Современная австралийская художница. Megan Roodenrys

Современная австралийская художница. Megan Roodenrys

Арт-рекордсменки: 8 самых дорогих современных художниц

Яёи Кусама, $102 532 176 за аукционный 2018 год ​

Девяностолетняя японка Яёи Кусама (р. 1929) из аутсайдера мира искусства превратилась в самую коммерчески успешную художницу планеты. Во многом феноменальный успех ей обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, стали фоном для миллионов селфи во всем мире. Всю жизнь Кусама создает искусство, которое неуклонно сопротивляется категоризации. Как-то в интервью Кусама сказала, что мать выбросила все ее краски и рисунки, когда ей было 10, сказав, что Яёи должна начать готовиться к тому, чтобы стать домохозяйкой. Но Кусама была бы никем, если бы не была настойчивой. В 1948 году она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел. И была достаточно смелой, чтобы увлечься сюрреализмом. Сегодня ради того, чтобы создавать свое искусство, она покидает утром психиатрическую клинику и возращается туда после 12-часового рабочего дня. Она уверена: искусство сохраняет жизнь.

Сесили Браун, $32 480 908

Британская художница Сесили Браун (р. 1969), живущая в Нью-Йорке, известна своей свободной живописной манерой, в которой сочетаются абстрактное искусство и фигуративное, черты Виллема де Кунинга и Рубенса. Училась художница в Slade School of Fine Art. C 2014 года входит в Совет директоров Фонда современного искусства. Она называет свои работы фрагментарными, хаотичными, как и жизнь в Нью-Йорке. Часто в качестве основы для картин Сесили использует газетные фотографии и сюжеты новостей. «Для меня картина — это способ получить информацию о мире». В тематике полотен — ярко выраженный феминистский пафос, сексуальный подтекст и озабоченность состоянием современного мира, где женщине до сих пор указывают, что делать с ее собственным телом. Одна из последних сольных выставок состоялась недавно в Paula Cooper Gallery.

Дженни Савиль, $13 225 583

Дженни Савиль (р. 1970) — одна из самых дорогих ныне живущих художниц: ее автопортрет Propped 1992 года был продан на аукционе Sotheby’s за 12,4 млн долл. Училась Дженни в Школе изящных искусств Феликса Слейда. В конце последипломного образования Савиль ведущий британский коллекционер искусства Чарльз Саатчи купил ее картины и сделал заказ на следующие два года. Дженни Савиль относится к YBA — арт-группе «молодых британских художников», в которую входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Ее визитная карточка — масштабные полотна с изображением тучных обнаженных тел. Подчеркнутая физиологичность работ объясняется интересом к телесности и гендеру вообще:
в середине девяностых она наблюдала за пластическими операциями и впервые подняла тему нового ощущения тела. Сейчас она часто пишет портреты людей с измененным полом, маркируя революционные перемены в общественном сознании в этой области. Ее картины часто выбирают в качестве обложек известные рок-группы. Представляют Дженни Савиль Saatchi Gallery и Gagosian Gallery.

Бриджет Райли, $7 103 990

Британку Бриджет Райли (р. 1931) называют королевой оптических иллюзий. Самая яркая представительница оп-арта, она до сих пор весьма активна. Райли училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. Сначала она экспериментировала с иллюзорным движением черно-белых изображений (это ее и прославило), потом, после поездки
в Африку и Индию, увлеклась цветом — ее пестрые произведения в 60-х были настолько эффектны, что их без разрешения компании переносили
на ткань и платья (и что создало прецедент по защите авторских прав художников в Америке). На аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 млн. долл. Райли награждена орденом Британской империи, императорской премией Японии, премией Рубенса. Она создала несколько огромных стенных росписей для крупнейших лондонских музеев: галереи Тейт и Национальной галереи. Ее работы представляла нью-йоркская галерея David Zwirner.

Синди Шерман, $6 755 382

Американка Синди Шерман (р. 1954) регулярно входит в сотню самых влиятельных арт-персон мира. Ее работы в жанре постановочных фотографий известны по всему миру. Прославилась она благодаря ранним сериям Untitled Film Stills («Кадры из фильмов без названия») и History Portraits, где она перевоплощается то в героинь выдуманных фильмов, то в персонажей с картин старых мастеров. Для всех своих съемок Шерман исполняет все роли одновременно: модели, фотографа, стилиста и визажиста. У художницы редкий дар перевоплощения: по ее собственному признанию, она не может добиться подобного «вживания» в роль ни от кого из профессиональных актеров, знакомых или родственников. В 2011 году на аукционе одна из фотографий Untitled Film Stills была продана за 3,8 млн долл. Также Шерман работает как режиссер. Сейчас ее тематика от культа молодости, красоты и пародий на массовую культуру сместилась в сторону проблем, связанных с насилием, войной и клоунадой. В 2012 году прошла обширная ретроспектива Шерман в MoMA — на нескольких этажах было показано 170 работ различных периодов. Представлена в Gagosian Gallery и Skarstedt Gallery.

Элизабет Пейтон, $6 123 286 ​

Американская портретистка Элизабет Пейтон (р. 1965) прославилась в 90-е идеализированными портретами знаменитостей: бледные, с красными губами лица быстро стали узнаваемы. Самые известные ее портреты — Курта Кобейна и Джона Леннона: последний был продан в 2006 году за 800 000 долл. Она часто пишет членов английской королевской семьи: ее интересует, как живут люди, облеченные богатством, признанием и славой. Элизабет утверждает, что «в лицах лучше всего отражается время» и что «живопись может выразить то, что невозможно передать словами». Она ищет самые эмоциональные моменты, когда человек открыт или чем-то увлечен. Живопись Пейтон, тонко передающая взаимоотношения человека и времени, находится в коллекциях МоМА, Музея Гуггенхайма и в Центре Помпиду. Персональные выставки художницы прошли по всему миру, в том числе в лондонской галерее Whitechapel, голландском музее Bonnefanten. Представляет Пейтон Gladstone Gallery с офисами в Брюсселе и Нью-Йорке.

Кристин Аи, $3 989 020

Уроженку Индонезии Кристин Аи Тжой (p. 1973) называют одной из ведущих художниц Юго-Восточной Азии. Кристин получила образование художника-графика в технологическом институте Бандунга. Карьеру начинала как гравировщик в технике «сухая игла». Сейчас она работает с тканью, бумагой, живописными техниками, скульптурой и масштабными инсталляциями. Объединяет все произведения Тжой палитра. Годы работы с гравюрой сильно повлияли на выразительный язык Кристин: линией, которая остается ее главным средством, она передает весь спектр эмоций: боль, страх, желание. «Я работаю с любым материалом, словно это бумага и карандаш, — даже если вместо бумаги алюминий. Мои сильные, мягкие, тонкие или хрупкие линии будут громче и более живыми, если их поместить в пустую комнату». Последние выставки Кристин демонстрируют энергию, спонтанность, объем и переход на монохром. В 2018 году была организована ее первая персональная выставка в 21st Century Museum в Канадзаве (Япония). Представляет Кристин Аи Тжой лондонская галерея White Cube.

Нджидика Акуниили Кросби, $3 868 973

Нджидика Акуниили Кросби (р. 1983) — молодая талантливая художница из Нигерии, с 17 лет живущая в Калифорнии, куда она переехала учиться
в университете. Она виртуозно работает с культурными особенностями обеих стран (Нигерии и США), исследует различия поколений на примере собственной семьи. Нджидика увлечена способностью этносов мимикрировать, подражать другим образцам. Прически, украшения, мода, архитектура, автомобили — всё для нее источник вдохновения. Через изучение поп-культуры, которая является для нее лучшим маркером изменений в родной стране, она выстраивает сюжеты собственных картин. Художница дает своим полотнам названия популярных песен детства, ищет опору в коллективной памяти своего народа. Этот талантливый перевод культурных различий на язык искусства выглядит как калейдоскоп. Обилие деталей поражает: персонажи часто одеты в «портретные» ткани из коллажей. В 2018 году ее билборд открывал выставку в музее американского искусства Whitney. В этом году ее работы — в основном проекте Венецианской биеннале и на коллективной выставке африканского искусства «I am…» в Вашингтонском музее африканского искусства Smithsonian. В 2016-м журнал Time назвал ее «Женщина года». В 2017 году ее картина The Beautyful Ones была продана на лондонском аукционе Christie’s за рекордные 3 075 774 долл.

Читать еще:  Уфолизм. Александр Татарников

Аэлита Андре — самая юная художница в мире

Австралийская художница Аэлита Андре (Aelita Andre) заставила вздрогнуть профессиональный мир искусств. На ее счету две персональные выставки — в США и Италии, десятки ее картин разошлись по частным коллекциям, а ведь ей всего 4 года.

P. S. Обязательно досмотрите пост до конца, там вас ожидает любопытный конкурс!

1. Аэлита начала рисовать, когда ей было 9 месяцев.

2. Работа Аэлиты «Остров динозавров».

3. Художество Аэлиты ближе всего к абстрактному и сюрреалистичному направлениям.

4. Самая дорогая картина Аэлиты была продана за 30 000 долл., а общая стоимость проданных картин составляет почти миллион долларов.

5. Аэлита сама выбирает, когда и что ей рисовать. Может отвлечься, убежать играть, но потом обязательно вернется и закончит начатое.

7. Аэлита является членом Национальной ассоциации визуальных искусств Австралии.

8. С профессиональной точки зрения, некоторые картины Аэлиты так хороши, что отдельные критики высказывают сомнение в полном авторстве ребенка.

9. По словам родителей, их дочь просто одержима живописью.

10. Аэлита Андре — самый молодой художник в мире.

11. Этим летом прошла выставка Аэлиты в Agora Gallery в Нью-Йорке, а в сентябре — в Chianciano в Тоскане, Италия.

12. Аэлита любит играть на пианино, петь, есть шоколад и разговаривать на русском языке.

13. Однажды директор художественной галереи в Мельбурне увидел фотографии работ неизвестного художника и решил включить их в выставочную экспозицию. Уже когда были отпечатаны рекламные буклеты и даны анонсы в СМИ, директор с удивлением узнал, что этому художнику всего два года. Он был в шоке, но программу менять не стал.

А теперь внимание, КОНКУРС!

Конечно, Аэлите помогали ее родители, и вряд ли девочка в 9 месяцев сама решила, что хочет рисовать. Не все родители могут помочь своему ребенку заработать такие деньги уже в 2 годика, но в их силах сделать вклад в финансовое образование собственного ребенка. Как, кстати, вы объяснили бы ребенку, что такое банковский вклад?

Предложите в комментах свой вариант, как это сделать, и автор самого лучшего комментария получит от нас печатную версию книги «Дети и деньги» — самоучителя, с которым ваши дети смогут освоить финансовую грамоту, играя. Книга вышла в издательстве «Манн, Иванов и Фербер», и как все их книги, она яркая, красивая и нескучная, в ней можно писать и даже рисовать!

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Гиперреалистичные скульптуры Рона Мьюека

Вы уже наверное видели работы этого знаменитого уже и в интернете скульптора и художника. А я вот себе оставлю в коллекцию гиперреалистов и его работы, а вы может быть вспомните или посмотрите подробнее.

Австралийский и британский скульптор Рон Мью́ек создает невероятные гипернатуралистичные скульптуры с 1996 года. Пожалуй, единственное отличие героев Рона Мьюека от полной реальности — это их размеры. Работы мастера всегда намного меньше или, наоборот, гораздо больше настоящих людей.

В эти теплые парижские деньки на бульваре Распай окна воздушной конструкции из стекла и металла «Фонд Картье», утопающей в зелени и зеркалах, не только отражают проплывающие мимо облака и городской пейзаж, но и позволяют увидеть странную картину. Престарелая пара (Couple Under an umbrella, 2013), удобно расположившаяся под пляжным зонтиком, открывает пространство экспозиции австралийского скульптора Рона Мьюека (Ron Mueck, р. 1958). Мужчина лежит на спине, разместив голову на коленях женщины и обхватив ее за предплечье. Он – в прозаических плавках, она – в закрытом синем купальнике. В ее опущенной к его лицу голове сквозит интенсивная нежность. Казалось бы, что может быть банальнее этой уже немолодой пары, подставляющей свои тела лучам солнца на каком-нибудь пляже, людей, немного уставшихе друг от друга за долгие годы совместной жизни, но сохранивших эту нежность, просвечивающую во взгляде и прикосновении? Сцена вырвана из контекста и создает смутное волнение из-за контраста с обстановкой. Пара расположилась не на пляже, а на холодном полу музея, вовсе не предназначенном для оголения.

Тревога появляется от странного противоречия: фигуры неправдоподобно огромны, но до каждой морщинки и волосинки правдоподобно человечны. Неприятный привкус усиливается : кто-то блефует?

Сын изготовителя деревянных игрушек и мастерицы тряпичных кукол, бывший кукольный мастер для телевидения и фильмов, британский скульптор австралийского происхождения Рон Мьюек, как видно, начал играть в куклы уже давно. С 16 апреля по 29 сентября 2013 парижский «Фонд Современного Искусства Картье» принимает у себя его волнующие поразительные работы. Долгожданное возвращение в Европу после успеха выставки 2005 года – событие в мире искусства и очень редкая возможность увидеть его секретный труд. Выставляющийся по всему миру в музеях Японии, Австралии, Новой Зеландии и Мексики, Мьюек не дает интервью. О его творчестве можно услышать от соратников и искусствоведов, но никогда — из уст самого создателя. В Париж Мьюек привез самую полную и актуальную выставку своих работ: 9 последних скульптур, 3 из которых являются мировой премьерой.

Ранние произведения Рона Мьюека были созданы из стекловолокна, но в последнее время он начал работать с силиконом, который более пластичен и позволяет легче формировать части тела и добавлять волосы.

Интимный процесс рождения скульптур отображен в новом фильме Готье Деблонда (Gautier Deblonde), выпущенного по случаю (ссылка «Still Life: Ron Mueck at work »). Пленка запечатлила одновременно мощное и хрупкое искусство, чувствительное и многозначное. По словам режиссера, время – соратник Мьюека. За навязчиво повторяющимися жестами скульптора угадываются одержимость, перфекционизм и дисциплина, а также экстремальная клеточная чувствительность к формам и материалам. Документальный фильм переносит нас за кулисы кукольника в ателье на севере Лондона, во время подготовки артиста к выставке. Безмолвный, как и его скульптуры, Мьюек говорит пальцами скульптора, ему не нужны слова. Карандашные наброски, маленькие скульптурные макеты из воска или глины, формовка морщин, текстуры, слои лака, каучука, пластика, силиконовая кожа, покраска радужной оболочки, волосы, аксессуары – недели и месяцы монашеского повиновения своему созданию перед рождением персонажа.

У Мьюека много плоти: точность жестов и нюансы кожи, ее угадываемая эластичность… Вены, морщины, волоски, покраснения – проработка до безумного ощущения подлинности, даже большей, чем сама реальность. Персонажи, погруженные в свои мысли, кажутся одушевленными. Когнитивный диссонанс однако усиливается от неправдоподобных размеров скульптур, отдаляющих их от академического натурализма, гиперреализма и поп-арта. По словам режиссера фильма, размер скульптур выбирается Мьюеком интуитивно, регулируется внутренним чувством и вопросом необходимой дистанции. Так, скульптура «Мертвый отец» (Dead Dad, 1997), сделавшая Мьюека известным, на две трети меньше реального размера. Будучи в Лондоне, Мьюек не был на похоронах своего отца, скончавшегося в Австралии. Скульптор не делает фигуры в натуральную величину. Его отец – это Отец как архетип, а не портрет и точная копия.

Играя с масштабами, Мьюек расширяет границы правдоподобности и похожести. Фигуры, выполненные в увиличенном масштабе, создают эффект зума. Так, известно, что одну из скульптур Мьюека — огромного новорожденного (A Girl, 2006) — пришлось вытаскивать из окна ателье с помощью лебедки. Близость возведена до предела, зритель точно замечает себя за разглядыванием через замочную скважину или стекло лупы. Интимность выставлена напоказ. То, что обычно скрыто, у Мьюека обнажено и расстилается перед глазами в своей безразличной, хоть и иногда прикрытой наготе. Но это не только физическая обнаженность, но и психологическая, проникновение во внутренний мир персонажей. Кажется, что все их существование — как на ладони. Впечатление усиливается от ощущения собственной наготы перед этими гигантами и перед самим собой.

Несмотря на неприкрытость, от скульптур исходит некая духовность и даже гуманность. Под покровом обычных в своей ординарности и банальности сюжетов, вызывающих у зрителя сострадание и эффект узнавания, — сама эссенция жизни и смерти, любви и ненависти, страха, концентрированная и увеличенная во много раз. Невольно проецируя на себя, зритель испытывает непреодолимую эмпатию к персонажам. Проходя все этапы, через младенчество, юность, зрелость и старость, плоть у Мьюека молчалива, но это молчание многозначно. Артистический реализм перемещается в сферу психологии, философии и даже религии. Фигуры, даже вырванные из контекста, — прежде всего, личные вселенные, они дискурсивны. Без заданного сценария, принадлежащие сами себе, они вносят элемент повествования. Одежда, простыни, аксессуары, жесты питают воображение зрителя. Цель Мьюека – не удачный портрет, а взаимодействие тела и пространства. Зритель испытывает все нарастающее беспокойство, по мере продвижения, и странное состояние головокружения. Тело занимает пространство, одновременно тяжеловесно и эфемерно. Чем грузнее оно, тем отчетливее и горче привкус будущего отсутствия, потери, пустого места, когда-то заполненного существованием.

Мьюека вдохновляют картинки в прессе, комиксы, уличные фотографии, портреты, почтовые открытки, история искусств или старинные сказания и легенды. Так, воспоминания о первобытных историях о ведьмах и колдунах посещают нас перед выгнутым силуэтом «Женщины с палками» (Woman with Sticks, 2009). Выгнутая под ношей спина, ноги, прочно вросшие в опору, нежность розоватой кожи, соприкасающейся с текстурой грубого сухого дерева, царапины на коже от этого контакта, бесноватый взгляд… Беспокоящая правдоподобность скульптуры в уменьшенном формате погружает в мир одновременно возможный и аллегоричный. Как и «Женщина с палками», «Мужчина в лодке» (Man in Boat, 2002) также отсылает нас к пограничной реальности. Мужчина сидит в длинной барке. Сцена вполне реалистична, но она также не принадлежит этому миру. Сновидения, мечтания, сказки, ночные посетители скульптора? Маска II (Mask II, 2002) — большое спящее лицо, очень похожее на автопортрет — олицетворение такой пористости сознания, свободно пропускающего сон в реальность.

Напряжение между реальным миром и фантасмагорическим также присутствует в «Дрейфе» (Drift, 2009). Скульптура представлена на подсвеченной голубой стене, высоко подвешенная, точно уплывающая от нас. Уменьшенный масштаб и спрятанный за солнечными очками взгляд создают эффект дистанции. Критик Роберт Сторр (Robert Storr) видит в персонаже «Дрейфа» Нео из «Матрицы», клонированного до бесконечности. И Иисуса. Напоминает ли вертикальное положение фигуры и раскрытые руки распятие? Одновременно движение и необратимая прикованность. Что это, пантомима распятия, Вознесения Господня, сцена из культового фильма или резиденция на море?

Мьюек несомненно обновляет и трансформирует фигуративную современную скульптуру. Его дар иллюзиониста заключается в обескураживающей способности подходить невероятно близко к воспроизведению реальности, но, между тем, так далеко от нее оставаться. Невероятная реалистичность, игра с масштабами, чрезвычайная важность взглядов и жестов отбрасывают нас в мир, где личные воспоминания переплетаются с универсальной памятью, старина с современностью, реальность с зазеркальем. А зритель теряется в догадках о природе творчества Мьюека — что в ней от дьявола, а что от бога.

Современная австралийская художница. Megan Roodenrys

Авторизуясь в LiveJournal с помощью стороннего сервиса вы принимаете условия Пользовательского соглашения LiveJournal

Аннемиеке Мейн(Annemieke Mein) — художница по текстилю из Австралии. Она делает потрясающие реалистичные картины из жизни дикой природы, используя текстиль. Техники ее виртуозны и разнообразны — она расписывает ткани, вышивает по ним вручную и на машинке, сшивает объемные детали.

Аннемиеке родилась в Голландии, но ее родители переехали в Австралию, когда ей было семь лет. Родителям пришлось много работать на новом месте и девочка проводила почти все время в одиночестве. Ее поразила природа и животные Австралии, она изучала растения и жизнь бабочек и кузнечиков. С детства у нее был талант к рисованию и особый дар к усидчивой кропотливой работе. Мать ее зарабатывала шитьем, отец был зубным техником и вдобавок виртуозно делал протезы — глаз, носов и ушей. После школы Аннемиеке отправилась учиться искусству, но в начале шестидесятых был разгар любви к абстракционизму, а ей это совершенно не нравилось. Вместо этого она выучилась на медсестру, работала в госпитале, вышла замуж и родила двоих детей.

И вот в то время, пока она сидела дома, развернулась ее страсть к ручной работе — все стены были покрыты макраме, она шила, плела кружева, делала кружевные картины, вышивала всеми способами, занималась фетром, пряла и ткала, делала картины из птичьих перьев и коры, занималась керамикой, лепила из глины, вязала крючком и спицами, занималась папье-маше, делала ручную бумагу, работала с кожей, делала печвокр и декупаж и восстанавливала старинную мебель. Все это время она рисовала. А вскоре стала переводить свои рисунки австралийской природы в текстильные скульптуры. Эти панно и отдельно стоящие композиции и сделали ее всемирно известной. Это были огромные работы, вовсе не те изящные рукоделья в пяльцах, что относятся к крафтам. Для работ Аннемиеке не было раздела, но они стали выставляться в художественных галереях.

Вот она работает над одной из своих вышитых картин.

Эта книга-альбом была мне подарена уже давно и я все хотела показать из нее страницы с потрясающими работами Аннемиеке.
На обложке часть ее картины, посвященной розовой императорской бабочке.

Береговая банксия — была первой работой, сделанной в рельефе. С нею Аннемиеке победила в конкурсе и была очень горда этой победой.
Слева ее рисунок настоящего растения.

Листья сделаны из шерсти и серебряного бархата для изнанки, а «шишка» из буклированной шерсти, шерстяной ткани и фетра и шелка.
Рисунок на заднем плане вышит на машинке свободным движением, так. как она бы рисовала карандашом. Многим казалось. что работа «незакончена», но это стало стилем Аннемиеке — несколько планов в картине — от практически объемного переднего, через плоско пришитую аппликацию к рисунку или линейной вышивке на фоне.

Плащ с объемной стрекозой из коллекции декорированных предметов одежды. Он сшить из вручную сотканного грубого хлопка и расшит шелком, шерстью, мехом, дакроном и вышивальными нитями.

Часть со стрекозой крупнее:

Рельеф «кузнечики» состоит из двух полотен 105 на 105 см. И кузнечики воссозданы с научной точностью. Аннемиеке долго искала ткань для их особо блестящих фасеточных глаз и ее свекр великодушно отдал ей на растерзание свой желтый шелковый галстук, который идеально подошел.

Деталь крупнее. Видно, что каждая травинка вышита, чтобы показать волокна листа.

Моль со своими коконами, 134 на 102 см.

Для пушистых частей моли художница использовала кроличий мех. Темные листья сшиты из двух слоев шерстяного армейского сукна и выстрочены жилками. Более светлые листья сшиты изо льна и шелковой органзы. Листья на фоне подкрашены прозрачной краской и затем вышиты.

Рождественские жуки. Фермеры вырубали все деревья на полях и эти жуки, питающиеся листьями этого вида эвкалиптов, почти исчезли.

Крупнее рельефные жуки в порыве страсти. Художница также впервые сделала часть рельефа выходящей за пределы фона. Нижние листья так и свисают ниже края большого — 150 на 125 см — полотна.

Старая леди-моль была сделана специально для трогания посетителями. На каждой выставке Аннемиеке с трудом отгоняла посетителей, рвущихся потрогать выпуклые части — правда ли это ткань? поэтому эта работа была сделана специально из очень прочных тканей и в темной гамме. Рядом с нею стояла табличка, приглашающая посетителей трогать и ощупывать работу.

верх тушки был сделан из кроличьего меха, листья из прочного сукна, а крылья — из нескольких слоев атласа и шелковой органзы, чтобы слои просвечивали друг сквозь друга и давали фактуру и красивый цвет.

Работу со ссорящимися чайками Аннемиеке сделала в подарок родителям, для их нового дома.
Это детали работы крупнее. Для вышивки по белому она использовала больше двадцати оттенков белых, кремовых и коричневых ниток.

Изумрудная моль на банксии.

Деталь вышивки крупнее

В этой работе видно, что она начала расписывать фон текстильными красками и вышивать по нему. Шелковые крылья тоже тронуты краской.

Работа ее приобрела акварельную живописность и графичную скульптурность от выстроченных деталей.

Справа — объемная скульптура морского ежа — из расписанной и вышитой шелковой органзы и атласа.
Слева — скрупулезно собранные сведения о работе — эскизы, образцы тканей и нитей, чертежи и схемы выстрачивания.

Мидии и водоросли — свободно стоящая текстильная скульптура 109 см в длину. Сзади видны только спинки раковин, а спереди — все их сияющие открытые створки.

Водоросли сваляны из шерсти и вручную покрашены. Спинки ракушек сделаны из слоев расписанной органзы поверх темной шерсти, а внутренности из нескольких слоев расписанной переливчатой органзы и атласа.

» Наконец-то она летит!». Это совершенно личная, домашняя работа включеная в книгу потому, что полльзуется огромной популярностью на выставках. на самом деле это не выставочная работа, это подарок Аннемиеке ее свекрови на день рождения. В 11 пушистых птенцах изображены 11 внуков Альмы Мейн — и все они знают, кто из них где изображен.
Фон холста расписан очень разведеной краской так, чтобы создавать эффект тумана и вышит линиями различными оттенками палевых тонов.

Свобода. около сорока бабочек двадцати пяти различных видом изображены на этой работе из трех панелей. Они вырываются из коконов в правом нижнем углу и улетают вдаль.
И опять в этой работе ее любимый прием — часть изображения выходит за пределы холста.

Картину с веерохвостым голубем, кормящим птенцов, можно видеть в верхнем фото с работающей Аннемиеке.
Она работала над картиной 1053 часа. В день в среднем полностью. использовала 6 машинных шпулек нитей, а на всю работу ушло больше ста катушек ниток.

Это мелкие детали с картины.

Мотыльковая пыльца. Крылья этой гигантской бабочки сделаны из непряденой шерсти. цветные слои ее уложены в виде крыльев, покрыты прозрачным черным шелком и выстрочены по контурам разных оттенков шерсти.

Полет кузнечика. Здесь от выпуклой скульптуры на переднем плане изображения уходят в перспективу, двоясь и тая, изображая движение улетающего кузнечика.

Танец майских мотыльков. Перламутрово переливающиеся мотыльки изображены в сумерках при начинающей всходить луне. Многочисленные вышитые линии показывают движение крыльев.

Эта текстильная книга посвящена изготовлению панели с гнездом выше. В ней множество страниц с фотографиями, вышитыми деталями, образцами росписи по ткани, пробами стежки.
книгу заказала Аннемиеке фирма Хускварна, выпускающая швейные и вышивальные машинки — к своему трехсотлетию. Первую машинку и класс по ее использованию Аннемиеке получила от родителей на свое восемнадцатилетие. И с тех пор началась ее дружба с Хускварной. Фирма дарит ей машинки и снабжает машинами все ее классы. А заказанная книга представляет собой все техники и все способы использования художницей возможностей этой вышивальной машины.

Просто крупная деталь вышивки.

Я тут в конце заметила, что увлеклась только бабочками из книги, а у художницы еще есть совершенно дивные лягушки, вот добавлю еще картинку:

Это была совершенно потрясающая книга

The Art of Annemieke Mein: Wildlife Artist in Textiles

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector