Художник-реалист. Yampier Sardina Esperon

Художник-реалист. Yampier Sardina Esperon

Современный французский импрессионизм: прекрасные работы Laurent Parcelier

Разрешите рассказать вам о необычном художнике, рисующий солнечными зайчиками!

Да я уверена, что вы все уже знакомы с его замечательными работами!

Ну хотя бы одну, да уже встречали на просторах интернета.

Такие сказочно-воздушные картины этого талантливого художника просто невозможно не заметить!

Итак, представляю вам современного французского импрессиониста Лорана Парселье!

Лоран Парселье французский художник и иллюстратор, принадлежащий к плеяде современных экспрессионистов.

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — это направление в искусстве последней трети 19 — начала 20 веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру.

Художники, пишущие в этом направлении, стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Методы и приемы Лорана Парселье это рассаживание на холсте тысячи пляшущих солнечных зайчиков.

Посмотрите, сколько чувств, света и позитива в его картинах!

Кажется, будто полотна созданы не из тысяч мазков масла, а сотканы из солнечных зайчиков и детских улыбок.

Лоран Парселье (Laurent Parcelier) родился 19 ноября 1962 года в местечке Шамальер (Chmalieres), что во Франции.

Учился в школе искусств Парижа и начинал свою карьеру чертёжником в комиксах в журнале Triolo.

Доказательством правильности выбора жизненного направления стала победа и получение главного приза в конкурсе уличной живописи. Интересно, что холст, кисти и краски для конкурсной работы художник у кого-то одолжил. К тому моменту он не касался кисти в течение нескольких лет. Работа Laurent Parcelier привлекла зрителей на выставке Salon des Beaux Arts de Perigueux в1992 году. С той поры выставки художника последовали сплошной чередой, и с 1996 года художник посвятил себя только лишь живописи.

Многие искусствоведы и критики признали его мастерское умение захвата света подобным лучшим импрессионистам.

Свет, воздух, атмосферу картин он воплощает в присущем только ему стиле, с характерными узнаваемыми тонами и мазками.

Кажется, что в баночках этого художника находится не краска, а задорный солнечный свет!

Мастер будто достаёт из тюбиков не краску, а солнечных «зайчиков» и рассаживает в нужном порядке на своих холстах. Каких-то он собирает в кучки, а каких-то оставляет в гордом королевском одиночестве: всё зависит от композиции.

На всех картинах Лорана Парселье есть движение: солнечные кружочки будто танцуют и играют друг с другом.

«Кажется, что он живёт на какой-то другой планете, где нет грусти и слёз, где даже осень яркая и солнечная, а дождь веселый и тёплый», сказал о нём американский художник Говард Беренс.

И правда, для Парселье будто не существует проблем, плохого настроения и серого неба. На всех его холстах изображены исключительно милые пейзажи: уютные веранды, горшки с цветами, изящные стулья и белые скатерти.

Я пыталась найти хоть одну картину с зимним пейзажем, но мне не удалось.

Все картины исключительно солнечные и летние, или теплые чуть-чуть осенние или мягкие и теплые вечерние!

Работы Лорана Парселье легко отличить от работ других художников! Они светлые, нежные, легкие, атмосферные!

По-детски трогательные и очаровательные в своей простоте сюжета. Удивительно, ведь это изображены всего лишь улочки, веранды, террасы! Казалось бы, ничего особенного .

Но глядя на них кажется, что в мире не существует зла и жестокости, холода и ненастья, войн и катастроф.

Картины этого замечательного художника учат доброму, позитивному и светлому взгляду на жизнь! Он как будто говорит нам: «Прекрасное, светлое, доброе, радостное — вот оно! Рядом! Береги и наслаждайся! Будь счастлив здесь и сейчас!».

Сам автор так отзывается о своих произведениях: «Мне нравятся мои картины, они смотрятся реально. Люди могут узнать, какое место на них изображено».

Материалы и фото взяты из открытых источников интернета и дополнены авторским текстом.

Друзья! Спасибо вам за внимание к моей публикации!

С уважением к вам, Oksana Klim!

P. S. Если кто-нибудь знаком с зимними пейзажами Лорана Парселье, поделитесь, пожалуйста!

ТОП-8 современных художников, работающих в технике гиперреализм

Что такое гиперреализм?

Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть. Приставка «гипер» означает – больше, чем реализм. Стиль возник под влиянием фотографии – художники решили проверить свое мастерство: получится ли нарисовать картину, которая будет выглядеть как фото? И у многих получается.

Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих полотнах скрыта некая загадка.

1. Лучано Вентроне

Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:

«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета» .

На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.

Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.

Читать еще:  Талантливый самоучка. Nicola Verlato

Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.

В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.

Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.

Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.

Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.

2. Сергей Гета

Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.

Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.

Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.

Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.

Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.

Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.

3. Патрик Крамер

Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.

У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше. Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне.

Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.

4. Гарриет Уайт

Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.

Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.

Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.

Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.

Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.

5. Сюзанна Стоянович

Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.

На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.

Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.

Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:

Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию. Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:

Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.

6. Эндрю Тэлбот

Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.

Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.

В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.

7. Рафаэлла Спенс

Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.

Подобные работы вызывают искреннее восхищение. Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.

А это небо над городом никого не оставит равнодушным:

8. Янни Флорос

Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.

Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.

Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.

Читать еще:  Старинные вещи и изделия – ценный и дорогостоящий антиквариат

Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.

Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть фильмы, в сюжет которых положена их биография.

Тема: Эротические иллюстрации художников

Опции темы
Отображение
  • Линейный вид
  • Комбинированный вид
  • Древовидный вид

Эротические иллюстрации художников

ИЛЛЮСТРАЦИИ ПОЛЯ-ЭМИЛЯ БЕКА

21 Октября 2010 г.

Paul-Emile Becat (1885 — 1960)

Французский живописец и график Поль-Эмиль Бека родился в Париже 2 февраля 1885 года. Учился в парижской Школе изобразительных искусств у живописцев Габриеля Феррье и Франсуа Фламена. В 1913 году он впервые участвовал в Салоне французских художников, а в 1920 получил за свои живописные работы Grand Prix de Rome — стипендию французской Академии, позволяющую совершенствовать мастерство в Италии. Работы Бека отличали уверенное академическое рисование, точность в передаче деталей и некоторая «салонность». В 1920-1930 годах он создал ряд портретов известных французских писателей, издателей и библиофилов — Леона-Поля Фарга, Пьера Луиса, Люка Дюртена, Жюля Ромена, Сильвии Бич и др.
Первые опыты в книжной графике, к которой Бека обратился в начале 1920-х годов — «Жорж Дюамель» Люка Дюртена («Monnier», 1920) и «Одиночества» Эдуарда Эстанье («Georges Cres», 1922) — привлекли внимание парижских издателей, и Бека стал время от времени получать заказы на иллюстрации. Тем не менее, в эти годы художник занимался в основном живописью, и полотна художника получали весьма лестные отзывы.
К началу 1930-х годов художник стал признанным мастером живописи и графики. Особый интерес вызывали его гравюры, выполненные в технике «сухой иглы». С 1933 года начинается карьера Бека как специалиста по галантным текстам. В предвоенное десятилетие возрос интерес публики к малотиражным коллекционным изданиям, и работа над иллюстрациями к таким книгам принесла Бека европейскую известность. Художник обращался в основном к произведениям классической литературы, но в рисунках трактовал тексты по-своему, отбирая для иллюстрирования самые фривольные моменты. В годы Второй мировой войны Бека продолжал работать над иллюстрациями к коллекционным изданиям. В это время созданы самые известные циклы его рисунков: 24 цветных иллюстрации к «Манон Леско» аббата Прево («Le Vasseur», 1941), 24 цветных иллюстрации к «Науке любви» Овидия («La Tradition», 1942) и 13 монохромных гравюр к его же «Любовным элегиям» («Athina», 1943), 23 цветные иллюстрации к новому изданию «Песен Билитис» Пьера Луиса («Piazza», 1943).
За долгую творческую жизнь Бека создал графические серии к более чем 100 книгам, среди которых десятки произведений фривольной литературы. Он не оставлял работу до последних дней. Художник умер 1 января 1960 года в Париже, не дожив одного месяца до своего 75-летия. Однако галантные эротические иллюстрации Бека, исполненные с виртуозным мастерством, обеспечили ему прижизненную и посмертную славу.

Пер Боррель дель Касо

П.Боррель дель Касо. Бегство от критики (1874)

Пер Боррель дель Касо (1835г.- 1910г. Барселона) — испанский и каталонский художник, график и акварелист.

Он родился на крайнем севере Испании, горном регионе Пиренеев, и был связан с родными местами всю свою жизнь.
Родители Переса, а также дедушка и бабушка по материнской линии были уроженцами Пучсерды, а вот второй дед был французом, поэтому часто имя художника писалось и на французский манер – Делькассо.

Отец научил Переса плотницкому ремеслу, что помогло юноше начать самостоятельную жизнь. В 1856 году Боррель покинул родную Каталонию и перебрался в Барселону, где начал работать плотником, изготовляя сундуки и ящики. Нигде в биографиях художника не пишется, когда у него проснулся интерес к искусству и живописи. Но в Барселоне Перес решил стать художником и начал посещать студию в известной Школе изящных искусств Ллотья.

Уже перебравшись в Барселону, он неоднократно посещает Пиренеи, свой дом там. Писал в первую очередь виды природы, а также картины религиозной тематики — находясь под влиянием искусства назарейцев. Наиболее известное полотно художника — картина Бегство от критики, великолепный пример искусства тромплей.

Дель Касо дважды предоставлялась возможность возглавить известнейшую в Барселоне художественную школу, Ла-Лотья (La Lotja), однако мастер предпочёл создать свою собственную Академию искусств. Здесь, под его руководством, учились такие испанские живописцы, как Рикард Канальс, Адрия Гуал, Рома Рибера, Ксавьер Ногес и др.

В 1874 году Перес Боррель написал картину «Побег от критики» (Escapando de la cr;tica), благодаря которой он стал известен во всем мире.
Эта работа – яркий пример росписи-обманки, которая размывает границы между реальным и фиктивным пространством. Название этого жанра живописи пошло от французского слова «trompe l’oeil», что обозначает буквально «обманывает глаз». Термин «роспись-обманка» возник в эпоху барокко, хотя картины, основанные на визуальных оптических иллюзиях, известны в течение многих веков. Ранние примеры можно найти в росписях в Помпеях. Но особо популярен этот вид стал именно в эпоху барокко, поскольку идеально подходил для театральности того времени. Продолжили «дело иллюзий» и живописцы ХХ века (можно вспомнить работы, например, Рене Магритта).

Картина Борреля изображает бедно одетого мальчика, который выбирается из картинной рамы, чтобы попасть в другое измерение, в мир вне ее. Точная идея художника и причина создания этой картины нам неизвестны, но искусствоведы утверждают, что, судя по названию, Боррель свою работу адресовал консервативным критикам своего времени, которые хотели видеть на полотнах только героев и воплощение этикета общества и не обращали внимания на реальную жизнь. Своего рода, это явилось визуальным манифестом художника-реалиста.

Читать еще:  Соединяя не соединяемое и переиначивая смысл. Paloma Rincon

Историки пишут, что на создание этой картины Переса вдохновила работа Рембрандта.Rembrandt van Rijn, Girl in the Picture Frame. 1641 г.

Его собственная творческая деятельность в начале ХХ века отошла на второй план, все свободное время художник отдавал педагогике и преподаванию. Академия Борреля изначально находилась на площади Санта Лючия, 28 октября 1878 года учреждение арендовало здание на улице Парадис (смешное название – Райская улица!). Отсюда живописец и ушел в отставку в октябре 1902 года, отдав Академии тридцать лет творческой жизни.

Причиной выхода на пенсию стал инсульт, случившийся еще в 1900 году. Поэтому художнику пришлось отказаться от деятельности в Академии и передать бразды правления своим детям. 1 мая 1907 года Академия еще раз переехала на улицу Пальма де Сан Джусто и находилась там до смерти в 1912 году Сальвадора Борреля, сына художника, который руководил в тот период Академией.

Перес Боррель дель Касо умер в Барселоне 16 мая 1910 года в возрасте 75 лет. В записной художника был обнаружен подробный перечень работ, написанный в течение двадцати семи лет. Поэтому известно, что с 1873 по 1900 год Боррель написал 330 картин, из них – 189 портретов, 62 картины на религиозные темы, 21 пейзаж и т.д.

Из жизни парижан: Картины французского реалиста Фирмена-Жирара, которыми восхищались Репин и Крамской

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Мари-Франсуа Фирмен-Жирар (Marie-Francois Firmin-Girard, 1838 – 1921) работал в жанре исторической живописи, пейзажа, портрета. Но, прежде всего, он был, превосходным жанристом, создавшим великолепную галерею картин, посвященных жизни французам. И, что любопытно он, живя в столице, часто обращался к образам сельских жителей, в чем однозначно сказывалось его происхождение.

Немного о художнике

А родился Фирмен-Жирар в 1838 году во Франции в приграничном селении, прилегающем к Швейцарии. Первозданная природа того края настолько была разнообразна и уникальна по своей красоте, что не могла оставить равнодушным будущего художника. На множестве его работ выполнены превосходные пейзажи, чем-то напоминающие ту местность, из которой художник был родом.

Мальчишка, имея художественный дар, с раннего детства много рисовал. А в шестнадцатилетнем возрасте он покидает родной дом, чтобы поступить в Школу изящных искусств в Париже. Его учителями были швейцарец, придерживавшийся традиционных тенденций в искусстве, а затем француз — Жан-Леон Жерома — мэтр исторической живописи, что также наложило глубокий отпечаток на творчество будущего художника.

Исторически сложилось так, что конце 1850-х во всех сферах жизни Франции начали приветствоваться и внедряться новые идеи, в том числе и в живописи. Молодые художники-реалисты начали проявлять большой интерес к повседневной жизни французского народа. Из-под их кистей начали выходить работы, отражавшие и быт, и жизнь, как богатых, так и бедных, как городских так и сельских жителей Франции.

Веяние того времени очень сильно повлияло и на творчество Фирмен-Жирара. Картина, с которой дебютировал в 1859 в Парижском Салоне, принесла молодому мастеру первое признание. А через пару лет он занял конкурсное второе место и престижную Римскую премию. Премиальных средств оказалось достаточно, чтобы организовать собственную мастерскую на Монмартре. Вскоре художник стал знаменит и богат. Интерес заказчиков к творчеству живописца был велик в течении всей его длительной творческой карьеры. Из них почти ежегодно на протяжении 30 лет выставлялся в Салоне, где и награждался медалями и удостаивался позитивных откликов не только публики, но и критиков.

О последних годах жизни живописца практически ничего не известно. Он отдал предпочтение тихой жизни в деревне, хотя его живопись по-прежнему пользовалась спросом и хорошо продавалась в столице. Там же он и умер на 83 году жизни.

Русские художники о творчестве французского коллеги.

Русские живописцы, жившие в одно время с Фирмен-Жираром, по достоинству оценили его творчество. Так, еще совсем молодой Илья Репин, живя в Париже посещал выставки Салона, и имел возможность видеть работы французского художника воочию. Позже он вспоминал: «. В зените своей славы Фирмен-Жерар был изящен, виртуозен и необыкновенно тонок и глубок по технике. И мы не представляли, чтобы искусство могло пойти дальше этого и не реально было сделать что-нибудь ещё лучше.»

А Иван Крамской в переписке с Павлом Третьяковым с восторгом отзывался о полотне «Обручённые»: «У кого так много ума и образованности? Или кто так верно, тонко и окончательно пишет жанр, как Фирмен-Жерар, в его свадебной процессии, идущей из церкви по аллее, усыпанной осенней листвой. Эта вещь, я готов сказать, совершенство в своем роде…».

Как видим, творения Фирмен-Жирара полны жанрового и стилевого разнообразия. Он мастерски писал городские и сельские пейзажи, портреты, исторические и жанровые полотна, затрагивая практически все стили живописи. В его работах прослеживается академизм и импрессионизм, реализм и натурализм, а также ориентализм.

До наших дней дошло немалое наследие художника — более 600 произведений, хранящихся в ведущих галереях Европы и в частных собраниях.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector