Современное искусство Америки. Michelle Dunaway

Современное искусство Америки. Michelle Dunaway

Michele Dunaway

Princess Receives Royal Treatment From King’s AdviserSources reveal that General Montcalm has been issued a royal directive: determine if youngest princess Lucia Carradigne is fit to be queen of.

She’d Ended Their Perfect Affair…Jeff Wright never saw it coming. One minute he was in the midst of a white-hot office fling and the next the lady was over him and leaving for Kansas City. He had no.

New York loves pastry chef Rachel Palladia’s desserts, and her boss in the A-list Italian restaurant where she works is desperate to make her his wife. A country girl’s dream come true–until she.

Her PlatformCampaign fund-raiser Lisa Meyer has worked hard to be her own boss and will let nothing–especially romance–interfere with her success. Then fate places sexy Mark Smith back in her path.

A Sprig Of Mistletoe, Some Christmas Magic…And Who Knew What Might Happen? Kate Merrill wasn’t kidding herself. Attractive men didn’t commit, as she knew very well from growing up without a father.

HAS PAMPERED SOCIALITE KIT O’BRIEN FINALLY MET HER MATCH?New York’s most notorious, not to mention most beautiful, heiress, Kit O’Brien, is trying to get a reputation as a working girl–that is, a.

Cassidy Clayton had a case of the hots for Mr. Toolbelt, aka Blade Frederick, her contractor. But Blade wasn’t the man she was supposed to marry. Bad-boy Blade wasn’t even in her league…but their.

When Something Is This Sinfully Good It Just Has To Be Right!Lindy Brinks is about ready to buy the idea that somebody who looks, walks and talks like an angel just might be the devil in disguise.

Sometimes Love Is An Accident Waiting To Happen…The first night Beth Johnson and her daughter rushed into his hospital’s emergency room, Dr. Quinton Searle’s medical opinion was that their problem.

Just Because A Girl’s Good At Pleasing Everyone…Whoever said virtue is its own reward wasn’t a preacher’s kid or they’d know being virtuous was like being jailed with no possibility of parole. That’s.

Her CrimeGuilt ridden after a failed marriage and trying to make things up to her daughter, Christina Jones joins a small-town law practice, hoping a fresh start will put her career and their life.

Cats And Dogs, Oil And Water… Harry And MeganTricked! This time Harry Sanders’s matchmaking grandfather had gone too far. Assigning Harry to be a mentor in the family company was bad enough–but the.

Неделя современного искусства в Нью-Йорке

В начале марта в Нью-Йорке открывается едва ли не больше выставок современного искусства, чем за весь год. «Воздух» попросил куратора Андрея Паршикова рассказать о самых интересных из них.

«Armory Show»

История «Армори-шоу» в Нью-Йорке насчитывает сто один год. Первая «Армори-шоу» прошла в 1913 году и стала первой масштабной международной выставкой современного искусства в Новом Свете. Сегодня ярмарка постепенно сдает свои позиции, но пока еще остается главным художественным событием марта в Нью-Йорке. Не так давно у нее появился серьезный конкурент — на Нью-Йорк из Лондона двинулась с мощнейшей экспансией ярмарка Frieze, и у нее есть все шансы на победу. Важно здесь другое. Приезжать на «Армори-шоу» в Нью-Йорк стоит не столько ради самой ярмарки, сколько для того, чтобы неделю посещать самые интересные вернисажи. Помимо многочисленных ярмарок-спутников вроде Volta, Scope, Independent и еще десятка незначительных мероприятий, названия которых знают только участники, все музеи и галереи города в это время показывают свои лучшие проекты.

В этом году есть два основных акцента в выставках «Армори» и сопутствующих ей открытиях: гендерная тема и современное искусство Китая. Бум китайского искусства продолжается уже лет этак десять, но в этом году устроители «Армори» постарались показать действительно новых и актуальных авторов: Ай Вэйвэй, братья Гао и Сун Дун никуда не делись, но назвать имена более молодых художников вряд ли смогут даже знатоки — такое ощущение, что до Запада они просто не доходят. А стоило бы, ведь рынок китайского искусства куда более устойчив, чем другие. Китайские коллекционеры действительно патриотичны, и, раз попав в хорошие руки, художник уже не падает в цене. Молодые китайские художники опровергают ориенталистский взгляд на Китай как на традиционное общество, лишенное воли к прогрессу. О проблемах новой станковости, о постколониализме, о политическом минимализме, о современной абстракции и о гендерных проблемах китайские художники теперь могут рассуждать наравне с западными коллегами. А что касается гендера, то об этом на «Армори-шоу» говорят не только они.

В этом году тематическая выставка на самой респектабельной «Армори-шоу», где продается послевоенное искусство, была посвящена великим художницам XX века. Надо сказать, что эти работы, просто выставленные рядом друг с другом, закрывают гендерную тему лучше, чем самая умная феминистская выставка со стройными текстами. Здесь без всяких слов говорит о себе искусство Луизы Буржуа, Джорджии О’Киф, Яои Кусамы, Евы Хессе, Лиджии Кларк, Хелен Франкенталер, Ли Краснер, Агнес Мартин и многих других. Еще в этот раз очень бросается в глаза изобилие работ классика поп-арта Тома Вессельмана, автора «Великой американской обнаженной».

«The Last Brucennial»

Фотография: Dale McNeil

Выставку «The Last Brucennial» в пику «Whitney Biennial» каждый год делает Bruce High Quality Foundation и Вито Шнабель (сын Джулиана Шнабеля, художника и кинорежиссера, автора фильмов «Баския» и «Скафандр и бабочка»). Это выставка со спонтанной экспозицией и самым большим в Нью-Йорке количеством искусства на квадратный метр. «The Last Brucennial» в этом году устроена по половому признаку. К участию пригласили только художниц, причем их попросили в своих работах сосредоточиться на гендерном дискурсе — хотя наиболее прогрессивно сегодня считать, что все женские работы по умолчанию с ним связаны. Но самое интересное здесь даже не состав участниц, а сама экспозиция, которую делали в несколько этапов. В первую очередь по стенам развесили работы классиков или покойных художниц вроде Дженни Хольцер, Барбары Крюгер или Луизы Буржуа. Затем пришли молодые и ныне здравствующие художницы и повесили свои работы на свободные места. Итог предсказуем: стены ломятся от живописи, на половине отдельно стоящих маленьких плазм не работает видео, мимо скульптур сложно протиснуться. Однако остается ощущение, что именно так подобная выставка выглядеть и должна. Если в Москве всех тошнит от шпалерной развески и неумения создать пространство созерцания, то в Нью-Йорке, где все только этим и занимаются, подобного рода панковская экспозиция выглядит как мощное высказывание. Смотреть сложновато, но зато есть чем себя занять надолго: искусства тут настолько много, что хорошее тоже не редкость. Мужчины к участию допускались только как актеры для перформансов, желательно раздетые и в кресле, похожем на пыточный аппарат.

«Whitney Biennial»

Фотография: Andrew Katz

Биеннале «Уитни» гендерными проблемами презрительно манкировала. У них достаточно своих: музей переезжает, и этому посвящена внушительная часть выставки. Смыслы и пласты, поднимаемые тремя кураторами, невозможно описать в нескольких предложениях. Основные темы: здание музея, художественная форма, постколониальные проблемы, магия и тема идентичности. В общем, про что только не. Как это ни удивительно, выставка получилась до неловкости традиционная в плане представленных творческих техник. Преобладают средней руки живопись, совсем неинтересные коллажи и огромное количество крупноформатной трудоемкой скульптуры. Можно сделать вывод, что это как-то связано с переездом. Рекламный слоган биеннале такой: «Сегодня увидишь на биеннале «Уитни» — или завтра где угодно еще».

Читать еще:  Украинский живописец-монументалист. Михаил Кириленко

The Studio Museum in Harlem

John Akomfrah, Memory Room 451 (video still), 1997

Во время «Армори» открылись три выставки в одном из самых интересных музеев Нью-Йорка — Студийном музее Гарлема: «The Shadows Took Shape», «Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art» и персональная выставка Кэрри Мей Уимс «Музейный проект». Первая — про афрофутуризм — малоизвестное, но интереснейшее явление. Гарлемский музей специализируется на искусстве, связанном с этническим — и конкретно афроамериканским дискурсом. Название выставки «The Shadows Took Shape» — это строчка из песни легенды джаза Сан Ра. Блестящая экспозиция не нуждается в дополнительных текстах, работы сами доносят до зрителей информацию о возможном, желаемом или навсегда потерянном будущем афроамериканских художников. Это постконцептуальное искусство в его самом романтическом проявлении. Только в данном случае он окрашен этнически. В 90-е годы в Москве был подпольный бум движений и литературы о том, что русские — «дети богов». Читать это было либо смешно, либо противно. А вот смотреть выставку, которая шепчет тебе, что афроамериканцы — загадочный, возможно, внеземной народ, почему-то хочется как можно дольше. «Radical Presence» — более жесткая и концентрированная выставка афроамериканского перформанса, где особую симпатию вызывает концептуалист Дэвид Хэммонс. Зимой 1983 года он продавал на площади Купера снежки, разложив их на пледе от больших к маленьким. Таким образом, как он сам считал, он привлекал внимание к проблемам нью-йоркского пролетариата. Выставка Кэрри Мей Уимс смотрится как продолжение ее более крупного проекта в одной из галерей Гуггенхайма. Эта художница делает концептуальные фотографии на тему афроамериканского феминизма.

Armory Show. Выставка, изменившая ход истории

В 1913 году одна выставка навсегда изменила ход истории американского искусства. Сегодня известная как Armory Show Международная выставка современного искусства, прошедшая в феврале — апреле в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне, впервые в истории США представила публике Нового Света все наиболее прогрессивные течения конца XIX и начала XX века, включая фовизм, кубизм и футуризм.

Armory Show. Вид экспозиции в здании арсенала 69-го нью-йоркского пехотного полка Национальной гвардии. 17 февраля – 15 марта 1913. Фото: Перси Рейнфорд

Чтобы понять революционность этого события, нужно представить себе мир искусства в США в начале прошлого века. Сегодня кажется почти невероятным, что в Нью-Йорке в то время было лишь несколько галерей, работавших с художниками, большинство из которых имело очень слабое представление о том, что произошло за последние тридцать лет в художественном мире. Американское искусство тех лет тяготело к реализму, и в станковой живописи доминировали пейзажи, портреты и жанровые сцены с бытовыми и политическим сюжетами.

В январе 1912 года три художника — Уолт Кун, Вальтер Пак и Артур Дэвис — объединились в профессиональную коалицию, целью которой было «не следование предпочтениям публики, а формирование ее художественного вкуса». Очень скоро к ним присоединились еще двадцать коллег по цеху. Первый год своего существования коалиция посвятила организации самой крупной выставки современного искусства в Нью-Йорке, которая затем должна была последовать в Чикаго и Бостон.

В сентябре 1912 года Уолт Кун отправился в длительное путешествие по городам Европы, чтобы собрать работы для Armory Show. Он посетил Плимут и Гамбург, Кельн и Дюссельдорф, Гаагу и Амстердам, Берлин и Мюнхен, Париж и Лондон. На некоторых этапах ему помогали его коллеги Вальтер Пак и Артур Дэвис. Благодаря тому, что Уолт ежедневно писал своей жене, сегодня известны все подробности этого авантюрного путешествия, в результате которого художникам удалось собрать 1250 работ. Главное целью Уолта было найти для выставки картины Ван Гога и Сезанна, которые должны были стать ключевыми экспонатами. В одном из писем жене Уолт сравнивал свое путешествие с работой коммивояжера, так как ему постоянно приходилось «продавать» идею выставки художникам, кураторам и владельцам галерей, убеждая их в необходимости этого мероприятия и предоставляя гарантии сохранности предоставляемых на выставку работ.

Armory Show была первой и единственной выставкой, организованной коалицией. На ней были представлены картины, скульптуры и декоративные работы 300 современных художников, включая Пабло Пикассо, Анри Матисса, Поля Гогена, Эдварда Мунка, Марселя Дюшана, Жоржа Брака, Огюста Ренуара, Клода Моне, а также по одной работе Василия Кандинского и Эрнста Людвига Кирхнера.

Работы американских художников составляли треть от всей экспозиции. Большинство из этих авторов знамениты сегодня в США, но на тот момент были никому не известны. Среди них — Марсден Хартли, Джон Марин, Джозеф Стелла, Эдвард Хоппер, Стюарт Дэвис и Чарльз Шилер.

Официально выставка начала работу 17 февраля 1913 года и продлилась до 15 марта. Уже за несколько дней до ее открытия пресса начала бурное обсуждение, а после вернисажа газеты и журналы освещали Armory Show как нечто не только удивительное, но и шокирующее. В течение всего месяца работы выставки ей посвящалось множество статей, каждая из которых пыталась дать новое понимание и объяснение тому, что там демонстрировалось. Заголовки в прессе пестрили словами «экстраординарная», «сенсационная», «революционная», при этом если одни авторы колебались в оценках, высоко ставя одни произведения и насмехаясь над другими, называя их мусором, то другие не скрывали своего непонимания и негативного отношения ко всему увиденному. Так, заголовок статьи New York Tribune, посвященный выставке, гласил: «Значительное событие, несмотря на причудливый абсурд», а в статье в New York World сообщалось, что после посещения Armory Show автора статьи «ждала психиатрическая больница». Многими критиками выставка была названа «футуристической», хотя на ней присутствовала всего одна работа, относящаяся собственно к футуризму.

Отношение критики к выставке было хорошо показано на известной карикатуре того времени «Неподготовленный критик посещает Международную выставку современного искусства», где на пяти зарисовках изображается пять эмоций некоего критика: от удивления и недоумения до шока, после которого его отвозят на «скорой помощи» в известную нью-йоркскую психиатрическую клинику Бельвью. Вообще карикатур, посвященных выставке, создавалось множество, о ней сочинялись и анекдоты, пользовавшиеся большой популярностью.

Большинство критиков были так же изобретательны в своих комментариях к происходящему, как и искусство, показанное на выставке. Так, «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» Дюшана сравнивалась с взрывом на кровельной фабрике, но особенно доставалось Матиссу, и прежде всего его «Голубой обнаженной» (1907). Этой картине был посвящен отдельный анекдот, в котором американский художник-академист говорит о том, что критики просто боятся писать правду об изображенном чудовище, и рекомендует привязать Матисса к позорному столбу. Впоследствии эта работа была приобретена известными коллекционерами сестрами Коун, а сегодня она находится в Музее искусств Балтимора. В историю также вошла цитата Теодора Рузвельта, на тот момент уже бывшего президента США, который прокомментировал увиденное словами: «Это не искусство».

Несмотря на обилие негативных оценок, были и положительные отзывы, а также серьезные и внятные анализы новых тенденций. Один из таких примеров — статья в Sunday Tribune, где говорилось, что «радикальные художники правы. Они показали нам поиск новой красоты, они стремятся найти новые версии истины». Активный интерес прессы привел к тому, что Armory Show пользовалась феноменальным спросом у публики, и посещаемость превысила все ожидания организаторов. По некоторым оценкам, ее посетили около 87 тыс. человек.

Читать еще:  Фигуративная живопись. Stephen Mitchell

Продажи работ также были впечатляющими. Бурно обсуждаемая в прессе «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» была приобретена дилером из Сан-Франциско за $320, что на сегодняшний день эквивалентно $7500. Дюшан на тот момент был молодым и неизвестным художником, так что это была для него очень хорошая сделка. В 1954 году «Обнаженная» стала частью коллекции Музея искусств Филадельфии. Лилли Блисс, чье собрание легло в основу Музея современного искусства в Нью-Йорке, приобрела двадцать работ, включая произведения Сезанна, Дени, Гогена, Ренуара и Вюйара. Среди покупателей были также и другие известные коллекционеры — Генри Фрик, чье собрание работ стало основой музея Коллекции Фрика, и Альфред Барнс, основатель Фонда Барнса — по сути образовательной институции для молодых художников. Музеи, как всегда, были более консервативны: первым модернистом, попавшим в американский музей, оказался Сезанн, работа которого «Вид поместья Сен-Жозеф» была приобретена Музеем Метрополитен.

Вскоре после выставки 1913 года начали открываться галереи, специализировавшиеся на новом искусстве. Изменения во вкусах публики, отказ многих коллекционеров от приобретения академического искусства и смещение их интересов в сторону модернизма считаются главным достижением Armory Show. По словам историка американского искусства Милтона Брауна, выставка «пробила твердую стену рынка “старых мастеров” и открыла новую эпоху коллекционирования в США. Стало очевидно, что на такое искусство есть покупатели, и очень скоро появились дилеры, готовые его продавать». Новые течения европейского искусства вдохновили и американских художников, ранее связанных по рукам и ногам академической школой.

«Новая» ежегодная ярмарка Armory Show, названная в честь легендарной выставки 1913 года, была открыта в 1999 году и сегодня считается одной из крупнейших международных арт-ярмарок в мире. Она заняла ту же площадку, что и вошедшая в историю предшественница — здание арсенала 69-го пехотного полка на Лексингтон-авеню. Через несколько лет ярмарка сменила адрес и сегодня располагается на двух пристанях в западной части Манхэттена, одна из которых посвящена искусству ХХ века, а вторая — современному искусству.

Скрытые смыслы 9 всемирно известных картин, которыми гордится Музей современного искусства Америки

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Тонущая девушка, Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн первоначально работал в кубизме и абстрактном экспрессионизме, прежде чем перейти к поп-арту, жанру, в котором он оставил свой след. Одной из самых выдающихся работ Лихтенштейна является картина «Тонущая девушка» (также известная как «Секретные сердца» или «Мне плевать! Я предпочту утонуть»).

Метод рисовки и способ выражения мыслей, чувств и переживаний придают картине вид страницы комикса. Героиня предстаёт жертвой несчастной любви, которая скорее утонет, чем обратится за помощью к своему возлюбленному. «Тонущая девушка» была описана как шедевр мелодрамы, и это самая известная картина Лихтенштейна после «Бу-ух!» Начиная с 1971 года «Мне плевать. » входит в постоянную коллекцию Музея современного искусства.

2. Влюблённые, Рене Магритт

Бельгийский художник Рене Магритт наиболее известен как один из лидеров влиятельного художественного движения XX века — сюрреализма. На этой картине изображена мужская фигура в чёрном костюме, заключенная в объятия с женщиной, одетой в красное. Фигуры целуются друг с другом, но, что интересно, через вуали, и это то, что делает картину наводящей на размышления, как и многие другие работы Магритта.

Есть несколько интерпретаций «Влюблённых», в том числе это изображение нашей неспособности полностью раскрыть истинную природу, даже находясь в объятиях друг друга. Лица, скрытые от постороннего взгляда — это общая черта многих картин Магритта. Когда ему было четырнадцать лет, его мать покончила с собой, утонув. Он видел тело своей матери в мокрой ночной рубашке, обернутой вокруг её лица, и некоторые предположили, что эта травма привела его к тому, что он показывал затемнённые лица в своих работах. Однако художник отрицал это.

Даже на сегодняшний «Влюблённые» — одно из самых популярных и наиболее анализируемых произведений Рене Магритта, которое заставляет над многим задуматься.

3. Буги-Вуги на Бродвее, Пит Мондриан

Геометрическая абстракция — это форма абстрактного искусства, основанная на использовании геометрических форм. Пит Мондриан ввёл термин неопластицизм для своих абстрактных картин, фишкой которых была прямая линия, три основных цвета и нейтральные оттенки: чёрный, белый и серый.

Вдохновлённый городской сеткой (схема улиц) Манхэттена и бродвейской музыкой буги-вуги, он создал своё последнее, законченное произведение искусства, под названием «Буги-Вуги на Бродвее». Картина считается вершиной репрезентации художника с использованием его неподражаемого стиля, включающего в себя линии, квадраты и основные цвета. Она символизирует кульминацию его стилистического новаторства и является одной из самых выдающихся и важных работ в школе абстрактной геометрической живописи.

4. Мир Кристины, Эндрю Уайет

Эндрю Уайет был одним из самых известных американских художников середины ХХ века. Его точные реалистические взгляды на сельскую жизнь стали иконами американской культуры и бросили вызов природе современного искусства в стране, которое было в основном абстрактным. Его шедевр «Мир Кристины» входит в число самых известных американских картин середины ХХ века. На картине изображена женщина, лежащая на поле и смотрящая на серый дом на горизонте.

Главная героиня данной работы — Анна Кристина Олсон, которая была соседкой Уайета в Южном Кашинге, штат Мэн, и страдала от дегенеративного мышечного расстройства, которое мешало ей ходить. Художник был вдохновлён на создание шедевра, когда увидел, как она ползёт через поле, наблюдая за происходящим из окна. Хотя он получил мало внимания на первом показе, «Мир Кристины» с каждым годом набирал всё большей популярности. В настоящее время он считается иконой искусства и одним из самых важных произведений американского реализма.

5. Авиньонские девицы, Пабло Пикассо

Первоначально названный Le Bordel d’Avignon (бордель Авиньона), этот революционный шедевр считается одной из самых влиятельных картин ХХ века, поскольку он сыграл ключевую роль в развитии как кубизма, так и современного искусства. Это был радикальный отход от традиционной европейской живописи.

Пикассо использовал разные стили для изображения каждой фигуры на картине, причём голова женщины, задёргивающей занавес в правом верхнем углу, была самым строгим кубистическим элементом. Картина вызывала споры не только своим радикальным стилем, но и сюжетом. Впервые она была выставлена на всеобщее обозрение в 1916 году, и её название было изменено, чтобы уменьшить её скандальное влияние.

Авиньон в названии произведения — это отсылка к улице Барселоны, известной своим борделем. Здесь он мастерски изобразил пять обнажённых проституток в смущающей конфронтационной манере. Работа «Авиньонские девицы» считается одним из самых важных произведений Пабло Пикассо. Музей же приобрёл картину за двадцать четыре тысячи долларов, и теперь она представляет собой одну из его ключевых достопримечательностей.

6. Постоянство памяти, Сальвадор Дали

Пожалуй, картина «Постоянство памяти», на которой изображены расплавленные часы, что, медленно тая, стекают с ветки и не только, считается одной из самых популярных и противоречивых работ Дали. По одной из версий, художник сочетает в ней концепцию твёрдости и мягкости, где первое – реальность, а второе – разум.

Читать еще:  Черные женщины. Ann Balch

И совсем неудивительно, что это произведение искусства бесконечно подвергается тщательному анализу, поскольку художник никогда не вдавался в подробности и смысл, заложенный в изображение. Некоторые искусствоведы предполагают, что тающие часы – бессознательный символ относительности пространства и времени, в то время, как другие придерживаются версии, связанной со смертью и разложением.

7. Звёздная ночь, Ван Гог

Ван Гог, страдавший душевной болезнью, поступил в психиатрическую лечебницу Сен-Поль в небольшом французском городке Сен-Реми-де-Прованс. И несмотря на то, что данное произведение искусства было написано в разгар дня, на нём запечатлена ночь, а точнее вид из окна комнаты клиники, в которой находился художник.

По одной из версий «Звёздная ночь» олицетворяет неподдельный интерес Винсента к астрономии. Исследование, которое было проведено одной из обсерваторий, дало заключение о том, что на картине изображена Луна, Венера и несколько звёзд точь-в-точь, как в ту самую ясную ночь.

Картина много анализировалась различными искусствоведами, находившими в ней символические элементы. «Звёздная ночь» — одно из самых узнаваемых произведений в истории западного искусства. Она широко упоминается в популярной культуре, в том числе в известной песне Дона Маклина под названием «Винсент». Это, безусловно, самая легендарная картина Винсента Ван Гога, которая считается одним из величайших произведений современного искусства, входящего в постоянную коллекцию Музея Современного Искусства.

8. Девушка перед зеркалом, Пабло Пикассо

Пабло Пикассо был одним из самых узнаваемых и величайших художников всех времён. На этой картине изображена Мари-Тереза Вальтер, любовница и модель легендарного живописца в период с 1927 по 1935 год. Молодая Мари-Тереза была одним из любимых сюжетов Пикассо в начале 1930-х гг.

Картина «Девушка перед зеркалом» изображает её красивой и накрашенной с одной стороны, в то время как с другой стороны её лицо потемнело, а тело и вовсе утратило пропорции, исказившись и искривившись.

Данное произведение известно своими разнообразными интерпретациями. Некоторые критики предполагают, что это изображение олицетворяет противостояние внешнего и внутреннего «Я» главной героини. Другие считают, что маэстро пытался передать и запечатлеть скоротечность времени и быстротечность жизни на примере возлюбленной натурщицы.

9. Банки с супом Кэмпбелл (Томат), Энди Уорхола

Одно из самых популярных и узнаваемых произведений поп-арта, «Банки с супом Кэмпбелл», состоит из тридцати двух полотен, по одному на 32 сорта, предлагаемых компанией в то время. Подобное искусство привело к тому, что поп-арт стал крупным художественным движением в США. Некрасивый стиль и коммерческая тематика живописи изначально вызывали обиду, поскольку оскорбляли технику и философию абстрактного экспрессионизма, тогдашнего доминирующего стиля в Америке.

Последовавшие за этим споры о достоинствах и этике такой живописи, лишенной эстетики и мистических наклонностей абстрактных экспрессионистских произведений, вызвали бурю возмущения в американском художественном мире. Это сделало Энди Уорхола ведущим и самым известным художником поп-арт-движения, которое оказало огромное влияние на западный художественный мир в целом.

В продолжение темы об искусстве, читайте также о том, чем же закончились самые дерзкие ограбления в мире, о которых до сих пор говорят.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Королева ночи Мишель Лами. Муза, творец, боксер или просто самая эпатажная француженка в мире?

Она — жена культового дизайнера Рика Оуэнса. Она — целая вселенная. Загадочная и умная Мишель Лами, чья харизма привлекает к ней легионы поклонников и сотни звездных друзей со всей планеты, легко относится к славе и деньгам. Она единственная в своем роде, настоящая культовая фигура в мире высокой моды, чей внутренний мир богат контрастами и самыми невероятными идеями. Но что мы о ней знаем?

Люди, которые не знают Мишель Лами, обычно называют ее «ведьмой». Несомненно, ее покрытые хной черные пальцы, щедро украшенные драгоценностями, а также пронзительно блестящие глаза на морщинистом темном лице создают пугающее и даже колдовское впечатление.

Но больше всего завораживает окружающих вовсе не ее загадочная внешность. Обычно люди ходят, а Лами, кажется, скользит. У нее неприятный скрипучий голос и ярко выраженный французский акцент. Несмотря на то что Мишель прожила в Лос-Анджелесе с 1979 по 2003 год, она так и осталась миниатюрной (и очень странной) француженкой.

Про Лами говорят, что она неприятный собеседник. Ход ее мыслей сложно понять, так как он часто сбивается и теряет нить повествования. Она открыто называет рэперов современными поэтами, что для людей ее поколения само по себе уже очень странно, ведь Лами недавно отметила 76-летие.

Также Мишель часто смотрит на собеседников с высока и с изрядной долей презрения, если считает, что тема, которую затронул ее оппонент, довольно глупа. Но в то же время она открыта, дружелюбна и отличается потрясающим чувством юмора. Женщина — контраст.

Дети, которые видят ее впервые, сначала пугаются, но уже через пару минут обнимают Лами как родную и отказываются прощаться с ней. Очаровательная женщина во всех отношениях.

Мишель Лами родилась в 1944 году во французском городе Юра, в алжирской семье, имевшей богатый опыт работы в индустрии моды. Ее дедушка делал аксессуары для одного из самых известных кутюрье Франции Поля Пуаре.

В эпоху хиппи в 1960-е и 1970-е годы Лами работала адвокатом, обучаясь у философа постмодерна Жиля Делеза. Она участвовала в акциях протеста в мае 1968 года в Париже. Затем работала танцовщицей кабаре и активно гастролировала по Франции, прежде чем переехать в Соединенные Штаты Америки в 1979 году.

Переехав в Нью-Йорк, а затем поселившись в Лос-Анджелесе, Мишель создала модный бренд Lamy и открыла два культовых ресторана/ночных клуба — Café des Artistes и Les Deux Cafés, где вечерами сама пела для гостей.

В 1996 году вместе со своим первым мужем режиссером Ричардом Ньютоном она олицетворяла собой ночной жизни Лос-Анджелеса конца двадцатого века. Ее татуировки и позолоченные зубы были неким символом и напоминанием о ее первой поездке в Северную Африку в 17-летнем возрасте.

Активно занявшись модой, Мишель наняла Рика Оуэнса, который впоследствии стал ее деловым партнером, а затем и мужем. В 2003 году Лами и Оуэнс уехали из Лос-Анджелеса, чтобы поселиться в Париже, а в 2006 году они поженились. Мишель на тот момент было 62 года, а Рику 44 года.

В 2004 году пара основала собственную модную компанию Owenscorp. Эту пару сложно назвать простыми супругами. Лами является музой и движущей силой для Оуэнса. Пока он занят одеждой, Мишель производит мебель, украшения, записывает музыкальные альбомы со своей группой LAVASCAR и снимается в музыкальных клипах.

В течение двух лет Лами занималась организацией арт-проекта под названием Bargenale, буквально превратив баржу в инсталляцию, сочетающую музыку, еду и искусство… Все это было представлено во время Венецианского биеннале.

Мишель без особых усилий втягивает в свою работу совершенно разных людей. Кросс-культурная привлекательность Лами объясняет, почему она сама по себе уже является определением современной культуры. Не совсем художник в традиционном смысле слова, она наделена творчески всеядным умом. Именно он позволил Мишель создать собственную творческую вселенную под названием Lamyland.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector