Эмоциональные портреты и фигуративные картины. Pauline Alldis

Эмоциональные портреты и фигуративные картины. Pauline Alldis

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

Это «уродливое» искусство

Во все времена женскую красоту воспевали и ей же вдохновлялись поэты, художники, люди творческие и не совсем.

В первой половине 20 века, с появлением новых направлений в живописи таких как экспрессионизм, кубизм, абстракционизм и сюрреализм, художники стали «баловаться» с фигуративной живописью, что привело к искажению форм, пропорций, вплоть до неузнаваемости лиц и фигур.

Если говорить об искусстве с эстетической точки зрения, а не как о стилистических направлениях, изменилось отношение к красоте в изначальном ее проявлении.

Воспетая когда-то классиками женская красота абсолютно деформировалась. В ней стали искать изъяны, над ней начали потешаться. Художники перестали идеализировать красоту женщин, более того стали показывать их такими какие они есть, «во всей красе».

Читать еще:  Фрагменты женских лиц. Anja Verbruggen

Знаменитый любитель подшутить над пропорциями тела и даже в некотором смысле продемонстрировать изъяны, — Пабло Пикассо (1881-1973) и его серия картин.

Тонко прорисованный, колоритный бюст женщины, изображенной в профиль.

Вот, еще одна удивительно задумчивая и грациозная особа, и снова в профиль.

К слову, у Пикассо была целая серия схожих работ с однотипными названиями и изображениями на них.

Смотря на подобные картины я всегда задумываюсь над тем, что предшествовало такой интерпретации? Любовь к изъянам? К несовершенствам? Либо принятие женщины такой, какая она есть?

Как сильно художник должен восхищаться женской красотой, чтобы так честно и открыто продемонстрировать ее «уродство»?

Говоря о Пикассо невозможно не вспомнить его серию картин «Купальщицы».

Симметрично построенная композиция, отцентрированная обнаженным торсом мужчины, разделяющим ее на две части. В центре картины Пикассо изобразил свой автопортрет, искусно уменьшив свой рост по сравнению с другими купальщицами.

Идея «маленького человека» в сопоставлении себя рядом с гипертрофированно увеличенными по размерам женщинами, изображенными по обеим сторонам от него.

Испанский художник и скульптор Жоан Миро (1893-1983) также не отстал от тогдашнего течения. Его направление — абстрактное искусство, близкое к сюрреализму.

«Интерьер» Миро поистине достойный внимания шедевр.

Женщина, изображенная на картине, скорее всего кухарка. Озадаченное лицо и абсолютная диспропорция длины рук к длине ног, говорит о ее сложном бытие и непосильной тяжелой ноше в виде кошки и кролика, с которыми она удосужена уживаться в четырёх углах.

Как человек, повидавший огромное количество предметов искусства, с эстетическим взглядом на жизнь, мне при первом взгляде на работу бросаются в глаза крупные ступни ног. Проще представить стандартные пропорции тела.

Согласитесь, так было бы лучше.

После увиденного вспоминаются идеалы женской красоты в лучшем ее проявлении. Перед глазами встают сотни портретов классиков, живописцев эпохи Ренессанса, прерафаэлитов,ценителей красоты.

«Золотое сечение» Леонардо до Винчи, в конце концов, как краеугольный камень идеала человеческой красоты.

Согласно теории «Витрувианского человека» Леонардо только идеальные пропорции тела человека позволяют позицию с разведенными ногами и руками вписать в круг, а с разведенными руками и сведенными ногами — в квадрат.

«Джоконда», она же «Мона Лиза» кисти Леонардо да Винчи, — наглядный пример идеальных пропорций, согласно теории «Золотого сечения лица».

Согласно ей, расстояние от подбородка до носа составляет 1/3 длины всего лица, от линии волос до бровей составляет 1/3 длины лица, от кончика носа до линии бровей составляет 1/3 лица.

По мнению Леонардо и теории «Золотого сечения» именно так выглядят идеальные пропорции лица.

Немецкий художник-экспрессионист Отто Дикс (1891-1969) известен как автор эмоционально напряженных картин.

В нацистской Германии его живопись отнесли к «дегенеративному искусству». Художник был вынужден тайно писать свои работы, уехав в деревню.

Свое отношение к авангардному искусству Гитлер выразил в книге «Mein Kampf». Идеологическая дискредитация, запрет, прямые репрессии против создателей подобной живописи и уничтожение всяческих образцов «дегенеративного искусства».

Влияние феминизма, извращенная женственность в ее неправильном проявлении, свободные «американские» взгляды на жизнь, — как результат эмансипация женщины и известный всему миру «Портрет журналистки Сильвии фон Харден» Отто Дикса.

Вульгарная поза, преувеличенно длинные пальцы рук, короткая стрижка, оттопыренный подбородок, неправильный прикус, дымящая сигарета и клетчатое платье, — шокирующая картина даже для современного общества.

Подведя итог, хочется верить, что такое гипертрофированно деформированное искусство и непропорциональность существует только на полотнах и в фантазиях художников. Сложно представить в жизни подобные параллели.

Все-таки женщина должна оставаться женственной.

Согласитесь, это важно.

*Текст в блоге авторский. Публикация данной статьи без моего разрешения запрещена.

Картины Дорис Йоа. Фигуративная живопись. Портреты. Часть 2

Свои картины Doris Joa пишет акварелью и маслом — это цветы, розы, лошади, люди, портреты и натюрморты.

Картины художницы находятся у многих коллекционеров и ценителей по всему миру. Ее стиль живописи позволяет ей отобразить жизнь в натуралистическом реализме. На картинах Дорис Йоа цветы яркие, а лошади красочные. Ее образные рисунки детей и молодых женщин, создают историю, которая предлагает зрителю стать ее участником. Дорис Йоа отображает и дарит зрителю красоту, радость жизни и природы. Романтический реализм позволяет отразить красоту, которая длится в течение всех четырех сезонов каждого года.

Она также пишет образные работы и в частности, о детстве. Посредством своих картин она любит рассказывать истории, рассказывать зрителю, как дети могут интересно и просто проводить время, чтобы увидеть и понять вещи, которые взрослые не видят, потому что сильно заняты.

“Под березой” — акварельная живопись. Это — очень романтичная и идиллическая сцена – маленькая девочка проникла через садовую калитку, увидела анютины глазки и захотела полюбоваться ими.

Читать еще:  Талантливая китайская художница. Xi Pan

“Таинственный сарай” — картина о маленькой девочке, зашедшей в старый сарай и ей очень любопытно, что она сможет там найти. В этой живописи есть некоторая тайна. Что эта девочка надеется найти? Эта девочка, похоже, собирается искать какие-то вещи. В своей руке она держит маленькую маргаритку, которую она нашла за пределами этого сарая. А когда она увидела сарай, то возникло непреодолимое желание, исследовать, что там находится.

“Послеполуденные мечты” — акварельная живопись. Разве это не замечательно, когда дети могут наслаждаться такими беззаботными днями? Просто лежать на траве и мечтать? Эта акварельная живопись передает эту атмосферу. Маленькая девочка лежит под деревом на траве. Она мечтает и наслаждается послеполуденным солнцем – она просто наслаждается своим детством.

Хотя Doris Joa любит писать в реалистическом стиле, в 2005 году Дорис начала новую серию, написанную маслом, в которой создала смелые, красочные картины лошадей. Ее «красочные лошади» являются совершенно особыми. «Я люблю создавать яркие, забавные оттенки, которые приглашают зрителей к исследованию лошади, почувствовать свободный дух каждой из лошадей. Я люблю создавать эти картины, используя игривые оттенки».

Это изображение лошади очень отличается от других — зеленая лошадь на темно-фиолетовом фоне. Вряд ли фотография может передать, как выглядит картина в действительности, но это красивая лошадь, и выглядит очень необычно.

Нарисовать портрет в акварели — действительно сложно, потому, что никакая ошибка не позволительна!

Хотелось бы процитировать Стива Хэнкса – знаменитого американского живописца: “Живопись тонов кожи может быть очень хитрой. Если Вы смотрите на руку, Вы сможете увидеть много цветов. Вы сможете увидеть, что кожа прозрачна, и можно заметить цвет вен, проникающих через нее. Художники часто спрашивают меня, какие тона я использую для оттенков кожи, но кожа — многоцветна, поэтому нет ответа на этот вопрос. Ее цвет меняется в соответствии с освещением и объектами находящимися вокруг и их цветностью. Акварель также прозрачна и может быть нанесено множество слоев, которые заставят кожу ожить”.

В женских портретах Doris Joa элегантность, изящество и мягкая женственность.

Дорис Йоа создает рассказы о детстве и материнстве – те особенные эмоции и связи, которые созданы и лелеются. «Я люблю возвращать воспоминания и волшебные моменты через эти реалистично созданные картины». «Особые моменты» – акварель. Эта живопись изображает действительно особые моменты между матерями и дочерьми, ведь дочери любят быть с ними и делать те же самые вещи, которые делают они.

Поскольку Doris Joa любящая мать, то, конечно, лучшие модели – это ее дети, и она всегда старается сделать их фотографии, а потом запечатлеть в картине.

Doris Joa любит рассказывать истории в своих картинах, как дети растут и что для них важны те же самые вещи, что и для взрослых. В этой картине Дорис рассказывает как ее дочь, перед выходом на улицу, хотела убедиться, что она выглядит хорошо, слов родителей оказалось недостаточно — она хотела убедиться в этом сама. Конечно, она еще слишком маленькая, чтобы дотянуться до зеркала, но она взобралась на стул и, таким образом, смогла удостовериться, что шляпа сидит правильно.

“Мое пространство” — акварельная живопись. Все дети любят играть с разными картонками и пакетами и дочери Дорис не исключение. Картонная коробка превратилась в «замок» и началась таинственная и увлекательная жизнь в выдуманном мире. Наигравшись, «принцесса» уснула. На картине Вы можете увидеть улыбку на ее лице. Кошки – любопытные создания — интересно, что же происходит внутри «замка»? Скоро дети вырастут и никогда уже не будут играть таким образом, но эти моменты будут запечатлены в живописи.

Doris Joa получает вдохновение от всего прекрасного, что есть в жизни, не стали исключением и два новых члена семьи — два симпатичных котенка. Так возникла новая серия картин-миниатюр. Все картины котят написаны маслом, их размер 2,5″x3,5 ″ (6,25х8,75 см).

Картины художницы Дорис Йоа (Doris Joa), фото-галерея.

Копирование запрещено!
Все статьи являются интеллектуальной собственностью компании ArtWork2.com
Разрешено частичное использовании материалов в виде цитат,
при этом активная ссылка на сайт компании ArtWork2.com обязательна.

Фигуративное искусство и фигуративизм — антиподы абстракционизма и концептуализма

Фигуративное искусство — это направление изобразительного искусства, в произведениях которого всегда наглядно присутствуют реальные объекты. Фигуративизм — это лишь один из стилей фигуративного искусства, эти определения не являются синонимами. В фигуративизме основным объектом изображения выступают фигуры людей или животных.

Фигуративное искусство по своей сути является противоположностью абстрактного, отрицающего необходимость изображения реалистичных вещей в работах художника. Напротив, фигуративисты стремятся в своих произведениях с максимальной достоверностью отразить окружающие их объекты.

Читать еще:  Фотосессия для беременных

Разновидности фигуративного искусства

Фигуративное искусство основано на реально существующем мире, а не на глубоко скрытых в подсознании иллюзиях автора. Сторонники этого направления убеждены, что художник должен создавать репрезентативные, то есть узнаваемые образы в своих произведениях.

Объектами для творчества могут быть самые разные одушевленные и неодушевленные предметы: люди, дома, животные, автомобили, растения. Но для реализации своих идей автор вправе использовать все доступные средства:

  • широкую цветовую палитру;
  • причудливые и оригинальные формы предметов;
  • сочетание контрастов, роль света и тени;
  • перспективу и объем.

Поэтому к фигуративному искусству можно отнести произведения многих жанров:

Аналогичным образом фигуративное искусство объединяет множество разнообразных стилей, в которых главным объектом изображения является реальный мир, в том числе:

Кроме того, фигуративное искусство всегда направлено на эмоциональное восприятие зрителя посредством репрезентации узнаваемых форм предметов и объектов. Этим оно кардинально отличается от концептуализма, сторонники которого видят своей главной целью передачу идеи, а форма творческого выражения для них не важна.

История фигуративного искусства

Исторические корни фигуративного искусства можно обнаружить в древнейшие времена. Даже первобытные люди в своих наскальных рисунках очень часто стремились точно изобразить окружающий мир.

Но художникам всегда было присуще желание несколько исказить, а точнее — приукрасить реальность. Мастера античной эпохи сознательно идеализировали черты человеческой фигуры в своих произведениях. В Византийской империи основным видом изобразительного искусства стала иконопись, в которой пропорции тел были отчетливо стилизованы, а символика цветов и предметов играла важную роль.

В эпоху Ренессанса художники видели свое предназначение в воспевании идеалов гуманизма и антропоцентризма. Поэтому величайшие мастера того времени создавали удивительные по красоте, но далеко не всегда реалистичные произведения. Эта тенденция продолжилась и в другие исторические эпохи, вплоть до появления импрессионизма.

Черты фигуративного искусства, несмотря на появление новых стилей и жанров, всегда оставались различимыми в картинах и скульптурах художников. Но на рубеже XIX-XX веков в мировой культуре появился революционный авангардизм. Многие художники начали решительно отказываться от тысячелетних академических традиций, в том числе и от фигуративизма. Возникла и быстро начала обретать популярность абстрактная живопись, которая постепенно заняла лидирующие позиции в современной мировой культуре.

В наступившем XXI веке соотношение количества приверженцев абстрактного и фигуративного искусства постоянно меняется. Часть художников активно выступает за возвращение старых традиций в живописи и скульптуре, а их оппоненты усердно отстаивают противоположную точку зрения. Кто победит в этой борьбе — не решаются сказать даже профессионалы в сфере искусства.

Портал Very Important Lot предоставляет всем желающим уникальную возможность принять участие в арт-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины у современных художников по доступной цене.

artmarshals

Заметки декоратора

Портреты в профиль можно назвать каноническими. С одной стороны они типизируют личность портретируемого, а с другой – дают возможность выделить самые яркие черты его облика, таким образом схватить саму суть и выявить индивидуальность.

Основателем ренессансного портрета во Флоренции является живописец Мазаччо (1401 – 1428).

Во флорентийской живописи раннего кватроченто профильные портреты имеют мемориальный характер. Также можно увидеть связь с изображением на медалях (на которых портреты чеканились в профиль) и провести ассоциацию с античностью. В профильных портретах главными являются линия, силуэт и контур, а колорит хоть и эффектен, но второстепенен. Порой это посмертные портреты, написанные для фамильных галерей.

Симонетта Каттанео была супругой Марко Веспуччи и по слухам возлюбленной Джулиано Медичи; считалась первой красавицей Флоренции в ту эпоху. Она получила прозвища Несравненная и Прекрасная Симонетта. Известно, что именно Симонетта позировала для картины Боттичелли «Рождение Венеры». Умерла в 23 года от чахотки.

Флорентийские женские портреты XV века более декоративны по сравнению с мужскими. На лицах почти что нет светотеневого рельефа, поэтому они кажутся плоскими, как бы вырезанными из бумаги. Удивительно, что сходство в то время не требовалось, главное, чтобы портрет соответствовал идеалу красоты, принятому в аристократической среде. Такие портреты могли заказывать при заключении брачного контракта.

Ранние профили (и мужские, и женские) обычно изображались на однотонном фоне (нередко синем), но живописец Филиппо Липпи (1406 – 1469) заменил такой фон интерьером и портреты приобрели реалистичность. Чуть позже фоном портрета становится пейзаж.

Бабочки являются символом духа, цветы водосбора символизируют брак и плодовитость – так же, как и гвоздики. В то же время они являются символом смерти. Ветка можжевельника также символизирует раннюю смерть, поэтому искусствоведы пришли к заключению, что это посмертный портрет принцессы, которая была убита, когда супруг узнал о её бесплодности.

В середине XV века во флорентийской портретной живописи появляется поворот головы в три четверти, хотя профильный портрет не теряет своей значимости до конца столетия.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector