Фигуративный художник. Jean-Yves Fremaux

Фигуративный художник. Jean-Yves Fremaux

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

Xудожник Жан-Ив Фремо

Обожаю такие картины. В каждой живёт история. Большая и маленькая история.

Кажется, что оживут через секунду. Очень талантливо.

кайфовый. очень понравилась передача солнечного света.

Вот такой и должна быть живопись, а не эта модная брызготня краской на холст.

Хочу как старые мастера!

Процесс с фото — как я погружаюсь в прошлые эпохи. Холст, масло и немножко магии)

Простите за качество фото, делала давно и фоткала на калькулятор))

Вопрос из «Что? Где? Когда?» про живопись, или проверьте свою смекалочку

Недавно смотрел «Что? Где? Когда?», и там был интересный вопрос про конференцию в Мадриде и картины Диего Веласкеса и Иоахима Патинира. Вообще люблю вопросы про живопись, сразу чувствую себя знатоком, и моя дама сердца называет меня очень умным. Это она еще не знает, что я смотрю с ней по второму разу))

Так вот, там был вопрос. Уважаемые читатели поста, в декабре прошлого года в Мадриде прошла одна конференция. Чтобы привлечь внимание к теме этой конференции, организаторы сделали плакаты, взяв за основу несколько картин, но внесли в них изменения.

В частности у этих картин изменения были прямо противоположные.

Иоахим Патинир – «Переправа через Стикс» и Диего Веласкес – «Конный портрет Филиппа IV»

Внимание, вопрос (звук гонга, конечно же): какой проблеме была посвящена эта конференция?

Ответ будет в конце поста, не подсматривайте. Можете не глядя прокрутить в комментарии и закинуть свою версию))

Читать еще:  Художник и иллюстратор. Victoria Borges

А пока вы думаете, давайте я немного расскажу про первую картину, уж больно она интересная.

Иоахим Патинир – «Переправа через Стикс», 1520-е

Патинир считается одним из основоположников нового европейского пейзажа, когда задний фон и природа преобладают над главными героями. Для 16 века с его религиозным искусством это было точно в новинку.

Но все же Патинир не создавал самостоятельные пейзажи. Вот и тут перемешались мифы и Страшный суд: река Стикс проходит границей между адом и раем, лодочник Харон везет своего пассажира делать выбор.

Ангел показывает правильную дорогу, но пассажир уже сделал выбор — в аду веселее:

Слева находится райский источник и вообще сплошная благодать, гуляют праведники и ангелы (вон один указывает ребятам путь).

Справа же кромешный ад и привет от Босха: Цербер охраняет ворота, в замке идут всякие непотребства, а справа внизу – маленькая обезьянка. Кстати, тут она символ дьявола)

В аду своя атмосфера. Вход охраняет Цербер, одновременно похожий на собаку и крысу:

И как мы видим, пассажир сделал не самый грамотный выбор – персонаж смотрит на адское зарево и собирается присоединиться. Не очень умный ход, правда?

Ну что же, хватит держать интригу, пришло время ответов, возвращаемся к нашей игре!

Итак, ваша версия принята. Теперь, внимание, правильный ответ. Ну, гонг же))

Посмотрите: в оригинале герой одной картины плывёт по реке, а второй скачет по суше. А вот в новом варианте все наоборот – на одной картине пересохла река, а на другой – наводнение. Конференция была посвящена проблеме изменения климата!

Вот такие плакаты подготовили WWF и музей в Прадо:

Уважаемые знатоки, ну как, угадали?

Найти другие истории из мира живописи можно в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo

А если не любите телегу, то вот ссылка в инстаграмм: https://www.instagram.com/picturebymaslo

Немного про Эдгара Дега, самого нетипичного импрессиониста

В славном ряду импрессионистов Дега стоит немного особняком. В отличие от своих коллег, он писал картины в помещениях, в его подходе мало случайного и сиюминутного, все работы срежиссированы до мельчайших подробностей.

Однажды Дега притащил в свою мастерскую тазы и всякие прибамбасы для ванной, нагнал натурщиц и сел наблюдать. Девушки часами занимались своими делами: расчесывались, мылись, вытирались, зевали, раздевались и одевались. Сперва они удивлялись, чего он не рисует то, а потом просто забивали на него и тусовались.

Хитрому Дега это как раз и было нужно)

Эдгар Дега – «Ванная», 1886

Таким образом создавалась нужная автору непринужденность, зарисовка жизни. Именно естественность героинь и повседневность обстановки позволили художнику выставлять на выставках голых девушек без мифических сюжетов, но не получать по шапке, как Мане.

Барышня не смотрит на зрителя, а живет сама по себе. Картина как будто обрезана, но если дополнить ее недостающими деталями, то все разрушится. Согласитесь, как будто автор не написал ее, а сфоткал))

Главные особенности творчества Дега — смещенная композиция, неожиданные предметы «в кадре», частое использование пастели вместо красок и сумасшедший перфекционизм: художник мог месяцами писать картину, бросить, а иногда выкинуть все и начать заново. Для примера тот же Моне мог написать полотно за 10 минут и успокоиться)

Эдгар Дега во всех любимых сюжетах искал и писал прежде всего движение: моющиеся женщины, жокеи перед стартом, разминающиеся, почесывающиеся и поправляющие прически балерины заняты своей жизнью и не подозревают, что за ними наблюдают.

Эдгар Дега – «Джентльмены на скачках: наездники перед стартом», 1862

Особняком стоит тема «Дега и танцовщицы».

Вот скажите мне, вы любите балет или балерин? Художник явно любил вторых))

Можно составить целый альбом с балеринами Дега, самая известная его работа – это «Голубые танцовщицы».

В момент написания картины художник уже страдал отслоением сетчатки и видел очень плохо. Через 6 лет он совсем перестал заниматься живописью и начал лепить скульптуры буквально наощупь.

Эдгар Дега – «Голубые танцовщицы», 1898

И это удивительно! Полуслепой художник смог создать удивительную композицию – складывается ощущение, что это одна и та же девушка кружится в сложном танце. Выверенное и будто математически точное расположение героинь картины придают эффект случайного фотографического кадра. И хотя Дега любил изображать тяжелый быт балерин и их изматывающие репетиции перед выступлениями, здесь он возвращает балету торжественность и праздник.

Эх, Дега, может мы тоже просто любим балерин?))

Другие истории можно посмотреть в моем телеграме или инстаграме.

Французский художник Жан-Луи Форен

Жан-Луи Форен — Фуршет

Жан-Луи Форен (Jean-Louis Forain), (1852, Реймс — 1931, Париж), — французский художник, график, книжный иллюстратор. Член Академии изящных искусств Франции (1923), Британской Королевской академии (1931). Работы Форена представлены во многих крупных музеях мира, три из них — в Эрмитаже.

Отец художника был ткачом. В 1860 приехал c родителями в Париж. Начал свою карьеру, как карикатурист — работал в нескольких парижских журналах, включая Le Monde Parisien и Le rire satirique. Позже учился в Высшей школе изящных искусств у Карпо и Жерома. Участвовал во Франко-прусской войне. Дружил с Верленом и Рембо, Моне, Мане и Дега. Несколько раз выставлялся с импрессионистами (в 1879, 1880, 1881 и 1886 годах).

Жан-Луи Форен — был самым молодым художником, который часто посещал и принимал участие в дебатах под руководством Эдуарда Мане и Эдгара Дега в кафе «Новые Афины». Первая персональная выставка художника состоялась в 1890 в галерее Тео ван Гога.
В 1891 году Форен женился на художнице Жанне Боск. Наиболее часто встречающиеся темы картин Форена: балет, скачки, суд, цирк, бордель.

Читать еще:  Человек и пейзажи. Rodrigo Costa

В 1921 Форен подарил Реймсу большое собрание своих рисунков. Умер художник в Париже в 1931 году, похоронен в городке Ле-Шене под Версалем.

В Фоли-Бержер — 1886

Женщина дышит цветами — 1883

На переднем плане — 1896

Певица в розовом — 1895

Бальный зал — 1888

Женщина с красной оборкой — 1885

Театральное фойе — 1883

Танцовщица в розовом трико

Коробка (также известная как Конькобежное кафе) — 1882

Парижский сад — 1882

За кулисами — 1900

Танцовщица и финансист

Сцена за кулисами в театре

Танцовщица в своей гардеробной — 1890

Бал в парижской Гранд Опера — 1880

Отдыхающие танцовщицы — 1905

Выход на сцену — 1879

На маскараде — 1885

Элегантная женщина на пляже — 1885

Розовые танцовщицы — 1905

Визит в раздевалку танцовщицы — 1880

В ресторане — 1885

Парижский вечер — 1878

Общественный сад — 1884

Танцовщицы за кулисами в опере — 1900


Скачки — 1890

Художник Jean Beraud (1848 – 1935). Париж, как образ утончённой красоты

Художник Jean Beraud (1848 – 1935)

Французский художник Жан Беро известен, как салонный живописец конца девятнадцатого века, автор большого количества жанровых работ о жизни Парижа и светского общества французской столицы. Кроме того художник писал картины-евангельские сюжеты в которых герои были перенесены в девятнадцатый век.

Художник Жан Беро (Jean Beraud) родился в декабре 1848 года в Санкт-Петербурге, в семье французского скульптора Жана Беро, которого российские власти пригласили для оформления Исаакиевского собора.

Через пять лет после рождения Жана его отец скончался и вдова, с четырьмя детьми, оставила Петербург и вернулась в Париж.

После возвращение во Францию Жан Беро был определён в лицей Бонапарта – юноша мечтал о карьере адвоката. Однако, после окончания Франко-Прусской войны Жан уже не хотел быть юристом, а поступил в Школу изящных искусств, где брал уроки живописи у известного французского художника-портретиста Леона Бонна.

После окончания Школы изящных искусств Жан Беро открыл собственную мастерскую на Монмартре, начал писать, в основном, портреты и с 1873 года регулярно участвовал в работе Парижского Салона. В 1876 году художник пишет жанровую картину «Возвращение с похорон» и выставляет эту работу в Салоне – успех превышает все ожидания. И Жан начинает создавать работы с «похожими» сюжетами – жанровые сценки на Елисейских Полях, живописные кафе Монмартра, блестящая публика на берегах Сены… В целом – изображение будней времён «Прекрасной эпохи».

Постепенно академический стиль живописи уступает место импрессионизму, что совсем не характерно для салонной живописи, поскольку «салонные» живописцы не столько выражали себя, сколько стремились создать некий образ идеальной красоты, который бы в полной мере удовлетворял представление современников о хорошем вкусе.

В 1887 году Jean Beraud был посвящён в рыцари, а в 1894 году был удостоен звания офицера Почётного легиона.

К концу девятнадцатого века художник всё меньше времени уделял написанию картин, и всё больше участвовал в многочисленных жюри и конкурсных комиссиях, в организации и проведении выставок «Обществом изящных искусств» в котором Жан Беро состоял в должности вице-президента.

У художника никогда не было жены и детьми он не обзавёлся. А потому, после его смерти, в октябре 1935 года, был похоронен на кладбище Монмартр рядом с могилами своей матери и сестры-двойняшки Мелани.

Картины художника Жана Беро (Jean Beraud)

Кондитерская Gloppe на Елисейских Полях

Магдалина в доме Симона фарисея

Симфония красного и золота

Ночные красавицы (В парижском саду)

У церкви Святой Троицы

Ветреный день на Мосту Искусств

Игра в трик-трак (нарды) в кафе

Модистка на Елисейских полях

Выход их Лицея Кондорсе

Цветочный рынок в Париже

Сцена на Елисейских полях

Полёт биплана братьев Райт

На площади Конкорд

Большие бульвары. Театр Варьете

Прибытие мидинеток (L’Arrivee des midinettes)

Большие бульвары (Кафе Америкэн)

Модистка на мосту Искусств (Modiste Sur Le Pont Des Arts)

Суета на Рю де ла Пэ (Courses Rue De La Paix)

Жан Дюбюффе. Безумие
как здравомыслие

«Для меня безумие — супер здравомыслие. Нормальным является больной психозом. Нормальный означает нехватку воображения, нехватку творческого потенциала»
© Жан Дюбюффе

Жан Дюбюффе (Jean Philippe Arthur Dubuffet, 1901–1985) был французским живописцем и скульптором. Его идеалистический подход к эстетике тяготел к так называемому «низкому искусству». Он сторонился традиционных стандартов красоты в пользу того, к чему стремился, а именно – аутентичности гуманности своих работ.

Многим он известен, прежде всего, как основатель Ар Брю (Art Brut) – непрофессионального искусства детей, самоучек и душевнобольных — и коллекцией работ Collection de l’art, которая и дала начало этому движению.

Дюбюффе родился в Гавре в богатой семье виноторговцев. Он переехал в Париж в 1918, чтобы изучать живопись в Академии Джулиане. Там он встретил Хуана Грисома, Андре Массона и Фернана Леже, которые стали его близкими друзьями. Шесть месяцев спустя Жан бросил учебу, чтобы учиться самостоятельно, так как у него появилось множество других интересов, включая музыку, поэзию и исследование древних и современных языков.

Читать еще:  Хранительница очага. Fiona Phillips

Жан Дюбюффе много путешествовал по Италии и Бразилии, но все же спустя семь лет вернулся в Гавр, где женился и продолжил дело своего отца – открыл винный магазинчик в Париже, просуществовавший вплоть до 1934 года. На родине он снова начал творить – написал ряд портретов, в которых подчеркнул значение моды в истории искусства. Но торговля вином не оставляла свободного времени, и Дюбюффе снова оставил творчество. Во время немецкой оккупации Франции у него был бизнес в Берси. Несколько лет спустя в автобиографии он даже писал o том, что получил существенную прибыль, поставляя вино Вермахту.

В 1942 году Дюбюффе решил вернуться к искусству. Он выбирал темой своих работ повседневную жизнь, чаще всего — людей, едущих в парижском метро или прогуливающихся по городу. Художник писал, опираясь на палитру фовизма, а также живописцев группы «Мост» (Brucke), используя свойственные им сочетания контрастных красок.

Многие его работы изображали людей, оказавшихся в очень тесном пространстве, что всегда оказывало сильное психологическое воздействие на зрителей. Особенно это чувствуется в его работе «Уроки Ботаники» (Lecciones Botanica, 1924-1925).

Первая персональная выставка Дюбюффе состоялась в октябре 1944 в Париже. Она стала его третьей попыткой добиться признания.

В 1945 Дюбюффе был сильно впечатлен парижской выставкой картин Жана Фотрие, в которых тот изображал человека непосредственно и просто. Подражая ему, он начал использовать жирную масляную краску, смешанную с грязью, песком, галькой, соломой и тому подобным. Это позволяло рисовать кистью по холсту, но при этом оставлять физические отметки, вроде царапин. Дюбюффе был первым художником, который использовал этот тип преобразованной пасты. Кроме того, в более ранних картинах он отказался от перспективы в пользу более прямого, двумерного изображения пространства, создавая ее иллюзию грубым пересечением объектов в плоскости изображения. Этот метод импасто создавал «тесный» эффект на его картинах. Ярче всего он проявился в серии работ «Поднявшееся тесто» (Hautes Pâtes), которую художник представил на своей второй масштабной выставке Microbolus Macadam & Cie/Hautes Pates в той же галерее Парижа.

Использование «сырых» материалов и неизменной иронии послужили поводом для нелицеприятных отзывов со стороны критиков, которые обвиняли художника в «анархии» и «очистке мусорного ящика». Но были и позитивные отклики. Например, Клемент Гринберг писал:

«Кажется, он самый оригинальный живописец парижской школы и, возможно, один из самых важных художников, которые появлялись в Париже в последнее десятилетие»

После 1946 года Жан Дюбюффе написал портреты своих друзей Анри Мишо, Фрэнсиса Понджа, Джина Полхэна и Пьера Матисса. Они созданы в той же манере, что и остальные работы — «антипсихологической» и «антиличной», как выразился сам автор. Он писал:

«Я чувствую, что пейзаж и портрет должны совместиться, что это более или менее то же самое, я хочу, чтобы портреты и пейзажи имели одни характеристики – морщины = борозды в оврагах, нос = деревья, рот = дом»

Дюбюффе добился большого успеха в Америке в основном из-за своего участия в выставке Пьера Матисса в 1946 году — дружба с ним оказалась выгодной. Матисс был весьма влиятельным дилером современного европейского искусства в Америке, он поддержал в трудные дни Школу Парижских художников (the School of Paris). Работа Дюбюффе соседствовала с полотнами Пикассо, Брака и Руо на выставке в галерее, он оказался одним из двух молодых художников, которые были удостоены такой чести. В статье Newsweek Дюбюффе назвали «любимцем парижских авангардистских кругов». Благодаря позитивным отзывам и привлечению внимания Матисса и Гринберга, Дюбюффе стал организовывать свои собственные выставки, которые проходили с большим успехом.

Американцы были заинтригованы и французским авангардом, и его работами. Многие живописцы нью-йоркской школы в то время пытались следовать авангардистской традиции и копировали манеру Дюбюффе. Такой радушный прием в Америке был продиктован желанием нью-йоркского мира искусства создать собственную авангардистскую среду.

В поисках вдохновения между 1945 и 1947 годами Жан Дюбюффе совершил три путешествия в Алжир, который в то время являлся французской колонией. Он был очарован кочевой жизнью аборигенов, которые не задерживались надолго на одном месте. Это непостоянство и стало зарождением Непрофессионального искусства (Art Brut).

Позже Дюбюффе сам собрал коллекцию произведений этого направления, где были работы таких художников, как Алоис Корбэз и Адольф Велфли. Она теперь размещена в Collection de l’art в Лозанне, Швейцария и часто упоминается как «музей без стен», поскольку разрушила все национальные и этнические границы и устранила препятствия между культурами.

Под влиянием книги Ханса Принжорна «Мастерство психически больных» Жан Дюбюффе ввел термин «непрофессиональное искусство». Под ним он подразумевал произведения, созданные художниками-непрофессионалами, работающими вне эстетических норм, например, людьми с психическими нарушениями, заключенными и детьми. Он чувствовал, что творчество обычного человека ближе к искусству и поэзии, чем работы профессионалов.

Дюбюффе писал, что его целью было «не простое удовлетворение горстки специалистов, а, скорее, человека с улицы, когда он приходит домой с работы… Я чувствую самым близким, с кем я хочу подружиться и установить доверие, и он — тот, кому я хочу нравиться и кого я хочу очаровать своими работами».

С этой целью художник начал искать такой вид искусства, которым могли бы заниматься все желающие. И свои собственные работы он тоже намерено лишал интеллектуальных проблем, в результате чего они часто кажутся примитивными, но зато всегда – искренними.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector