Современные художники америки. Austin Parkhill

Современные художники америки. Austin Parkhill

Самые богатые и успешные художники современности

Самые богатые художники мира по версии ARTINFO

Джефф Кунс (Jeff Koons) современный американский художник. Известен своим пристрастием к китчу, особенно в скульптуре. Его работы входят в число самых дорогих произведений современных художников.

Он получил признание в 80-х годах, после чего создал студию-завод в Сохо (Нью-Йорк) Сейчас художник является президентом корпорации Jeff Koons LLC со штаб-квартирой в Нью-Йорк и 135 сотрудниками. Фактически это фабрика по производству предметов современного искусства — Кунс создаёт образы и модели на компьютере, а коллектив работает над их воплощением в материале.

В 1988 году Кунс сделал четыре скульптуры Майкла Джексона и его шимпанзе в натуральную величину окрашеные в золото. В 2001 году одна из них была продана за 5,6 миллона долларов. В 2007 году его работа Сердце была продана за $ 23,6 млн. на аукционе Сотбис и установила рекорд по самым дорогим произведением искусства, проданных на аукционе художника при жизни.

Дэмьен Стивен Херст (Damien Hirst) английский художник, предприниматель, коллекционер произведений искусства, а также самая знаменитая фигура группы Young British Artists доминирующая на арт-сцене с 1990-х годов.

Херст является самым богатым живущим художником в мире — на 2010 год его состояние оценивалось в £215 миллионов. Смерть — центральная тема в его работах. Наиболее известная серия художника — Natural History: мертвые животные (включая акулу, овцу и корову) в формальдегиде. Акула была продана в 2004 году за $ 12 млн.

Такаси Мураками современный японский художник, живописец, скульптор и дизайнер. Живёт и работает в Токио и Нью-Йорке.

Мураками известен своим сотрудничеством с Marc Jacobs по созданию сумок и других товаров для Louis Vuitton. В своих работах Мураками играет с такими противоположностями, как Восток-Запад, прошлое и настоящее, высокое и низкое, оставаясь при этом забавным и доступным. Его работы объединяют мир популярной японской современной культуры и исторической японской живописи.

В 2008 скульптура Такаси Мураками «My Lonesome Cowboy» (1998 г) была продана на аукционе Sotheby за $15.2 миллионов.

Аниш Капур (Anish Kapoor) скульптор, член группы «Новая Британская Скульптура», лауреат Премии Тернера.

Произведения скульптора как правило просты, имеют изогнутые линии, монохромны и ярко окрашены. Ранние работы часто были покрыты пигментом, который покрывал работу и пол вокруг нее. Порой работы Аниша Капура имеют зеркальную поверхность, отражающую и искажающую зрителя и окружение.

С конца 1990-х Капур создал ряд масштабных работ, включая Тарантара 35-метровое произведение, установленное в Baltic Flour Mills в Гейтсхеде, Англия и Марсий большая работа из стали и поливинила в Турбинном зале Галереи Тейт-Модерн. В 2000 г, одна из работ Капура Параболические воды, состоящая из вращающейся окрашенной воды, была показана в Лондоне. В 2001 г Зеркало неба, большое зеркальное произведение, которое отражало небо и окружающее пространство, было установлено в Ноттингеме.

Джаспер Джонс (Jasper Johns) современный американский художник.

Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Наиболее известная работа Джаспера Джонса «Флаг» (1954—1955), которую он нарисовал после сна об американском флаге.

Его работу порой относят к нео-дадаизму а не поп-арту, несмотря на то, что он часто использует образы массовой культуры. Ранние работы созданы с использованием таких простых образов, как флаги, карты, мишени, буквы и цифры. Трактовка поверхности часто сочная и живописная. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись.

В 1998 году Музе метрополитен в Нью-Йорке заплатил более 20 миллионов долларов за «Белый флаг» Джонса.В данное время Джаспер Джонс проживает в Коннектикуте и является самым дорогим здравствующим художником.

Брайс Марден (Brice Marden) — американский художник — минималист.

В Йеле Марден разработал формальные принципы, которые характеризовали его графику и живопись в последующие десятилетия: преобладание прямоугольных форматов, повторяющееся использование приглушенной индивидуальной палитры. Эти ранние монохромные работы покрыты толстым слоем энкаустики, открывая следы мастихина, сохраняя следы работы художника. Это отличает манеру Мардена от современников-минималистов, которые предпочитали индустриальное качество работ, к которым будто не прикасалась рука художника.

Джулиан Шнабель (Julian Schnabel) — американский художник и кинорежиссер.

Картины Шнабеля в основном очень большие, были сделаны наспех и отличались обилием материалов и стилей. В качестве холста художник часто использовал линолеум, бархат, звериные шкуры. Из картин выступали различные предметы. Например, оленьи рога, как на картине «Предыстория: Слава, Честь, Привилегия, Надежда», 1981 года. Шнабель создавал похожие на коллажи, с цитатами из старых мастеров, порой ребячливые картины.

Самые богатые и успешные художники современности

Самые богатые художники мира по версии ARTINFO

Джефф Кунс (Jeff Koons) современный американский художник. Известен своим пристрастием к китчу, особенно в скульптуре. Его работы входят в число самых дорогих произведений современных художников.

Он получил признание в 80-х годах, после чего создал студию-завод в Сохо (Нью-Йорк) Сейчас художник является президентом корпорации Jeff Koons LLC со штаб-квартирой в Нью-Йорк и 135 сотрудниками. Фактически это фабрика по производству предметов современного искусства — Кунс создаёт образы и модели на компьютере, а коллектив работает над их воплощением в материале.

В 1988 году Кунс сделал четыре скульптуры Майкла Джексона и его шимпанзе в натуральную величину окрашеные в золото. В 2001 году одна из них была продана за 5,6 миллона долларов. В 2007 году его работа Сердце была продана за $ 23,6 млн. на аукционе Сотбис и установила рекорд по самым дорогим произведением искусства, проданных на аукционе художника при жизни.

Дэмьен Стивен Херст (Damien Hirst) английский художник, предприниматель, коллекционер произведений искусства, а также самая знаменитая фигура группы Young British Artists доминирующая на арт-сцене с 1990-х годов.

Херст является самым богатым живущим художником в мире — на 2010 год его состояние оценивалось в £215 миллионов. Смерть — центральная тема в его работах. Наиболее известная серия художника — Natural History: мертвые животные (включая акулу, овцу и корову) в формальдегиде. Акула была продана в 2004 году за $ 12 млн.

Такаси Мураками современный японский художник, живописец, скульптор и дизайнер. Живёт и работает в Токио и Нью-Йорке.

Мураками известен своим сотрудничеством с Marc Jacobs по созданию сумок и других товаров для Louis Vuitton. В своих работах Мураками играет с такими противоположностями, как Восток-Запад, прошлое и настоящее, высокое и низкое, оставаясь при этом забавным и доступным. Его работы объединяют мир популярной японской современной культуры и исторической японской живописи.

В 2008 скульптура Такаси Мураками «My Lonesome Cowboy» (1998 г) была продана на аукционе Sotheby за $15.2 миллионов.

Аниш Капур (Anish Kapoor) скульптор, член группы «Новая Британская Скульптура», лауреат Премии Тернера.

Произведения скульптора как правило просты, имеют изогнутые линии, монохромны и ярко окрашены. Ранние работы часто были покрыты пигментом, который покрывал работу и пол вокруг нее. Порой работы Аниша Капура имеют зеркальную поверхность, отражающую и искажающую зрителя и окружение.

С конца 1990-х Капур создал ряд масштабных работ, включая Тарантара 35-метровое произведение, установленное в Baltic Flour Mills в Гейтсхеде, Англия и Марсий большая работа из стали и поливинила в Турбинном зале Галереи Тейт-Модерн. В 2000 г, одна из работ Капура Параболические воды, состоящая из вращающейся окрашенной воды, была показана в Лондоне. В 2001 г Зеркало неба, большое зеркальное произведение, которое отражало небо и окружающее пространство, было установлено в Ноттингеме.

Джаспер Джонс (Jasper Johns) современный американский художник.

Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Наиболее известная работа Джаспера Джонса «Флаг» (1954—1955), которую он нарисовал после сна об американском флаге.

Читать еще:  Современный турецкий художник. Hasan Saygin

Его работу порой относят к нео-дадаизму а не поп-арту, несмотря на то, что он часто использует образы массовой культуры. Ранние работы созданы с использованием таких простых образов, как флаги, карты, мишени, буквы и цифры. Трактовка поверхности часто сочная и живописная. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись.

В 1998 году Музе метрополитен в Нью-Йорке заплатил более 20 миллионов долларов за «Белый флаг» Джонса.В данное время Джаспер Джонс проживает в Коннектикуте и является самым дорогим здравствующим художником.

Брайс Марден (Brice Marden) — американский художник — минималист.

В Йеле Марден разработал формальные принципы, которые характеризовали его графику и живопись в последующие десятилетия: преобладание прямоугольных форматов, повторяющееся использование приглушенной индивидуальной палитры. Эти ранние монохромные работы покрыты толстым слоем энкаустики, открывая следы мастихина, сохраняя следы работы художника. Это отличает манеру Мардена от современников-минималистов, которые предпочитали индустриальное качество работ, к которым будто не прикасалась рука художника.

Джулиан Шнабель (Julian Schnabel) — американский художник и кинорежиссер.

Картины Шнабеля в основном очень большие, были сделаны наспех и отличались обилием материалов и стилей. В качестве холста художник часто использовал линолеум, бархат, звериные шкуры. Из картин выступали различные предметы. Например, оленьи рога, как на картине «Предыстория: Слава, Честь, Привилегия, Надежда», 1981 года. Шнабель создавал похожие на коллажи, с цитатами из старых мастеров, порой ребячливые картины.

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Читать еще:  Яркие цвета и выразительные текстуры. Ana Maria Edulescu

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Современные художники, которых нужно увидеть на фестивале ARTLIFE

Как же мы скучали по офлайн-выставкам.

В 2020 году команда онлайн-академии живописи ARTLIFE в третий раз проведет одноименный Международный интерактивный фестиваль современного искусства. Событие состоится при поддержке правительства Москвы с 19 по 27 сентября в Манеже. Там пройдут лекции, которые смогут посещать до 500 человек единовременно, public talks с резонансными в мире моды и искусства спикерами, 35 мастер-классов. Но главное – в выставке примут участие художники из 22 стран и представят 450 картин.

На ARTLIFE, как и на других фестивалях, есть свои хедлайнеры. Вполне возможно, о ком-то из них вы уже слышали, а кого-то – только откроете для себя. В любом случае работы этих художников убеждают в многогранности и неуспокоенности современного искусства.

Национальная портретная галерея в Лондоне дважды признавала Бена лучшим портретистом. Звучит впечатляюще, но описание его работ интригует еще больше. Художник исследует взаимодействие культур прошлого и настоящего, высмеивая традиционную британскую чопорность. Основу его провокационного творчества составляют портреты с элементами сюрреализма, а также иммерсивные инсталляции.

Вот что говорит про себя сам Бен: «Я провел много часов перед одними и теми же шедеврами живописи в Национальной галерее Лондона, анализируя картины слой за слоем, чтобы понять, как мастера прошлого добивались нужного эффекта. Поэтому можно сказать, что моими главными учителями были Рембрандт, ван Дейк, Вермеер и Рубенс. Именно их традиции легли в основу моего творчества».

Ким Ёнг Сонг

Скорее всего, вы не раз видели работы этого художника в соцсетях с подписью «как живые» или что-то в этом духе. Ким Ёнг Сонг – ведущий гиперреалист современности. Больше всего его вдохновляют флора и фауна. Когда смотришь на его полотна, трудно отделаться от впечатления, что изображенное животное или растение лишь на мгновение застыло, и сейчас вы увидите, как шелохнется лист или дрогнет рыбка в аквариуме. Художник работает над произведениями более 12 часов ежедневно, при этом на создание одной картины у него уходит от трех месяцев до четырех лет. Все дело в редкой скрупулезности. Для каждого мазка гиперреалист использует новую кисть. И постоянно совершенствует свой стиль. Ким Ёнг Сонг изобрел 100-балльную шкалу оценки своих работ: среди критериев – композиция, форма, контрастность, яркость и чистота цветов, пропорции, перспектива и многое другое. Художник стремится передать ощущение трехмерности изображения, добиться эмоционального воздействия и максимального соответствия замыслу.

«Я родился и вырос в Сеуле – в сердце корейской культуры. Многие иностранцы, приезжая в мой город, восхищаются архитектурой, природой. Для меня самым вдохновляющим всегда был район Инсадон, где расположено множество художественных галерей. Я шел мимо этих витрин в школу и именно там впервые увидел ультрареалистичные картины. Издалека невозможно было понять, что то, что я вижу, нарисовано. Но когда я подходил ближе, это становилось очевидным. Тогда мне захотелось создать нечто лучшее. Этому я и посвятил жизнь», – вспоминает художник.

Российский зритель увидит работы южнокорейского гиперреалиста впервые, а также получит возможность пообщаться с художником после его выступления в рамках бесплатного лектория ARTLIFE.

Титус Бжозовски

Титус Бжозовски – польский архитектор и художник-акварелист, создающий яркие и живые портреты родной Варшавы, которая в его интерпретации выглядит сказочной. Его картины можно было бы назвать сюрреалистичными, однако Титус – не только художник, но и архитектор, поэтому ему удается добиться узнаваемости мегаполиса даже на самых «волшебных» полотнах.

Читать еще:  Способ исцелить свой разум. Rich Ray (фотограф)

«Я очень люблю родной город, его историю. Мне интересно изучать Варшаву, раскрывать ее самобытность, показывать красоту зданий, принадлежащих разным эпохам и стилям. А энергию мне дает, наверное, сам процесс создания картины, когда видишь и понимаешь, к чему все движется, что получится в результате», – отмечает Титус.

Дэвид Даунтон

Представьте себе все самые престижные издания и бренды. Среди них сложно найти те, с которыми не работал фэшн-иллюстратор Дэвид Даунтон. Осознание таланта к художнику пришло не сразу. Он долго сомневался в своих способностях, но все встало на свои места, когда Дэвид попал на Неделю моды в Париж.

«К 1996-му я уже посвящал коммерческой иллюстрации все свое время. Ни на чем конкретном я не специализировался и брался за все заказы подряд, а их, к счастью, было много. Я создавал театральные афиши, оформлял поваренные книги и бульварные романы… Заказы на фэшн-иллюстрации тоже приходили время от времени, но связей в этой сфере у меня тогда не было. Все изменилось, когда я попал в Париж на Неделю моды. Оказаться за кулисами показов было подобно боевому крещению. Я был настолько поражен увиденным, что даже не смог выполнить свою работу (в то время иллюстратора газеты. – Прим. GQ) по-настоящему качественно. По крайней мере, так я оцениваю этот опыт теперь. Но та поездка заронила зерно надежды состояться в модной иллюстрации», – рассказывает Дэвид.

Уже два года спустя открылась первая персональная выставка работ Даунтона, которая увенчалась безусловным успехом.

Гости фестиваля получат возможность не только увидеть работы Дэвида на выставке, но и встретиться с художником лично в рамках бесплатного лектория. Почему бы не попросить его подписать свежий номер ежегодного журнала о современном искусстве ARTLIFE MAGAZINE, обложку которого украшает созданная им иллюстрация?

Анна Березовская

Сама художница называет свой стиль поэтическим реализмом. Описать его не так просто – это сплав реализма, абстракционизма и сюрреализма. Однако, единожды увидев сюжетную живопись Анны, вы ее почерк уже ни с чьим не спутаете. Сложные, многоплановые картины Березовской – источник бесконечных интерпретаций. Каждый зритель видит в них что-то свое.

«Мои работы – это чаще всего отображения того, что я будто бы когда-то где-то видела. Это мои сны, которые иногда реальнее реальности. Почти все картины автопортретны, но не в смысле внешней похожести – они созвучны моим мыслям», – поясняет художница.

Помимо ярких впечатлений и новых знаний фестиваль предложит гостям и необычные сувениры. На ARTLIFE FEST будет работать корнер с продукцией, созданной в коллаборации с художниками. Вырученные от продаж деньги пойдут на благотворительность – средства поступят в фонд ARTLIFE CHARITY, который помогает детям, попавшим в сложную жизненную ситуацию, получить дополнительное образование в сфере искусства и необходимые материалы для творчества. Фонд предоставляет детям возможность учиться у высококвалифицированных преподавателей и перенимать опыт ведущих художников мира, в том числе и на фестивале ARTLIFE. Дети знакомятся с нюансами развития сферы современного искусства и возможностями художника в наши дни. Выбор творческой профессии становится для них осознанным, а фонд помогает преодолеть трудности, которые возникли на их пути в силу жизненных обстоятельств.

Заниматься организацией такого масштабного фестиваля одновременно интересно и сложно. О том, как все начиналось и развивалось, в подробностях расскажет документальный фильм «ARTLIFE FEST: искусство объединять», который скоро выйдет на экраны.

Вход на фестиваль ARTLIFE свободный по предварительной регистрации на сайте.

8 историй о неожиданных находках и посмертном признании

Фото: Maloof Collection Ltd., Vivian Maier, AP

В суде Чикаго начались слушания по пересмотру авторских прав на наследие Вивиан Майер в связи с обнаружением ее нового дальнего родственника. Слушания не представляли бы большого интереса, если бы новый родственник не угрожал изъятием из публичного доступа произведений Вивиан Майер — чикагской няни, за два года до смерти вдруг оказавшейся великим уличным фотографом. Мария Бессмертная собрала еще несколько историй неожиданных находок и посмертных признаний непрофессиональных художников, работы которых теперь хранятся в главных мировых музеях

Джон Кейн 1860 — 1934 шахтер, шпалоукладчик, сторож, резчик по металлу год признания: 1927

«Автопортрет», 1929 год © Abby Aldrich Rockefeller Fund

«Вид из окна моей студии», 1932 год © John Kane

«Джон Кейн и его жена», 1928 год © John Kane

«Пантер Холлоу, Питсбург», 1933-1934 годы © John Kane

В 10 лет Джон Кейн лишился отца и пошел работать на шахты, в 19 лет эмигрировал из Шотландии в США, работал шпалоукладчиком, резчиком по металлу, сторожем — и параллельно всегда рисовал. Несколько раз пытался поступить в художественную школу, но преподаватели отказывались его брать даже вольнослушателем; несколько раз отправлял свои работы на Carnegie International, старейшую выставку современного искусства в США, но участником стал только с третьей попытки — в 1927 году 67-летний Кейн представил там пейзаж «Сцена в северошотландском нагорье». После этого он дважды участвовал в Carnegie International и еще дважды — в Биеннале современного искусства Уитни, в 1929 году его автопортрет приобрел нью-йоркский Музей современного искусства, а в 1931 году, за три года до смерти, состоялась его первая персональная выставка — Кейн стал первым американским художником-самоучкой, официально признанным арт-сообществом. Сейчас его картины находятся в коллекциях музея Метрополитен, Музея американского искусства Уитни и Художественного музея Карнеги. Сам он к концу жизни стал знаменитостью: у его дома круглосуточно дежурили репортеры — фотографии Кейна, в нищете (денег поздняя слава ему не принесла) умирающего от туберкулеза, напечатали десятки газет.

Даже если бы от Кейна остался только «Автопортрет», его можно было бы считать одним из важнейших американских художников

Джудит И. Стайн, куратор, арт-критик

Генри Дарджер 1892 — 1973 разнорабочий в больнице год признания: 1973

© Henry Darger/Collection of the American Folk Art Museum

© Henry Darger/Collection of the American Folk Art Museum

Картины Генри Дарджера, непрофессионального художника из Чикаго, всю жизнь проработавшего разнорабочим в местной больнице при католической миссии, сейчас хранятся в коллекциях MoMA, Музея современного искусства в Чикаго, Национального музея американского искусства и еще в нескольких десятках музеев и частных коллекций по всему миру. В 2008 году в Музее аутсайдерского искусства в Чикаго был открыт именной зал Дарджера, где воссоздана комната художника, в которой он более 30 лет создавал все свои работы. Именно в этой комнате арендодатель Дарджера, дизайнер и фотокорреспондент The New York Times Натан Лернер, обнаружил после его смерти 13-томный роман (более 15 тыс. страниц) «В царствах нереального», над которым Дарджер работал всю жизнь и который сам проиллюстрировал тремя сотнями картин и коллажей. Впрочем, сам роман о семи девочках, которые помогают детям-рабам освободиться от гнета взрослых на неизвестной планете, привлек меньше внимания, чем иллюстрации к нему: в 2001 году они выставлялись рядом с «Бедствиями войны» Гойи, в 2004 году оскаровский лауреат Джессика Ю сняла про Дарджера документальный фильм, а в 2008 году в Американском музее народного искусства прошла выставка «Дарджеризм: современные художники и Генри Дарджер», в которой 11 американских профессиональных художников назвали его своим учителем. Полный текст романа до сих пор не издан.

Это похоже на попытки Гойи передать те зверства, с которыми он столкнулся во время Пиренейской войны. Дарджер заставляет переживать изображенную боль как свою

Клаус Бизенбах, куратор, основатель Берлинской биеннале

Юджин фон Брюнхенхайн 1910 — 1983 садовник, пекарь год признания: 2010

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector