднего периодов творчества художника, когда он особенное внимание уделял написанию людей, — 1960-х и в 2010-х, — а также изучим художественные приёмы, полезные для создания архитектурного коллажа.

Ещё в юности Дэвид Хокни устраивал настоящие забастовки, заставляя белеть и так седые головы уважаемых профессоров Лондонского Королевского художественного колледжа. Хокни категорически отказывался писать дипломную работу, утверждая, что художники созданы, чтобы творить, а писаниной пусть занимаются другие. В этом споре он одержал победу — Хокни убедил комиссию в своей правоте, а позже весь остальной мир в своей гениальности.

После обучения в 1964 году художник переехал из Лондона в солнечную Калифорнию, где стал знаменитым благодаря серии картин, посвящённой роскошной жизни в домах с ярко-голубыми бассейнами. На одной из самых знаменитых картин Хокни А Bigger Splash (1967) запечатлён момент прыжка в воду — на картине нет людей, но по всплеску воды можно считать присутствие человека. Такая же идея прослеживается в Lawn being sprinkled (1967) — на картине нет хозяев дома, но пространство выглядит обитаемым. Однако на других картинах этой серии трудно уловить характер персонажей — их образы упрощены, они погружены в глубь бассейна и являются такой же частью композиции, как окружающие объекты.

Читать еще:  Современный дизайнер TheOneCam. Порочный ковбой Вуди

Хокни исследовал пейзажи взглядом фотографа, даже сама форма его картин напоминает полароидные снимки. Художника увлекала идея остановки в моменте, который невозможно детально рассмотреть в реальной жизни, поэтому он медленно и кропотливо очерчивал каждую каплю воды. Сходство с фотографиями также даёт фронтальное отображение объектов, которое делает изображение плоским.

В этой серии картин отсутствует перспектива, а композиция построена на разнице в масштабе объектов, ритме вертикалей и крупном переднем плане, который позволяет почувствовать объём пространства. Все эти приёмы можно применять и в архитектурных коллажах.

В конце 1960–х Хокни начинает серию двойных портретов. Художник с самого начала отказывается от коммерческих заказов и пишет исключительно портреты близких и друзей: художников, писателей, коллекционеров. На огромных полотнах герои изображены практически в полный рост. В этой серии заметно, насколько более детальными становятся изображения людей, несмотря на то, что Хокни сохраняет упрощённую стилистику.

Основное внимание Хокни уделяет позам — через них он передаёт отношения между героями. Объекты и пространство также раскрывают характеры людей: каждому из них соответствует определённый предмет. И объекты, и люди в этих картинах выстраиваются в тщательно сбалансированную композицию. Передний план занимает до половины изображения и становится самым насыщенным — в нём ного объектов и деталей.

Во всех работах 60-х Хокни использует яркие и насыщенные акцентные цвета: в основном это голубой, зелёный, жёлтый и розовый, а также их оттенки. Акцентные цвета, как правило, выделяют воду, небо, траву, людей и ключевые композиционные объекты, остальные предметы имеют приглушённые, землистые и пастельные тона. Такие цветовые решения отлично работают и в архитектурных коллажах: сочетания спектральных и смешанных цветов будет полезно позаимствовать с любой из картин Хокни.

Хокни настолько полюбил Калифорнию, что прожил там ещё 30 лет, но в начале нулевых он вернулся домой и 8 лет писал пейзажи родного Йоркшира. После успешной выставки в Royal Art Museum в Лондоне с художником случилась череда ужасных событий: сначала инсульт и частичная потеря слуха, а после — трагическая смерть одного из ассистентов. Хокни решил вернуться в Лос-Анджелес летом 2013–го года, а вместе с этим в его творчество вернулись яркие и насыщенные цвета.

После пережитой трагедии интерес к написанию портретов вернулся к художнику с новой силой. Героем первого портрета стал Жан-Пьер Гонсалвеш де Лима — главный ассистент студии. Хокни запечатлел его сидящим на стуле: он согнулся, в отчаянии обхватив голову руками. Позже Хокни признался, что эта картина отражает и его состояние. Хокни написал ещё 81 портрет и один натюрморт — в 2016–м году эти картины были выставлены в Royal Academy of Arts в Лондоне.

В то же время Хокни пишет серию работ Dancers — оммаж знаменитой картине Матисса «Танец» (1910). Хокни создавал эту серию, наблюдая за реальной хореографической труппой — он проводил очень много времени в танцевальной студии, чтобы точнее передать движения и характер каждого персонажа. Хокни, как и Матисс, использует основные цвета, но более детально прорабатывает каждого персонажа.

Идея динамики увлекала художника — это угадывается не только в движениях персонажей, но и в попытке отразить перемещение зрителя по пространству картины. Ещё в 1980-x Хокни собирал коллажи из множества кадров, которые фотографировал, передвигаясь в пространстве или вокруг объекта — от этого ощущение перспективы искажалось. Хокни называет это «обратной перспективой» и использует этот приём в своих пейзажах и портретах — это особенно заметно по трапецевидному столу в серии картин Card Players.

В картинах последнего десятилетия у Хокни отсутствует привычная перспектива, детализированное окружение и практически отсутствуют какие-либо предметы — основой композиции и главной темой для исследования в картинах художника становятся именно люди. Через движения, эмоции и позы своих персонажей Хокни рассказывает целые истории, а благодаря их масштабу и расположению на картине зритель может считать глубину пространства.

Для подачи архитектурных проектов фигуры людей часто важнее других элементов стаффажа: именно они помогают раскрыть сценарии, заложенные в проект, и наполнить подачу желаемым характером, создать впечатление от проекта.

В картинах Дэвида Хокни можно найти персонажей в самых разных позах — они выглядят современно и вписываются в любой коллаж. Но сегодня они стали слишком популярны среди архитекторов и дизайнеров интерьера: одних и тех же персонажей можно встретить во множестве архитектурных коллажей, которыми полон интернет — особенно ресурсы, специализирующиеся на архитектурной графике. Студенты, молодые архитекторы и множество бюро по всему миру используют героев Хокни для подачи очень разных проектов, и к сожалению, это не всегда выглядит уместно. Ещё реже — оригинально.

Использование художественных приёмов, уже успевших стать мейнстримом, требует от автора коллажа особого мастерства и остроумия: это верно и для заимствования героев с картин Дэвида Хокни. Будьте осторожны и помните, что главный аргумент в пользу любого из художественных приёмов, доступных архитектору при создании коллажа, — его уместность и соответсвие концепции проекта.

Проникновенные и полные символизма портреты от Джуди Дейтер

Становление Джуди Дейтер, как фотографа, пришлось на конец 1960-х годов – самый расцвет феминистического движения в США. Её по праву нужно считать, если не продолжательницей, то наследницей таких знаменитых женщин-фотографов, как Диана Арбус, Имоджен Каннингем, Джулия Маргарет Кэмерон и других классиков. Совершенно неслучайно, что множество её фотографий можно назвать феминистическими, хотя Дейтер скорее добивалась другого эффекта – она исследовала природу женственности, позволяя женскому телу и визуальным образам говорить самим за себя, переводя вопрос из политической и нравственной сфер в эстетические и философские категории.

Читать еще:  Урбанистические пейзажи. Hugo Pondz

Дейтер родилась в Калифорнии в 1941 году. Отучившись в университете Сан-Франциско, она получила степень магистра и с головой бросилась в мир искусства. Дело в том, что интересы Джуди не ограничивались одной фотографией (хотя та, безусловно, является её главным увлечением по сей день) – ей были интересны кухня СМИ, фотопечатное дело, инсталляции, видеовизуализация, коллажи, путешествия, ведение дневников, где заметки перемежаются вырезками из собственных фото etc. Все эти довольно разнонаправленные виды деятельности органично сочетаются в биографии Дейтер, подчёркивая её личные достоинства и обрамляя главное направление, дело всей жизни – фотографию.

Джуди Дейтер

Несмотря на созвучность творчества фотографа и времени, Дейтер долгое время оставалась практически незамеченной «серьёзной» критикой, а значит и арт-диллерами, и галеристами. Это не мешало ей фанатично делать свои проекты. Начав работать в жанре уличной фотографии (учебная поездка в Японию не прошла для фотографа даром), она впоследствии уделяла большое внимание искусству портрета и автопортрета. Первое – было взглядом вовне, взглядом полным любви, ненавязчивого внимательного и спокойного интереса к своим моделям, второе – взглядом на себя, преломляющую весь окружающий мир. И портреты, и автопортреты зачастую были объединены некими циклами, изучающими ту или иную социальную группу или прослойку, то или иное явление.

Так «в копилке» Дейтер есть проекты посвящённые калифорнийским, египетским, итальянским типажам (при этом фотограф вовсе себя не ограничивает, снимая по случаю особо колоритные местные пейзажи, архитектуру и бытийные сюжеты). Искусство портрета здесь достигает абсолютно немыслимых высот. Смотря на самого обычного человека не обязательно яркой внешности, о чьей профессии, пристрастиях и прочих признаках остаётся только гадать, Дейтер снимает некую прозрачную плёнку, окутывающую его, делая своих персонажей подобными героям великих художников-портретистов прошлого, но лишённых всяких искуственных прикрас.

Есть у фотографа и более запоминающиеся типажи – откровенно нетрадиционно-гиперсексуализированные портреты людей в соответствующих одеждах и столь же неординарных интерьерах. Несмотря на довольно откровенное ню, герои Дейтер не стремятся пробудить в зрителе похоть, не выглядят, несмотря на чрезмерность своих образов, пошло, как будто та тонкая плёнка, снятая фотографом, была концентратом стереотипизации, и клишированных предрассудков. Серия портретов коллег-фотографов также представляет их удивительно разными – от того же ню, на фоне собственных снимков, до работы «в поле», в лабораториях, в неформальной обстановке и на светских приёмах. Несмотря на разность вышеперечисленных проектов, где практически постановочные фото могут тягаться с уличной съёмкой, важно отметить общее – Дейтер искренне интересуют люди, с которыми она живёт бок о бок – от их внешней, непричёсанной красоты, до глубоко индивидуальных, почти табуированных желаний. Это удивительнейшая попытка воссоздать одновременно внешнюю простоту и внутреннюю сложность человека.

Автопортреты Дейтер хочется разделить на два значимых и очень непохожих друг на друга направления. Первое – фотограф на лоне природы. Автопортрет здесь подразумевает в большей степени съёмку самой себя, нежели непосредственно портрет, но это не столь важно, ведь именно автопортрет, стирающий невозможность полного единения между фотографом и моделью, развязывает Дейтер руки, порождает эффект отчаянной открытости. Немалую роль здесь играет и то, что фотограф сама снимается обнажённой – случай настолько редкий, что почти уникальный (на память приходит разве что Терри Ричардсон, но он персонаж из совсем другого времени и другой истории).

При этом серия обнажённых автопортретов на лоне природы выглядит далёкой от большинства других работ автора, подавая фотографию не в реалистском, а символистском практически ключе. Жерло вулкана рифмуется с женским естеством, свернувшийся на каменистой почве в позе эмбриона человеческий силуэт сам стремится притвориться камнем. При этом с перспективой происходят совершенно невероятные метаморфозы – скалы могут оказаться перпендикулярно земле, камни притворятся вспененным морем, а море – песком. Некоторые снимки создают впечатление внеземных пейзажей, точно они сделаны на Марсе или другой безлюдной планете, это вносит в сюжет дополнительную метафоричность.

Второй яркой (в прямом и в переносном смысле) группой автопортретов является противоположная по духу, подаче и цвету серия, где фотограф предстаёт в образе абсолютно приземлённых типажей. Отдающая предпочтение чёрно-белой гамме, передающей серьёзность и чувственность, Дейтер здесь нарочно прибегает к цвету, который достигает максимально контрастного эффекта, усиливая стилизацию в духе гламурных глянцевых изданий почти на грани, где начинается китч. Об одном лишь снимке, где фотограф запечатлела себя в образе «сексуальной» домработницы, американские искусствоведы могут дискутировать бесконечно. Самые прозорливые отмечают, что фотограф иронизирует над стереотипами о женщинах, как уборщицах, которые, даже выполняя грязную работу, должны излучать сексуальность и, в итоге, не добиваются успеха ни в одном, ни в другом.

Баланс – вот слово, которым хочется подытожить размышления о творчестве Джуди Дейтер, ведь фотограф сумела создать глубокие, полные символизма снимки, красноречивые бытовые портреты, запоминающиеся уличные фотографии и даже квазижурнальные полотна-манифесты, не впав при этом в недостоверность, пошлость и неискренность.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector