Смесь фигуративной живописи и абстракции. Kimberly Brooks

Смесь фигуративной живописи и абстракции. Kimberly Brooks

Кимберли Брукс (художник) — Kimberly Brooks (artist)

Кимберли Брукс (урожденная Кимберли Шлейн ) — американский художник. В ее работах сочетаются образность и абстракция, чтобы сосредоточиться на предметах, связанных с памятью, реальностью, историей, репрезентацией и идентичностью.

Содержание

ранняя жизнь и образование

Кимберли Шлейн родилась в Нью-Йорке. Брукс является дочерью хирурга и писателя Леонарда Шлейна и доктора философии Кэрол Льюис. Она выросла в Милл-Вэлли, Калифорния , лепила, рисовала и рисовала в детстве. Она училась в Калифорнийском университете в Беркли , где получила степень бакалавра искусств в области литературы и диплом с прощальным словом. После ее окончания она провела год в Париже, посещая Сорбонну , и рисовала. Позже она изучала живопись в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе и колледже искусств и дизайна Отиса .

Живопись и мультимедиа

Первая персональная выставка Брукса, «Вся история», была проведена в галерее Risk Press в Лос-Анджелесе в 2006 году. На ней была представлена ​​серия «богатых, сегментированных» картин, в которых исследовалась роль женщин как художников и моделей. Брукс использовала эротические образы и фрагментацию, чтобы изучить историческое прославление женских тел, чтобы представить женский образ в феминистском представлении.

Вторая персональная выставка Брукса, «Друзья мамы», посвящена феминизму начала 1960-х и 1970-х годов. Картины на выставке были основаны на ее матери и подругах матери из округа Марин, Калифорния; В дополнение к оригинальным фотографиям Брукс снимал развлекательные программы, используя друзей и моделей в винтажной одежде. Газета Huffington Post писала: «Картины Брукса фиксируют нас в важном месте и времени по отношению к роли женщин. Явная связь между картинами и фотографиями десятилетней давности добавляет провокационный характер этому разговору между прошлым и настоящим . Брукс создает эстетику памяти через знакомые, тщательно оформленные, высококонтрастные образы, найденные в фотоальбоме. При этом она требует, чтобы мы принимали во внимание как объект изображения, так и память самого объекта «. The Los Angeles Times писала: «В книге« Друзья мамы » венецианская художница и художник новых медиа Кимберли Брукс исследует проблемы женской идентичности, ностальгии и женственности в серии портретов маслом и гуашью, основанных на фотографиях ее матери и ее модных друзей 1970-х годов из Милл-Вэлли Брукса, детство в Калифорнии. Brooks передает ощущение свободы и свежей силы той эпохи в композициях, выполненных в смелом стиле 70-х «.

За «Друзьями мамы» последовал « Technicolor Summer» в 2008 году. Брукс начала работать над « Technicolor Summer» после того, как у ее отца была диагностирована неизлечимая болезнь. Она написала: «Каждый момент был более ярким, потому что он мог быть последним. Это было лето в высоком разрешении. Лето в разноцветном». «Как зрители, мы должны отделить кажущийся реализм самой сцены от ее представления Бруксом», — написала Ким Биль в ArtLTD. «Центральным в этом проекте является тот факт, что картины Брукса не претендуют на то, чтобы быть абсолютно прозрачными окнами в реальность; вместо этого они воспроизводят особые материальные качества старых фотографий».

После того, как она посетила лекцию в LACMA о влиянии Эльзы Скиапарелли и Коко Шанель на картины Анри Матисса , Брукс начала проект по созданию портретов известных стилистов, дизайнеров костюмов и моделей одежды, которые сами стилизовались и позировали для портретов. Названный «Проект стиля», он побуждал зрителя «подумать о значении личного стиля и спросить, кто в конечном итоге несет ответственность за тенденции, которые набирают силу в популярной моде». Брукс фотографировала своих героев в их собственном окружении, а затем рисовала по фотографиям. Она продолжила отвечать на вопросы о женской красоте и моде с помощью более абстрактных портретов в Thread в 2011 году, описанном как «постапокалиптический показ мод (красивый образ, чтобы оглянуться на свою молодость), с художественным руководством Тима Бертона, преломленного через Гойю. или Веласкес, а сценарий — Кормак Маккарти ». В 2014 году у нее было два сольных шоу: « Я вижу, как люди исчезают» и «У меня есть король, который не говорит».

В 2015 году стальной кулон Брукса высотой 8 футов «Эфемерность манеры» был окончательно приобретен зданием Cooper Building в районе моды Лос-Анджелеса. С помощью видео, коллажей, текстиля и сварной стали он был создан как часть ее инсталляции «Нить и кость» для конкретного сайта. The Los Angeles Times писала, что скульптура «пронизана тонкими сложностями и противоречиями, пронизывающими моду. феминизм, архитектура и история искусства «.

В сентябре 2017 года галерея Зевитаса Маркуса в Лос-Анджелесе представила Brazen, персональную выставку картин , над которыми Брукс начал работать после президентских выборов в США в 2016 году. В интервью она сказала: «Я все время слышала это слово в своей голове, когда я слушала радио, в основном ошеломленная, пока я работала. Я думала о слове« наглый », когда подошла к теме того, что оно означает для рисовать и вообще творить искусство «. Брукс впервые использовал серебро и сусальное золото для создания «агрессивно абстрактных» картин, включающих религиозные иконы, величественные интерьеры и украшения, «целенаправленно отвлеченные от своих традиционных функций и позволяющие воплотить более широкий диапазон значений в нашей современной культуре». Art and Cake писали: «Концептуальное и абстрактное, это опосредование историко-художественного дискурса говорит о необходимости того, чтобы ценное было бесцеремонным, чтобы притворство и привилегия подвергались открытой критике, чтобы взгляд художника перевешивал традиционный вкус — чтобы будь красивым и дерзким в рамках современного алгоритма красоты, эксцентричности, индивидуальности и вовлеченности «.

Обучение, письмо, говорение

Брукс преподает живопись в Колледже искусств и дизайна Отиса. В 2016 году она получила премию Франклина Лигеля за выдающиеся успехи в преподавании. Брукс также проводит летние мастер-классы в Центре искусств Anderson Ranch в Аспене. В период с 2007 по 2009 год Брукс написала более 70 эссе об искусстве и взяла интервью у художников для First Person Artist, ее еженедельной колонки в The Huffington Post. В 2010 году она основала секцию Huffington Post Arts, а в 2011 — секцию науки.

Брукс читает лекции и презентации для музеев, университетов и организаций по целому ряду вопросов, связанных с творчеством и живописью. В 2008 году она обратилась в Совет по костюмам LACMA по поводу проекта стилиста. В 2011 году она представила «Творческий процесс в восьми этапах» на конференции TEDx. Ее работы были представлены на выставках, организованных кураторами, в том числе Крисом Бёрденом , в Музее американского искусства Уитни , Музее современного искусства , Калифорнийском институте искусств и LACMA.

Брукс живет в Лос-Анджелесе и работает в студии в Венеции, штат Калифорния. Она и ее муж Альберт Брукс поженились в 1997 году. У них двое детей, сын и дочь. После смерти ее отца Брукс и ее братья и сестры, Тиффани Шлейн и Джордан Шлейн , вместе работали над редактированием рукописи его последней книги «Мозг Леонардо: понимание творческого гения да Винчи».

Фигуративная живопись

Фигуративная живопись (Фигуративизм) – направление в живописи, характерной особенностью которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности. Фигуративная живопись очень широкое понятие, включающее в себя самые разные жанры и направления.

Читать еще:  Смесь жанров и техник. Willie Nash (фотограф)

В Великобритании сам термин начал использоваться, когда возникла необходимость определить антипод абстракционизму и, т.о. под фигуративизмом стали понимать «не абстрактные картины». Позднее, в разное время различные авторы ратовали за возвращение к фигуративизму, как правило, критикуя современное им авангардное искусство. В 60-х – 70-х гг., например, Рон Китай ввел в лексикон термин «Лондонская школа», объединив в условную группу художников, представлявших фигуративную живопись Англии того периода (Франк Ауербах, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Фрэнсис Бэкон). Художники Лондонской школы противопоставлялись уже поп-арту и концептуализму.

Позднее, в 90-х годах XX века в Великобритании фигуративная живопись вновь начала противопоставляться концептуализму, который ассоциировался с деятельностью Молодых Британских Художников (YBA) (иногда творчество данной группы относят к неоконцептуализму). В 1997 году Гай Деннинг основал группу «Неомодерн» (Neomodern), члены которой считали, что современное искусство развивается под влиянием различных фондов и организаций, которые не просто обслуживают вкусы зрителей, а формируют некий общественный запрос и т.о. экономически ограничивают художника в его творчестве. Несмотря на отсутствие художественных особенностей, точка зрения Деннинга нашла отклик именно у художников представляющих фигуративную живопись.

Два года спустя, в 1999 году схожие идеи высказал Билли Чайлдиш в Манифесте стакизма. Лозунги «назад к фигуративизму» и «художник не делающий картин — не художник» стали основными для такого движения как стакизм. Кроме того, в 2000 году вышел второй программный текст стакизма — Ремодернизм, идеи которого во многом заимствованы у Гая Деннинга (в частности идея о том, что модернизм не исчерпал себя и необходимо вернуться к его первоначальным концептам, т.к. «уход от объекта» более невозможен).

В современном английском языке термин «figurative artist» (возм. пер. «художник-фигуративист») предполагает, что художник пишет картины, изображает конкретные объекты (не абстракционист) и не принадлежит к какому-либо четко обозначенному жанру (например, фотореализм, строго говоря, также может быть отнесен к фигуративной живописи, но подобное уточнение не имеет смысла). При этом зачастую в работах таких художников могут содержаться сюрреалистичные или даже концептуальные элементы. В XXI веке фигуративизм чаще противопоставляется уже не абстракционизму, а различным концептуальным течениям и т.о. художники, которые непосредственно рисуют что-либо или тем более пишут картины обозначаются словом «painter» (возм. пер. живописец), которое встречается чаще, чем «figurative artist».

В более узком понимании под фигуративной живописью понимается живопись, в которой упор сделан на изображении фигур людей или животных. Иногда для работ выполненных в такой технике используется термин «фигуративизм». Впрочем, идея, что человек есть основной предмет искусства принадлежит Рону Китаю и характерна именно для художников Лондонской школы.

В ГДР (в особенности в г. Лейпциг) во второй половине XX века была сильная школа живописи. После объединения Германии соцреализм потерял актуальность, но определенные традиции фигуративной живописи сохранились. В конце XX — начале XXI века ряд выпускников Университета визуальных искусств Лейпцига (Hochschule fur Grafik und Buchkunst) сформировали т.н. Новую лейпцигскую школу. Позднее понятие расширили до «Молодые немецкие художники».

Известным современным художником, который последовательно отстаивает идею о фигуративной живописи как о форме актуального в наши дни искусства, является Одд Нердрум. Нердрум также известен как создатель арт-инициативы «Китч», в рамках которой он дает уроки и помогает в распространении своего творчества многим живописцам по всему миру (например, его учениками называют себя такие художники как Шон Берк и Джереми Канилья). Творчество самого Нердрума и некоторых его последователей иногда относят к постмодернизму, отмечая тот факт, что речь здесь идет не просто о фигуративной живописи, а о переосмыслении живописной традиции прошлого с отсылками на современную действительность.

Франк Ауэрбах, р. 1931 — английский художник-портретист

«Картина маслом»: 5 художников, работы которых поражают воображение

С 19 по 27 сентября 2020 года в ЦВЗ «Манеж» пройдёт Международный интерактивный фестиваль современного искусства ARLIFE FEST, который объединит художников со всего мира, работающих в самых разных техниках. Известные мастера масляной живописи из Великобритании, США, Индии и России, принимающие участие в фестивале, делятся этапами творческого пути, источниками вдохновения и тем, какие изменения этот вид искусства претерпевает сегодня.

В своих работах, которые имеют глубокий философский подтекст, молодой британский художник во втором поколении Бен Эштон исследует взаимодействие культур прошлого и настоящего, высмеивая британскую напыщенность и чопорность. Основу его творчества составляют портреты, выполненные в технике гиперреализма, а также иммерсивные инсталляции.

Несмотря на фундаментальное классическое образование в колледже Абингдон, Ньюкаслском университете и школе изобразительных искусств Феликса Слейда, художник признаётся, что больше всего знаний и навыков почерпнул, самостоятельно копируя старых мастеров в музеях британской столицы.

«Я провёл много часов напротив одних и тех же шедевров живописи в Национальной галерее в Лондоне, анализируя картины слой за слоем, чтобы понять, как мастера прошлого добивались нужного эффекта. Поэтому, можно сказать, что моими главными учителями были Рембрандт, ван Дейк, Вермеер и Рубенс. Именно их традиции легли в основу моего творчества» – отмечает художник.

Работы Бена Эштона эспонируются на выставках в США, Англии и Германии, а сам художник дважды удостаивался звания лучшего портретиста по версии Национальной портретной галереи в Лондоне.

Художница родом из Польши Агнес Грохульска окончила Академию изящных искусств в Варшаве, после чего переехала в Ричмонд (штат Вирджиния, США), где работает по сей день. Агнес создаёт картины в авторской технике, опираясь на традиции реализма. В работе использует масло, уголь и графит. Её любимые сюжеты – портреты и пейзажи.

Карьера художницы началась в 2006 году, и сегодня её работы находятся в постоянной экспозиции галереи Эрика Шиндлера в Ричмонде и частных коллекциях, регулярно экспонируются на выставках по всей Америке и в ряде стран Европы, публикуются в американских журналах.

В своих картинах художник Марк Теннант поёт гимн американской жизни, изображая на своих полотнах самые разные сюжеты, начиная от работ, вдохновлённых эпохой 1960-х годов, и заканчивая современными сюжетами о жизни молодого поколения. Отличительной особенностью его работ является использование крупных, экспрессивных мазков и полустёртые, размытые черты лица, благодаря чему художник словно передаёт собирательный образ персонажа.

Марк Теннант работает в жанре фигуративной живописи. Его картины дважды выставлялись в рамках легендарного Осеннего салона в Париже, а также вошли в постоянные экспозиции ведущих музеев и галерей Европы и США. Более 20 лет он преподаёт живопись и за это время работал в Лувре, Метрополитен-музее, был директором отделения изобразительного искусства в Университете академии искусств в Сан-Франциско.

На фестивале ARTLIFE посетители смогут не только увидеть картины этих художников, но и принять участие в их мастер-классах, а также приобрести футболки, толстовки и аксессуары с их картинами. Запуск лимитированной линейки приурочен к созданию благотворительного фонда ARTLIFE CHARITY, поэтому все средства от продаж пойдут на помощь детям, оказавшимся в трудной жизненной ситуации, чтобы дать им возможность получить качественное образование в сфере искусства и раскрыть заложенный в каждом ребёнке творческий потенциал.

Индийский художник Басист Кумар родом из Бокаро – промышленного сердца Индии, где гармонично соседствуют скалистые горы и заброшенные угольные шахты, многие из которых со временем превратились в большие пруды. Именно эти воспоминания, по признанию художника, вызвали его любовь к пейзажам.

Читать еще:  Фотографии мыслей. Luis Pastor

Басист Кумар получил образование сначала в Колледже искусств в Дели и в ведущем художественной университете Индии Вишва-Бхарати в Шантиникетане, а затем в Китайской академии искусств, куда был направлен одним из немногих студентов на стипендию. Уже во время обучения его талант был отмечен премиями и наградами.

Древняя индийская культура и духовность в сочетании с традиционным и современным искусством Китая легли в основу авторского стиля художника, который исследует в своём творчестве взаимоотношения человека и природы. «Мои картины основаны на опыте, а не на идеях, и следуют индийской традиции ставить интеллектуальность и духовность рядом как две тропы, ведущие к одной и той же цели» – говорит художник.

Признанный мастер сюжетной живописи Анна Березовская создаёт сложные, многоплановые картины, в которых каждый зритель видит нечто своё. Основу узнаваемого авторского стиля, который сама художница называет поэтическим реализмом, составляет уникальный сплав из техник реализма, абстракции и сюрреализма.

Её полотна, над которыми Анна подолгу работает, доводя до совершенства, напоминают отдельные волшебные миры, полные тайных символов и знаков. «Мои картины – это чаще всего отображения того, что я будто бы когда-то и где-то видела. Это мои сны, которые иногда реальнее реальности. Почти все картины автопортретны, но не в смысле внешней похожести, – они созвучны моим сегодняшним мыслям» – поясняет художница.

В настоящее время Анна Березовская – член Союза Художников России, а её работы находятся в частных собраниях коллекционеров из России, США, Европы и Азии, а также регулярно экспонируются на групповых и персональных выставках по всему миру.

Фигуративное искусство и фигуративизм — антиподы абстракционизма и концептуализма

Фигуративное искусство — это направление изобразительного искусства, в произведениях которого всегда наглядно присутствуют реальные объекты. Фигуративизм — это лишь один из стилей фигуративного искусства, эти определения не являются синонимами. В фигуративизме основным объектом изображения выступают фигуры людей или животных.

Фигуративное искусство по своей сути является противоположностью абстрактного, отрицающего необходимость изображения реалистичных вещей в работах художника. Напротив, фигуративисты стремятся в своих произведениях с максимальной достоверностью отразить окружающие их объекты.

Разновидности фигуративного искусства

Фигуративное искусство основано на реально существующем мире, а не на глубоко скрытых в подсознании иллюзиях автора. Сторонники этого направления убеждены, что художник должен создавать репрезентативные, то есть узнаваемые образы в своих произведениях.

Объектами для творчества могут быть самые разные одушевленные и неодушевленные предметы: люди, дома, животные, автомобили, растения. Но для реализации своих идей автор вправе использовать все доступные средства:

  • широкую цветовую палитру;
  • причудливые и оригинальные формы предметов;
  • сочетание контрастов, роль света и тени;
  • перспективу и объем.

Поэтому к фигуративному искусству можно отнести произведения многих жанров:

Аналогичным образом фигуративное искусство объединяет множество разнообразных стилей, в которых главным объектом изображения является реальный мир, в том числе:

Кроме того, фигуративное искусство всегда направлено на эмоциональное восприятие зрителя посредством репрезентации узнаваемых форм предметов и объектов. Этим оно кардинально отличается от концептуализма, сторонники которого видят своей главной целью передачу идеи, а форма творческого выражения для них не важна.

История фигуративного искусства

Исторические корни фигуративного искусства можно обнаружить в древнейшие времена. Даже первобытные люди в своих наскальных рисунках очень часто стремились точно изобразить окружающий мир.

Но художникам всегда было присуще желание несколько исказить, а точнее — приукрасить реальность. Мастера античной эпохи сознательно идеализировали черты человеческой фигуры в своих произведениях. В Византийской империи основным видом изобразительного искусства стала иконопись, в которой пропорции тел были отчетливо стилизованы, а символика цветов и предметов играла важную роль.

В эпоху Ренессанса художники видели свое предназначение в воспевании идеалов гуманизма и антропоцентризма. Поэтому величайшие мастера того времени создавали удивительные по красоте, но далеко не всегда реалистичные произведения. Эта тенденция продолжилась и в другие исторические эпохи, вплоть до появления импрессионизма.

Черты фигуративного искусства, несмотря на появление новых стилей и жанров, всегда оставались различимыми в картинах и скульптурах художников. Но на рубеже XIX-XX веков в мировой культуре появился революционный авангардизм. Многие художники начали решительно отказываться от тысячелетних академических традиций, в том числе и от фигуративизма. Возникла и быстро начала обретать популярность абстрактная живопись, которая постепенно заняла лидирующие позиции в современной мировой культуре.

В наступившем XXI веке соотношение количества приверженцев абстрактного и фигуративного искусства постоянно меняется. Часть художников активно выступает за возвращение старых традиций в живописи и скульптуре, а их оппоненты усердно отстаивают противоположную точку зрения. Кто победит в этой борьбе — не решаются сказать даже профессионалы в сфере искусства.

Портал Very Important Lot предоставляет всем желающим уникальную возможность принять участие в арт-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины у современных художников по доступной цене.

Смесь фигуративной живописи и абстракции. Kimberly Brooks

Лондонская школа живописи : Рональд Брукс Китай. Часть 1

Рональд Брукс Kitaj (далее РБ Kitaj) известен как инициатор и куратор первой выставки художников Лондонской школы живописи: в 1976 году он решил организовать выставку с необычным названием «Человеческая глина».

В ней приняли участие художники — приверженцы фигуративной живописи в противовес существующему тогда засилью абстракционизма. В их числе были Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд, Франк Ауэрбах, Леон Коссофф, Дэвид Хокни и, конечно, сам РБ Kitaj. Были представлены и другие художники, но именно с этими именами ассоциируется сегодня Лондонская школа живописи, под чьим названием она и вошла в историю искусства.

РБ Kitaj очень необычный художник. Его включают в число представителей поп-арта, но интересен он тем, что сумел соединить литературную основу с визуальной, расширив их трактовку и интеллектуально обогатив живопись. Страстный коллекционер книг, он находил свои темы в истории и литературе, в творчестве великих художников, чьи портреты появлялись в его картинах, и в жизни великих писателей, а также философов и политических деятелей.

Так наиболее характерная для него картина «Осень в Париже» показывает в центре сюжета – Вальтера Беньямина, который являлся его кумиром, а здесь – одновременно дирижером и жертвой всеобщего безумия.

Р.Б.Китай. Осень в Париже (В.Беньямин — в очках в центре картины)

Вальтер Беньямин тоже был страстным коллекционером книг и создавал сборники цитат, которые переписывал от руки. РБ Kitaj делает что-то подобное только не в тетрадях, а на холсте, создавая коллажи из фотографий, вырезок газет, фрагментов изображений разных фигур и лиц известных личностей, которые, собранные вместе в одной композиции, создавали контекст истории и времени.

Картины РБ Kitajа – это ребусы, загадки и одновременно провокации, которые сложны для восприятия и расшифровки, поскольку требуют знания того, что за лица изображены на картине, откуда они и почему собраны здесь.

К его выставкам делаются обширные справочники, расшифровывающие замысел художника, так же, как и сам художник предпосылал своим выставкам большие комментарии и интерпретации картин. Это было частью его художественного творчества, в котором он видел подражание талмудической традиции интерпретации библейских текстов.

Читать еще:  Фигуративные картины и портреты пастелью. Sophie Burbaloff

В искусстве РБ Kitajа очень сильны автобиографические черты, а также одержимость еврейской темой и темой существования диаспор. Это — тема Кафки, Фрейда, Беньямина и вообще человека, никуда не вписывающегося, живущего как неприкаянный Агасфер, обреченный на вечное блуждание в мире, где его никто не принимает. Почти в тех же словах о неприкаянности поэта писала Марина Цветаева:

Да, не выгорело:
За городом мы!

За городом! Понимаешь? За!
Вне! Перешед вал!
Жизнь – это место, где жить нельзя:
Ев – рейский квартал.

Так не достойнее ль во сто крат
Стать Вечным Жидом?
Ибо для каждого, кто не гад,
Ев – рейский погром —
Жизнь.
(Поэма Конца)

Р.Б.Китай. Убийство Розы Люксембург, 1960. На картине не показано само убийство, а только тот момент, когда тело бросают в Ландверский канал. Это был последний кайзеровский триумф и первый — нацистский. Вверху лица Германии, символизирующие социальный контекст убийства. Памятники говорят об исторической признательности Розе Люксембург, а газетный отрывок цитирует публикацию о ней. Это типичное историческое полотно Р.Б. Китая.

Художник-интеллектуал, для которого литературный и философский материал не менее значим, чем художественный, РБ Kitaj выделялся из числа других богатейшими знаниями в области истории, искусства, литературы, живописи, психоанализа, философии и культурологии.

Его тема — идентификация и самоопределение личности в современном мире. Сам художник считается одним из великих неприкаянных XX века, вечным странником и вечным Жидом. С середины семидесятых его ведущей темой становится опыт существования диаспор вообще и еврейской диаспоры, в частности. Диаспорист – любой, вынужденный жить в двух мирах сразу: в общепринятом и своем, потаенном.

Искусство для РБ Kitajа – не самоценность, а поле интеллектуального исследования самых сложных философских вопросов истории двадцатого века. Так, исследуя тему возникновения фашизма и Холокоста, он пишет странную, на первый взгляд, картину «Подъем фашизма» (1975-1979), в которой дает свой ответ на этот вопрос.

Р.Б.Китай. Подъем фашизма. 1975-1979

Художник передает мрачную атмосферу нарастающего фашизма в Европе, подчеркивая его ужас красками: темно-синее море, черная кошка на переднем плане, пока едва заметный черный бомбардировщик слева на горизонте, купальщик в черном в центре группы фигур и черное небо на заднем плане справа.

Центральная фигура группы купальщиков – фигура фашиста в черном купальнике и с черным шлемом на голове. Слева – прекрасная и похотливая женщина – жертва фашизма. Фигура купальщицы справа – это Европа, с интересом наблюдающая за тем, что будет дальше. Ее тело покрыто кроваво-красными пятнами, но она как бы и ни причем. Бомбардировщик, показавшийся слева, пересекает Ла-Манш и вскоре с этой идиллией будет покончено.

Фашизм у РБ Kitajа – это не только черная краска, но еще и олицетворение природной похоти и зова крови обнаженной природы, сбросившей с себя культурные одежды. Нацизм – это превосходство одной крови одного народа над кровью другого народа, что неминуемо ведет к смерти, в тона которой окрашено полотно. Картина актуальна и для сегодняшнего зрителя, который ищет ответы на тот же вопрос: откуда, из чего вырастает фашизм — из любопытства равнодушных или из природы человека?

Картина создавалась в течение нескольких лет. Сначала появились три картины с разными женщинами на отдельных листах. Потом они соединились в голове художника. Началась работа по созданию единой композиции путем склеивания фигур в разных вариантах их расположения.

Р.Б.Китай. Еврейский читатель, 1984-1985. Картина показывает еврея, странствующего в вагоне поезда. За окном виден крест как символ христианства и труба, как символ страданий еврейского народа. Это символы современного диаспориста и инакомыслящего, для которых состояние бытия на дороге является интеллектуально и эмоционально необходимым

В технике написания картины художник вдохновлялся «Танцовщицами» Дега, выполненными пастелью, и «Купальщиками» Сезанна. Дымчатая пастель стала одним из любимых приемов РБ Kitajа с тех пор, как он увидел в 1975 году картины Дега в Париже, а свой дом в Лос-Анжелесе, куда он периодически возвращался и там же закончил свой жизненный путь, художник сравнивал с домом Сезанна в Эксе-ан-Провансе.

Родился Рональд Брукс Kitaj 29 октября 1932 года в Кливленде штата Огайо. Мать, Жанна Брукс, была урожденной американкой, но из семьи русских евреев-иммигрантов. Отец – Зигмунд Бенуей — тоже из числа еврейских беженцев, но вскоре он бросил семью.

Мать вновь вышла замуж — за венгерского еврея Вальтера Kitaj, бежавшего от нацистов из Вены в 1938 году. Мальчику было тогда девять лет, он взял фамилию отчима. Родители будущего художника не были практикующими иудаистами, мальчик рос в либеральной атеистической атмосфере.

В семнадцать лет, после окончания школы, Рональд Брукс Kitaj пять лет посменно работает на торговом флоте в качестве моряка. Но параллельно начинает учиться рисованию и искусствоведению в Нью-Йорке, потом в Вене и Париже. В двадцать один год женится и играет протестантскую свадьбу. Брак длился двенадцать лет. В браке родился сын Лем, но через пятнадцать лет жена покончит жизнь самоубийством.

В год свадьбы Рональд Брукс Kitaj едет в Испанию изучать историю испанской инквизиции, еврейской диаспоры и каталонского искусства. В 24 года поступает на службу в армию, а после службы продолжает учебу в школе рисования в Оксфорде, посещает лекции по искусствоведению и оканчивает Королевский колледж искусств в Лондоне. Здесь начинается его дружба с Дэвидом Хокни, которая продолжается всю жизнь.

Р.Б.Китай. Еврейская свадьба. 1983-1993. На картине изображена еврейская свадьба в синагоге самого Рональда Китая. Супружеская пара чуть справа в свадебных национальных нарядах. В центре — сын от первого брака и приемная дочь (в белом). Справа друзья художника Дэвид Хокни и Леон Коссофф. Слева за приемной дочерью — художник Ауэрбах, а еще левее — художник Люсьен Фрейд. За ним — раввин в черной шляпе. Внизу — голова еще не родившегося сына Макса. Всего десять человек, необходимых для еврейской свадьбы

В тридцать один год у художника состоится персональная выставка в Лондоне, через два – в Нью-Йорке. В Лос-Анджелесе начинается преподавательская деятельность Рональда Kitajа. Здесь он знакомится со своей второй женой – художницей Сандрой Фишер. Их свадьба состоится через двенадцать лет, когда художнику исполнится пятьдесят и уже в синагоге со всеми полагающимися еврейскими обычаями. Через год у них родится сын Макс.

В 1976 году (в 44 года) Рональд Брукс Kitaj организует ту, самую известную, выставку, положившую начало Лондонской школы живописи. У художника начинается период осмысления еврейской традиции, еврейской диаспоры, еврейской живописи. А в 56 лет появляется первый манифест диаспористов. Весь последующий период художника так или иначе связан с темой еврейской диаспоры и еврейской традиции.

В 1994 году состоится ретроспективная выставка художника, который недавно отметил свой шестидесятилетний юбилей. Выставка стала одновременно и поражением, и триумфом художника, высшей точкой его жизненной карьеры и самой большой жизненной трагедией, от которой Рональд Брукс Kitaj не смог оправиться и через тринадцать лет покончит жизнь самоубийством.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector