Художник-реалист. Andrew McNeile Jones

Художник-реалист. Andrew McNeile Jones

Цифровой художник Андроид Джонс

Свою карьеру Эндрю Джонс начал с компании Industrial Light and Magic, где работал с Джорджем Лукасом. Затем он работал концепт-художником для видеоигр в японской компании Nintengo и креативным директором в компании Massive Black Inc.

В 2002 году вместе с другими художниками, такими как Джейсоно Мэнли и Коро Кауфман, создал компанию ConceptArt.org, деятельность которой связана с проведением онлайн-уроков и курсов по обучению цифровой живописи. На данный момент на сайте зарегистрировано более 400 тыс. пользователей, а сервис является очень популярным среди художников и дизайнеров.

С мая 2002 года по февраль 2005 года Эндрю Джонс создает и публикует 1000 своих автопортретов (1000 Portraits Project) в самых различных техниках. Некоторые из них просто умопомрачительны с точки зрения технического мастерства и изобретательности. «Это мой вклад в вечность воображения» (Андроид Джонс).

В 2007 году Джонс попал на обложку журнала Spectrum. Затем он начал работать с дизайнером fashion-индустрии Тиффа Новоа. В этом же году Андроид Джонс начинает устраивать перфомансы, создавая картины в режиме реального времени и проецируя все на экран.

Его работы можно увидеть на обложках таких псайбиент исполнителей, как Sporeganic, Bluetech, Tipper, Phutureprimitive и Beats Antique.

В качестве основных инструментов для создания своих произведений Джонс пользуется программами Photoshop, Painter, Alchemy и ZBrush, комбинируя при этом их возможности. Немного хаотичные и переполненные различными элементами, его картины красивы и необычны. Сюрреалистичность сюжета показывает психоделический внутренний мир автора.

«Я видел вещи в этой жизни, которые я не в состоянии описать словами. Я посетил сферы, где воображение заканчивается, и ужасающая красота бесконечности раскрывается снова и снова.

Если бы я мог передать словами то, что меня мотивирует к творчеству. Вместо этого я взял карандаш.

Честно говоря, я не знаю, почему я создаю эти рисунки и что заставляет меня продолжать заниматься этим. Это тайна, которую я намерен разгадать до конца своей жизни. Каждое изображение приближает меня к окончательной истине.» (Android Jones)

Рассматривая цифровую среду, как носителя энергии и света, способствующего расширению реальности, Андроид побуждает других к исследованию возможностей сознания и технологий, стремительно развивающихся в нашу эпоху.

Сегодня Андроид Джонс путешествует по миру, вдохновляя своим творчеством других художников, проводя семинары и обучая приемам цифровой живописи. Он создает рисунки и интерактивные инсталляции для таких знаменитых фестивалей электронной музыки, как Boom и Burning Man. Также Джонс сотрудничает с различными разработчиками графических программ-инструментов для художников и дизайнеров.

Видео с пошаговым созданием цифровой экспозиции для фестиваля Boom-2014.

Остальные работы автора можно посмотреть в блоге «Выставка».

История одного шедевра: Почему картина «Мир Кристины» Уайета стала культовой для американцев

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)(1917-2009) — американский художник-реалист, один из самых знаменитых живописцев Америки 20 столетия. Он был сыном известного художника-иллюстратора Ньюэлла Конверса Уайета, братом изобретателя Натаниэля Уайета и художницы Генриетты Уайет Хёрд, а также отцом художника Джейми Уайета.

Тематикой своего творчества Уайет избрал быт провинции и скудную на цвет природу американских прерий. Каждое полотно живописца — повесть, а иногда даже целый роман, через которые мастер путем изобразительных средств доносит до зрителя свое мироощущение и тонкий внутренний мир.

Его работы, состоящие из мельчайших штрихов, можно созерцать бесконечно долго и каждый раз находить для себя нечто новое. И что интересно, некоторые его картины вроде бы и написаны гиперреалистично, но никто не скажет, что они похожи на фотографии. И видимо поэтому критики и дали творчеству художника определение — «символический реализм».

Итак, «Мир Кристины» — самое известное полотно американского художника. На первый взгляд ничего удивительного, немного лишь ситуация кажется нестандартной. Посреди поля с высохшей травой видим сидящую и развернутую спиной к зрителю хрупкую девушку. Она как бы пристально всматривается в постройки изображенные на заднем плане. Однако, начиная внимательнее рассматривать образ героини, видим, что перед нами вовсе не юная особа — ее пряди волос уже заметно посеребрила седина.

А когда взгляд обращается к ее рукам, то становится и вовсе не по себе. Ее иссушенные худобой руки неестественно напряжены, но особенно потрясают скрюченные пальцы — серые от пыли, которые буквально цепляются за землю. В этом жесте прослеживается невероятное усилие и борьба. Потом взгляд опускается на ноги, такие же худые, но безжизненные — и потрясенный до глубины души зритель начинает многое понимать.

История создания картины

Обратившись к официальным истокам создания полотна, можно узнать шокирующую историю жизни Кристины Олсен (1893-1968), женщины жившей по соседству с художником в Кушинге, штат Мэн. Будучи 3-летним ребенком, она заболела полиомиелитом — болезнью, поразившей нижнюю часть тела. Ей тогда удалось выжить, но состояние здоровья с каждым годом все ухудшалось и к 30 годам она могла сделать всего лишь пару шагов. А потом Кристина до конца своих дней жила с парализованными ногами, передвигаясь ползком по дому и по усадьбе. У нее конечно же была инвалидная коляска, но чтобы не утруждать своих родных просьбами перевезти ее из одного места в другое, женщина предпочитала самостоятельно передвигаться в такой способ, чтобы сохранить свою свободу.

Однажды Эндрю Уайет из окна своего дома, который стоял по-соседству с домом семьи Олсон, увидел как Кристина ползла по полю. От неожиданности художнику сразу же пришла в голову мысль помочь несчастной женщине — он впервые видел, что она в такой способ передвигается по окрестностям. А потом понял, что преодолевает она это расстояние уже далеко не первый раз, да и не последний. И сдержал свой порыв, чтобы не обидеть жалостью.

Увиденное так взволновало художника, что он решил создать картину. Однако не посмел предложить этой обиженной судьбой женщине позировать ему. Поэтому позировала художнику его жена Бетси Уайет. К слову, Кристине Олсон было 55 лет, когда Уайет создал эту картину, а прожила она после еще 20. Многие жители города, в том числе и художник восхищались силой духа этой хрупкой женщины.

Читать еще:  Современный художник. Игорь Медведев

Позже мастер так вспоминал работу над полотном: «Понимаете, важно постоянное присутствие на месте действия. Мне надо жить в окружении того, о чем я пишу. Тогда в какой-то момент можно ухватить смысл. Когда я писал «Мир Кристины», я пять месяцев работал над полем… Я хотел бы написать только поле без Кристины и заставить почувствовать ее присутствие. Делать фон – это как строить дом, чтобы потом там жить… Если сдержать себя, дождаться правильного момента, он может решить все дело.»

И действительно, вначале по задумке художника не было образа обреченной женщины, все должно было выглядеть так, как будто зритель ее глазами смотрит на мир. Но потом передумал и все же написал героиню в том розовом платье, в котором увидел ее в поле.

И нужно отметить, что над своими картинами художник работал подолгу, так как скрупулезно прописывал все мельчайшие детали. А в случае с «Миром Кристины» одну лишь засохшую траву он прописывал около 5 месяцев, так как работал сухой кистью, состоявшей буквально из одной волосинки. Использовал в своей работе Уайет темперу, которая в отличие от масляных красок, и позволяла мастеру творить такие тонкие работы.

Благодаря совмещенной перспективе, у зрителя складывается впечатление, что перед ним огромное пространство, так как сооружение вдали он видит глазами сидящей на земле Кристины. А саму женщину — сверху — глазами художника, который смотрит на эту сцену со второго этажа своего дома. Этот ракурс, умышленно выбранный художником, погружает зрителя в мир человека-инвалида, в котором помещается так мало и одновременно необъятно много.

Кстати, дом, который автор изобразил на полотне, в наше время известный как «Дом Олсон». Его отреставрировали, придав вид изображенного Уаетом, включили в список национальных исторических достопримечательностей штата и открыли для посещения публики.

После написания работа живописца была весьма сдержанно отмечена критиками, и о ее существовании знали совсем немногие. Но судьба картины изменилась в корне как только она была куплена для Нью-Йоркского Музея современного искусства. После первой же выставки ее популярность стала быстро расти и на сегодняшний день ее считают американским символом современного изобразительного искусства.

Уайет писал и другие портреты Кристины, изображая ее уже в стенах родного дома.

Еще одно из лучших полотен Уайета — «Ветер с моря» — также основано на мироощущениях Кристины Олсон.

Сам Эндрю Уайет также является загадкой и для его современников и для потомков. Вся его жизнь будто была разделена на зимы, которые он жил в Чеддс-Форде и летние месяцы, которые проводил в Кушинге, штат Мэн. Художник вел затворнический образ жизни, много работая над своими произведениями. И что любопытно, в его работах часто отсутствуют образы людей, а если он все же их изображал, то они никогда не смотрели на зрителя — их взгляды были обращены то в сторону окна, то просто вдаль. Они ни то мечтали о будущем, ни то вспоминали далекое прошлое.

ТОП-8 современных художников, работающих в технике гиперреализм

Что такое гиперреализм?

Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть. Приставка «гипер» означает – больше, чем реализм. Стиль возник под влиянием фотографии – художники решили проверить свое мастерство: получится ли нарисовать картину, которая будет выглядеть как фото? И у многих получается.

Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих полотнах скрыта некая загадка.

1. Лучано Вентроне

Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:

«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета» .

На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.

Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.

Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.

В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.

Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.

Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.

Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.

2. Сергей Гета

Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.

Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.

Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.

Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.

Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.

Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.

3. Патрик Крамер

Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.

Читать еще:  Современные российские художники. Роман Величко

У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше. Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне.

Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.

4. Гарриет Уайт

Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.

Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.

Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.

Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.

Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.

5. Сюзанна Стоянович

Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.

На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.

Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.

Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:

Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию. Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:

Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.

6. Эндрю Тэлбот

Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.

Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.

В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.

7. Рафаэлла Спенс

Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.

Подобные работы вызывают искреннее восхищение. Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.

А это небо над городом никого не оставит равнодушным:

8. Янни Флорос

Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.

Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.

Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.

Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.

Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть фильмы, в сюжет которых положена их биография.

Художник-реалист. Andrew McNeile Jones

Художник из США Джеффри Ли Джонсон пишет, казалось бы, обычные и мало чем примечательные картины. Но благодаря его работам он стал настоящей знаменитость в Сети. В чем же заключается его секрет успеха? Дело в том, что картины таят в себе много мрачных и весьма пугающих деталей, которые можно разглядеть только при внимательном просмотре. Пользователям нравится соревноваться с друг другом и решать эти жуткие головоломки. Предлагаем и вам разгадать все секреты художника.

Картина «Проклинаю тот день»

Картина «Проклинаю тот день»

1. У официанта три руки.
2. На бутылочке, которая находится на подносе в одной из его рук, изображены череп и кости.
3. Из корзины велосипедистки с одной стороны вылезают лапы огромного паука, а с другой, рядом с котом, видны когти или клыки и глаза другого паука.
4. Звонок велосипедистки в форме змеи.
5. В магазине слева можно увидеть осьминога и глубоководного удильщика.
6. Осьминог в супе пары на первом плане.
7. Пятна крови и пар исходящий из канализационного люка в виде пентаграммы.
8. Название кафе справа — «Кафе смерти».
9. Окна кафе залиты кровью, и по ту сторону стекла можно разглядеть силуэт человека, замахивающегося ножом.
10. Ящик с бутылочками в руках мужчины слева (одна из которых — щупальца) подписан: «Токсичные жидкости».
11. В газете в руках мужчины справа изображена эта же картина, но в уменьшенном и чёрно-белом варианте под заголовком «Ужас на улице».
12. На доске перед кафе написано «Яд».
13. Из водостока, видного под ящиком, который держит мужчина, торчат человеческие руки.
14. Сушащаяся одежда снизу запачкана кровью. Среди одежды, висящей чуть выше, можно заметить штаны, предназначенные для существа с тремя ногами.
15. Мужчина перед коварно улыбающейся девочкой держит топор. А ещё у него нет нижней половины туловища.
16. В зеркальце заднего вида можно увидеть огромные щупальца, раскинувшиеся над городом.

Картина Отель «Гранд Интернешнл»

Картина Отель «Гранд Интернешнл»

Читать еще:  Способ выразить очарование. Sandra Sedmak Engel

1. К коту справа тянутся щупальца.
2. На полу перед котом лужа крови в форме человеческого силуэта.
3. В верхнем правом углу сидит огромный паук.
4. Дым мужчины с трубкой в форме лица призрака.
5. Вместо ноги у того же мужчины — копыто.
6. У мужчины позади него и вовсе вместо ног — щупальца.
7. В левой двери лифта видна тень повесившегося.
8. Мужчина проваливается в правую дверь лифта.
9. Клетка в руках женщины справа открыта и пуста. На полу рядом видны перья.
10. Стёкла телефонной будки слева запачканы кровью. Там же виднеется кровавый след ладони.
11. Через стекло в потолке видны щупальца огромного чудовища.
12. Зеркальце на первом плане заполнено личинками.

Картина «Забегаловка»

1. В чашке на переднем плане череп.
2. У женщины справа вместо руки щупальца (классика)? которыми она схватила мальчика.
3. Под её ногами видны другие щупальца.
4. Судя по тросточке и чёрным очкам мужчина в котелке слеп. Но при этом он читает газету.
5. Кроме того на его шее будто бы вырисовывается человеческая кисть. А в тарелке на его столе лежит глаз.
6. Женщина в центре режет ножом что-то, напоминающее кровь.
7. На окне слева от читающего мужчины виден кровавый след кисти руки.
8. Справа от читающего мужчины под столом виднеются ещё одни щупальца и облик удильщика.

Американский художник-реалист Эндрю Уайет

Американский художник-реалист Эндрю Уайет

Продолжая тему об американских художниках, начатую в статье о Джорджии О’Кифф, я хочу рассказать о замечательном американском художнике Эндрю Уайете (Andrew Newell Wyeth). Надеюсь, вы согласитесь, что его произведения, да и сама жизнь художника представляют ваби-саби в чистом виде.

Эндрю Уайетю Полная луна. 1982.

Эндрю Уайет — один из самых обожаемых и, вместе с тем, один из самых недооцененных американских художников XX века. Уайет писал в реалистичной манере — в эпоху модернизма это была огромная смелость. Критики упрекали его в отсутствии воображения, в том, что он потакает вкусам домохозяек в том, что дискредитировал художественный реализм.

Эндрю Уайет. Альваро и Кристина. 1968.

Эндрю никогда не был модным художником: зачастую, покупая его картины, кураторы музеев старались делать это без лишнего шума — чтобы не прослыть ретроградами и сохранить реноме. Что касается домохозяек, то они отвечали Уайету взаимностью. Его выставки проходили с неизменными аншлагами. «Публика любит Уайета, — писали в 1963-м году в одной нью-йоркской газете, — за то, что носы у его героев там, где им полагается быть».

Эндрю Уайет родился в 1917 году в городке Чеддс-Форд в Пенсильвании. Его отец — Ньюэлл Уайет был известным иллюстратором. Известным настолько, что в его деревенский дом приезжали погостить такие знаменитости, как Скотт Фицджеральд и Мэри Пикфорд.

Нюэлл делал все, чтобы разбудить в своих детях воображение и творческое начало.

У него были десятки учеников. Неудивительно, что Эндрю начал рисовать едва ли не раньше, чем произнес первое слово. Эндрю Уайет всегда называл отца в числе своих учителей первым. Тем не менее, он быстро понял, что в творческом смысле ему с Ньюэллом не по пути.

Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947.

Реальность влекла Эндрю Уайета сильнее книжных фантазий. Однако «волшебное» детство не прошло даром: в незатейливом северном пейзаже, в простых обветренных лицах соседей, в паутине заиндевевшей сорной травы он умел разглядеть что-то таинственное, иррациональное и нередко пугающее.

Художник : предпочитал маслу акварель и темперу; находил поэзию, философию и магию, которой щедро сдобрен его реализм, в лицах соседей, друзей и пейзажах, открывающихся из окна.

Эндрю Уайет. Мартовские иды. 1974.

Когда Эндрю было 28, автомобиль его отца столкнулся на железнодорожном переезде с товарным составом. С тех пор в его полотнах почти всегда угадывалось ощущение утраты.

Не будет большим преувеличением сказать, что Уайет жил затворником. Он не реагировал на нападки критиков, сторонился светской суеты и, казалось, не замечал, что за окнами ревет и беснуется двадцатый век. Однажды Уайету поставили в упрек, что его модели не носят наручных часов — вот как здорово, по мнению столичных искусствоведов, он опоздал на поезд.

Эндрю Уайет. Весенний выпас. 1967.

Эндрю Уайет очень дорожил уединенным и размеренным образом жизни. Он редко покидал Чеддс-Форд (делая исключения для своего летнего дома на океанском побережье штата Мэн). Художник рисовал только эти два места. Он делал портреты только жителей этих городков — своих друзей и соседей. Так что если говорить о “мире Эндрю Уайета” в терминах географических, то он — крошечный. Но другая особенность Эндрю была в том, что он находился в долгих, теснейших отношениях и с людьми, которых он писал, и с их домами, и с видами, которые открывались из их окон. И испытывал сильнейшие чувства ко всем своим объектам.

«Из путешествия человек возвращается не тем, что прежде, — говорил он. — Я никуда не езжу, потому что боюсь утратить что-то важное — возможно, наивность».

Эндрю Уайет. Яблоки, тронутые морозом. 1967.

Всенародная любовь и признание критиков все-таки настигли художника. Когда схлынула волна повального увлечения абстракционизмом, стало ясно, что у домохозяек — отменный вкус, что старым лодкам тоже есть, что рассказать, что Эндрю Уайет — один из самых ярких и важных художников в человеческой истории. В 2007-м он получил из рук президента Буша-мл. Национальную медаль — высшую награду Америки в области искусств.

Эндрю Уайет. Морские сапоги. 1976.

Эндрю Уайет. Доктор Син. 1981.

В 2009-м Эндрю Уайет умер во сне в возрасте 91 год. Разумеется, в своем доме в Чеддс-Форд. Незадолго до смерти он сказал:

«Когда я умру, не беспокойтесь обо мне. Я не думаю, что буду присутствовать на своих похоронах. Помните об этом. Я буду где-то далеко, идти по новому пути, который в два раза лучше прежнего».

О работе «Мир Кристины» художника можно почитать в статье Мир Кристины. Завершение рассказа об Эндрю Уайете смотрите в статье Бетси и Хельга.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector