Современная художница. Kerry Brooks

Современная художница. Kerry Brooks

Арт-рекордсменки: 8 самых дорогих современных художниц

Яёи Кусама, $102 532 176 за аукционный 2018 год ​

Девяностолетняя японка Яёи Кусама (р. 1929) из аутсайдера мира искусства превратилась в самую коммерчески успешную художницу планеты. Во многом феноменальный успех ей обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, стали фоном для миллионов селфи во всем мире. Всю жизнь Кусама создает искусство, которое неуклонно сопротивляется категоризации. Как-то в интервью Кусама сказала, что мать выбросила все ее краски и рисунки, когда ей было 10, сказав, что Яёи должна начать готовиться к тому, чтобы стать домохозяйкой. Но Кусама была бы никем, если бы не была настойчивой. В 1948 году она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел. И была достаточно смелой, чтобы увлечься сюрреализмом. Сегодня ради того, чтобы создавать свое искусство, она покидает утром психиатрическую клинику и возращается туда после 12-часового рабочего дня. Она уверена: искусство сохраняет жизнь.

Сесили Браун, $32 480 908

Британская художница Сесили Браун (р. 1969), живущая в Нью-Йорке, известна своей свободной живописной манерой, в которой сочетаются абстрактное искусство и фигуративное, черты Виллема де Кунинга и Рубенса. Училась художница в Slade School of Fine Art. C 2014 года входит в Совет директоров Фонда современного искусства. Она называет свои работы фрагментарными, хаотичными, как и жизнь в Нью-Йорке. Часто в качестве основы для картин Сесили использует газетные фотографии и сюжеты новостей. «Для меня картина — это способ получить информацию о мире». В тематике полотен — ярко выраженный феминистский пафос, сексуальный подтекст и озабоченность состоянием современного мира, где женщине до сих пор указывают, что делать с ее собственным телом. Одна из последних сольных выставок состоялась недавно в Paula Cooper Gallery.

Дженни Савиль, $13 225 583

Дженни Савиль (р. 1970) — одна из самых дорогих ныне живущих художниц: ее автопортрет Propped 1992 года был продан на аукционе Sotheby’s за 12,4 млн долл. Училась Дженни в Школе изящных искусств Феликса Слейда. В конце последипломного образования Савиль ведущий британский коллекционер искусства Чарльз Саатчи купил ее картины и сделал заказ на следующие два года. Дженни Савиль относится к YBA — арт-группе «молодых британских художников», в которую входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Ее визитная карточка — масштабные полотна с изображением тучных обнаженных тел. Подчеркнутая физиологичность работ объясняется интересом к телесности и гендеру вообще:
в середине девяностых она наблюдала за пластическими операциями и впервые подняла тему нового ощущения тела. Сейчас она часто пишет портреты людей с измененным полом, маркируя революционные перемены в общественном сознании в этой области. Ее картины часто выбирают в качестве обложек известные рок-группы. Представляют Дженни Савиль Saatchi Gallery и Gagosian Gallery.

Бриджет Райли, $7 103 990

Британку Бриджет Райли (р. 1931) называют королевой оптических иллюзий. Самая яркая представительница оп-арта, она до сих пор весьма активна. Райли училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. Сначала она экспериментировала с иллюзорным движением черно-белых изображений (это ее и прославило), потом, после поездки
в Африку и Индию, увлеклась цветом — ее пестрые произведения в 60-х были настолько эффектны, что их без разрешения компании переносили
на ткань и платья (и что создало прецедент по защите авторских прав художников в Америке). На аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 млн. долл. Райли награждена орденом Британской империи, императорской премией Японии, премией Рубенса. Она создала несколько огромных стенных росписей для крупнейших лондонских музеев: галереи Тейт и Национальной галереи. Ее работы представляла нью-йоркская галерея David Zwirner.

Синди Шерман, $6 755 382

Американка Синди Шерман (р. 1954) регулярно входит в сотню самых влиятельных арт-персон мира. Ее работы в жанре постановочных фотографий известны по всему миру. Прославилась она благодаря ранним сериям Untitled Film Stills («Кадры из фильмов без названия») и History Portraits, где она перевоплощается то в героинь выдуманных фильмов, то в персонажей с картин старых мастеров. Для всех своих съемок Шерман исполняет все роли одновременно: модели, фотографа, стилиста и визажиста. У художницы редкий дар перевоплощения: по ее собственному признанию, она не может добиться подобного «вживания» в роль ни от кого из профессиональных актеров, знакомых или родственников. В 2011 году на аукционе одна из фотографий Untitled Film Stills была продана за 3,8 млн долл. Также Шерман работает как режиссер. Сейчас ее тематика от культа молодости, красоты и пародий на массовую культуру сместилась в сторону проблем, связанных с насилием, войной и клоунадой. В 2012 году прошла обширная ретроспектива Шерман в MoMA — на нескольких этажах было показано 170 работ различных периодов. Представлена в Gagosian Gallery и Skarstedt Gallery.

Элизабет Пейтон, $6 123 286 ​

Американская портретистка Элизабет Пейтон (р. 1965) прославилась в 90-е идеализированными портретами знаменитостей: бледные, с красными губами лица быстро стали узнаваемы. Самые известные ее портреты — Курта Кобейна и Джона Леннона: последний был продан в 2006 году за 800 000 долл. Она часто пишет членов английской королевской семьи: ее интересует, как живут люди, облеченные богатством, признанием и славой. Элизабет утверждает, что «в лицах лучше всего отражается время» и что «живопись может выразить то, что невозможно передать словами». Она ищет самые эмоциональные моменты, когда человек открыт или чем-то увлечен. Живопись Пейтон, тонко передающая взаимоотношения человека и времени, находится в коллекциях МоМА, Музея Гуггенхайма и в Центре Помпиду. Персональные выставки художницы прошли по всему миру, в том числе в лондонской галерее Whitechapel, голландском музее Bonnefanten. Представляет Пейтон Gladstone Gallery с офисами в Брюсселе и Нью-Йорке.

Читать еще:  Стрит арт художники. Senzo and Abid (стрит арт)

Кристин Аи, $3 989 020

Уроженку Индонезии Кристин Аи Тжой (p. 1973) называют одной из ведущих художниц Юго-Восточной Азии. Кристин получила образование художника-графика в технологическом институте Бандунга. Карьеру начинала как гравировщик в технике «сухая игла». Сейчас она работает с тканью, бумагой, живописными техниками, скульптурой и масштабными инсталляциями. Объединяет все произведения Тжой палитра. Годы работы с гравюрой сильно повлияли на выразительный язык Кристин: линией, которая остается ее главным средством, она передает весь спектр эмоций: боль, страх, желание. «Я работаю с любым материалом, словно это бумага и карандаш, — даже если вместо бумаги алюминий. Мои сильные, мягкие, тонкие или хрупкие линии будут громче и более живыми, если их поместить в пустую комнату». Последние выставки Кристин демонстрируют энергию, спонтанность, объем и переход на монохром. В 2018 году была организована ее первая персональная выставка в 21st Century Museum в Канадзаве (Япония). Представляет Кристин Аи Тжой лондонская галерея White Cube.

Нджидика Акуниили Кросби, $3 868 973

Нджидика Акуниили Кросби (р. 1983) — молодая талантливая художница из Нигерии, с 17 лет живущая в Калифорнии, куда она переехала учиться
в университете. Она виртуозно работает с культурными особенностями обеих стран (Нигерии и США), исследует различия поколений на примере собственной семьи. Нджидика увлечена способностью этносов мимикрировать, подражать другим образцам. Прически, украшения, мода, архитектура, автомобили — всё для нее источник вдохновения. Через изучение поп-культуры, которая является для нее лучшим маркером изменений в родной стране, она выстраивает сюжеты собственных картин. Художница дает своим полотнам названия популярных песен детства, ищет опору в коллективной памяти своего народа. Этот талантливый перевод культурных различий на язык искусства выглядит как калейдоскоп. Обилие деталей поражает: персонажи часто одеты в «портретные» ткани из коллажей. В 2018 году ее билборд открывал выставку в музее американского искусства Whitney. В этом году ее работы — в основном проекте Венецианской биеннале и на коллективной выставке африканского искусства «I am…» в Вашингтонском музее африканского искусства Smithsonian. В 2016-м журнал Time назвал ее «Женщина года». В 2017 году ее картина The Beautyful Ones была продана на лондонском аукционе Christie’s за рекордные 3 075 774 долл.

Ромейн Брукс — художница, которая рисовала своих любовниц, защищая право на выбор

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Немногие женщины могут похвастаться тем, что они — настоящие хозяйки своей жизни. Часто, сами о том не подозревая, они являются рабами эмоций и посторонних суждений. Часто женщины живут в вечных раздумьях, и при этом на самом деле почти любыми их поступками управляет прошлое, а также суждения других людей. Ромейн Брукс была исключением.

Она была космополитичной с момента ее рождения: она родилась в Риме у женщины из богатой американской семьи, которая в то время путешествовала по Европе. На протяжении большей части своей жизни Ромейн жила в Париже, а в возрасте 96 лет умерла в Ницце.

В высшем классе общества, к которому художница всегда принадлежала, гомосексуализм вовсе не считался чем-то очень плохим. Богема, да и в общем творческие люди почти всегда характеризовались с отсутствием скромности в вопросах плотских утех. Однако эта предполагаемая «свобода» была не для всех, а только для мужчин. Вольные сексуальные взгляды у женщин считались антиморальными.

Многие говорят, что именно экономическая и социальная ситуация, в которой росла Брукс, а не ее личность по умолчанию, стала причиной того, что художница не побоялась пойти против общества и нарушать установленные порядки. Естественно, на это также повлияло то, что Ромейн получила огромное наследство от деда-мультимиллионера, и смогла после этого жить, как ей хотелось самой, не считаясь ни с кем (тем более, что мать умерла еще раньше, и Ромейн не нужно было думать о том, что о ней подумает семья). Естественно, в таких условиях ей было проще самовыражаться, и художница смогла сполна этим воспользоваться.

После получения наследства, Ромейн, которая до этого вела очень бедный образ жизни, вышла замуж за пианиста-гомосексуала Джона Эллингтона Брукса (брак продлился всего 3 года), а вскоре и сама прекратила скрывать свою истинную гомосексуальную ориентацию. По сути, то, что Ромейн Брукс начала исследовать себя и свои эротические желания, прекрасно видно по ее картинам.

Слои тусклых цветов, поверхности, отдельные поверхности, плавно перетекающие друг в друга и тщательная прорисовка создают атмосферу, которая балансирует на грани между изоляцией и независимостью. Эстетика ее картин характеризуется использованием серых и бледных тонов в приглушенном свете, которые представляют собой конденсацию эмоциональных и психологических состояний, с которыми Ромейн была прекрасно знакома с детства, — у ее брата были психическое расстройство, а мать была крайне неуравновешена.

То, что на автопортретах Ромейн Брукс изображала себя в мужской одежде, было не случайным. Это был вызов миру. Причем, немаловажно, что на своих автопортретах она смотрит прямо на зрителя.

Впоследствии биограф художницы Кассандра Лангер рассказывала о Брукс следующее: «Ромейн была одним из первых современных художников, которые описывали сопротивление женщин патриархальным представлениям о женщинах в искусстве. Она поняла, что женщин в искусстве ранее всегда рассматривали как предметы, а не людей со своими желаниями, после чего поставила перед собой задачу изменить все это».

Читать еще:  Я провоцирую зрителя на размышления. Alex J Dewars

То, как Брукс писала на картинах себя и своих любовниц, впоследствии позволило лесбиянкам из высшего общества идентифицировать и узнавать друг друга. Это стало неким способом для других гомосексуальных женщин, которые искали способ быть узнаваемыми.

Женщины, которые можно увидеть на картинах Ромейн Брукс, в основном были ее любовницами. Все элементы на этих полотнах полны скрытых значений, которые выражают застенчивую и тонкую сексуальность. В большинстве случаев эти женщины кажутся немного растерянными и отводят глаза.

Ромейн Брукс стала не только пионером в истории искусства, но сыграла немаловажную роль в освобождении женщин. Именно после ее картин начались дискуссии о сексуальном разнообразии и об истинной свободе.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

na_shpilke

Художник по костюмам вашей гардеробной

Такой курс, взятый художниками по костюмам в отношении Сьюзан, логичен с точки зрения характера героини. В своей женской компании Сьюзан действительно наиболее мягкая и наименее амбициозная. И её простые образы показывают, в том числе, что она совсем не стремится подчеркнуть, что твоческие способности делают её особенной, выделяющейся на фоне остальных.

Больше того, этот подход «сапожника без сапог» свойственный некоторым творческим людям (в том числе и в модной индустрии) — стремление сконцентрироваться на результате своей творческой работы, «не растрачивать» свое творчество на себя и не отвлекать потом от главного, от конечного результата креативной работы.

Стоять за этим может как личная скромность, так и ныне трендовое стремление к упрощению, наблюдаемое у некоторых «богатых и знаменитых»:

В то время как живущая в пригороде и рисующая у своего окошка Сьюзан зачастую сторониться выражать себя через одежду, Кэрри (вместе с главной художницей по костюмам Патрицией Филд) довели это фактически до культового уровня.

На первый (и несколько невнимательный) взгляд кажется, что мисс Брэдшой — квинтэссенция и самый яркий пример того, как образ может быть инструментом самовыражения творческой личности. Её наряды, в большинстве своем, яркие, визуально сложные, сразу выделяющие свою хозяйку на общем фоне, за что некоторые назвали их даже бесстрашными. И действительно — многие из нарядов Кэрри яркие, динамичные, в них сочетается женственность [игривая и молодая, а не сексуально зрелая] с элементами флирта, игры, здесь можно прочесть творческий подход и смелость:

Отсюда впечатление балагана, сумятицы, отсутствия целостности и контроля. Что, естественно, не случайно, т.к. очень точно отражает жизнь и то, что происходит внутри самой Кэрри. Можно сказать, что «модная озабоченность» оказывается для героини своебразной внешней опорой. В отличие от своих подруг, обладающих более отчетливым и целостным личным стилем, Кэрри выбирает вещи не только как отражение себя, но и как попытки внести что-то новое и за счет этого что-то в своей жизни изменить и перенаправить. Идеальный клиент для модной индустрии, верящий, что можно поменять свою жизнь, купив новую пару туфель.

И еще интересное наблюдение. Думаю, что можно предположить, что для Кэрри, не выросшей в Нью-Йорке, мода и использование брендовых имен, вполне могла быть способом вписаться. «Понаехавшая» и вынужденная бороться за свое место в большом городе, героине необходимо соответствовть, и она следует моде с целью казаться «своей», вписаться, выглядеть инсайдером. Ничего нового. Зато теперь приходится использовать моду уже под другим углом — чтобы выделяться на общем [стильно-нью-йоркском] фоне, для чего просто слепо следовать тенденциям уже не достаточно.

И наконец наша последняя героиня — «девчонка» Ханна Хорват, пятнадцать лет спустя после Кэрри Б. назвавшая себя «голосом своего поколения».

Подобно Кэрри, творчество Ханны — в писательстве. Но, в отличие от своей знаменитой предшественницы, у Ханны практически нет брендовых (или просто новых) вещей, ибо большая часть её гардероба, в лучших хипстерских традициях, была приобретена в сэконд-хэндах Бруклина. И вместе с этим в образах двух героинь можно увидеть немало общего.

С одной стороны в этих образах тоже присутствуют динамика, энергичность, элемент игры, смелость, что позволяет «прочесть» Ханну как личность неординарную и творческую:

Вот только интересна эта героиня «Девчонок» еще и тем, что далека от идеальных пропорций, имеет ограниченный стажерский бюджет, а также инфантильна и безответственна в лучшем духе поколения Y, чьим голосом она себя объявила. Все эти читается в подобранных художницей по костюмам образах.

Так, многие вещи Ханны куплены в бруклинских сэконд-хэндах, что реалистично отражает финансовую ситуацию молодой начинающей публицистки. Плюс, в этом есть и своя ирония: подобно тому, как Ханна лепит свои образы из того, что кто-то и когда-то надевал до нее, также она и другие «миллениалы» наступают на хорошо известные грабли в попытке изобрести что-то новое.

Кроме того, вещи Ханны очень часто (почти всегда?) плохо сидят не ней, подобно поступкам, которые она совершает и выбор, который делает. И да, здесь снова впечатление, что героиня «одевалась без зеркала и в темноте», что похоже на львиную долю её решений.

И естественно, не голливудское телосложение подчеркивая это, делая картинку куда менее гламурной и привлекательной:

Не обошлось здесь без statement, ибо со слов художницы по костюмам, «сложная» фигура героини в выбранной одежде это еще и пример того, что даже в 21-м веке и в большом городе гармонично одеть молодую женщину размера «плюс» все еще очень непрост кто виноват и что делать?!

И на последок вернемся к теме творчества… Проанализировав образы всех трех героинь, мы [теперь еще и через призму их стиля] можем более ясно увидеть, что у разных героинь разный характер творчества. Так, творчество Сьюзан не связано с её личной жизнью и переживаниями, что и позволяет ей «прочертить» разделительную черту между реальностью (в которой и живет её гардероб) и миром творчества. Зато у Кэрри и Ханны писательская деятельность напрямую связана с их собственных жизненным experience, который полон личного беспорядка, сумятицы, отсутствие стержня. Что прямиком кочует и в гардеробную.

Читать еще:  Современный индийский художник. Zil Hoque

На этом у меня сегодня все, но продолжение на следующей неделе следует.

И прежде, чем закруглиться, уже по традиции напомню, что если вы поклонники моих костюмных разборов, то не забудьте поделиться ими другими костюмными постами в своих блогах и соц.сетях — будет здорово, если работу художников по костюмам и мой скромный труд смогут оценить и другие. Мне будет приятно, так что заранее спасибо!

Кэрри Грабер

Кэрри Грабер (Carrie Graber) — современная американская художница. Теплые тона ее картин, изысканность и мягкость освещения создают идеальный состав света и контраста. Ее реалистичный, смелый подход согревает чувства и создает ощущение интимности.

Похожие картины

Женская красота, Женский портрет, Современные художники

Женская красота, Обнаженная натура, Современные художники

Женская красота, Женский портрет

Женская красота, Женский портрет, Обнаженная натура, Современные художники

Женская красота, Современные художники, Цветы в живописи

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector