Современная британская художница. Celia Paul

Современная британская художница. Celia Paul

Арт-рекордсменки: 8 самых дорогих современных художниц

Яёи Кусама, $102 532 176 за аукционный 2018 год ​

Девяностолетняя японка Яёи Кусама (р. 1929) из аутсайдера мира искусства превратилась в самую коммерчески успешную художницу планеты. Во многом феноменальный успех ей обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, стали фоном для миллионов селфи во всем мире. Всю жизнь Кусама создает искусство, которое неуклонно сопротивляется категоризации. Как-то в интервью Кусама сказала, что мать выбросила все ее краски и рисунки, когда ей было 10, сказав, что Яёи должна начать готовиться к тому, чтобы стать домохозяйкой. Но Кусама была бы никем, если бы не была настойчивой. В 1948 году она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел. И была достаточно смелой, чтобы увлечься сюрреализмом. Сегодня ради того, чтобы создавать свое искусство, она покидает утром психиатрическую клинику и возращается туда после 12-часового рабочего дня. Она уверена: искусство сохраняет жизнь.

Сесили Браун, $32 480 908

Британская художница Сесили Браун (р. 1969), живущая в Нью-Йорке, известна своей свободной живописной манерой, в которой сочетаются абстрактное искусство и фигуративное, черты Виллема де Кунинга и Рубенса. Училась художница в Slade School of Fine Art. C 2014 года входит в Совет директоров Фонда современного искусства. Она называет свои работы фрагментарными, хаотичными, как и жизнь в Нью-Йорке. Часто в качестве основы для картин Сесили использует газетные фотографии и сюжеты новостей. «Для меня картина — это способ получить информацию о мире». В тематике полотен — ярко выраженный феминистский пафос, сексуальный подтекст и озабоченность состоянием современного мира, где женщине до сих пор указывают, что делать с ее собственным телом. Одна из последних сольных выставок состоялась недавно в Paula Cooper Gallery.

Дженни Савиль, $13 225 583

Дженни Савиль (р. 1970) — одна из самых дорогих ныне живущих художниц: ее автопортрет Propped 1992 года был продан на аукционе Sotheby’s за 12,4 млн долл. Училась Дженни в Школе изящных искусств Феликса Слейда. В конце последипломного образования Савиль ведущий британский коллекционер искусства Чарльз Саатчи купил ее картины и сделал заказ на следующие два года. Дженни Савиль относится к YBA — арт-группе «молодых британских художников», в которую входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Ее визитная карточка — масштабные полотна с изображением тучных обнаженных тел. Подчеркнутая физиологичность работ объясняется интересом к телесности и гендеру вообще:
в середине девяностых она наблюдала за пластическими операциями и впервые подняла тему нового ощущения тела. Сейчас она часто пишет портреты людей с измененным полом, маркируя революционные перемены в общественном сознании в этой области. Ее картины часто выбирают в качестве обложек известные рок-группы. Представляют Дженни Савиль Saatchi Gallery и Gagosian Gallery.

Бриджет Райли, $7 103 990

Британку Бриджет Райли (р. 1931) называют королевой оптических иллюзий. Самая яркая представительница оп-арта, она до сих пор весьма активна. Райли училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. Сначала она экспериментировала с иллюзорным движением черно-белых изображений (это ее и прославило), потом, после поездки
в Африку и Индию, увлеклась цветом — ее пестрые произведения в 60-х были настолько эффектны, что их без разрешения компании переносили
на ткань и платья (и что создало прецедент по защите авторских прав художников в Америке). На аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 млн. долл. Райли награждена орденом Британской империи, императорской премией Японии, премией Рубенса. Она создала несколько огромных стенных росписей для крупнейших лондонских музеев: галереи Тейт и Национальной галереи. Ее работы представляла нью-йоркская галерея David Zwirner.

Синди Шерман, $6 755 382

Американка Синди Шерман (р. 1954) регулярно входит в сотню самых влиятельных арт-персон мира. Ее работы в жанре постановочных фотографий известны по всему миру. Прославилась она благодаря ранним сериям Untitled Film Stills («Кадры из фильмов без названия») и History Portraits, где она перевоплощается то в героинь выдуманных фильмов, то в персонажей с картин старых мастеров. Для всех своих съемок Шерман исполняет все роли одновременно: модели, фотографа, стилиста и визажиста. У художницы редкий дар перевоплощения: по ее собственному признанию, она не может добиться подобного «вживания» в роль ни от кого из профессиональных актеров, знакомых или родственников. В 2011 году на аукционе одна из фотографий Untitled Film Stills была продана за 3,8 млн долл. Также Шерман работает как режиссер. Сейчас ее тематика от культа молодости, красоты и пародий на массовую культуру сместилась в сторону проблем, связанных с насилием, войной и клоунадой. В 2012 году прошла обширная ретроспектива Шерман в MoMA — на нескольких этажах было показано 170 работ различных периодов. Представлена в Gagosian Gallery и Skarstedt Gallery.

Элизабет Пейтон, $6 123 286 ​

Американская портретистка Элизабет Пейтон (р. 1965) прославилась в 90-е идеализированными портретами знаменитостей: бледные, с красными губами лица быстро стали узнаваемы. Самые известные ее портреты — Курта Кобейна и Джона Леннона: последний был продан в 2006 году за 800 000 долл. Она часто пишет членов английской королевской семьи: ее интересует, как живут люди, облеченные богатством, признанием и славой. Элизабет утверждает, что «в лицах лучше всего отражается время» и что «живопись может выразить то, что невозможно передать словами». Она ищет самые эмоциональные моменты, когда человек открыт или чем-то увлечен. Живопись Пейтон, тонко передающая взаимоотношения человека и времени, находится в коллекциях МоМА, Музея Гуггенхайма и в Центре Помпиду. Персональные выставки художницы прошли по всему миру, в том числе в лондонской галерее Whitechapel, голландском музее Bonnefanten. Представляет Пейтон Gladstone Gallery с офисами в Брюсселе и Нью-Йорке.

Читать еще:  Современные филлипинские художники. Romel De La Torre

Кристин Аи, $3 989 020

Уроженку Индонезии Кристин Аи Тжой (p. 1973) называют одной из ведущих художниц Юго-Восточной Азии. Кристин получила образование художника-графика в технологическом институте Бандунга. Карьеру начинала как гравировщик в технике «сухая игла». Сейчас она работает с тканью, бумагой, живописными техниками, скульптурой и масштабными инсталляциями. Объединяет все произведения Тжой палитра. Годы работы с гравюрой сильно повлияли на выразительный язык Кристин: линией, которая остается ее главным средством, она передает весь спектр эмоций: боль, страх, желание. «Я работаю с любым материалом, словно это бумага и карандаш, — даже если вместо бумаги алюминий. Мои сильные, мягкие, тонкие или хрупкие линии будут громче и более живыми, если их поместить в пустую комнату». Последние выставки Кристин демонстрируют энергию, спонтанность, объем и переход на монохром. В 2018 году была организована ее первая персональная выставка в 21st Century Museum в Канадзаве (Япония). Представляет Кристин Аи Тжой лондонская галерея White Cube.

Нджидика Акуниили Кросби, $3 868 973

Нджидика Акуниили Кросби (р. 1983) — молодая талантливая художница из Нигерии, с 17 лет живущая в Калифорнии, куда она переехала учиться
в университете. Она виртуозно работает с культурными особенностями обеих стран (Нигерии и США), исследует различия поколений на примере собственной семьи. Нджидика увлечена способностью этносов мимикрировать, подражать другим образцам. Прически, украшения, мода, архитектура, автомобили — всё для нее источник вдохновения. Через изучение поп-культуры, которая является для нее лучшим маркером изменений в родной стране, она выстраивает сюжеты собственных картин. Художница дает своим полотнам названия популярных песен детства, ищет опору в коллективной памяти своего народа. Этот талантливый перевод культурных различий на язык искусства выглядит как калейдоскоп. Обилие деталей поражает: персонажи часто одеты в «портретные» ткани из коллажей. В 2018 году ее билборд открывал выставку в музее американского искусства Whitney. В этом году ее работы — в основном проекте Венецианской биеннале и на коллективной выставке африканского искусства «I am…» в Вашингтонском музее африканского искусства Smithsonian. В 2016-м журнал Time назвал ее «Женщина года». В 2017 году ее картина The Beautyful Ones была продана на лондонском аукционе Christie’s за рекордные 3 075 774 долл.

rmonakhov

Рубен Монахов

записки художника

Celia Paul

Последние пару недель я жаловался, что время летит всё быстрее. Так вот: время вернулось к своему обычному темпу. Но, правда, навалилось какое-то громадное количество дел, большая часть которых носили характер разной степени омерзительности 🙁 Из-за этого, впервые с тех пор, как появилась эта рубрика — а это уже почти год, я делюсь ссылками на художников и произведения, которые понравились мне, не в среду, а в четверг. Этот факт меня, конечно, с одной стороны, очень расстроил, а с другой порадовал — потому, что я стал получать письма с вопросами «где же?, где же?» и «когда же?, когда же?». Значит, это, всё-таки нужно 🙂 Постараюсь больше не срывать сроков. Очень постараюсь.

А сегодня я познакомлю вас с британской художницей Селией Пол.

Биографические данные:
Увы, про Селию известно только, что она родилась в 1959 г. в г. Тривандрум (Индия).
С 1976 по 1981 г. изучала изобразительное искусство в Школе искусств Слейд в Лондоне.
Сегодня художник живет и работает в Лондоне.

Вот, что пишет о художнике британский журнал «Современные живописцы»:
«Что поражает в её картинах, так это напряженность, с которой она понимает «видение», и требования, которые эта эмоциональная напряженность предъявляет зрителю.

Картины проникнуты особобым эмоциональным голосом, атмосферой, которую они передают через визуальные тональности. Одно из важнейших качеств её живописи — сдержанность. Выразительность и глубоко скрытые ассоциативные связи многое показывают, но не всё раскрывают. Конфиденциальность сохраняется.

Работы Селии характеризуют точно ограниченный тональный регистр, хроматический диапазон, в котором преобладают земли (краски, натуральные пигменты для которых получают путем переработки земель или глины (охры, умбры, сиены и т.п.) — прим. обозревателя), Неглубокое, но тщательно проработанное пространство и, временами, очень пастозный красочный слой.
Эти картины — результат уникальной вовлеченности художника в его сюжеты».

Мнение обозревателя, (т.е. моё):
Да, весёлым и жизнерадостным этого автора вряд ли можно назвать, хотя и особой депрессивности, почему-то столь ценимой многими современными любителями искусства, я тоже здесь не увидел. А с другой-то стороны, — не всем же быть весёлыми и жизнерадостными 🙂

Читать еще:  Французский художник. Mad-Jarova

Что больше всего меня привлекло в работах Селии Пол, так это узнаваемый колорит, который, отсылая нас к мастерам не столь далекого прошлого, тем не менее, остается более, чем современным и, не побоюсь этого слова, актуальным.

Мне кажется, что это ощущение современности колориту Селии Пол придаёт, то, что, с одной стороны, он выглядит совершенно достоверным, а с другой — в нём есть что-то загадочное, как, если бы автор рассказывал историю про реалии современности с вкраплениями кельтских слов.

Не может не заинтересовать в работах Селии Пол и фактура красочного слоя. Художник, безусловно, виртуозно владеет этим аспектом масляной живописи. По-моему, как раз тот самый случай, когда внутренняя структура цвета добавляет новое качество колориту.
В результате всего этого, свет. в работах госпожи Пол осязаем, текуч, и, кажется, даже звучит и имеет запах.

Работы Селии Пол на Artnet.
И в лондонской галерее Marlborough.

Буду признателен, если не забудете поделиться свои мнением об этом авторе с помощью традиционной голосовалки.
В голосовалке нет пункта с нейтральным ответом. Причина этому в том, что, мне хочется знать, понравился ли вам художник. Соответственно, если вы подумываете о нейтральном мнении, то ответ на вопрос должен быть «Не нравится! Не понимаю, что он в нем нашел. «. Или, скажем проще: если художник понравился — отвечаем «Да! Мне тоже нравится!», во всех остальных случаях — отвечаем «Не нравится! Не понимаю, что он в нем нашел. »

В Пушкинском музее раскрыли секреты британского рекламного искусства

По словам директора Пушкинского музея Марины Лошак, этот уникальный проект был задуман давно. «Выставка показывает абсолютно уникальное собрание оригинальных работ на бумаге, литографированные постеры — единственное по значимости, по качеству и по объему в нашей стране и вообще уникальное даже в контексте мировом», — отметила она.

Лошак напомнила, что выставка продолжает серию музейных проектов, посвященных итогам научно-исследовательской деятельности и реставрационной работы по восстановлению хрупких документов эпохи — произведений промышленной полиграфии. А это и иллюстрированная реклама, и политические плакаты, и образцы коммерческой литографии — визитки, пригласительные билеты и экслибрисы.

По словам куратора выставки Ирины Никифоровой, британскую визуальную рекламу отличает подчеркнутая деликатность. Очевидно, что товар нужно было продавать, но потребители и пресса всегда с неодобрением встречали грубый нажим.

Выставка расположилась в семи залах, в каждом из которых рассказывается своя история. Открывают экспозицию пионеры английской рекламы XIX столетия — Обри Бёрдсли, Беггарстаффов, Уолтера Крейна. В то время консервативное викторианское общество считало рекламу маргинальным искусством, и английские художники были отчуждены от потребностей растущего рынка. На преодоление этого консерватизма понадобилось не одно десятилетие. Но уже тогда первые смелые опыты в иллюстрировании коммерческих объявлений демонстрировали огромный потенциал британской рекламы.

Отдельный зал посвящен рекламным карикатурам членов Лондонского скетч-клуба — Дадли Харди, Джона Хэссола, Уильяма Тру и других художников-иллюстраторов. В конце XIX столетия именно они смогли примирить британцев с рекламой театральных постановок, продуктов и услуг. Завершает историю британской рекламы XIX века политическая сатира и наглядная агитация «красных тридцатых».

Начало XX века и новый этап в рекламном искусстве — постеры Лондонского транспорта, Лондонской подземки и Железной дороги. Здесь уже чувствуется профессиональный подход, а сами постеры поражают современным графическим дизайном. В 1930 году в Лондоне возникает Общество промышленных художников, объединивших дизайнеров и специалистов в области прикладной графики.

Свое особое и довольно внушительное место занимает коммерческая графика британо-голландского нефтяного концерна Shell, который активно использовал произведения из корпоративной коллекции современного искусства при создании рекламного дизайна. Так, творчество живописцев-новаторов Дункана Гранта, Пола Нэша, Грэма Сазерленда, Тристрама Хилльера, начинавших свою карьеру в 1920-1930-х годах, набирало популярность благодаря публикации их картин на рекламных постерах.

В XX столетии творчество многих британских художников стало поводом для национальной гордости. Благодаря успехам таких выдающихся дизайнеров, как Эдвард Уодсворт, Фред Тейлор, Фрэнк Ньюболд, Британия не только вернула себе ведущую роль в искусстве рекламы, но и превратила его в одно из своих национальных достояний.

Выставка приурочена к выходу каталога-резоне, посвященного собранию британского постера в ГМИИ им. Пушкина. Экспозиция будет открыта для публики до 31 января.

5 современных британских художников, о которых нужно знать

От Дэвида Хокни до Трейси Эмин.

1. Дэвид Хокни

С именем Дэвида Хокни в первую очередь ассоциируются бассейны под синим небом Лос-Анджелеса и молодые купальщики, ныряющие в кристальную воду. В прошлом году Хокни стал самым дорогим художником в истории: его «Портрет художника» (одна из знаковых картин) был продан за рекордные $90 миллионов. Но за жизнерадостным поп-артом, воспевающим калифорнийскую мечту, скрывается сложная натура художника из английской провинции, сублимирующего свои впечатления и переживания в живопись. Картина «Мистер и миссис Кларк и их кот Перси» (1970-1971) на первый взгляд кажется идиллическим кадром из богемной жизни молодой пары. Но уже через секунду конфетно-пастельную тональность картины разрезает ток напряжения между мужем и женой. В этой работе Хокни перевернул «Портрет четы Арнольфини» (1434) фламандца Яна ван Эйка: вместо собаки (символа верности) он разместил на коленях у мистера Кларка белого кота. А большое французское окно разделяет пару, усугубляя психологическую дистанцию между ними.

Читать еще:  Чувствительные, точные портреты. Jennifer Anderson

2. Аниш Капур

Британцы так ценят творчество Капура, что в 2015 году новые паспорта Соединенного Королевства украшали рисунки с его скульптурами. И это неслучайно. Художник прославился работой с трехмерным пространством, но его путь начался с рисунка. Постепенно форма, цвет и объем вырвались из плоскости бумаги и перешли в скульптуры, которые сам Капур называет «необъективными объектами». Объектами – за их простоту и стремление к природным материалам (в этом плане художник не изобретает велосипед и пользуется традиционным гранитом, известняком и пигментированным стеклом). Необъективными – за то, что скульптуры передают нематериальные психологические состояния, которые почти невозможно описать словами.

3. Трейси Эмин

Сегодня Трейси Эмин – одна из двух женщин-профессоров за всю историю Королевской академии художеств, а все начиналось в 1980-х, когда Эмин стала работать в кругу Young British Artists («Молодые британские художники»). Она знаменита своим непринципиальным отношением к художественным медиа: выражать свое бунтарское «я» Эмин может на бумаге или холсте, через видео или фотографию, в неоновых надписях и детских аппликациях. В 1997 году Трейси представила свою первую работу «Все, с кем я спала в 1965–1995». Внутри походной палатки художница наклеила имена всех, с кем она провела в одной постели хотя бы одну ночь. Слово «спала» художница трактовала в прямом смысле – поэтому внутри палатки есть имена ее близких и родственников, любовников, любовниц и нерожденных детей. Через эту работу Эмин показывает универсальную, вселенскую любовь, которая выплескивается далеко за рамки сексуальных связей.

4. Грейсон Перри

Греческие вазы и вышивки – в двух словах о творчестве самого остросоциального британского художника. А если подробнее, то Грейсон Перри использует классические формы (те же вазы), раскрашивая их в сатирические сцены из современной жизни. Таким образом художник спорит с предрассудком о том, что декоративные предметы (что может быть ненужнее огромной вазы и вышивки на всю стену?) не могут транслировать идеи. Поэтому на объектах он запечатлевает эпические сцены на тему мира, войны и трудностей самоидентификации. Работы Перри автобиографичны: в рисунках часто можно увидеть Клэр (женское альтер эго художника) и Алана Мислеса, плюшевого медведя из его детства. Кстати, Перри очень продуктивно исследовал проблему гендера и выпустил цикл документальных фильмов на британском телевидении. И их однозначно стоит посмотреть, чтобы подготовиться к восприятию его искусства.

Молодые британские художники

Молодые британские художники (англ. Young British Artists, иногда также YBA, Brit artists, Britart) – группа современных художников, которая изначально сформировалась вокруг выпускников (тогда еще студентов) колледжа Голдсмит в Лондоне. Началом творческой активности YBA считается выставка Freeze (Лондон, 1988), которую организовывал наиболее известный представитель группы — Дэмиен Херст.

Само название «Молодые британские художники» впервые было использовано в 1992 году Майклом Коррисом в журнале «Артфорум». Акроним YBA появился в 1996 году в журнале «Art Monthly».

В художественном смысле «Молодые британские художники» являются представителями концептуального искусства. Во многом это связано с тем образованием, которое большинство из них получили в колледже Голдсмит. Дело в том, что в 80-х годах XX века в этом учебном заведении была введена инновационная модель обучения будущих художников, упор в которой делался не на умение рисовать, писать красками и т.д., а на знании основ концептуального искусства и развитии личности студента, повышения уровня инициативности человека, желания создавать нечто принципиально новое, часто шокирующее публику. Работы представителей YBA зачастую отличаются именно необычным, часто даже отталкивающим содержанием, но при этом в них отчетливо прослеживается та традиция, основные тезисы которой можно обнаружить еще в «Параграфах о концептуальном искусстве» Сола Левитта (1969).

Огромную роль в становлении группы сыграл Чарльз Саатчи, который стал их покровителем и не только скупал сами работы, но и финансировал ряд проектов, в том числе инсталляцию с акулой в формальдегиде Дэмиена Херста, известную под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живущего».

Большую популярность Молодые британские художники обрели в 90-х годах. Пиком здесь можно считать выставку «Sensation», которая была устроена Королевской академией, что само по себе может считаться показателем признания YBA. Скандалы, которые сопровождали ряд инсталляций только повысили популярность самих художников.

Одновременно со всем вышесказанным необходимо понимать, что YBA это не столько направление в искусстве, сколько группа художников, которые на протяжении определенного временного промежутка формировали некий общий дискурс, устраивали общие выставки и т.д. Вряд ли можно найти какой-либо исключительно художественный фактор, объединяющий всех представителей этой группы и выходящий за пределы концептуального искусства как такового. Впрочем, став на определенный момент неким флагманом концептуализма, а, возможно, и современного искусства вообще, YBA сформировали определенный вызов, одним из ответов на который можно считать стакизм.

Кристин Борланд, р. 1965 — шотландская художница, скульптор, автор инсталляций. В 1997 году была номинирована на премию Тернера

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector