Художник-реалист. Dietrich Moravec

Художник-реалист. Dietrich Moravec

ТОП-8 современных художников, работающих в технике гиперреализм

Что такое гиперреализм?

Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть. Приставка «гипер» означает – больше, чем реализм. Стиль возник под влиянием фотографии – художники решили проверить свое мастерство: получится ли нарисовать картину, которая будет выглядеть как фото? И у многих получается.

Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих полотнах скрыта некая загадка.

1. Лучано Вентроне

Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:

«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета» .

На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.

Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.

Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.

В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.

Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.

Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.

Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.

2. Сергей Гета

Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.

Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.

Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.

Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.

Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.

Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.

3. Патрик Крамер

Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.

У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше. Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне.

Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.

4. Гарриет Уайт

Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.

Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.

Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.

Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.

Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.

5. Сюзанна Стоянович

Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.

На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.

Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.

Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:

Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию. Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:

Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.

6. Эндрю Тэлбот

Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.

Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.

В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.

7. Рафаэлла Спенс

Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.

Подобные работы вызывают искреннее восхищение. Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.

А это небо над городом никого не оставит равнодушным:

8. Янни Флорос

Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.

Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.

Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.

Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.

Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть фильмы, в сюжет которых положена их биография.

Морис Утрилло. Скитания одинокого певца Монмартра

Имя французского художника Мориса Утрилло навсегда осталось в истории пейзажной живописи начала ХХ века. Он, как никто другой, страстно любил Париж, особенно Монмартр, и на протяжении всей жизни воспевал обыденные улицы города на своих полотнах.

Читать еще:  Яркий и красочный стиль. Lucinda Waits

Ранние годы

Морис Утрилло появился на свет 26 декабря 1883 года в Париже и был единственным ребенком Сюзанны Валадон – известной в те времена талантливой натурщицы и художницы. С юности она позировала прославленным Ренуару, Пюви де Шаванну, Дега, Тулуз-Лотреку, а в будущем стала первой женщиной, которую приняли во французский союз художников. Сюзанна Валадон имела много поклонников, вела насыщенную богемную жизнь, в которой с детства существовал ее сын.

Это наложило печальный отпечаток на психику и чувствительный характер будущего художника. С детства Морис был замкнут, робок, неуравновешен, случались нервные припадки. Он никогда не знал своего отца (этого не знала даже его мать, или она не хотела рассказывать). Один из поклонников Сюзанны Валадон, испанский писатель Мигель Утрилло-и-Молинс, усыновил мальчика, дал свою фамилию и больше никогда не появлялся в его жизни. До 13 лет Морис воспитывался у бабушки, которая часто лечила его успокоительным напитком крестьян – вином, смешанным с молоком.

Увлечение живописью

К сожалению, алкоголь так на всю жизнь и остался верным спутником художника. В 18 лет Морис Утрилло впервые попал в психиатрическую лечебницу. После этого случая, Сюзанна Валадон решила привлечь сына к рисованию. И он по-настоящему увлекся. Живопись станет его единственной радостью в этом мире – мире одиночества, заброшенности и тревоги.

Морис Утрилло никогда не проявлял дара и тяги к рисованию, не имел художественного образования. Его единственными учителями были мать и уличные художники, за которыми он наблюдал мальчишкой. Чудесным образом подаренные матерью кисти и краски пробудили в Утрилло спящего гения.

В начале 1900-х семья Валадон жила в предместье Парижа Монманьи, поэтому художник подолгу бродил по предместьям, берегам Сены, иногда выезжал в город и тренировался писать с натуры, развивая проснувшийся талант только своей творческой интуицией.

Свои первые картины он подписывал как «Морис Валадон», а в 1906 году из-за непростых отношений с матерью Морис переехал жить в мастерскую на Монмартре и сменил подпись. Но какими бы непростыми были их отношения, художник всегда испытывал к матери нежное обожание и почтение и всю дальнейшую жизнь подписывал свои картины как «Морис Утрилло В.»

«Пейзаж в Монманьи» около 1906 г.

Рисование на пленере давались Утрилло тяжело психологически. Он обладал стеснительным и робким характером, а назойливое внимание и насмешки прохожих выбивали его из колеи. Именно поэтому художник не рисовал портреты – стеснялся разглядывать людей в лицо. Главным в его творчестве стал безмолвный городской пейзаж. Поселившись на Монмартре, Утрилло стал чаще, а с конца 1900-х и окончательно, рисовать по памяти и открыткам.

«Ворота Сен-Мартен» 1908 г.

1902-1910 годы. Ранний период творчества

Творчество Мориса Утрилло негласно разделено на несколько периодов, а связано это с изменением цветов палитры в его работах. Пейзажи раннего периода (примерно 1902-1910 года) отличаются темными красками, а в городских пейзажах проявляется особенность, которая в будущем будет отличать работы художника – отсутствие действующих лиц.

Париж Утрилло пустынен даже в разгар дня. Если персонажи и появляются, то они расплывчаты, одиноки и отчуждены друг от друга и зрителя. Город – вот главное действующее лицо. Он самодостаточен и живет своей собственной потаенной жизнью, как и сам художник.

«Виадук» 1908 г.

Начало XX века – это время рождения разных направлений живописи: кубизма, футуризма, фовизма, авангардизма. Но Утрилло был далек от всего этого и в одиночестве создавал свою маленькую Вселенную.

В загородных пейзажах Утрилло развивает мастерство в написании деревьев, травы. Он очень тонко чувствовал природу и рисовал не по правилам искусства, а от чувств и ощущений, возникающих при наблюдении за природой. От того его деревья получались просто изумительными.

Важной темой в раннем творчестве художника является церковная архитектура. Утрилло не получил религиозного воспитания, но всегда внутренне стремился к духовному и возвышенному и принял католичество в зрелом возрасте.

1910-1918 годы. «Белый период» творчества

Период примерно с конца 1900-х по 1918 годов называют «белым периодом» из-за большого интереса художника к изображению белых плоскостей стен различных городских построек. Палитра картин становится светлой, приглушенной, почти монохромной.

Главным местом действия пейзажей становится Монмартр. В этот период Утрилло совершил потрясающее открытие в живописи – открытие белого цвета, белых стен, белого Парижа. Его белый цвет – не просто белый цвет, он имеет множество оттенков, нюансов и изгибов.

У художника Мориса Утрилло было собственное чувство города. В своих картинах он был очень педантичен и рисовал почти под линейку. Какой еще живописец будет рисовать по линейке забор? Но Утрилло желал быть достоверным. Он с любовью вырисовывал прямые улицы, заборы, извилистые деревья, обвалившуюся штукатурку, грязь и плесень на стенах.

Но эта точность не внешняя, а внутренняя. Это не просто прямые улицы, серое небо, грязь – это внутренние переживания. Каждый цвет, особенно белый – это экзистенциальное состояние. Утрилло как будто вышел извне и вошел вовнутрь.

Его картины нравятся именно этим, мы восхищаемся его внутренним переживаниям, которые чувствуем сами. Художник тихо приглашает нас на городскую прогулку, предлагает рассмотреть каждый кусочек грязной облупленной стены и увидеть сказку.

Для усиления осязаемости и натуральности Морис Утрилло часто примешивал к краске известь, гипс, клей, яичную скорлупу, иногда наклеивал на картон кусочки настоящей травы и листьев.

В «белый период» на полотнах художника появляются «главные герои», которых он будет изображать снова и снова в последующие года с разных ракурсов и в разные времена года: артистический кабачок «Проворный кролик», мельница Мулен де ла Галетт и собор Сакре-Кёр. По этим работам можно проследить эволюцию Утрилло как живописца, восхищаясь его способностью находить в одних и тех же родных местах новую прелесть.

В 1913 году состоялась первая персональная выставка Мориса Утрилло, но успеха она не имела. После выставки художник совершил путешествие на Корсику, где написал с натуры несколько десятков картин. Корсика показалась Утрилло более дружелюбной по отношению к человеку, чем его родной Париж, поэтому все корсиканские работы светлы и жизнерадостны.

«Корсиканский пейзаж» около 1913-1914 гг.

Душевные переживания, тоска, одиночество и алкоголь никогда не оставляли художника, и в 1916 году он вновь оказался в психиатрической клинике, где долго лечился. Результатом этого события стала картина «Безумие». Впервые центром работы становится человек, заброшенный и одинокий, окруженный мраком и лучами недостижимого света. Таким Утрилло увидел свой автопортрет.

До конца 1910-х годов живописец оставался невостребованным и почти неизвестным. Все изменится после первой мировой войны. Но это будет уже другой мир, другой Париж и другой Утрилло.

1919-1955 годы

Послевоенный Париж стремительно преображался. Облезлые домики и дешевые кабаки сменялись новыми аккуратными постройками. Город украшали флаги, разноцветные рекламы и афиши. Изменилась и живопись Утрилло.

Белый одинокий пасмурный Париж становится ярким и насыщенным, на улицах появляются кокетливые парижанки в тесных юбках. Тот таинственный и тихий Монмартр, который Утрилло выписывал с искренней любовью, стал совсем архаичным и ушел в прошлое.

Постепенно к художнику приходит заслуженный успех. В начале 1920-х годов организуются несколько персональных выставок Утрилло, выходят первые альбомы, посвященные его творчеству.

Его картины начали продаваться и расти в цене. Теперь живописцу не приходилось бедствовать и отдавать работы за бесценок, чтобы прокормиться. А в 1928 году Утрилло даже был награжден орденом Почетного легиона.

Читать еще:  Язык подсознания. Mim Aylett

Несмотря на успех, Утрилло продолжал оставаться одиноким. Мечтательный, подверженный ностальгии, чуждый материализму, он по-прежнему проводил жизнь в уединении и сосредоточенной работе. Даже цветной послевоенный Париж художник рисовал почти не выходя из дома, улавливая изменения, наблюдая со стороны.

С женщинами у Мориса Утрилло отношения не складывались. В 1935 году в возрасте 47 лет он женился на давней подруге семьи Люси Валор, вдове банкира и коллекционера. Этот брак состоялся во многом благодаря матери Утрилло, Сюзанны Валадон, которая очень переживала за судьбу неприспособленного к жизни сына после её смерти.

Вскоре семья переехала за город, в местечко Ле-Везин. В следующем 1936 году Валадон умерла, а Утрилло оказался под присмотром жены, которая полностью взяла на себя заботы о нём.

Утрилло умер 5 ноября 1955 года в городке Даксе и был похоронен в Париже на кладбище Сен-Венсан, прямо напротив своего любимого кабачка «Проворный кролик» и недалеко от дома, где провел молодость.

Последние десятилетия своей жизни мастер жил прошлым и продолжал изображать Монмартр и его «главных героев», не теряя лиричности и душевности в своих работах. Никому не подражая, оставаясь всегда одиноким, художник Морис Утрилло стоит особняком в истории живописи XX века, создав собственную легенду о Париже…

В России творчество Мориса Утрилло мало известно и представлено всего тремя работами. Две из них хранятся в Москве в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, а одна — «Улица Кюстин на Монмартре» — в Санкт-Петербурге в Государственном Эрмитаже.

Морис Утрилло. Скитания одинокого певца Монмартра

Имя французского художника Мориса Утрилло навсегда осталось в истории пейзажной живописи начала ХХ века. Он, как никто другой, страстно любил Париж, особенно Монмартр, и на протяжении всей жизни воспевал обыденные улицы города на своих полотнах.

Ранние годы

Морис Утрилло появился на свет 26 декабря 1883 года в Париже и был единственным ребенком Сюзанны Валадон – известной в те времена талантливой натурщицы и художницы. С юности она позировала прославленным Ренуару, Пюви де Шаванну, Дега, Тулуз-Лотреку, а в будущем стала первой женщиной, которую приняли во французский союз художников. Сюзанна Валадон имела много поклонников, вела насыщенную богемную жизнь, в которой с детства существовал ее сын.

Это наложило печальный отпечаток на психику и чувствительный характер будущего художника. С детства Морис был замкнут, робок, неуравновешен, случались нервные припадки. Он никогда не знал своего отца (этого не знала даже его мать, или она не хотела рассказывать). Один из поклонников Сюзанны Валадон, испанский писатель Мигель Утрилло-и-Молинс, усыновил мальчика, дал свою фамилию и больше никогда не появлялся в его жизни. До 13 лет Морис воспитывался у бабушки, которая часто лечила его успокоительным напитком крестьян – вином, смешанным с молоком.

Увлечение живописью

К сожалению, алкоголь так на всю жизнь и остался верным спутником художника. В 18 лет Морис Утрилло впервые попал в психиатрическую лечебницу. После этого случая, Сюзанна Валадон решила привлечь сына к рисованию. И он по-настоящему увлекся. Живопись станет его единственной радостью в этом мире – мире одиночества, заброшенности и тревоги.

Морис Утрилло никогда не проявлял дара и тяги к рисованию, не имел художественного образования. Его единственными учителями были мать и уличные художники, за которыми он наблюдал мальчишкой. Чудесным образом подаренные матерью кисти и краски пробудили в Утрилло спящего гения.

В начале 1900-х семья Валадон жила в предместье Парижа Монманьи, поэтому художник подолгу бродил по предместьям, берегам Сены, иногда выезжал в город и тренировался писать с натуры, развивая проснувшийся талант только своей творческой интуицией.

Свои первые картины он подписывал как «Морис Валадон», а в 1906 году из-за непростых отношений с матерью Морис переехал жить в мастерскую на Монмартре и сменил подпись. Но какими бы непростыми были их отношения, художник всегда испытывал к матери нежное обожание и почтение и всю дальнейшую жизнь подписывал свои картины как «Морис Утрилло В.»

«Пейзаж в Монманьи» около 1906 г.

Рисование на пленере давались Утрилло тяжело психологически. Он обладал стеснительным и робким характером, а назойливое внимание и насмешки прохожих выбивали его из колеи. Именно поэтому художник не рисовал портреты – стеснялся разглядывать людей в лицо. Главным в его творчестве стал безмолвный городской пейзаж. Поселившись на Монмартре, Утрилло стал чаще, а с конца 1900-х и окончательно, рисовать по памяти и открыткам.

«Ворота Сен-Мартен» 1908 г.

1902-1910 годы. Ранний период творчества

Творчество Мориса Утрилло негласно разделено на несколько периодов, а связано это с изменением цветов палитры в его работах. Пейзажи раннего периода (примерно 1902-1910 года) отличаются темными красками, а в городских пейзажах проявляется особенность, которая в будущем будет отличать работы художника – отсутствие действующих лиц.

Париж Утрилло пустынен даже в разгар дня. Если персонажи и появляются, то они расплывчаты, одиноки и отчуждены друг от друга и зрителя. Город – вот главное действующее лицо. Он самодостаточен и живет своей собственной потаенной жизнью, как и сам художник.

«Виадук» 1908 г.

Начало XX века – это время рождения разных направлений живописи: кубизма, футуризма, фовизма, авангардизма. Но Утрилло был далек от всего этого и в одиночестве создавал свою маленькую Вселенную.

В загородных пейзажах Утрилло развивает мастерство в написании деревьев, травы. Он очень тонко чувствовал природу и рисовал не по правилам искусства, а от чувств и ощущений, возникающих при наблюдении за природой. От того его деревья получались просто изумительными.

Важной темой в раннем творчестве художника является церковная архитектура. Утрилло не получил религиозного воспитания, но всегда внутренне стремился к духовному и возвышенному и принял католичество в зрелом возрасте.

1910-1918 годы. «Белый период» творчества

Период примерно с конца 1900-х по 1918 годов называют «белым периодом» из-за большого интереса художника к изображению белых плоскостей стен различных городских построек. Палитра картин становится светлой, приглушенной, почти монохромной.

Главным местом действия пейзажей становится Монмартр. В этот период Утрилло совершил потрясающее открытие в живописи – открытие белого цвета, белых стен, белого Парижа. Его белый цвет – не просто белый цвет, он имеет множество оттенков, нюансов и изгибов.

У художника Мориса Утрилло было собственное чувство города. В своих картинах он был очень педантичен и рисовал почти под линейку. Какой еще живописец будет рисовать по линейке забор? Но Утрилло желал быть достоверным. Он с любовью вырисовывал прямые улицы, заборы, извилистые деревья, обвалившуюся штукатурку, грязь и плесень на стенах.

Но эта точность не внешняя, а внутренняя. Это не просто прямые улицы, серое небо, грязь – это внутренние переживания. Каждый цвет, особенно белый – это экзистенциальное состояние. Утрилло как будто вышел извне и вошел вовнутрь.

Его картины нравятся именно этим, мы восхищаемся его внутренним переживаниям, которые чувствуем сами. Художник тихо приглашает нас на городскую прогулку, предлагает рассмотреть каждый кусочек грязной облупленной стены и увидеть сказку.

Для усиления осязаемости и натуральности Морис Утрилло часто примешивал к краске известь, гипс, клей, яичную скорлупу, иногда наклеивал на картон кусочки настоящей травы и листьев.

В «белый период» на полотнах художника появляются «главные герои», которых он будет изображать снова и снова в последующие года с разных ракурсов и в разные времена года: артистический кабачок «Проворный кролик», мельница Мулен де ла Галетт и собор Сакре-Кёр. По этим работам можно проследить эволюцию Утрилло как живописца, восхищаясь его способностью находить в одних и тех же родных местах новую прелесть.

Читать еще:  Талантливый грузинский художник. Murman Kutchava

В 1913 году состоялась первая персональная выставка Мориса Утрилло, но успеха она не имела. После выставки художник совершил путешествие на Корсику, где написал с натуры несколько десятков картин. Корсика показалась Утрилло более дружелюбной по отношению к человеку, чем его родной Париж, поэтому все корсиканские работы светлы и жизнерадостны.

«Корсиканский пейзаж» около 1913-1914 гг.

Душевные переживания, тоска, одиночество и алкоголь никогда не оставляли художника, и в 1916 году он вновь оказался в психиатрической клинике, где долго лечился. Результатом этого события стала картина «Безумие». Впервые центром работы становится человек, заброшенный и одинокий, окруженный мраком и лучами недостижимого света. Таким Утрилло увидел свой автопортрет.

До конца 1910-х годов живописец оставался невостребованным и почти неизвестным. Все изменится после первой мировой войны. Но это будет уже другой мир, другой Париж и другой Утрилло.

1919-1955 годы

Послевоенный Париж стремительно преображался. Облезлые домики и дешевые кабаки сменялись новыми аккуратными постройками. Город украшали флаги, разноцветные рекламы и афиши. Изменилась и живопись Утрилло.

Белый одинокий пасмурный Париж становится ярким и насыщенным, на улицах появляются кокетливые парижанки в тесных юбках. Тот таинственный и тихий Монмартр, который Утрилло выписывал с искренней любовью, стал совсем архаичным и ушел в прошлое.

Постепенно к художнику приходит заслуженный успех. В начале 1920-х годов организуются несколько персональных выставок Утрилло, выходят первые альбомы, посвященные его творчеству.

Его картины начали продаваться и расти в цене. Теперь живописцу не приходилось бедствовать и отдавать работы за бесценок, чтобы прокормиться. А в 1928 году Утрилло даже был награжден орденом Почетного легиона.

Несмотря на успех, Утрилло продолжал оставаться одиноким. Мечтательный, подверженный ностальгии, чуждый материализму, он по-прежнему проводил жизнь в уединении и сосредоточенной работе. Даже цветной послевоенный Париж художник рисовал почти не выходя из дома, улавливая изменения, наблюдая со стороны.

С женщинами у Мориса Утрилло отношения не складывались. В 1935 году в возрасте 47 лет он женился на давней подруге семьи Люси Валор, вдове банкира и коллекционера. Этот брак состоялся во многом благодаря матери Утрилло, Сюзанны Валадон, которая очень переживала за судьбу неприспособленного к жизни сына после её смерти.

Вскоре семья переехала за город, в местечко Ле-Везин. В следующем 1936 году Валадон умерла, а Утрилло оказался под присмотром жены, которая полностью взяла на себя заботы о нём.

Утрилло умер 5 ноября 1955 года в городке Даксе и был похоронен в Париже на кладбище Сен-Венсан, прямо напротив своего любимого кабачка «Проворный кролик» и недалеко от дома, где провел молодость.

Последние десятилетия своей жизни мастер жил прошлым и продолжал изображать Монмартр и его «главных героев», не теряя лиричности и душевности в своих работах. Никому не подражая, оставаясь всегда одиноким, художник Морис Утрилло стоит особняком в истории живописи XX века, создав собственную легенду о Париже…

В России творчество Мориса Утрилло мало известно и представлено всего тремя работами. Две из них хранятся в Москве в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, а одна — «Улица Кюстин на Монмартре» — в Санкт-Петербурге в Государственном Эрмитаже.

Тема: Эротические иллюстрации художников

Опции темы
Отображение
  • Линейный вид
  • Комбинированный вид
  • Древовидный вид

Эротические иллюстрации художников

ИЛЛЮСТРАЦИИ ПОЛЯ-ЭМИЛЯ БЕКА

21 Октября 2010 г.

Paul-Emile Becat (1885 — 1960)

Французский живописец и график Поль-Эмиль Бека родился в Париже 2 февраля 1885 года. Учился в парижской Школе изобразительных искусств у живописцев Габриеля Феррье и Франсуа Фламена. В 1913 году он впервые участвовал в Салоне французских художников, а в 1920 получил за свои живописные работы Grand Prix de Rome — стипендию французской Академии, позволяющую совершенствовать мастерство в Италии. Работы Бека отличали уверенное академическое рисование, точность в передаче деталей и некоторая «салонность». В 1920-1930 годах он создал ряд портретов известных французских писателей, издателей и библиофилов — Леона-Поля Фарга, Пьера Луиса, Люка Дюртена, Жюля Ромена, Сильвии Бич и др.
Первые опыты в книжной графике, к которой Бека обратился в начале 1920-х годов — «Жорж Дюамель» Люка Дюртена («Monnier», 1920) и «Одиночества» Эдуарда Эстанье («Georges Cres», 1922) — привлекли внимание парижских издателей, и Бека стал время от времени получать заказы на иллюстрации. Тем не менее, в эти годы художник занимался в основном живописью, и полотна художника получали весьма лестные отзывы.
К началу 1930-х годов художник стал признанным мастером живописи и графики. Особый интерес вызывали его гравюры, выполненные в технике «сухой иглы». С 1933 года начинается карьера Бека как специалиста по галантным текстам. В предвоенное десятилетие возрос интерес публики к малотиражным коллекционным изданиям, и работа над иллюстрациями к таким книгам принесла Бека европейскую известность. Художник обращался в основном к произведениям классической литературы, но в рисунках трактовал тексты по-своему, отбирая для иллюстрирования самые фривольные моменты. В годы Второй мировой войны Бека продолжал работать над иллюстрациями к коллекционным изданиям. В это время созданы самые известные циклы его рисунков: 24 цветных иллюстрации к «Манон Леско» аббата Прево («Le Vasseur», 1941), 24 цветных иллюстрации к «Науке любви» Овидия («La Tradition», 1942) и 13 монохромных гравюр к его же «Любовным элегиям» («Athina», 1943), 23 цветные иллюстрации к новому изданию «Песен Билитис» Пьера Луиса («Piazza», 1943).
За долгую творческую жизнь Бека создал графические серии к более чем 100 книгам, среди которых десятки произведений фривольной литературы. Он не оставлял работу до последних дней. Художник умер 1 января 1960 года в Париже, не дожив одного месяца до своего 75-летия. Однако галантные эротические иллюстрации Бека, исполненные с виртуозным мастерством, обеспечили ему прижизненную и посмертную славу.

Сверхреалистичные портреты с щепоткой потустороннего от художника Марко Грасси

30-летний итальянский художник Марко Грасси рисует замысловатые портреты так реалистично, что они похожи на фотографии. Еще примечательнее его работы делают маленькие неординарные детали, которыми он награждает своих персонажей. Из-за этого Грасси балансирует на тонкой грани между гиперреализмом и сюрреализмом, мастерски запутывая воображение своих зрителей.

«Моя цель — вызывать сильные эмоции, попытаться сделать людей более восприимчивыми. Мне хочется совместить реальность и сюрреализм, чтобы исследовать человеческую природу и мысли людей в более индивидуальной манере», — объясняет художник.

Время работы над одним портретом зависит от его размера и сложности, но обычно Грасси посвящает картине несколько месяцев: «Это очень долгая работа, которая требует чрезвычайного внимания на всех этапах».

Добавляя в портреты сюрреалистичные элементы (вместо того чтобы просто изображать реальные черты), Грасси стремится подчеркнуть двойственный характер жизни: «Наш внутренний мир, сокровенный и крайне чувствительный, в противоположность нашему интересу к внешней стороне вещей — таких как вазы, горшки, раковины. Они красивые и дорогие, но пустые».

«Самая главная моя задача — всегда поддерживать высочайшее качество портретов, и в человеческих чертах, и в дополнительных элементах; постараться создать однородную во всех аспектах работу, а также превозмочь идею живописи, которая всего лишь имитирует фотографию», — объясняет Грасси.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector