Современное искусство: из галерей на улицы и обратно

Современное искусство: из галерей на улицы и обратно

Галереи современного искусства в Москве

Большую важность для искусства представляют арт-пространства, в которых современные творцы открывают миру свои имена. Мы подготовили обзор галерей, которые будут особенно интересны с точки зрения новых направлений не только любителям, но и коллекционерам.

Галерея «Современные художники» 0+

«Современные художники» — место, где можно увидеть и приобрести картины талантливых авторов, узнать много нового о мире искусства и даже выставить собственное произведение.

Арт-галерея «Толстой» 16+

Новое арт-пространство появилось на карте Москвы в июне 2016 года. Галерея открылась в Хамовниках в жилом комплексе «Литератор» на улице Льва Толстого по соседству с усадьбой писателя. Но, вопреки ожиданиям, владельцы делают ставку не на русское искусство, а на современных европейских творцов. Галерея создана благодаря многолетнему увлечению искусством её основателей и дружбе с итальянскими, французскими, швейцарскими художниками и скульпторами.

Галерея «Треугольник» 16+

Галерея открылась в начале 2015 года на «Винзаводе» необычной выставкой, где центральной фигурой был треугольник. Основное направление деятельности арт-точки — открытие новых имён в российском и зарубежном искусстве. Команда искусствоведов и галлеристов «Треугольника» уверена, что современных художников нужно обязательно показывать. Только так у молодых творцов есть возможность построить свою карьеру не только в нашей стране, но и за рубежом. Вход в галерею свободный.

Центр современного искусства «МАРС» 0+

Известная в культурном сообществе с конца 90-х галерея МАРС в 2015 году перешла на новый формат и преобразилась в одно из самых современных и ярких арт-пространств Москвы. Сейчас в стенах Центра базируются диджитал- и медиавыставки, которые предполагают сложные инсталляции с использованием мультимедийных средств. МАРС открывает новый мир виртуальной реальности как особого направления искусства.

Osnova Gallery 16+

«Основа», как и многие начинающие галереи, нашла себе место на «Винзаводе». Основатели говорят, что их миссия — показывать гостям и современным художникам новые стили и направления в искусстве, а также помогать продвижению молодых и талантливых российских творцов. Главное при этом, чтобы произведения были интересны для критиков и коллекционеров. Открывать новое всегда сложно, но перспективно, поэтому в арт-пространстве всегда есть место разным формам и форматам.

Галерея ArtStory 16+

В отличие от многих галерей современного искусства в ArtStory особое внимание уделяют исторической роли деятелей искусства. Здесь можно найти коллекции работ отечественных художников различных лет и направлений, но основное место занимает русский авангард. В четырёх выставочных залах галереи проводятся не только выставки, но и лекции, мастер-классы, показы фильмов. В ArtStory есть место как известным, так и пока ещё не знакомым именам.

Галерея XL 16+

Уже более десяти лет на «Винзаводе» обитает одна из старейших и значимых галерей современного искусства в Москве и России. Галерея XL специализируется на творчестве российских художников разных поколений. В её афишах появляются выставки известных московских концептуалистов и только начинающих свой творческий путь молодых художников.

Gary Tatintsian Gallery 12+

В своей московской галерее Гари Татинцян знакомит зрителей как с ярчайшими представителями зарубежного современного искусства, так и с российскими авторами. Особенно часто в Gary Tatintsian Gallery можно увидеть арт-инсталляции, вступающие в диалог с реальностью. Вход на выставки свободный, но на большинство из них пустят только совершеннолетних посетителей.

VP Studio 16+

Галерея под руководством арт-директора Веры Погодиной начала работу в 2000 году. Прежде всего она представляет работы московских художников, связанных с московской школой концептуализма, а также приверженцев актуального искусства из Москвы и Петербурга. В галерее регулярно проходят персональные выставки. Некоторые работы, представленные в VP Studio, участвовали в выставках в Третьяковке. Попасть в галерею можно по предварительному согласованию с администрацией по телефону +7 (985) 295-31-22.

Мы разрушим музеи

Стрит-арт стал истинным искусством XXI века

Сначала это называлось хулиганством: первые граффити на стенах и вагонах метро, жалобы в полицию и обвинения в вандализме. Уличных художников преследовали, штрафовали, их дома обыскивали, но стрит-арт постепенно эволюционировал в этой борьбе, к концу XX века стал модным, а в начале XXI — обрел признаки большого искусства. Сегодня, когда работы Бэнкси продаются на аукционах за десятки тысяч долларов, стрит-арт оказался единственным достойным ответом консервированным акулам и бриллиантовым черепам.

В середине апреля в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе открылась первая в США крупная выставка стрит-арта — «Искусство улиц» (Art in the Streets). Эта выставка стала одним из главных культурных событий года не только в Лос-Анджелесе, но и вообще в США: в первые десять дней работы ее посетили 20 тысяч человек, а открытие выставки сопровождалось десятками публикаций в СМИ. Выставку с восторгом встретила не только публика, но и музейщики — директор одного из лос-анджелесских музеев классического искусства заявила: «Я заранее ненавидела эту выставку, но она оказалась просто потрясающей».

Ликование музейщиков связано прежде всего с тем, что стрит-арт был извлечен из естественной среды и помещен в понятный им контекст. Как только работа, даже самая провокационная, попадает в музей, она автоматически делается неприкасаемой, легитимизируется, как ругательство, еще вчера запретное, а сегодня включенное в толковый словарь. Контекст этот, хотя и помогает взглянуть на искусство объективно, дает ложное ощущение справедливости восприятия, к чему — как к успеху и признанию — стрит-арт никогда не стремился.

В начале 1970-х годов граффити начинает широко распространяться в Нью-Йорке. Это время пионеров стрит-арта — таких персонажей, как Julio 204 и Taki 183. Они, как и первые их последователи, просто оставляли на стенах и заборах свои подписи — сначала в своем районе, а затем и в других частях города. Со временем между нью-йоркскими граффитистами началось соперничество, побудившее их придумывать все более оригинальные способы оставить память о себе в общественных местах. Так возник стиль граффити, и так появились первые уличные художники.

Работы французского художника Space Invader. Фото с сайта thestupidmammals.com

Примерно в это же время Blek le Rat, познакомившийся с граффити во время поездки в Нью-Йорк в 1971 году, начинает рисовать в Париже. Он идет дальше простых подписей и придумывает использовать для своих работ трафарет, с тех пор ставший одним из основных инструментов уличных художников. Самый известный современный представитель стрит-арта Бэнкси в интервью не раз признавал, что из всех художников сильнее всего на него повлиял именно Blek le Rat. Этот художник работает до сих пор — в 2006 году в Лондоне состоялась его первая персональная выставка.

В середине 1970-х в нью-йоркском стрит-арте появляются первые художники в полном смысле этого слова — Ли Киньонес и Жан-Мишель Баскиа. Киньонес, разрисовывавший старые машины и целые вагоны нью-йоркского метро, стал одним из главных участников первой выставки стрит-арта в Америке, состоявшейся в Вашингтоне в 1981 году. Что касается Баскиа, то в 1980-х годах он стал одним из первых представителей стрит-арта, превратившихся в серьезных художников, признанных арт-сообществом. Сейчас стоимость его работ на аукционах достигает 14 миллионов долларов.

Читать еще:  Смысл и язык. Bazevian

Однако случай Баскиа был, скорее, исключением — в то время как хулиганский характер его ранних работ со временем изменялся и он все больше склонялся к неоэкспрессионизму, искусство стрит-арта продолжало развиваться в другом направлении и получало все более широкое распространение. Постепенно уличные художники уходили от граффити (которое сейчас уже почти перестало ассоциироваться со стрит-артом) и, уже в 1990-х, вслед за трафаретами стали использовать постеры и стикеры, видеоарт и даже устраивать инсталляции. Это время стало для стрит-арта временем нового поколения художников — Бэнкси, Шепарда Фейри, Ces53, Space Invader, 108, Ash и многих других.

Одной из наиболее характерных черт стрит-арта всегда была анонимность. Сама идея уличного искусства — показать свою работу как можно большему числу людей, использовать общественные места для выражения своих идей или для того, чтобы заставить человека задуматься, не предполагала акцента на авторстве. Поэтому имен многих, даже самых известных уличных художников, до сих пор не знает никто, и прежде всего это относится к Бэнкси.

Несмотря на то что Бэнкси стал настоящей суперзвездой стрит-арта, его работы продаются на торгах крупнейших аукционных домов, а снятый им документальный фильм «Выход через сувенирную лавку» был номинирован на премию «Оскар», все, что известно о нем на сегодняшний день, — он англичанин и родился в Бристоле. Работы Бэнкси можно найти как в его родном Бристоле, так и в некоторых других городах — прежде всего в Лондоне и Лос-Анджелесе, а также на Израильском разделительном барьере.

Трафарет Шепарда Фейри. Иллюстрация с сайта obeygiant.com

Работы Бэнкси обладают всеми признаками искусства как творческого воспроизведения действительности — они талантливы, злободневны и остроумны. Он не только популярен, но и коммерчески успешен — за последние годы на аукционах было продано работ Бэнкси на общую сумму более полумиллиона фунтов стерлингов (не считая «подправленной» им работы Дэмиена Херста «Keep It Spotless», проданной за 1,9 миллиона долларов).

Мало кто из представителей стрит-арта может похвастаться такой репутацией. Одним из немногих сравнимых по масштабу с Бэнкси художников является американец Шепард Фейри. Он приобрел широкую известность благодаря работе «Obey», изображающей рестлера Андре Гиганта, и, не в последнюю очередь, как создатель знаменитого постера «Hope» для предвыборной кампании Барака Обамы.

Как бы то ни было, и Фейри, и Бэнкси — исключения из общего правила: большинство самых известных уличных художников нельзя назвать знаменитостями. Это, например, и Space Invader, который клеит мозаичных космических захватчиков по всему миру, и итальянец Blu, и американец Above, и многие другие. Они не стремятся к признанию, но привлекают внимание публики, а затем и арт-галерей; что немаловажно, именно в такой последовательности.

Основные центры стрит-арта — это, конечно, Нью-Йорк, Париж (Space Invader и Zevs) и, благодаря Бэнкси, Бристоль; в этих городах работает больше половины известных уличных художников. Как ни странно, кроме Нью-Йорка, стрит-арт в США распространен только в Лос-Анджелесе, где живут Mear One и Шепард Фейри. Зато в Европе стрит-арт активно развивается, прежде всего в Берлине, Лондоне и в ряде итальянских городов (например, в Болонье, на родине Blu).

Помимо Европы и США, в мире существует только три крупных города, представляющих интерес для любителей стрит-арта, — это Мельбурн, Сан-Паулу и Буэнос-Айрес. Причем в аргентинской столице, что в историческом контексте большая редкость, власти не только не противостоят уличному искусству, но даже поддерживают его. В России стрит-арт находится в зачаточном состоянии, хотя ряд более-менее известных художников есть и у нас — это в первую очередь команда «Зачем» и Zuk Club.

Вне зависимости от того, какие цели преследуют уличные художники — политическая агитация, донесение до людей собственных идей, высказывание на актуальную тему или просто самовыражение, стрит-арт представляется искусством, которое лучше всего отвечает тенденциям времени. Наподобие того как камерные оркестры дают уличные концерты, уменьшая расстояние между слушателем и музыкой, искусство из галерей и музеев перемещается в город, становясь бесплатным, общим и одновременно ничьим.

В сравнении с тем, что сейчас принято называть современным искусством — взращенными влиятельными галеристами вроде Чарльза Саатчи и Ларри Гагосяна художниками наподобие Дэмиена Херста и Джеффа Кунса, стрит-арт лишен избыточности искусственных смыслов. Это искусство, критерии качества которого определяются исключительно вкусом зрителя, и ничьим больше, поэтому его нельзя заподозрить во лжи. Говоря о взаимоотношениях стрит-арта с традиционным арт-сообществом, директор Музея современного искусства в Лос-Анджелесе и организатор выставки «Искусство улиц» Джефри Дейтч заявил, что уличные художники сделали шаг вперед.

«В будущем, как показывает пример Шепарда Фейри, искусству не нужны будут критики, журналы, музеи и галереи в их нынешнем виде, потому что художники нашли способ доносить свое искусство до людей напрямую. Бэнкси лучше, чем кто-либо, изучил методы Мальколма Макларена, историю ситуационизма. Он понимает, как создать шумиху в СМИ и как снять фильм, который номинируют на ‘Оскар’. Ему не нужно рассылать свои портфолио по галереям, ходить на открытия выставок и обхаживать критиков. Он нашел способ выйти за пределы этой системы».

Зачем городу современное искусство

Одним из самых ярких гостей Московского урбанистического форума в этом году стал «господин из Сан-Франциско», директор по региональному развитию фестиваля Burning Man. Стивен Распа выступал и на самом форуме, и перед московским сообществом «бернеров», рассказывая, благодаря чему устроенный парой художников перформанс разросся за 30 лет во всемирное движение и как использовать этот опыт, чтобы сделать жизнь в современных мегаполисах лучше. После одной из таких встреч МОСЛЕНТА выяснила у Распы, зачем выставлять арт-объекты на московских улицах и как должен выглядеть символ российского фестиваля Burning man.

Стивен Распа, директор по региональному развитию фестиваля Burning Man

Искусство — улицам и площадям

— Говоря об опыте взаимодействия сообщества Burning Man с властями Сан-Франциско, вы рассказывали, как в результате этого диалога в городе появились парклеты и «площадки временного искусства». У вас было достаточно времени, чтобы посмотреть Москву, что можете порекомендовать нашим сообществам и активистам? За какие пространства в городе стоит взяться, на что обратить внимание в первую очередь?

Мне очень понравилось, что у вас много зелени в городе, много парков, это отличные пространства для общения и всевозможных активностей. Не представляю себе, может в Москве и есть районы, где надо добиваться дополнительного озеленения и создания общественных пространств, наша история с парклетами строилась именно вокруг того, что в Сан-Франциско таких пространств не хватает.

Читать еще:  Художница и иллюстратор. Babs Tarr

У вас отличное метро, просто фантастическое, но все же в городе у людей должна быть возможность не только ездить на транспорте или на машине, но еще и ходить по улицам, ездить на велосипедах.

Здесь, по-моему, вам есть над чем поработать, особенно в вопросе создания удобной городской инфраструктуры для велосипедистов.

И, конечно же, я думаю, что вам стоит продвигать инициативу по созданию пространств, на которых, сменяя друг друга, выставлялись бы объекты современного искусства. Город должен выставлять работы местных художников, которые живут здесь сегодня, вдохновляться ими, находиться с ними в состоянии диалога. Традиционные скульптуры в парках и памятники на площадях – это, конечно, хорошо. Но такого классического формата репрезентации искусства в городе явно недостаточно, чтобы показывать, какие произведения рождаются в Москве «здесь и сейчас», в ответ на то, как выглядит окружающая реальность, на те события, которые происходят вокруг.

Я побывал в музее современного искусства «Гараж» и других художественных пространствах. И те местные художники, с которыми мне удалось пообщаться, говорили, что их искусство Москвой, похоже, не оценено и не востребовано, потому что в городской среде не проявлено, а выставляется только в музеях, галереях.

Может, пока в Москве нет таких площадок для выставления современного искусства, как в Сан-Франциско, вам стоит делать разовые мероприятия? Например, проводить бесплатные фестивали в парках, где будут выставляться работы художников: пускай временно. Хотя, конечно, лучше для таких мероприятий подошло бы популярное у горожан место в центре, такое пространство, которое в античных городах называлось «форум».

Зачем городу современное искусство

— Объясните, для чего это стоит делать? Потому что, уверен, многие москвичи считают, что раз до сих пор город обходился без таких пространств и площадок, то и дальше мы без них как-нибудь проживем.

Любому городу нужна связь с актуальным искусством, которое в нем рождается. Когда эта связь есть, искусство украшает город, задает идентификацию тем районам и кварталам, где можно увидеть эти произведения.

На встрече с представителями русского сообщества Burning man в Мультимедиа арт музее я рассказывал о нашей временной световой инсталляции на мосту «Золотые ворота» в Сан-Франциско, которая так понравилась горожанам, что ее оставили там навсегда.

Всякий город должен обновляться, отвечать на новые вызовы времени, иначе он перестает развиваться. Поэтому я и говорю, что нужны хотя бы временные площадки для того, чтобы горожане могли соприкоснуться с современным искусством, а художники – показать, проявить себя.

Например, Burning man выполняет функцию такой площадки, позволяя художникам, работы которых не созданы по формату арт-рынка, не рассчитаны на продажу, делиться своим искусством, выставлять его. И мы счастливы, когда пространство нашего временного города Блэк-Рок Сити в пустыне Невады становится местом, где люди впервые осознают себя художниками, создают свои первые произведения.

Или начинающие скульпторы впервые выставляются и вдруг становятся известными благодаря тому, что их работы увидели, видео и фото с ними зашли в соцсети. Кроме того, уже состоявшимся художникам мы предоставляем возможность проявить себя по-новому, может быть в непривычной для них стилистике и манере, чего они в условиях своей обычной жизни и работы позволить не могут.

Коммунарский опыт из Невады

— Удивительно, что вы приехали из Штатов в Россию, где гигантский социальный эксперимент по воспитанию коммунаров и созданию коммунистического государства провалился, и рассказываете, как успешно реализуете по сути те же принципы в Блэк-Рок Сити в Неваде, где 70 тысяч человек 8 дней в году живут без денег, делая все сообща. Можете дать какие-нибудь рекомендации насчет того, как по-новому увидеть и применить те принципы совместной работы и проживания, от которых на территории бывшего СССР все уже давно отвернулись.

Не существует таких универсальных рекомендаций. В каждой стране, где существуют сообщества бернеров, наше движение приобретает свои формы и на первый план выходят вопросы и проблемы, актуальные именно там. Например, в ЮАР самым важным из наших 10 принципов стал первый — тотальное включение. То, что любой может стать одним из нас, и это не зависит ни от чего: ни от возраста, ни от цвета кожи, ни от политических взглядов.

Местные сообщества везде по-своему принимают и воплощают наши принципы.

Хорошей визуализацией этого является та центральная фигура, которую на разных региональных фестивалях бернеры возводят посреди лагеря, чтобы потом сжечь.

Ведь в год по миру проходит порядка 80 мероприятий наших локальных сообществ. Например, на Midburn в Израиле они создают фигуру, у которой из одного каркаса-туловища вырастают мужская и женская скульптура. В Корее тоже обычно делают двух людей, но там это стоящие рядом фигуры, а у «горящего человека» в ЮАР одно туловище, из которого растут много голов, рук и ног.

Тающий человек

— Кстати, у нас сообщество бернеров пока проводит только вечеринки Decompression, локального фестиваля еще не было. Как думаете, какую фигуру стоит сжигать в России? Мне кажется, у нас на сожжение большого количества древесины, пригодной для строительства или отопления, многие будут смотреть, как на непозволительную роскошь. А построить одну или много снежных фигур и потом разнести их или оставить таять — это вполне по-нашему.

Ну, во-первых, я бы не сказал, что идея «тающего человека» оригинальна — сообщества бернеров уже проводят локальные мероприятия, на которых строят снежного человека, как в Канаде, так и в США, в Питсбурге, кажется.

А что касается дерева – его не обязательно сжигать все без остатка. На самом деле в Блэк-Рок Сити мы предаем огню не все арт-объекты, что-то увозим с собой обратно в города. Часть дерева из демонтированного временного города мы отдаем на благотворительность. Burning man – самый большой жертвователь стройматериалов в программе строительства жилья для обездоленных в штате Невада.

— Если идея тающего человека уже отработана, тогда может русским бернерам стоит жечь огромное чучело Масленицы? Слышали про нашу Масленицу?

Конечно слышал. Связь с культурными традициями места важна, и это всегда интересно. Но подумайте вот о чем: наш американский «горящий человек», его фигура, не имеет за собой никакой истории, он ничего и никого конкретно не символизирует, не связан ни с какими ранее существовавшими традициями. И именно поэтому его так легко всем принять: каждый вкладывает в этот образ свои смыслы, придает ему свое наполнение.

Искусство, выросшее на улице: как пандемия отразилась на стрит-арте

Первые имена российского современного искусства у Дмитрия Пумпянского в Екатеринбурге

Арт-консультант Марат Гельман активно поработал во время карантина, создав три коллекции российского современного искусства. Одним из собраний, к которому приложил руку Гельман, стало собрание Дмитрия Пумпянского. Основанная более 10 лет назад коллекция из 1500 работ строго держала курс на региональное уральское искусство. Новые кураторы развернули угол обзора на 180 градусов — теперь это собрание художников Урала, Сибири в контексте всего современного искусства России и стран СНГ. Управляющая коллекцией Анна Пумпянская, арт-директор Sinara SA и глава представительства галереи «Синара Арт» в Женеве, в карантин времени не теряла.

Читать еще:  Современные художники Америки. Burton Silverman

По рекомендации Марата Гельмана Пумпянские купили в Америке несколько работ Кабакова и Меламида. В коллекции появились знаковые произведения Виноградова — Дубосарского, AES+F, «Синих носов», Олега Кулика, Эрика Булатова — всего 150 работ, из них часть из собрания самого Марата Гельмана. Как рассказала Forbes Анна Пумпянская: «В Женеве мы на перекрестке художественной жизни. Имеем возможность возвращать в Россию знаковые работы. Несмотря на пандемию, искусство летает через океан без всяких проблем». Женеву Пумпянские расценивают как плацдарм для продвижения молодых российских художников в Европе и Америке. Премьера пополненной и радикально обновленной коллекции Пумпянских намечена на февраль 2021 года. В Екатеринбурге, в «Синара-центре» (пространстве, созданном Дмитрием Пумпянским в 2019 году за 2 млрд рублей на руинах комплекса городской больницы начала XIX века) откроется экспозиция «Все это — вы!».

Паблик-арт у Сергея Галицкого в Краснодаре, у Александра Лебедева в Алуште и на выставке на Клязьме

В парке, примыкающем к стадиону «Краснодар» Сергея Галицкого, недавно появились два новых объекта авторства группы Recycle — «Геолокация» и барельеф «Искусственная среда». (Цены на крупные объекты Recycle начинаются от €60 000.) По сообщениям кубанских СМИ, решение о покупке работ в парк принял лично Сергей Галицкий. На вопрос Forbes о своем увлечении современным искусством Галицкий не ответил.

Александр Лебедев, собравший более 50 объектов уличного искусства для парка в своем отеле Château Gütsch в Люцерне, этой весной перевез значительную часть собрания в Алушту. Работы установлены на территории спа отеля «Море», принадлежащего Лебедеву, и на городской набережной, привлекая внимание туристов и к отелю, и к городу. Инвестиции в создание арт-парка Лебедев оценивает в 140 млн рублей. «В 2020 году мы заметили смещение фокуса интересов коллекционеров на уличные объекты. В разгар изоляции у нас купили две двухметровые стрит-скульптуры стоимостью около 1 млн рублей из проекта Сергея Шеховцова «Погром», — рассказывает Полина Толокова из галереи Jart. В сентябре галерея провела выставку «ЧА ЩА» на берегу Пироговского водохранилища, где было показано 42 уличных, точнее лесных, объекта. Самый большой интерес у коллекционеров вызвала инсталляция художника Димы Филиппова «Даль» (300 000 рублей).

Частные сады с outdoor-объектами

Соседка Александра Лебедева по Рублевке и его однофамилица, предпринимательница Марина Лебедева увлеклась outdoor-объектами в начале 2000-х годов. Ее коллекция развивается одновременно с формированием садов. Самый первый сад Лебедевой в подмосковной Жуковке занимает 2 га: 45 работ вписаны в садовый ландшафт и по-честному «работают» круглый год. Предмет особой гордости коллекционера — работы, участвовавшие в крупных мировых выставках, которые Лебедева разглядела первой. Например, инсталляция «Грачи прилетели» Николая Полисского была выставлена на архитектурной биеннале в Венеции в 2008 году, объекты Александра Шишкина-Хокусая — в российском павильоне на биеннале в Венеции в 2019-м. Работу Ирины Кориной, участника Венецианской биеннале, Лебедева купила на фестивале «Архстояние», а «Счастье не за горами» (€10 000) в ее саду стало первой официальной копией объекта художника Бориса Матросова, в 2009-м установленного в Перми.

«У нас долгое время не было культуры сада, — говорит Лебедева. — А сейчас, когда у всех дальние дачи, ближние дачи, Крым, Сочи, все хотят обустраивать свои сады». Сейчас Марина Лебедева вместе с ландшафтным дизайнером Александром Гривко развивает коллекции современного искусства в открытых для публики садах во Франции, Этрете и Пьерфоне, а также планирует открыть новый сад с коллекцией в Подмосковье.

После отмены карантина несколько заказов на большие объекты художника Игоря Шелковского (от €50 000) получила его галерист Алина Пинская. (Осенью 2019 года Алина и Дмитрий Пинские подарили три объекта Игоря Шелковского Третьяковской галерее.) Среди коллекционеров работ Игоря Шелковского — Ирина и Анатолий Седых, весной установившие скульптуру в своем саду.

Современное искусство: из галерей на улицы и обратно

Жесткие рамки классического искусства окончательно рухнули в начале прошлого века под напором великих Моне, Дали, Пикассо, Малевича и многих, многих других творцов, которые искали свой путь в искусстве. К концу 70-х годов ХХ века казалось, что все возможные новые направления исчерпаны, и можно только развивать уже существующие. Но постоянно меняющаяся жизнь подарила художникам новые возможности самовыражения: на улицах городов и во всемирной паутине.

Стрит-арт: разноцветный город

В Нью-Йорке 70-х зародилось новое направление в художественном творчестве – уличное искусство. Используя в качестве холста вагоны метро, стены зданий, заборы – уличные художники смогли вынести картины за пределы музеев и картинных галерей. Тогда же зарождаются основные направления:

стикер-арт – надписи сложными шрифтами;
мозаичные изображения;
трафаретное граффити;
инсталляции.

В восьмидесятые стрит-арт преодолел океан и распространился по Франции. Самым известным уличным художником в артистических кварталах Парижа стал BlekleRat. Его картины, часто выполненные в трафаретной манере, оказали огромное влияние на главную современную звезду уличного искусства – Бэнкси. Именно благодаря работам Бэнкси большинство людей смогли понять, что стрит-арт является настоящим искусством. Традиционный британский юмор в его картинах соседствует с серьезными злободневными вопросами, они рождают живой отклик в сердцах зрителей.

Картины из компьютера

Развитие компьютеров подарило художникам совершенно новые возможности и инструменты для творчества. Стала доступной любая обработка изображения с помощью графических редакторов. С помощью компьютерной графики художник может превратить обычный фотопортрет в настоящее произведение искусства — цифровое искусство. В направлении цифровое искусство работают художники на сайте https://oksart.ru/. Они создают портреты в стилях:

digital;
дизайнерский эскиз;
вектор;
цифровая живопись.

В результате работы получается классическая картина на холсте, которую можно вставить в раму и повесить на стену.

Объединение трехмерных технологий из компьютерной графики и стрит-арта было неизбежным. В самом начале это были маленькие рекламные картинки, завлекавшие покупателей в магазины. Но художники быстро поняли возможности открывающиеся перед ними, и стали создавать полотна площадью многие десятки квадратных метров. Произведения Эдгара Мюллера, Курта Веннера, Трейси Ли украшают собой улицы многих мегаполисов. Крупные торговые центры, отели, выставочные комплексы за большие деньги привлекают этих художников, чтобы они добавили чудо в интерьер их помещений.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector