Сочетание живописи и рисунка. Американский художник. Gregg DeGroat

Сочетание живописи и рисунка. Американский художник. Gregg DeGroat

Магические и женственные картины Джорджии О’Кифф

Про американскую художницу Джорджию О’Кифф я узнала в 7 классе из учебника английского языка. Больше всего мне запомнилось, что она рисовала черепа животных. Я еще долго приставала к учительнице, выспрашивала, как это черепа повесить на стену, ну покажите мне эти черепа. Но дело было давно, всезнающего интернета тогда не было, количество книг в нашем небольшом городе было ограничено, а авторы учебника английского языка, повествуя о художнице, поместили только портрет самой художницы.

И вот, много лет спустя дошли руки до великой «рисовательницы черепов» из детсва. Оказалось, что на самом деле, она прославилась картинами с изображением цветов и растений, а те самые костяные головы рисовала в определенный период жизни.

Считается, что художница не придерживалась какого-то определенного стиля, ее работы на границе двух течений — магического реализма и прецизионизма, на грани предметного и беспредметного. Четкие, как чертеж, с острыми ракурсами, свойственными фотоискусству, виды сочетаются с ирреальными образами сновидений и грез. Изысканные и яркие работы обладают ритмической гармонией, символическим языком и упрощенными, близкими к кубистским, формами. Увеличенные образы цветов и растительных изображений, вполне натуральных по изображению, но по настрою и восприятию, космические, не реальные, сильные, сексуальные, магические…

Джорджия О’Kифф родилась 15 ноября 1887 года на ферме «Солнечная прерия» в штате Висконсин. Она была вторым ребенком в многодетной семье венгерки и ирландца. Первые уроки рисования она получила дома, и в дальнейшем все признавали ее способности. В 1905 году она окончила среднюю школу и решила стать художником.

Искусство О’Kифф изучала сначала в Художественном Институте Чикаго (1905–1906), а затем в Лиге студентов гуманитариев в Нью-Йорке (1907–1908), где она осваивала принципы реалистического искусства.

В 1908, она выиграла премию Уильяма Мерритта за лучший натюрморт. В 1912 О’Kифф поступила на летние курсы преподавателей искусств в Университете Шарлоттсвилля, штат Вирджиния, к художнику Эйлону Бементу , который познакомил ее с революционными идеями своего коллеги Артура Уэсли Доу.

В 1914-1915 О’Kифф опять в Нью-Йорке, здесь она занимается на курсах в педагогическом колледже. В конце 1915 она уже преподавала искусство в Колумбийском колледже, штат Южная Каролина. В попытке найти свой язык, с помощью которого она могла бы выразить свои чувства и идеи, она создала ряд абстрактных рисунков древесным углем, которые теперь признаны как наиболее инновационные во всем американском искусстве.

Она отправила некоторые из них бывшему однокашнику, который 1 января 1916 года показал их всемирно известному фотографу и художественному импресарио, Альфреду Штиглицу (Стиглицу). Он был пионером в области фотографии в Америке, и страстным пропагандистом современного искусства. Это он познакомил американцев с творчеством Сезанна, Матисса и Пикассо Штиглиц убеждал О’Kифф возвратился к Нью-Йорк. Не спросив автора, он показал 10 ее работ в известной авангардистской галерее. А весной 1918 года он предложил Джорджии финансовую поддержку, чтобы она могла год работать в Нью-Йорке, и она приняла его предложение.


Вскоре после ее прибытия, у нее со Штиглицем, который был уже женат, начался роман, который продолжался до самой его смерти в 1946 году.

В 1924 году Штиглиц и О’Kифф поженились. С 1918 по 1934 годы Штиглиц был увлечен фотографированием Джорджии, за это время он сделал 300 ее фотографий, и на большинстве из них она запечатлена в весьма эротических позах.

В середине 30-х годов их союз пережил глубокий кризис. Штиглиц увлекся молоденькой интеллектуалкой Дороти Норман. Хотя он говорил, что это только дружба, никто в это не верил. В особенности Джорджия.

Оскорбленная супруга уехала на ранчо к друзьям в Нью-Мексико, сошлась с другом Штиглица фотографом Анселем Адамсом, и навсегда влюбилась в пустынные плоскогорья.

Впрочем, говорят, что союз Штиглица и О’Kифф был вообще странным, что они не столько любили друг друга, сколько совращали другие пары, при этом Альфред нередко отдавал предпочтение мужчинам, а Джорджия – женщинам.

В то же время Штиглиц с энтузиазмом занимался продвижением работ своей подруги, организуя ежегодные выставки ее работ в лучших американских галереях.


Альфред Штиглиц Джорджия О’Киф «Руки», 1919 год. Была продана за $ 1470000 в 2006 году.

Спустя три года после смерти Штиглица, О’Кифф переехала из Нью-Йорка к своему любовнику — тридцатилетнему керамисту Хуану Гамильтону в Нью-Мексико. Хуан до конца ее дней выполнял обязанности секретаря и ассистента. Она жила в глуши, то в своем доме на «Ранчо призрака», который она купила в 1940 году, то в доме, купленном в 1945 году, и продолжала писать маслом до середины 1970-х, когда потеря зрения вынудила ее оставить живопись. Она продолжала работать в графике до 1982 года, она также создала несколько гончарных работ. Умерла она в 1986 году в возрасте 98 лет. Ее тело было кремировано, и Хуан рассеял прах с вершины горы.

Художница была странным человеком. Она, например, была чрезвычайно скупа, и никогда не выбрасывала даже пластиковые пакета, сама пекла хлеб твердый и невкусный, и хотя имела два Мерседеса, никогда на них не ездила из экономии. В жаркие дни она ходила босой с мокрым полотенцем, обмотанным вокруг головы.

Читать еще:  Фото-реалистичные картины. Comert Dogru

Она коллекционировала камни и раковины, когда однажды она увидела у знакомых интересный камень, она его не долго думая, украла. Она отказала во встрече Пабло Пикассо, заявив: «Не люблю его картины, они не настоящие». Она не охотно расставалась со своими работами, и долго колебалась, прежде чем что-либо продать. Она обожала путешествия, в особенности по диким местам.

А, напоследок, любимая фразочка О’Кифф: «В отличие от большинства людей, я всегда знала, чего хочу». 😉

Австралийский художник Грэм Геркен (Graham Gercken)

Автор — Alexandra-Victoria. Это цитата этого сообщения
Австралийский художник Грэм Геркен (Graham Gercken) | И Осень тихою вдовой Вступает в пестрый терем свой. (Иван Бунин)

Лес, точно терем расписной,
Лиловый, золотой, багряный,
Веселой, пестрою стеной
Стоит над светлою поляной.
Березы желтою резьбой
Блестят в лазури голубой,
Как вышки, елочки темнеют,
А между кленами синеют
То там, то здесь в листве сквозной
Просветы в небо, что оконца.
Лес пахнет дубом и сосной,
За лето высох он от солнца,
И Осень тихою вдовой
Вступает в пестрый терем свой.
(Иван Бунин)

Осень. Сказочный чертог,
Всем открытый для обзора.
Просеки лесных дорог,
Заглядевшихся в озера.

Как на выставке картин:
Залы, залы, залы, залы
Вязов, ясеней, осин
В позолоте небывалой.

Липы обруч золотой —
Как венец на новобрачной.
Лик березы — под фатой
Подвенечной и прозрачной.

Погребенная земля
Под листвой в канавах, ямах.
В желтых кленах флигеля,
Словно в золоченых рамах.

Где деревья в сентябре
На заре стоят попарно,
И закат на их коре
Оставляет след янтарный.

Где нельзя ступить в овраг,
Чтоб не стало всем известно:
Так бушует, что ни шаг,
Под ногами лист древесный.

Где звучит в конце аллей
Эхо у крутого спуска
И зари вишневый клей
Застывает в виде сгустка.

Осень. Древний уголок
Старых книг, одежд, оружья,
Где сокровищ каталог
Перелистывает стужа.

Когда сквозная паутина
Разносит нити ясных дней
И под окном у селянина
Далекий благовест слышней,

Мы не грустим, пугаясь снова
Дыханья близкого зимы,
А голос лета прожитого
Яснее понимаем мы.
(Афанасий Фет)

Австралийский художник Грэм Геркен рисует яркие и впечатляющие пейзажи, отражающие все красоты родной земли.
Их автор, прежде чем взяться за кисть, много и долго путешествовал по миру, и, переполненный впечатлениями, выбрал наилучшее. Безусловно, самой красивой ему показалась родина и близкой к ней по шкале совершенства изъезженная вдоль и поперек земля Соединенных Штатов.
Художник обладает фантастической памятью: путешествуя, он не делал фотографий, а большинство работ созданы в студии, совсем не на пленэре. Настолько яркими зафиксировались в воспоминаниях краски кудесницы осени.
С натуры, к примеру, Грэм Геркен рисовал Голубые горы, расположенные к западу от Сиднея, и причисленные сегодня к Мировому наследию. Собственно, его профессиональная карьера когда то началась с продажи картин туристам, которые поднимаются к легендарным австралийским вершинам каждый день. Его работы чудесно продавались, и в таком жизненном ритме он провел десять лет, рисуя свои пейзажи в пункте Эха.
Основу выбранного автором стиля составляют картины, написанные маслом, крупные, влажные мазки напоминают технику импрессионистов. Поразителен тот факт, что Грэм не является профессиональным художником, а говоря простыми словами «самоучка», но, как видно из его работ, весьма талантливый.
В начале века художник начал свои путешествия по планете с того, что отправился в Китай, где поселился на четыре года. Он не провел их напрасно — познакомился с знаменитыми китайскими мастерами живописи, и они показали ему технику живописи тушью.
Сегодня Геркен, несмотря на китайскую школу, предпочитает рисовать классическим маслом на обыкновенном холсте. Его картины очень близки к классике импрессионизма, но Голубые горы именно так и выглядят осенью. Это знают те, кто их видел вживую.
После 25 лет профессиональной живописи он получил множество наград, в том числе и первые места. Его картины представлены в самых престижных галереях искусств в Австралии, также его работы находятся в частных коллекциях по всему миру.

Техника гризайль в живописи

Гризайль переводится с французского как серый. Это описывает технику гризайля, так как сама техника представляет собой процесс создания картины с помощью использования одного цвета разных тонов. Ранее были популярными серые, коричневые или черные гризайли. Но сейчас в работе можно использовать любой оттенок, который Вам больше всего нравится.

История техники гризайль

Активное использования данной техники началось во времена Средневековья. Чаще всего гризайль использовался как обманка. Можно часто встретить упоминания о том, как с помощью данной техники имитировали камень в интерьере. Но особенным искусством было изображение гипсовых фигур — имитация барельефа. Особенно искусные мастера создавали такие шедевры, которые невозможно было отличить от объемного творчения.

В дальнейшем гризайль перекочевал и в станковую живопись, правда чаще всего применялся для создания эскизов. Но даже эти эскизы уже выглядели как законченные картины, с проработанными деталями и выверенной свето-теневой раскладкой.

Читать еще:  Страсть к живописи. Fulvio De Marinis

В дальнейшем гризайль стали использовать и в популярным до нашего времени формате — как первый этап при создании живописных работ. После создания композиционного рисунка, художник выбирал основной цвет для картины и передавал рельефы, объемы, основные тени, белилами подчеркивались самые светлые участки.

Искусство в технике гризайль

Самыми большими мастерами гризайля стали французские художники, данная техника им особо полюбилась и стала очень популярной среди них. Они использовали гризайль в своей подготовительной работе к рисункам, миниатюрам, а также в живописи.

Известными мастерами гризайля стали такие художники как Андре Бове, Ян ван Эйк, Босх и Брейгель превратили данную технику в отдельный вид творчества.

Техника гризайль в живописи

Основной отличительной чертой работы в стиле гризайль является ее одноцветность. Традиция говорит нам использовать серое и белое или коричневое и белое сочетание цветов, но современный подход к искусству позволяет использовать любые цвета, которые важны для картины, и если это обусловлено необходимостью. Писать картины в стиле гризайль можно любыми материалами — можно использовать масло, темперу, акрил, гуашьЮ акварель и даже сепию.

Для того, чтобы понимать принцип работы в технике гризайль, мы советуем начать с простых предметов — ваза, яблоко, стакан. Последовательность работы следующая:

  1. Выполните карандашный рисунок, постройте свой предмет правильно.
  2. Нанесите слой краски на все темные участки, освещенные участки и белые пятна краской не покрываем.
  3. В зависимости от материала, дождаться полного высыхания первого слоя.
  4. Подчеркнуть полутона и углубить самые темные участки.
  5. После высыхания второго слоя, белилами подчеркиваем самые светлые участки предмета.

Для учеников гризайль — очень важная техника, она позволяет изучить тон, научится понимать градацию тона одного оттенка. Раскрывает диапазон стандартных цветов, что позволяет делать работы более живописными. И если Вам кажется такая работа сложной или даже невозможной, то наши преподаватели помогут Вам разрушить это убеждение.

Студия И. Галереи интерьерной живописи

Грэм Геркен (р.1960)-современный австралийский художник.
Грэм Геркен (Graham Gercken) родился в Саутпорте, в 1960 году, но провел большую часть своей жизни на западе Голубых Гор в Сиднее.

Грэм не имеет специального художественного образования, он самоучка. Знания получает от общения со многими профессиональными художниками, и конечно же на саморазвитии.Для этого, он в течение нескольких лет путешествовал по Австралии, Азии, Европе и Америке.

Как художник он, в качестве своей основной среды, выбрал масляную краску, с помощью которой создает свои осенние пейзажи в стиле, свойственном художникам импрессионистам. В 1984 году Грэм присоединился к ассоциации художников «список всемирного наследия» Голубых гор.

Его профессиональная карьера начиналась с продажи картин в туристических автобусах, курсирующих к скалам «Три сестры». Его работы были хорошо приняты публикой и следующие 10 лет он провел, рисуя пейзажи в живописном месте Echo point.

С 1998 года Грэм жил и работал как художник в резиденции Данмучин, Виктория, на родине известного австралийского художника Клифтона Пью. В 2003 году он уехал в Китай, где прожил 4 года, изучая методы живописи известных и не очень, китайских художников, которые познакомили его с секретами живописи тушью и рисуя местные пейзажи.
Австралийский художник рисует яркие и очаровательные картины, показывающие все красоты зеленого континента и немного Северной Америки. Интересен тот факт, что большинство работ сделаны автором в студии, а не на пленэрах.
Природа Австралии и Северной Америки довольно разнообразна и зто позволяет Грэму Геркену (Graham Gercken) постоянно экспериментировать и находить новое для своих будущих картин.
За 25 лет профессиональной живописи он получил множество наград и занял большое количество первых мест на различных конкурсах, его картины есть в самых престижных художественных галереях Австралии, в южнокорейском консульстве, а также во многих частных коллекциях по всему миру.

По материалам: https://cameralabs.org/11587-avstralijskij-khudozhnik-pishet-upoitelnye-pejzazhi-lyubimogo-kontinenta

Эти произведения могут быть защищены авторским правом. Они размещены на сайте в соответствии с принципом «добросовестного использования» (fair use).

Произведения искусства, защищенные авторским правом, размещены на сайте исключительно для просмотра с информационно-образовательной целью. Изображения таких произведений запрещается копировать, печатать и воспроизводить в каком-либо виде, поскольку эти действия могут быть расценены как нарушение авторских прав.

В случае заказа где-либо копии картины, стоимость работы определяется после согласования с правообладателем и ТОЛЬКО в случае получения разрешения на написание данной копии у правообладателя.

18+ © 2013—2020. Студия-И. Копирование материалов только с разрешения правообладателя.

Произведения искусства, защищенные авторским правом, размещены на сайте исключительно для просмотра. Изображения таких произведений запрещается копировать, печатать и воспроизводить в каком-либо виде, поскольку эти действия могут быть расценены как нарушение авторских прав.

«Студия-И» разрешает неограниченное копирование и распространение изображений исключительно тех произведений искусства, которые относятся к общественному достоянию.

Политика конфиденциальности — в соответствии с действующим законодательством.

Картины Уильяма Хогарта с описаниями и названиями

Хогарт, Уильям (1697–1764) – выдающийся английский гравер, живописец и теоретик искусства. Картины Уильяма Хогарта, выполненные в живом реалистическом стиле, раскрывали пороки современного ему общества. Это циклы картин «Жизнь распутника», «Модный брак», «Счастливая свадьба», «Выборы». Кроме того, он написал много жанровых сцен, а также портретов. Ниже будет даны и другие картины с названиями Уильяма Хогарта. Для начала мы представим самого художника в расцвете творчества.

Читать еще:  Стоп-кадры прибрежной жизни. Lorraine Lebrun

«Автопортрет с собакой» (1745 год). Галерея Тейт, Лондон

Кроме этой картины Уильяма Хогарта с его любимым мопсом известен также автопортрет за мольбертом в парике. Но мы остановимся именно на полотне с собакой Трампом, поскольку художник собрал в нём всё, что ему дорого и мило. Во-первых, любимый пёс, который был верным другом живописца. Во-вторых, три томика любимых книг, авторами которых были Мильтон, Шекспир и Свифт. Из произведений этих гениев черпал идеи своих картин Уильям Хогарт. Описание портрета, которое мы начали, будет продолжено ниже. Художник был очень дружен со Свифтом, который поддерживал стремление живописца сокрушить пороки общества сатирой. Художник, который считал, что в это время ему не было равных в Англии, к своему портрету подошёл с иронией. Он не возвеличивает себя, а изображает в домашней одежде: без парика, с теплой шапкой и в домашнем халате. Его лицо абсолютно спокойно. Этот волевой человек с довольно тяжеловесными чертами лица добился всего в жизни сам и законно гордится этим. Перед ним на переднем плане расположена палитра с волнистой линией, которую он назвал линией красоты. Глаза художника внимательно и открыто смотрят на зрителя. Он вглядывается в нас, изучая своих персонажей. Композиция его очень необычна: картина в картине. Стиль этого автопортрета – натюрморт с элементами барокко, так как он заключен в овал, который широко использовался до конца XVII века.

Творчество

Шесть картин и гравюр (не сохранились все картины, часть осталась только в гравюрах) составляют цикл о жизни девушки из провинции, которая в столице стала особой лёгкого поведения. Они были исполнены в 1730–1731 годах («Карьера продажной женщины»). Гравюры стали популярными. Они продавались почти в каждой книжной лавке. Основатель английской школы живописи был прославлен циклами своих картин, которые мы уже упоминали, а также портретами, впечатляющими сатирой на церковь, – «Уснувшая паства» (1728–1729 годы), на творческих людей – «Замученный поэт», и судей – «Донос» (1729 год) и «Суд» (1758 год). На последней картине просто страшно смотреть на лицо судьи, которое напоминает морду бульдога.

«Девушка с креветками» (примерно 1760-е годы)

Невозможно пройти мимо этого холста, излучающего радость жизни. Изнутри этого портрета идёт свет. Здесь, как и в «Портретах слуг», живописец перестаёт быть сатириком. Он полон восхищения перед юной девушкой, которая, как корону, несёт на голове блюдо с креветками. Изображенная вполуоборот модель освещена солнечными лучами. Работа написана динамичными мощными мазками. В ней нет тонких цветовых переходов. Сложный колорит, который совмещает золотистые, коричневатые и розоватые тона, разложен на простые составляющие. Поэтому появляется впечатление, что картина рождается сама собой на глазах у зрителя. Это моментальное впечатление художника – рывок через столетия к импрессионизму. В этой работе проявилась любовь к простому человеку из народа. Образ продавщицы чрезвычайно обаятелен. Это – одна из самых известных картин художника, в которой он демонстрирует всем естественную основу человека, живущего без маски.

Портреты мастера

Как мужские, так и женские и детские портреты Хогарт почти никогда не писал по заказу. Его героями становятся близкие ему по духу люди. Это либо его родные, либо друзья. Поэтому они окрашены уважением и симпатией к моделям. В них мы не найдем изнеженности и жеманности рококо. Напротив, нам открывается цельность натуры изображенного человека. Также Хогарт показывает их земную полнокровность.

История создания сатирической серии

В 1743–1745 годах Хогарт написал цикл из шести картин. Они высмеивали высшее общество. Сын обедневшего аристократа решил жениться на дочери богатого буржуа и поправить своё материальное положение. Картины Хогарта «Модный брак» – это пародия на high society, которое, забыв о чести и достоинстве, из стремления к материальным благам стремилось приблизиться к ним любым путем, даже неравным браком. Каждая картина Уильяма Хогарта «Модный брак» тщательно и последовательно прослеживает его эволюцию вплоть до смерти всех главных героев. Им супружество не принесло не только счастья, но и разрушило надежды на нормальную человеческую жизнь.

Уильям Хогарт, «Модный брак»: описание картины

  • Начало серии – подписание брачного контракта, в котором заинтересованы только родители будущих супругов. Молодые даже не смотрят друг на друга. Жених рассматривает себя в зеркале, невеста заигрывает с адвокатом.
  • Картина вторая. Это позднее утро супругов, скорее день. Муж провел ночь не дома, а жена – за картами. Они сидят рядом, за одним столом, но не обращают внимания ни на себя, ни на свою половину.

Вот как Хогарт рассказал о нравах современного ему общества.

Подводя итоги, еще раз подчеркнем, что живописец был новатором, который в духе Просвещения показывал изъяны и теневые стороны социума.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector