Художник и иллюстратор. Masaki Mizuno

Художник и иллюстратор. Masaki Mizuno

ngasanova

Вспомнить, подумать.

Mizuno Toshikata (1866-1908)- «Японская чайная церемония» London-Victoria and Albert Museum

Nathaniel Currier (1813-1888)- — «Уничтожение чая в бостонской гавани»

Anonymous (19th century)- «Фермеры, сажающие чай » Philadelphia-Free Library

Anonymous (19th century)- «Сбор урожая чайных листьев, династия Цин»

Anonymous (19th century)- «чайный магазин» -(1800-1805) London-British Library (Add Or 2139)

Posts from This Journal by “ХХХ” Tag

Русская зима

Юлий Юльевич Клевер — Зимний рассвет, 1891 Юлий Юльевич Клевер (1850 — 1924) — русский художник немецкого происхождения.…

Морские сражения наполеоновской эпохи

От Louis-Philippe Crepin Louis-Philippe Crepin (1772-1851) — французский художник-маринист. Louis-Philippe Crépin…

Evelyn De Morgan (1855 — 1919) — английская художница, последовательница прерафаэлитов. Надежда в тюрьме, отчаяние, 1887 год…

Картины из Museo del Prado

Один из крупнейших и значимых музеев европейского изобразительного искусства, расположенный в Мадриде, Испания. Здание музея — памятник позднего…

От Ferdinand Waldmüller Ferdinand Georg Waldmüller (1793-1865)— один из наиболее известных австрийских художников первой…

Максимилиан I Габсбургский на охоте — гобелены

Максимилиан I (1459 — 1519) — король Германии (римский король) с 1486 года, император Священной Римской империи с 1508 года, эрцгерцог…

Уроженцы США

От Henry Farny Henry François Farny (1847-1916)-— американский художник и иллюстратор французского происхождения, большинство…

Для психиатров это состояние человеческого разума выходит за рамки нормального поведения. Гражданское право устанавливает юридические…

Фридрих II Прусский

От Adolf Menzel Adolf Friedrich Erdmann von Menzel (1815-1905) -немецкий художник, живописец и рисовальщик. Фридрих II, или Фридрих…

Миямото Мусаси. Путь воина и художника.

«Говорят, что Путь Воина есть обоюдное слияние Путей кисти и меча и каждый стремящийся к постижению должен достичь достаточных высот на обоих поприщах. Неважно, если человек не имеет естественных талантов в этих областях, — неустанно упражняясь, он сможет приобрести необходимые навыки, чтобы в дальнейшем принять главную идею Пути Стратегии.»

Книга пяти колец. Часть первая: Книга Земли. Глава 1: Каждый изучает то, к чему имеет естественную склонность.

Так начинается книга одной из самых легендарных личностей средневековой Японии, мастера кисти и меча Миямото Мусаси. В течение всей своей жизни Мусаси был известен как непобедимый воин, возможно единственный из самураев, кто дожил до глубокой старости и умер своей смертью. Кроме развития философии и стратегии воинского искусства, он создал много замечательных живописных картин в жанре суми-э, скульптур из глины, дерева и металла, стихов и песен.

Настоящее имя нашего героя Синмен Мусаси но Ками Фудзивара-но Генсин. Родился в Миямото-санома в провинции Мимасака в 1584 году. Как гласит легенда, Мусаси рос грубым и диким, и умел создавать много проблем своему отцу. Родительский дом он покинул примерно в 12 лет после своего первого поединка. Это было началом Пути как воина и художника. Пусть воинская слава самурая останется нами не раскрытой, ибо этому посвящено достаточно много статей. Нас же интересует мастерство художника, чья философия для нас бесценна, а картины хранятся в музеях по сей день и являются национальным достоянием Японии.

Самое интересное, что Мусаси ничему никогда не учился. Он был самоучкой и заявлял, что «сделал себя сам». Его философия состояла из понятия о мастерстве, которое полностью раскрыто в его книге «Го Рин Но Сё» («Книга пяти колец») и состоит в том, что владеющий тем или иным искусством в совершенстве сможет применить его в любой области знаний. Искусство не имеет границ, и если вы понимаете это, то все возможно.

«Истинный стратег» по Миямото Мусаси — это не воин-самурай, а тот, кто освоил многие виды искусства, таких как чайная церемония, живопись, каллиграфию. И сам был тому примером, оттачивая свое мастерство на протяжении всей жизни. Например как мастер суми-э, используя одну лишь черную краску (традиционная черная японская тушь). Он говорил: «Когда я применяю принцип стратегии на пути разных видов искусств и ремесел, то больше не нуждаюсь в учителях». И доказал это, создав общепризнанные шедевры каллиграфии и классической живописи тушью. Его картины отличаются умелым использованием краски в сочетании со скупыми «экономичными» движениями кисти.

Дикие гуси среди тростников

«Дикие гуси среди тростников» и «Серый сорокопут» («Koboku Meikakuzu» на следующей иллюстрации средняя) — самые известные картины Мусаси. Сорокопут сидит на верхушке стройного побега бамбука, написанного одним точным мазком кисти. Приглядевшись внимательно, можно заметить маленького червячка, ползущего вверх по стеблю. Птица в готовности схватить червяка. Ее глаза сосредоточены на черве и она вот-вот сделает свой ход.

Чрезвычайно эффективное использование краски и точные длинные мазки характеризуют все живописное творчество художника. Он стал мастером «сломанной кисти» в пейзажной живописи, и позже применял этот же метод к другим стилям и многим своим работам, например «Воробей на ветке» (на предыдущей иллюстрации слева).

Автопортрет в полный рост

Автопортрет в полный рост. Фигура одета в красный жилет поверх белых одежд, в руках два меча. Лицо имеет строгое выражение, что характерно для портретов самураев того времени. Автопортрет отражает художественные особености периода Эдо. Но, похоже, это единственная картина художника в цвете. В основном Мусаси работал чернилами: традиционная черная японская тушь и кисть. При этом самое большое влияние на творчество художника оказал именно буддийский метод художественного выражения. Стараясь делать как можно меньше мазков, он стремился отразить в картине как можно большее количество деталей.

Читать еще:  Смелые и красочные картины. Ingrid Christensen

Миямото Мусаси умер своей смертью 19 мая 1645 года в возрасте 61 года.

В целом он был сложным человеком. Никогда не был женат, никогда не успокаивался на достигнутом и никогда не сидел на одном месте. Много путешествовал по стране, ища просветления, и достиг его к сорока годам. С его репутацией мастер мог легко стать учителем и сколотить хорошее состояние, но тогда это был бы уже не Мусаси. Его жизненное кредо состояло лишь в уверенности в себе. Это доказывает одна фраза из его книги:

«Уважайте богов, но не зависьте от них».

Аббат Тенрю и Дарума

Как художник-самоучка из России рисовал иллюстрации к сказкам и добился мирового признания

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Напомним, что Премия имени Ганса Христиана Андерсена, которую также называют Нобелевской премией для детских авторов, по традиции вручается лучшему детскому писателю и иллюстратору раз в два года. Это самая престижная награда в области детской литературы в мире. Она была учреждена в 1956 году, ее единственной обладательницей от России с 1976 и вплоть до 2018 года оставалась художница-иллюстратор Татьяна Маврина.

А в 2018-м Международный совет по детской книге объявил список из шести номинантов на премию, среди которых значилось имя нашего соотечественника иллюстратора Игоря Олейникова. Критериями оценок стали эстетические и художественные качества произведений, а также новизна всех работ автора, способность видеть с точки зрения ребенка и умение пробудить детскую любознательность.

Имя победителя было объявлено на пресс-конференции на Международной ярмарке детской книги в Болонье. Им-то и стал художник из России, совершенно не имеющий специального художественного образования. Хотя, глядя на талантливые профессиональные работы мастера, в это верится с трудом.

Несколько слов о лауреате

Игорь Олейников (1953) — российский художник, аниматор-мультипликатор, иллюстратор детских книг. Родился в подмосковном городе Люберцы, окончил Московский институт химического машиностроения. После окончания вуза работал по специальности в проектном институте «Гипрокаучук». В 1979 году устроился на киностудию «Союзмультфильм» в качестве ассистента художника-постановщика, где сразу попал в творческую группу мультфильма «Тайна третьей планеты» режиссера Романа Качанова.

Далее последовали «Последняя охота» (1982), «Сказка о царе Салтане» (1984), принимал участие в работе над лентой «Халиф-аист». В 2000 Олейников взял Гран-при на анимационном фестивале «Золотая рыбка». Как художник-постановщик создал фильмы «Мы с Шерлоком Холмсом» (1987), «Сказка о глупом муже» (1986), «Поползновение» (1987), «Сапожник и русалка» (1989), «В поисках Олуэн» (1990) и др.

С 1986 года параллельно с работой в анимации Олейников сотрудничал с детскими журналами «Миша», «Трамвай», «Куча-мала», «Улица Сезам», «Шаровая молния», «Спокойной ночи, малыши!», альманахом «Колобок и Два жирафа», а также с различными книжными издательствами. Среди его удивительных работ иллюстрации к книгам: «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла, «Хоббит, или Туда и Обратно» Дж. Р. Р.Толкина, «Приключения барона Мюнхгаузена» Э. Распе, «Разные рыбки» и «Разные кошечки» Б. Заходера, «Сказочная история мореплавания» и «Сказочная история воздухоплавания» А. Усачева и еще множество других.

С 2001 года активно сотрудничает с иностранными издательствами, а с 2004-го Олейников рисует на студии «Солнечный дом». В 2006 году за свои креативные работы получил диплом на Таллиннском триеннале иллюстрации стран Балтии.

А спустя два года художник решил полностью отойти от анимации, и с тех пор работает только как иллюстратор.

Творчество

За 30 лет творческой карьеры Игорь Олейников проиллюстрировал более 80 книг.
Техника, в которой работает мастер — гуашь, бумага. «Гуашью редко кто работает, но я предпочитаю именно её, так как гуашь не высыхает намертво – её всегда можно смыть, обработать, изменить её фактуру (в отличие от акрила, например)»,- говорит сам иллюстратор.

Глядя на волшебные иллюстрации, выполненные в потрясающе мягкой технике складывается впечатление, что Игорь Олейников рисует не просто с душой, а самой душой. В них столько света, тепла, доброты и истинного таланта, что соприкасаясь с его работами каждый получает поток лучезарной исцеляющей энергетики и необыкновенное эстетическое наслаждение. Каждая иллюстрация художника — полноценная картина, которую можно созерцать бесконечно. Увлекательные композиционные сюжеты буквально вовлекают читателя в удивительный мир воображения художника, который следуя тексту, ведет собственный диалог.

К тому же художник сумел своим творчеством сломать стереотипы и устоявшиеся каноны, показав, что классический подход к иллюстрированию не единственный возможный, что в тексте могут быть другие уровни, что, в конце концов, положительный герой может быть не таким уж и положительным, а отрицательный — не таким и отрицательным.

Художник умудряется находить такие вещи в тексте, которые незаметны даже для вдумчивого и внимательного читателя. А в последнее время в творчестве иллюстратора появились новый подход. Теперь каждая иллюстрация настолько правдива и харизматична, она не приукрашивает героев и их поступки, а также происходящие события. В результате чего зритель видит абсолютно иное прочтение привычных всех нам сказок или рассказов.

«Мне нравится эти места извлекать из текста и выделять. Я ничего не придумываю, просто стараюсь смотреть в самую глубь текста. Берусь не за любую книгу, но только за ту, где есть нерв, напряжение, загадка, динамика. Не люблю каноны в иллюстрировании. У меня нет какого-то особого ритуала вхождения в рабочее состояние. Я просто выбираю ту литературу, которая мне интересна как художнику, а уж вдохновение, или, как я его называю, кураж, приходит само.»— говорит художник о процессе своего творчества.

Читать еще:  Черные женщины. Ann Balch

Его работы буквально пропитаны атмосферой сказочного очарования и душевного тепла, все пространство в композициях насыщено смысловым значением, а герои отображены с теплым добрым юмором.

И, наконец, хотелось бы отметить, что роль иллюстратора в книге, пожалуй, больше всего напоминает работу режиссера. Литературный текст для него — тема для неуемной фантазии и импровизаций. И по большому счету профессионализм иллюстратора заключается не столько в его умении рисовать, сколько в его умении подобрать ключ к любой рукописи. А уж с этим у Олейникова никогда не возникало проблем. Каждая его работа — это целое открытие в сказочном мире, за что и любят его маленькие читатели и их родители.

Познакомившись с творчеством этого незаурядного мастера иллюстраций, как никогда понимаешь, что настоящий художник это не только мастерство и опыт, полученные в учебных заведениях — это, прежде всего, состояние души человека, которому есть что сказать своему зрителю.

Невзирая на то, что в наше время во многих странах Европы книжная графика искусством не считается, а скорее находится на задворках отрасли прикладного искусства, многие художники своим творчеством доказывают обратное. Так, супруги-художники Дугины из России перевернули сознание немцев об искусстве иллюстрации.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Художник Ким Джун Ги

Комиксисту и иллюстратору Ким Джунги из Южной Кореи не нужны наброски, чтобы с невероятной скоростью создавать огромные детализированные рисунки, комиксы и иллюстрации

Ким Джунги (Kim Jung Gi) рисует с детства. Когда ему было шестнадцать лет, во время летних каникул он ходил на занятия в художественную школу. Однако он говорит, что никто специально не учил его рисовать.

Кореец учился на художественном факультете, но на третьем курсе бросил университет, чтобы стать комиксистом. Он признается, что художественное образование очень помогло ему в дальнейшей работе. «Рисование с натуры, акварельные пейзажи, зарисовки античных скульптур, — все это находит свое применение в работе комиксистов и иллюстраторов», — говорит он.

Бросив учебу, Ким Джунги начал карьеру в команде комиксистов. «Мне кажется, такой странный способ работы существует только в Корее. Группа людей собирается вместе и рисует как можно больше страниц комикса за отведенное время», — рассказывает он. Ким Джунги стал специализироваться на рисовании персонажей. Там же, на работе, он познакомился со своей будущей женой.

Собрав достойное портфолио, кореец обошел порядка десяти издаталей комиксов, и никого не заинтересовали его работы. Самое смешное, что спустя год он обошел тех же издаталей с практически тем же портфолио, и все десять предложили ему работу. «Буквально за год все невероятно поменялось. Мне тогда было 27 лет», — говорит он.

Кореец признается, что его всегда мотивировало желание рисовать и совершенствоваться, а также прекрасные работы других комиксистов и художников. Среди них он называет японских комиксистов Акиру Торияма (Toriyama Akira) и Кацухиро Отомо (Otomo Katsuhiro). Когда Ким Джунги учился в школе, на него произвел огромное впечатление комикс Акиры «Жемчуг дракона» (Dragon Ball). Из азиатских комиксистов и иллюстраторов он выделяет Масамунэ Сиро (Siro Masamune), О Сеён (Seyoung Oh), Хироаки Самура (Samura Hiroyaki), Риочи Икегами (Ikegami Ryoichi) и Катсуйя Терада (Terada Katsuya); а из западных: француза Мёбиуса (Mobius), англичан Симона Бисли (Simon Bisley) и Роберта Фоссета (Robert Fawcett), американцев Ричарда Корбена (Richard Corben), Адама Хьюза (Adam Hughes), Нормана Роквелла (Norman Rockwell), а также тайвано-американского художника Джеймса Джина (James Jean). По словам корейца, он очень любит работы данных авторов, постоянно их изучает и старается чему-то у них научиться.

Ким Джунги преподает в Академии анимации и иллюстрации в Корее. Там же находится и его студия. Он начинает каждый день с просмотра и запоминания фотографий и других изображений, а затем рисует.

Ким Джунги рисует без эскизов и во время работы не смотрит на фотографии. На вопрос, как ему удается создавать такие детализированные рисунки, он говорит, что каждый день просматривает большое количество фотографий и изображений, а также внимательно смотрит вокруг и старается запомнить все, что видит. Он собирает снимки с необычной перспективой и старается запомнить пространственные решения, которые видит на них. Ему нравилось рассматривать рисунки и окружающую действительность с самого детства, и постепенно это стало привычкой. Кореец говорит, что если он однажды что-то видел, то сможет воспроизвести на бумаге 70% увиденного.

«Я знаю, что постигать азы профессии шаг за шагом — скучно и утомительно. Но тем слаще будет успех.»

6 знаменитых японских художников, о которых надо знать

Рассказываем о выдающихся мастерах изобразительного искусства Страны восходящего солнца — от Хокусая до Яеи Кусамы

Кацусика Хокусай

Творчество Хокусая повлияло не только на японских художников, но в значительной степени и на европейское искусство — в частности, на представителей импрессионизма и ар-нуво. В работах Клода Моне и Пьера Огюста Ренуара нетрудно найти отсылки к гравюрам японского мэтра. Хокусай родился в 1760 году в семье крестьянина, а затем из-за бедности родителей был отдан на воспитание ремесленнику, который занимался созданием зеркал для сегуна. Хокусай начал помогать приемному отцу и впервые приобщился к искусной работе японских мастеров — позднее он попадет в студию художника Кацукавы Сюнсе. Он и поможет ему сделать первые шаги в изобразительном искусстве. Переломными в жизни Хокусая считаются 1790-е годы — тогда он стал создавать гравюры, в которых отчетливо виден его авторский стиль: он искусно совмещал китайскую, японскую и европейскую художественные школы. На весь мир прославились его работы 1830-х годов, среди которых особенно выделяется серия рисунков «100 видов горы Фудзи».

Читать еще:  Элегантность и спокойствие. Stephanie Rew

Такаси Мураками

«Мое эстетическое видение было сформировано той средой, которая меня окружала: это узкие жилые помещения послевоенной Японии, откуда я мысленно сбегал в мир манги и аниме», — говорит о себе сам Такаси Мураками. И это очень точно характеризует все его творчество, в котором воедино слились западная поп-культура, ужас от ядерной бомбардировки Хиросимы и Нагасаки, японская традиционная живопись и мода на аниме. Такаси Мураками рос в небогатой семье — его отец был таксистом, а мать домохозяйкой. Тем не менее, он смог стать самым успешным современным японским художником, а также получить докторскую степень Токийского национального университета изящных искусств и музыки, в котором он изучал японскую живопись XIX века. Важно отметить, что Мураками основал настоящую фабрику по созданию произведений искусства. В его компании Kaikai Kiki Co. работает несколько сотен человек, которые под присмотром мастера создают картины и скульптуры в промышленных масштабах. Также Мураками известен и сотрудничеством с модными брендами, такими как Marc Jacobs и Louis Vuitton.

Хироси Есида

Во второй половине XIX века в Японии начались стремительные изменения — не только экономические, но и культурные. Местное искусство оказалось под сильным влиянием западного мира. Традиции создания гравюр и живописных полотен стали меняться. Одним из ярких представителей новой «переходной» художественной школы Японии считается Хироси Есида. Он родился в 1876 году и в качестве автора смог в значительной мере «реформировать» национальное изобразительное искусство. Есида искренне любил западную живопись и стремился ее элементами обогатить собственное творчество. Кроме того, он часто бывал в США и Европе, где смог пройти обучение в художественных студиях. Важно и то, что на гравюрах, вопреки традициям, он изображал не только японские пейзажи и достопримечательности, но и зарубежные памятники, которые видел в ходе многочисленных путешествий, — например, индийский Тадж-Махал.

Яеи Кусама

В психических расстройствах, галлюцинациях и навязчивых мыслях о суициде приятного мало, однако иногда такой «багаж» может послужить источником для создания необычных произведений искусства. Именно так все и было в случае с Яеи Кусамой — знаменитой японской художницей, которая родилась в 1929 году. Фирменный «горох» привиделся девушке во время одного из ее припадков. С учетом консервативности общества Страны восходящего солнца, карьеру она начала в США, где в конце 1950-х быстро заняла роль главного бунтаря от мира искусства. Однако позже она все же вернулась к себе на родину, где ей оказалось жить куда комфортнее. Яеи Кусама трижды представляла Японию на Венецианской биеннале, а ее произведения выставлялись в ведущих музеях мира — рядом с полотнами Энди Уорхола и Джаспера Джонса. Сегодня у Кусамы есть собственный музей в Токио, а живет она в психиатрической клинике, где по-прежнему много работает.

Фудзисима Такэдзи

Фудзисима Такэдзи — крупнейший японский живописец западного стиля начала XX века. Он родился в знатной семье самураев клана Симадзу, и с детства родители прививали ему любовь к искусству. С учетом отказа Японии от политики изоляции, он увлекся западной живописью и долгое время мечтал побывать в Европе. Его желание осуществилось в 1905 году, когда он отправился учиться в ведущие художественные школы Старого света. В Европе он пробыл пять лет и по возвращении в Японию в 1910 году стал профессором в Школе искусств в Токио, а также членом Императорской академии художеств. Глядя на картины Такэдзи, можно лишь удивляться, сколь талантливо он сочетал в своих полотнах европейскую живописную технику и азиатскую медитативную созерцательность.

Ясумаса Моримура

Ясумаса Моримура не только талантливый художник и крупный представитель постмодернизма, но и смелый провокатор. Наибольшую известность ему принесли работы, в которых он по-своему интерпретирует культовые произведения искусства. Он любит переосмысливать шедевры живописи, меняя пол или расу изображенных на них персонажей. Также он часто меняет и отдельные элементы картин. Например, «Мону Лизу» он превратил в азиата, а «Олимпию» Мане одел в кимоно. Цель подобных преображений — не банальное хулиганство, а стремление понять, так ли различны нации и народы между собой.

16 мая 2019 · Текст: Вересков Сергей

Интерактивная версия журнала ELLE

Журнал ELLE

Любое воспроизведение материалов сайта без разрешения редакции воспрещается.

Copyright (с) 2016-2020 ООО «Хёрст Шкулёв Паблишинг»

Сетевое издание «ELLE.RU» (Эль.РУ)

Учредитель: Общество с ограниченной ответственностью «Хёрст Шкулёв Паблишинг»

Главный редактор: Старостина Наталья

Контактные данные редакции для государственных органов (в том числе, для Роскомнадзора):

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector