Хорватский художник. Trnski Velimir

Хорватский художник. Trnski Velimir

Хорватский художник. Trnski Velimir

Выставка с таким названием, открывшаяся в Москве в Музее наивного искусства, стала поводом для интервью с коллекционером Владимиром Темкиным. Он привез в столицу работы 16 хорватских художников, представителей четырех поколений последователей знаменитой Хлебинской школы.

Аудиозапись: Adobe Flash Player (версия 9 или выше) требуется для воспроизведения этой аудиозаписи. Скачать последнюю версию здесь. К тому же, в Вашем браузере должен быть включен JavaScript. Время культуры на радио «Благо» — 102,3 FM

«Наивная подравская живопись характеризуется мотивами из повседневной деревенской жизни, спокойными пейзажами, а также живым локальным цветом, особенно характерным для уникальной техники живописи на стекле. Мотивы, цвета и техника настолько типичны, что картину Хлебинской школы в равной степени узнают и мировые эксперты, и критики, и простые любители», — зачитывает Владимир собственную цитату в одном из каталогов. С хорватскими художниками он дружит довольно давно, причем именно дружит — с 13 из 16 авторов работ на выставке в Москве Владимир Темкин был знаком лично. Коллекционер признается, что для него это не просто покупка произведений искусства, но возможность для обретения друзей, общения, творчества.

Хлебинская школа в Хорватии никогда не выглядела как классическое учебное заведение с программами, партами и учениками. Этим термином принято называть процесс передачи знаний и традиций из поколения в поколение хорватских художников самоучек. У истоков этого процесса в 30-е годы прошлого века стоял академический художник, выходец из села Хлебине в Хорватии Крсто Хегедушич. После учебы в Париже молодой художник вернулся на родину и интуитивно искал возможность самовыражения для себя и своего народа. «Хлебинская школа в период становления одновременно испытала на себе влияние и социокультурного контекста, и идей, вдохновленных профессиональной живописью, и народного чувства-настроения той поры», — пишет в каталоге к выставке заместитель директора Музея наивного искусства Александра Володина, — «Выбранные Хегедушичем средства выразительности — живопись по стеклу и яркий колорит — теперь являются визитной карточкой Хлебинской школы».

Примерно в 90% случаев хорватские наивные художники пишут картины на стекле так называемым реверсным способом. По словам Владимира Темкина, это очень трудоемкая техника, ведь автор накладывает масляную краску на картину в обратном порядке — сначала прорисовывает блики и мелкие детали, а затем слой за слоем наносит рисунок. Работая этой техникой, ничего не возможно исправить, потому что самый первый слой, который видят зрители через стекло, для автора остается как бы на «дне» произведения, к которому уже нельзя вернуться. Чтобы создавать картины в этой технике нужно обладать прекрасным пространственным мышлением и острым вниманием. Разглядывая скрупулезно прорисованные картины последователей Хлебинской школы зрители зачастую замечают, что «не такая уж она и наивная, эта наивная хорватская живопись».

Сюжеты из крестьянского быта, выполненные сложной техникой живописи на стекле, получили признание во всем мире. Как рассказал Владимир Темкин, художники Хлебинской школы побывали с выставками на всех континентах, принимали участие в приемах президентов и членов королевских семей.

Однако когда впервые основатель Хлебинской школы Крсто Хегедушич показал широкой публике работы своих учеников, молодых крестьян, в Загребе разразился скандал. Картины Ивана Генералича, Франьо Мраза и других учеников Хегедушича, которые не имели классического художественного образования вначале не хотели признавать в качестве искусства. Как подчеркивает Темкин, Хегедушич активно продвигал творчество крестьян и стремился доказать, что талант не связан с происхождением и не является привилегией высокого класса, как это было в академическом искусстве. Хегедушич настоятельно просил своих учеников ничего не придумывать и не фантазировать, рисовать только то, что их окружает, быт простого крестьянина.

Так и сложилось, что наивные хорватские живописцы не только представляли бытовую жизнь села Хлебине в своих работах, но и сами оставались крестьянами. «Все, о ком мы говорим, не смотря на то, что они всемирно признанные художники, они и сейчас остаются крестьянами. Например, Мийо Ковачич, до сих пор живет на своем хозяйстве. Каждый день пропадает в виноградниках, сеет кукурузу, сажает картошку, гонит мед, занимается пчелами. Все это продолжается, несмотря на то, что человек признан во всем мире как художник», — рассказывает Владимир Темкин.

Наш собеседник привел пример из жизни наивного живописца Ивана Веченая. Однажды в 70-х годах художник познакомился с голливудским актером Юлом Бриннером, который находился в то время в Югославии на съемках фильма. Юл буквально влюбился в творчество хорватских наивных художников, с удовольствием рассматривал картины, обсуждал их. И в итоге пригласил Ивана Веченая с женой к себе в Америку на отдых. Когда двухнедельный отпуск подошел к концу, супружеской паре предложили продолжить путешествие и поехать на берег океана во Флориду. На что жена Веченая ответила, что им пора возвращаться, потому что созрела кукуруза и нужно было собирать урожай.

На выставке представлены работы живописцев примерно за 80 лет существования феномена Хлебинской школы. Авторская литография Ивана Генералича (первое поколение), картины Мийо Ковачича, Ивана Лацковича, Йосипа Генералича, Мартина Мехкека и живописцы, которые, стоят на пороге истории, их произведения тоже являются признанными. Среди них Никола Веченай Лепортинов, Мартин Копричанец (второе поколение).

Третье поколение наивных художников Хорватии наиболее многочисленное. Степан Иванец, Нада Швегович Будай — это авторы, работы которых находятся в постоянной экспозиции Музея наивного искусства в Загребе. По следам их творчества написано большое количество статей и монографий. Кроме того к третьему поколению относят Владимира Иванчана, Мирко Хорвата, Ивана Андрашича, Бисерку Златар.

По словам Владимира Темкина, к четвертому поколению последователей Хлебинской школы можно причислить буквально пятерых художников. Самым талантливым из них, по признанию многих критиков и искусствоведов, является Дражен Тетец, кстати участник Триеннале «Фестнаив-2013» в Москве.

Хлебинская школа наивных живописцев за период своего существования пережила как полное отрицание и преследование, так и всеобщее признание и любовь. По свидетельству искусствоведов, период развития феномена Хлебинской школы подошел к концу. Но на наш вопрос о том, что ждет мировое наивное искусство в будущем Владимир Тёмкин отвечает с оптимизмом: «Я думаю, что наивное искусство ждет очень большое будущее. Восприятие меняется. Все больше людей сами занимаются живописью, пытаются самовыражаться и тем самым признают и лучше понимают окружающих людей. Происходит обмен. Человек, который в состоянии понять и принять, хоть академическое, хоть не академическое искусство, может завтра купить и повесить у себя дома работу и наивного художника. Какая разница наивный/не наивный художник? Он творец и если это настоящее произведение искусства, то оно трогает душу, не так ли?».

Наивная живопись Хорватии / Зима (ч.2)

Мийо Ковачич. На санях с дровами. 1962

Мирко Хорват. Зимний размол пшеницы

Мирко Хорват. Водяная мельница. 2003

Мирко Хорват. Белогорский ручей. 2004

Читать еще:  Украинский художник. Александр Брескин

Мирко Хорват. Переправа на Драве. 1980

Милан Генералич. Зимняя полуночная любовь. 1993

Иван Генералич. Зима. 1942

Иван Генералич. Зима. 1944

Иван Генералич. Зимний пейзаж. 1944

Звонко Сигетич. Большая зима. 2004

Звонко Сигетич. Несущий свет (И.Лацкович). 2008

Звонко Сигетич. Святое семейство. 2001

Драган Гажи. Большой зимний пейзаж. 1969

Драган Гажи. Зимний ветер. 1973

Драган Гажи. На дворе. 1969

Дражен Тетец. В моем селе. 2009

Дражен Тетец. Галилей. 2010

Дражен Тетец. 2010

Дражен Тетец. На гулянку. 2010

Дражен Тетец. Хозяин леса. 2010

Дражен Тетец. Сельская работа.

Дражен Тетец. Птица водомер. 2011

Дражен Тетец. 2011

Дражен Тетец. 2011

Мийо Ковачич. В деревне. 1968

Мийо Ковачич. Дровосеки. 1973

Мийо Ковачич. На заработки. 1978

Мийо Ковачич. Продавцы хлеба. 1997

Мийо Ковачич. Ряженые зимой. 2000

Мийо Ковачич. Село зимой. 2007

Бисерка Златар Милинкович. Белые сны. 2003

Бисерка Златар Милинкович. 1998

Бисерка Златар Милинкович. Мой дед. 1979

Бисерка Златар Милинкович. Из кладовки. 1979

Иван Веченай. Почитаемый петух. 1977

Мартин Джукин. Зима

Мартин Копричанец. Ее мир. 1978

Мартин Копричанец. На моей руке. 1978

Мартин Копричанец. На теплой ладони. 1975

Мартин Копричанец. Первая ласточка. 1994

Мартин Копричанец. Спящая птичка. 1998

Мартин Мехкек. За милостыней.

Нада Швегович-Будай. 1982

Степан Иванец. Зима. 1990

Степан Иванец. Цыгане зимой. 1977

Степан Иванец. Зеленая зима. 2010

Степан Иванец. Вселенная на столе. 1983

И, наконец, несколько работ двух очень самобытных художников — Мато Тота иФраньо Клопотана. Мато Тот в основном пишет на библейские сюжеты (в мягкой пастельной палитре), а также живописные натюрморты, пользующиеся огромной популярностью у зарубежных туристов. Отличительная особенность картин Франьо Клопотана — совершенно невероятные композиции в жанре сюрреализма и метафизической живописи, замысловатые красочные полотна с заморскими индюками, фантастическими птицами, бабочками, цветами.

Работы Мато Тот

Мато Тот (Mato Toth) родился в 1954 г. в селе Репаш, недалеко от Молве, в Подравине. Уже в 15 лет освоил технику рисования на стекле. В начале творческого пути попал под влияние своего великого молварского соседа — Мийо Ковачича (что, впрочем, не удивительно, через подражание Ковачичу прошли фактически все художники из многочисленного «третьего» поколения). Первый раз выставлялся на групповой выставке в 1972 г. Живет и работает в Копривнице.

Работы Франьо Клопотана

Франьо Клопотан (Franjo Klopotan) родился в1938-м в небольшом селе Пресечно, недалеко от Вараждина, в Хорватском загорье. Живописью занимается с 1959, первая персональная выставка состоялась в 1963 в Загребе, после которой получил должность реставратора в музее Гамбурга (Германия). В 1970 г. вернулсяна родину. Ныне две его работы украшают Дворец короля Филиппин, четыре находятся в Филиппинском национальном музее, семь работ — в Гамбургском музее, в музеях Ниццы, Мюнхена и в других городах Европы и Америки.

Хорватия.Ру — отдых в Хорватии

Художники Хорватии

Влахо Буковач

Влахо Буковач (1855 — 1922) был хорватским живописцем. Буковач родился в маленьком городе на юге от Дубровника в Далмации. Он умер в Праге. Буковач получил художественное образование в Париже. Его обучение и работы восхищали известного профессора Александра Кабанэля, и Буковач стал студентом престижного «École des Beaux-Arts».

Он рисовал в духе украшенного, «подслащенного» реализма и достиг большого успеха в «Салонах», где располагались самые известные художественные работы. После следования за модой и вкусом общественности, его картины находились под собственными личными темами художника. После недолгого пребывания во Франции, а затем в Англии, он вернулся на теплое побережье Далмации.

Он был открыт для мира, и путешествовал в различные страны. Так, одними из направлений были Черное море, Южная и Северная Америка. Будучи художником, который следовал за установленными канонами, продиктованными «Салоном» и широкой публикой, был и другой Буковач, который следовал своим собственным внутренним импульсам художественного сознания.

Иван Генералич

Иван Генералич родился 21 декабря 1914 года. Он был хорватским живописцем. В начале, уроки живописи были его самой большой радостью. В 1930 году он стал студентом художественной академии, а позже — профессором.

Хегедушич был впечатлен работами Генералича и организовал первую общественную художественную выставку живописца, проходившую в 1931 году в Художественной павильоне Загреба. После Второй Мировой Войны, в 1945 году он стал членом «ULUH»(общество хорватских художников). В 1953 году у него прошла выставка в Париже, где он жил и работал на протяжении нескольких месяцев.

Отон Глиха

Отон Глиха был хорватским живописцем, который закончил Академию Искусства Загреба и провел время в Париже. В ранние годы, он писал портреты, используя не очень яркие цветы. Его пейзажи отражали структуру картин Поля Сезана, а его портреты указали только самые важные особенности формы, натюрморты же были выполнены почти как рельефы.

Отон Глия родился 21 мая 1914 года в Хорватии, проживал вместе с семьей в Словении. Их место жительства, главным образом было продиктовано государственной службой его отца. Он жил в Славонии до десяти лет, а позже вся семья переехала в Загреб, где он окончил среднее образование и Академию Искусств в 1937 году.

Он учился с профессорами Максимилианом Ванка, Марино Тартаглия и Любо Баби. После своего обучения он поехал в Париж, Вену и Мюнхен, чтобы продолжить свое образование. После женитьбы на художнице Миле Камбатови, молодая семья переехала на родину жены — остров Крка. Там он продолжал искать вдохновение для его выражения живописи прибрежных пейзажей.

Юлий Клович

Юлий Клович родился в Далмации в 1498 году, а умер в Риме – 1578. Всемирно известный как Джулио Кловио, он был, возможно, самым великим миниатюристом того времени. Клович стал одним из самых известных хорватов. Джорджо Вазари, первый искусствовед современного мира, рассматривал Кловича как самого великого миниатюриста того времени и включил его биографию в список знаменитых художников.

Эль Греко, знаменитый греческий художник из Испании, который рисовал сумеречные и мистические атмосферы, написал портрет Кловича в серии портретов четырех живописцев — Микеланджело, Тизиан и Рафаэль. Юлий Клович был также известен как «Микеланджело миниатюры».

Старинные рукописи с его миниатюрами стали известными, прежде всего, из-за мастерских рисунков. Он был очень убедителен в передаче всего многослойного взгляда, который присутствовал на известных картинах итальянского Ренессанса в миниатюрном формате. Некоторые книги, иллюстрированные им, сохранены в таких библиотеках, как библиотеки в Ватикане, Риме, Лондоне, Вене, Нью-Йорке, Мюнхене и Париже.

Андрия Маурович

Андрия Маурович (29 марта 1901 — 2 сентября 1981) был известным автором рисунков комиксов, и часто называется отцом хорватских и югославских комиксов. Он родился в Муо в Бока Которска (тогда Австро-Венгрия, сегодня Черногория). После небольшой поездки в Краков, Польша, он переехал с семьей в Дубровник, где он посещал начальную и среднюю школу.

Читать еще:  Татуированные люди. Chris Guest

После рекомендации Иво Вожновича, который был известным автором, он поступил в Академию Искусств в Загребе. Вскоре у него в Академии стали возникать проблемы, потому что в ней не разрешалось студентам работать. Тогда он начал иллюстрировать книги, еженедельные и ежедневные газеты.

Эдо Муртич

Эдо Муртич (4 мая 1921 — 2 января 2005), был известным живописцем из Хорватии. Муртич родился в «Velika Pisanica» около Беловара (в бывшей Югославии). Он переехал со своими родителями в Загреб в раннем детстве, и получил образование начальной и средней школы. Там же, в Загребе, он также поступил в Школу Ремесел. В 1939 году Муртич пошел в Академию Искусств в Загребе, а на протяжении следующего года он учился в Белграде.

Муртич находился под влиянием социалистических идей начиная с его детства, а в начале Второй мировой войны он стал членом антифашистского движения. Весной 1944 года Муртич присоединился к освободительным силам, где он сначала работал художником, рисуя Плакаты и книги. Сразу же после войны Муртич стал известным не только в Югославии, но и во всем мире.

Начиная с его первой индивидуальной выставки в Загребе в 1952 году, Муртич значительно развивал свой художественный стиль. Его работы Второй Мировой Войны и послевоенного периода, главным образом, включали фигуративные картины, в то время как его современные произведения отражают не иначе, как экспрессионизм. У него прошло сто пятьдесят собственных выставок, а также он участвовал приблизительно в трехстах выставках во всем мире.

Слава Рашкаж

Слава Рашкаж (2 января 1877 — 29 марта 1906, Загреб) была художницей, которая, как полагают, была одной из первых хорватских художников, пишущих акварелью. Слава родилась в семье местного администратора Векослава Рашкажа. Ее имя «Slava» на хорватском языке означает «Славу». До семи лет она жила со своей семьей.

Будучи глухой с рождения, а также из-за трудностей в общении, она постепенно удалялась от людей, но не прежде, чем ее талант был замечен. До возраста пятнадцати лет (1885 — 1893), она жила в учреждении для глухих детей в Вене, Австрия. Под влиянием преподавателя искусства она продолжала развиваться в этой области.

Возвратившись домой в 1895 году, по настоянию местного преподавателя Ивана Отоич-Муха, она уехала в Загреб, чтобы поступить в художественную школу. В 1896 году ее преподавателем стал известный художник. Репертуар Славы был специфическим — темные оттенки мертвой природы, картины, нарисованные акварелью, содержащие такие объекты, как морская звезда, серебряная груда драгоценностей, и еще более интересные такие, как красная роза и сова, или омар и болельщик.

Максимилиан Ванка

Максимилиан Ванка (1889-1963), также известный, как Максо Ванка был хорвато-американским художником. Максо Ванка родился в Хорватии в 1889 году. Предполагается, что он, возможно, был внебрачным ребенком одного из Габсбургсков. Он жил с крестьянами, но в возрасте восьми лет был обнаружен его дедушкой по матери и отослан в замок. Он изучпл искусство в Загребе, Хорватии, и Брюсселе, Бельгии.

На протяжении Первой мировой войны он служил с бельгийским Красным Крестом, потому что он был пацифистом и никогда уже не будет служить в регулярной армии. Он преподавал искусство в Загребе, но переехал в Америку в 1930-ых годах с его женой Маргарет Стеттен Ванка и его маленькой дочерью Пэгги.

Его самыми важными работами стали: Фрески «Millvale» в Католической хорватской церкви Святого Николаса в Мильвалле, штат Пенсильвания. На них показан Иисус Христос и Мария в изображениях войны. К фрескам прилагается комментарии относительно фашизма и войны. Он умер, плавая на побережье Пуэрто Валларта в 1963 году.

Хорватские художники

Окунуть кисть в баночку с краской возможно даже выдавить ее ровно из тубы на полотно, все в тени какой-нибудь линии или ветвистого каштана — сколько кварнерских гаваней, таким образом, ровно с побережья, перенес на полотно художник? А звук удара по резцу, который разносится по мастерской скульптора, работавшем на белом камне — сколько он соперничал с шумом морских волн? Это вопросы, на которые иногда не следует ожидать ответов. Так же как этого не ожидали ни те многие, которые работали в когда-то многочисленных мастерских каменотесов, пока порох попадал им в складки одежд, ни мастера-плотники.

Произведения кварнерских художников украшают самые знаменитые мировые коллекции. Одно из самых известных мировых художественных имен — несомненно Юлие Клович (1498—1578), миниатюрист из Грижана, возле Нови-Винодолски. Georgius Julius Croata , то есть Юрай Юлий Клович Хорват, покинул свой родной край мальчиком, и позже работал в Риме, Венеции, Флоренции и Парме. Современники очень ценили Кловича, и называли ласковым прозвищем «Микеланджело мини­атюр». Клович, по обычаям того времени, нарисовал многим заказчикам — итальянским кардиналам, венгерскому королю Людовику II, и другим — произведения, которые считаются шедеврами изобразительного искусства. Особенное удовольствие глазам зрителя — кодекс Beatissimae Mariae Virginis Officium, создан для кардинала Гримания (хранится в Британском Музее), кому Клович роскошно украсил и Комментарий послания св. Павла римлянам. Шедевром считается и Officium Virginis , сотворен для кардинала Фарнезе (Пьерпойнт Морган библиотека, Нью-Йорк). Миниатюры, произведения рук Кловича, мастерски нарисованы, изящно покрашены, персонажи находятся в роскошно декоративном окружении, и привлекают внимание удлиненностью и загадочным выражением лица.

Имя Кловича связывали и с Вазари, Брюгхелем, Колонной, а великий Эл Греко частично свою мировую славу должен именно Кловичу, который, тогда молодого, артиста порекомендовал кардиналу Фарнезе. Эл Греко ценил Кловича и дважды портретировал его. Сначала отдельно, на картине в Неаполе, а затем присоединивши его персонажам Рафаэля, Микеланджело и Тициана в нижней части картины Изгнание торговцев из храма.

Два столетия позже, иной молодой человек приехал в Риеку, где и остался всю свой жизнь, еще сорок лет. Антонио Микелацци (1707—1772) в Риеке обладал собственной скульпторской мастерской.

Лучшим художником Риеки 19 столетия считается Джованни Симонетти (1817—1880). Еще студентом, он получил многие награды венецианской Академии. Он стал выдающимся портретистом, мастером рисования с масляными крас­ками, что можно увидеть в его портретах тогдашней городской верхушки. Успех он постиг и своими миниатюрами, пастелями и акварелями.

Его скульптуры можно увидеть и вне городских стен — в соборе в Граце, в соборе в Загребе, и во многих других поселениях Истрии и Кварнера. Некоторые из его лучших произведений — кафедра проповедника, и алтари св. Иосипа и св. Франьо Ксаверски — украшают Церковь св. Вида в Риеке. В другой церкви того же города, Церкви св. Еронима, и в Церкви св. Петра и Павла в Брибире, он сделал главные алтари. Его произведения — между самими лучшими произведениями хорватского барочненный век, со дня рождения до смерти. В момент его рождения, город считается частью Венгрии, к времени его возврата из Академии в Будапеште, город уже в руках итальянцев, позже власть переходит Югославии. Несмотря на все исторические перемены, Венуччи не уезжает из своего родного города. То восхвален, то беспощадно критикован, он всегда здесь, и становится метафорой Риеки. И ее мифом. Это ли причина тому, что на первый взгляд кажется, что его богатый опус состоится из различных, иногда даже контрадикторных, кажется, стилевых фаз? Венуччи постиг художественный пик своими произведениями на базе кубоконструктивизма и футуризма.

Читать еще:  Украинский художник-реалист. Николай Репик

В опусе графика и художника Вилима Свечньака внимание в особенности привлекает его первая фаза, где он особенно посвяща­ется социальным мотивам. Это было в соответствии с принципами группы Земля, чьим членом был Свечньак. Хотя он стал уважаемым художественным артистом, Свечньак не забыл о своем детстве в чабарском крае.

Художник Иво Калина прожил большую часть своей жизни в Опатии. Многие поэтому легко узнают в его пастелях средиземно­морские мотивы, или игривый средиземноморский колорит. Калина рисует с сильным абстрактным искусством, но, хотя он умеет открыться инстинкту, краске, знаку, жесту или материи, это никогда не идет на ущерб типично художественной композиции. Калина не экспериментирует с новыми приемами, это художник узнаваемого темперамента, сильного взмаха кистью, округленных, объемистых линий. Заразительный смех Калины, смех одного из лучших хорватских артистов, все еще слышен в его картинах.

Большинство своего времени Отон Глиха (родился в 1914 году) проводит в Омишле, на острове Крке. Он связан с Крком не только пребыванием там, но и самой интересной частью своего опуса. Цикл Громаче — название старых каменных стен, в природе, на острове Крке — ряд картин которые Глиха рисует с пятидесятых годов. Они стали синонимом его художества. Это сплетение странных линий на голой островной поверхности становится художественным знаком, иероглифом, который уже столетиями носит кодовое сообщение о единстве жителя приморья и природы островов. Громаче, присущие пейзажу Крка, также показывают ритмическое совпадение с глаголи­цей, этим старым письмом, высеченным на каменной плите.

Мирко Зриншчак (родился в 1953) является одним из представителей нового поколения кварнерских художников. Этот житель Волоско, необычайной биографии — он работал мясником, матросом, работником, ночным привратником, шофером, официантом — закончил Академию в Венеции, и сегодня, в своем доме на вершине Учки, вокруг которого только лес, и где он с остатком мира связан только горной тропинкой, он работает над одним из самых интересных художественных опусов в Хорватии. Собирая кусочки того, что дарит ему природа и его окружение (дерево, воск, битуме, гвозди, стекло), Зриншчак из такой, очень часто органической материи, у которой своя история многих столетий, и тысячелетняя энергия, создает конструкции помощью «глубокого колодца прошедшего». Его знакомые говорят, что и сам Мирко Зриншчак излучает мирную, постоянную энергию. Он представлял Хорватию на венецианском Бьеннале современного искусства в 1996 году, когда оно праздновало столетнюю годовщину своего существования.

tanya_mass

Дневник русской француженки

Гениальный примитивист Чонтвари.

Входит в десятку гениальных художников, наряду с Леонардо да Винчи.

Тивадар Костка родился 5 июля 1853 года, в горном селении Кишсебен, принадлежавшем Австрии (ныне Сабинов, Словакия)— венгерский художник-самоучка.

Его отец Ласли Костка был врачом и аптекарем. Будущий художник с детства знал, что станет аптекарем. Но прежде чем стать им сменил много профессий—работал торговым служащим, какое-то время посещал лекции на факультете права, и только потом изучил фармакологию.

Однажды, ему было уже 28 лет, находясь в аптеке, он схватился за карандаш и нарисовал на рецептурном бланке увиденную им из окна простую сцену — проезжающую телегу, запряженную буйволами.

С этих пор, или еще раньше, он твердо намерился стать художником, для этого он постарался сколотить небольшой капиталец, который дал ему материальную независимость.

О себе он писал следующее: «Я, Тивадар Костка, во имя обновления мира отказался от своей юности. Когда я принял посвящение от невидимого духа, у меня было обеспеченное положение, я жил в достатке и удобстве. Но я покинул родину, потому что хотел видеть ее на закате своей жизни богатой и славной. Чтобы достичь этого, я долго путешествовал по Европе, Азии и Африке. Я хотел найти предсказанную мне истину и претворить ее в живопись».

Похоже, что идея стать художником настойчиво не давала покоя Тивадару Костке.

В один прекрасный день он отправляется в Рим, затем в Париж, где встречается с известным венгсрским художником Михаем Мункачи.

А потом возвращается на родину, и в течение четырнадцати лет работает в аптеке, стремясь добиться материальной независимости. Наконец, небольшой капитал накоплен, и он в один прекрасный день сдает аптеку в ареду и уезжает учиться сначала в Мюнхен, а затем в Париж.

Далее следует так хорошо знакомый нам принцип построения судьбы непризнанного гения.
Он понял, что те навыки, которые он приобретет в процессе учебы, не соответствуют его восприятию. А потому бросает учебу и в 1895 году отправляется в путешествие по Италии, чтобы рисовать пейзажи. Путешествовал также по Греции, Северной Африке и Ближнему Востоку.

В 1900 сменил свою фамилию Костка на псевдоним Чонтвари .

Ценность его произведений многими критиками подвергалась сомнениям. В Европе их выставляли, (правда, без особого успеха), но в своей родной Венгрии Чонтвари раз и навсегда нарекли сумасшедшим. Только под конец жизни приехал он в Будапешт и привез туда свои полотна. Попытался завещать их местному музею, но никому они оказались не нужны. В 1919 году Тивадар Костка Чонтвари по-настоящему сошел с ума и умер нищим, одиноким, осмеянным и никому не нужным.

Похоронив несчастного, родственники начали делить добро. А добра всего было – одни лишь картины. И вот, посоветовавшись с «экспертами», полотна решили сдать в утиль, как обычный холст, а деньги поделить между собой, чтобы все было по-честному.

В это время случайно или совсем даже не случайно (странное совпадение, однако!) мимо проходил молодой архитектор Гедеон Герлоци. Он-то и спас творения художника, заплатив за них несколько больше, чем предлагал старьевщик. Сейчас картины Тивадара Чонтвари хранятся в музее города Печа (Венгрия).

И вот, совсем недавно, одному из сотрудников музея, в процессе рассматривания картины Костки «Старый рыбак», написанной в 1902 году, пришло в голову приложить к ней зеркало. И тут он увидел, что картина-то на полотне не одна, а как минимум – две! Попробуйте сами разделить полотно зеркалом, и вы увидите или бога, сидящего в лодке, на фоне мирного, можно сказать, райского пейзажа, или самого дьявола, позади которого бушуют черные волны. А может, и в других картинах Чонтвари, есть скрытый смысл? Ведь не так-то прост был, оказывается, бывший аптекарь из деревушки Игло.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector