Современные художники Америки. Joseph Todorovitch

Современные художники Америки. Joseph Todorovitch

Самые богатые и успешные художники современности

Самые богатые художники мира по версии ARTINFO

Джефф Кунс (Jeff Koons) современный американский художник. Известен своим пристрастием к китчу, особенно в скульптуре. Его работы входят в число самых дорогих произведений современных художников.

Он получил признание в 80-х годах, после чего создал студию-завод в Сохо (Нью-Йорк) Сейчас художник является президентом корпорации Jeff Koons LLC со штаб-квартирой в Нью-Йорк и 135 сотрудниками. Фактически это фабрика по производству предметов современного искусства — Кунс создаёт образы и модели на компьютере, а коллектив работает над их воплощением в материале.

В 1988 году Кунс сделал четыре скульптуры Майкла Джексона и его шимпанзе в натуральную величину окрашеные в золото. В 2001 году одна из них была продана за 5,6 миллона долларов. В 2007 году его работа Сердце была продана за $ 23,6 млн. на аукционе Сотбис и установила рекорд по самым дорогим произведением искусства, проданных на аукционе художника при жизни.

Дэмьен Стивен Херст (Damien Hirst) английский художник, предприниматель, коллекционер произведений искусства, а также самая знаменитая фигура группы Young British Artists доминирующая на арт-сцене с 1990-х годов.

Херст является самым богатым живущим художником в мире — на 2010 год его состояние оценивалось в £215 миллионов. Смерть — центральная тема в его работах. Наиболее известная серия художника — Natural History: мертвые животные (включая акулу, овцу и корову) в формальдегиде. Акула была продана в 2004 году за $ 12 млн.

Такаси Мураками современный японский художник, живописец, скульптор и дизайнер. Живёт и работает в Токио и Нью-Йорке.

Мураками известен своим сотрудничеством с Marc Jacobs по созданию сумок и других товаров для Louis Vuitton. В своих работах Мураками играет с такими противоположностями, как Восток-Запад, прошлое и настоящее, высокое и низкое, оставаясь при этом забавным и доступным. Его работы объединяют мир популярной японской современной культуры и исторической японской живописи.

В 2008 скульптура Такаси Мураками «My Lonesome Cowboy» (1998 г) была продана на аукционе Sotheby за $15.2 миллионов.

Аниш Капур (Anish Kapoor) скульптор, член группы «Новая Британская Скульптура», лауреат Премии Тернера.

Произведения скульптора как правило просты, имеют изогнутые линии, монохромны и ярко окрашены. Ранние работы часто были покрыты пигментом, который покрывал работу и пол вокруг нее. Порой работы Аниша Капура имеют зеркальную поверхность, отражающую и искажающую зрителя и окружение.

С конца 1990-х Капур создал ряд масштабных работ, включая Тарантара 35-метровое произведение, установленное в Baltic Flour Mills в Гейтсхеде, Англия и Марсий большая работа из стали и поливинила в Турбинном зале Галереи Тейт-Модерн. В 2000 г, одна из работ Капура Параболические воды, состоящая из вращающейся окрашенной воды, была показана в Лондоне. В 2001 г Зеркало неба, большое зеркальное произведение, которое отражало небо и окружающее пространство, было установлено в Ноттингеме.

Джаспер Джонс (Jasper Johns) современный американский художник.

Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Наиболее известная работа Джаспера Джонса «Флаг» (1954—1955), которую он нарисовал после сна об американском флаге.

Его работу порой относят к нео-дадаизму а не поп-арту, несмотря на то, что он часто использует образы массовой культуры. Ранние работы созданы с использованием таких простых образов, как флаги, карты, мишени, буквы и цифры. Трактовка поверхности часто сочная и живописная. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись.

В 1998 году Музе метрополитен в Нью-Йорке заплатил более 20 миллионов долларов за «Белый флаг» Джонса.В данное время Джаспер Джонс проживает в Коннектикуте и является самым дорогим здравствующим художником.

Брайс Марден (Brice Marden) — американский художник — минималист.

В Йеле Марден разработал формальные принципы, которые характеризовали его графику и живопись в последующие десятилетия: преобладание прямоугольных форматов, повторяющееся использование приглушенной индивидуальной палитры. Эти ранние монохромные работы покрыты толстым слоем энкаустики, открывая следы мастихина, сохраняя следы работы художника. Это отличает манеру Мардена от современников-минималистов, которые предпочитали индустриальное качество работ, к которым будто не прикасалась рука художника.

Джулиан Шнабель (Julian Schnabel) — американский художник и кинорежиссер.

Картины Шнабеля в основном очень большие, были сделаны наспех и отличались обилием материалов и стилей. В качестве холста художник часто использовал линолеум, бархат, звериные шкуры. Из картин выступали различные предметы. Например, оленьи рога, как на картине «Предыстория: Слава, Честь, Привилегия, Надежда», 1981 года. Шнабель создавал похожие на коллажи, с цитатами из старых мастеров, порой ребячливые картины.

Магические и женственные картины Джорджии О’Кифф

Про американскую художницу Джорджию О’Кифф я узнала в 7 классе из учебника английского языка. Больше всего мне запомнилось, что она рисовала черепа животных. Я еще долго приставала к учительнице, выспрашивала, как это черепа повесить на стену, ну покажите мне эти черепа. Но дело было давно, всезнающего интернета тогда не было, количество книг в нашем небольшом городе было ограничено, а авторы учебника английского языка, повествуя о художнице, поместили только портрет самой художницы.

И вот, много лет спустя дошли руки до великой «рисовательницы черепов» из детсва. Оказалось, что на самом деле, она прославилась картинами с изображением цветов и растений, а те самые костяные головы рисовала в определенный период жизни.

Считается, что художница не придерживалась какого-то определенного стиля, ее работы на границе двух течений — магического реализма и прецизионизма, на грани предметного и беспредметного. Четкие, как чертеж, с острыми ракурсами, свойственными фотоискусству, виды сочетаются с ирреальными образами сновидений и грез. Изысканные и яркие работы обладают ритмической гармонией, символическим языком и упрощенными, близкими к кубистским, формами. Увеличенные образы цветов и растительных изображений, вполне натуральных по изображению, но по настрою и восприятию, космические, не реальные, сильные, сексуальные, магические…

Джорджия О’Kифф родилась 15 ноября 1887 года на ферме «Солнечная прерия» в штате Висконсин. Она была вторым ребенком в многодетной семье венгерки и ирландца. Первые уроки рисования она получила дома, и в дальнейшем все признавали ее способности. В 1905 году она окончила среднюю школу и решила стать художником.

Читать еще:  Хорватский художник. Sinisa Simon

Искусство О’Kифф изучала сначала в Художественном Институте Чикаго (1905–1906), а затем в Лиге студентов гуманитариев в Нью-Йорке (1907–1908), где она осваивала принципы реалистического искусства.

В 1908, она выиграла премию Уильяма Мерритта за лучший натюрморт. В 1912 О’Kифф поступила на летние курсы преподавателей искусств в Университете Шарлоттсвилля, штат Вирджиния, к художнику Эйлону Бементу , который познакомил ее с революционными идеями своего коллеги Артура Уэсли Доу.

В 1914-1915 О’Kифф опять в Нью-Йорке, здесь она занимается на курсах в педагогическом колледже. В конце 1915 она уже преподавала искусство в Колумбийском колледже, штат Южная Каролина. В попытке найти свой язык, с помощью которого она могла бы выразить свои чувства и идеи, она создала ряд абстрактных рисунков древесным углем, которые теперь признаны как наиболее инновационные во всем американском искусстве.

Она отправила некоторые из них бывшему однокашнику, который 1 января 1916 года показал их всемирно известному фотографу и художественному импресарио, Альфреду Штиглицу (Стиглицу). Он был пионером в области фотографии в Америке, и страстным пропагандистом современного искусства. Это он познакомил американцев с творчеством Сезанна, Матисса и Пикассо Штиглиц убеждал О’Kифф возвратился к Нью-Йорк. Не спросив автора, он показал 10 ее работ в известной авангардистской галерее. А весной 1918 года он предложил Джорджии финансовую поддержку, чтобы она могла год работать в Нью-Йорке, и она приняла его предложение.


Вскоре после ее прибытия, у нее со Штиглицем, который был уже женат, начался роман, который продолжался до самой его смерти в 1946 году.

В 1924 году Штиглиц и О’Kифф поженились. С 1918 по 1934 годы Штиглиц был увлечен фотографированием Джорджии, за это время он сделал 300 ее фотографий, и на большинстве из них она запечатлена в весьма эротических позах.

В середине 30-х годов их союз пережил глубокий кризис. Штиглиц увлекся молоденькой интеллектуалкой Дороти Норман. Хотя он говорил, что это только дружба, никто в это не верил. В особенности Джорджия.

Оскорбленная супруга уехала на ранчо к друзьям в Нью-Мексико, сошлась с другом Штиглица фотографом Анселем Адамсом, и навсегда влюбилась в пустынные плоскогорья.

Впрочем, говорят, что союз Штиглица и О’Kифф был вообще странным, что они не столько любили друг друга, сколько совращали другие пары, при этом Альфред нередко отдавал предпочтение мужчинам, а Джорджия – женщинам.

В то же время Штиглиц с энтузиазмом занимался продвижением работ своей подруги, организуя ежегодные выставки ее работ в лучших американских галереях.


Альфред Штиглиц Джорджия О’Киф «Руки», 1919 год. Была продана за $ 1470000 в 2006 году.

Спустя три года после смерти Штиглица, О’Кифф переехала из Нью-Йорка к своему любовнику — тридцатилетнему керамисту Хуану Гамильтону в Нью-Мексико. Хуан до конца ее дней выполнял обязанности секретаря и ассистента. Она жила в глуши, то в своем доме на «Ранчо призрака», который она купила в 1940 году, то в доме, купленном в 1945 году, и продолжала писать маслом до середины 1970-х, когда потеря зрения вынудила ее оставить живопись. Она продолжала работать в графике до 1982 года, она также создала несколько гончарных работ. Умерла она в 1986 году в возрасте 98 лет. Ее тело было кремировано, и Хуан рассеял прах с вершины горы.

Художница была странным человеком. Она, например, была чрезвычайно скупа, и никогда не выбрасывала даже пластиковые пакета, сама пекла хлеб твердый и невкусный, и хотя имела два Мерседеса, никогда на них не ездила из экономии. В жаркие дни она ходила босой с мокрым полотенцем, обмотанным вокруг головы.

Она коллекционировала камни и раковины, когда однажды она увидела у знакомых интересный камень, она его не долго думая, украла. Она отказала во встрече Пабло Пикассо, заявив: «Не люблю его картины, они не настоящие». Она не охотно расставалась со своими работами, и долго колебалась, прежде чем что-либо продать. Она обожала путешествия, в особенности по диким местам.

А, напоследок, любимая фразочка О’Кифф: «В отличие от большинства людей, я всегда знала, чего хочу». 😉

Художник Pierre Olivier Joseph Coomans (1816 – 1889)

Молодая женщина отдыхает (La longeuse)

Художник Пьер Оливье Жозеф Команс (Pierre Olivier Joseph Coomans) родился в июле 1816 года в Брюсселе. Был учеником Питера ван Ханселера (Pieter van Hanselaere, 1786-1862) в Генте, затем Никеза де Кейзера (Nicaise de Keyser, 1813-1887) и Густава Вапперса (Gustaf Wappers, 1803-1874) в Королевской Академии изящных искусств в Антверпене.

После окончания академии совершил творческую экспедицию по Северной Африке и Ближнему Востоку. А после путешествия по Востоку выехал в Италию, был в Греции и Турции, посетил Крым. До 1857 года художник писал картины на исторические темы. А с 1857 года, после посещения раскопок древних Помпей, художник увлёкся античностью и написал на эту тему несколько полотен, которые сделали Пьер Оливье Жозеф Команс знаменитым и состоятельным.

Кормление черепахи (Feeding the Turtle)

Впоследствии Pierre Olivier Joseph Coomans регулярно выставлялся в парижском Салоне – картины с античной тематикой хорошо принимала публика и ещё лучше приобретали коллекционеры живописи.

В этот же период художник начала писать женские образы – молодые красавицы в экзотических интерьерах и костюмах. Эти «красотки» очень понравились коллекционерам живописи, особенно американским коллекционерам.

Умер Pierre Olivier Joseph Coomans в Булонь-Бийанкур, в 1889 году, на пике своей долгой и блестящей карьеры.

Картины художника Пьера Оливье Жозефа Команса (Pierre Olivier Joseph Coomans)

Последний час Помпеи — дом поэта (The Last Hour of Pompeii — The House of the Poet)

Шкатулка с драгоценностями (The Jewellery Box)

Неаполитанская красавица (A Neapolitan beauty)

Ссора детей (The Children’s Quarrel)

Античный концерт (A classical concert)

Мелодия для римской красавицы (A melody for a Roman beauty)

Портрет молодой женщины (A portrait of a young woman)

Юная красавица (A young beauty)

Амулет (The Amulet)

Купальщицы (Les Baigneuses)

Вы не можете пройти! (On ne passe pas!)

Визит (The Visit)

Читать еще:  Художница-самоучка. Karin Best

Женский портрет (Portrait of a Woman)

Торговка фруктами в Помпеях (Marchande de Fruits a Pompeii)

Девушка в размышлении (Maidens in contemplation)

10 лучших картин Уильяма Тернера

240 лет назад родился знаменитый английский художник Уильям Тернер. Предлагаем читателям обзор десяти лучших картин этого автора.

Печальны помыслы мои

Но ты, великая Природа,

Коснись меня и оживи!.

Как с наступлением весны

Цветут бесплодные долины.

Как оживляет свет луны

Ночные серые руины.

Уильям Тёрнер. Автопортрет. 1799

Одним из ярких представителей живописи Викторианской эпохи (период правления английской королевы Виктории в 1837—1901 гг.) был художник Уильям Тернер. Сын парикмахера, получивший самое простое образование, он вошел в историю искусства своими прекрасными романтическими пейзажами, морскими батальными сценами, акварелями и гравюрами. Его называли предшественником французских импрессионистов.

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (англ. Joseph Mallord William Turner) родился 23 апреля 1775 года в лондонском районе Ковент-Гарден.

С 1785 года из-за болезни матери он был отправлен к дяде в Брентфорд, где впервые проявил интерес к изобразительному искусству.

Окончив школу в конце 1780-х и немного поработав у лондонских архитекторов и топографов Уильям поступил в 1789 году в Королевскую академию. Экзамены у него принимал Джошуа Рейнолдс (Первый президент академии). Лекции Рейнолдса по идеалистическому направлению в искусстве оказали впоследствии большое влияние на творчество Тернера.

Уже через год учебы акварельная работа Уильяма Тернера удостоилась экспозиции в Академии. В том же 1790 году Тернером была написана картина маслом, которая также экспонировалась на академической выставке.

С 1791 года Тернер работал художником-сценографом, давал уроки и писал многочисленные пейзажи, совершая этюдные поездки по Европе.

В 1799 году он был избран членом-корреспондентом Королевской академии. Его картина «Море у Бриджуотера», выставленная в Академии в 1801 году, имела большой успех, и в 1802 году он был удостоен звания королевского академика, что давало ему право выставлять свои работы без предварительного отбора их комиссией.

Его эмоциональные акварели своей выразительностью и мастерством исполнения не уступали масляной живописи.

На посту профессора перспективы, который он занимал в академии с 1807 года, Тернер разработал программу, посвященную вопросам «поэтической живописи».

Но впоследствии общество Викторианской эпохи под влиянием критики коллекционера и художника сэра Джорджа Бомона стало прохладно принимать живопись Уильяма Тернера, представлявшую для того времени новый тип пейзажа – легкий, без лишней детализации, наполненный яркими красками и граничащий в чем-то с абстракционизмом. Не смотря на то, что его поддержал английский художник, писатель и теоретик искусства Джон Рёскин, королева Виктория отказалась возвести Тернера в рыцарское достоинство.

Умер Уильям Тернер 19 декабря 1851 года в Лондоне и был похоронен согласно своему завещанию у собора Святого Павла.

1. Рыбаки в море. 1796 год

Рыбаки в море. 1796 г. 91 x 122 см. Холст. Масло. Тейт Британ, Лондон, Великобритания

Эта картина была выставлена в Королевской академии в 1796 году вместе с десятью его акварельными работами и получила похвальные отзывы, а пресса отметила владение Тернером масленой живописью на уровне академического мастерства.

Уже в этом своем раннем полотне Тернер передал ощущение смятения и неустойчивости бытия, свойственное его мировосприятию и проявившееся во всех его последующих произведениях.

2. Озеро Баттермир, с радугой и ливнем. 1798 год

Озеро Баттермир, с радугой и ливнем. 1798 г. Холст, масло. Тейт Британ, Лондон, Великобритания

В этой работе Уильям Тернер показал новую ступень своего мастерства и одновременно явил столь характерное ему художественное свободомыслие, изобразив отражение радуги в глади озера.

3. Пантеон, утро после пожара. 1792 год

Пантеон, утро после пожара. 1792 г. Акварель, 39,5 x 51,5 см Тейт Британ, Лондон, Великобритания

В 1792 году состоялась первая поездка Уильяма Тернера по Британии. В поездке он делал зарисовки городских видов. Тернер был нанят для декорации Пантеона (ротонды римского образца) на Оксфорд-стрит. Но уже через полгода — 14 января 1792 года — огонь уничтожил здание. Сделав на следующий день зарисовки последствий пожара, Тернер затем написал акварелью картину, которая была выставлена в Академии.

4. Переход Ганнибала через Альпы. 1812 год

Переход Ганнибала через Альпы. 1812 237,5 x 146 см. Холст. Масло. Тейт Британ, Лондон, Великобритания.

Ко времени написания этой картины в пейзажах Уильяма Тернера все более важное место стала занимать световоздушная среда (атмосфера во всех ее проявлениях). Уже в этой – одной из своих ранних работ – Тернер мастерски изобразил разгул стихии в огромном пространстве, рядом с которым человек почти не заметен.

На картине изображено историческое событие — переход карфагенского полководца Ганнибала через Альпы в 218 году до н. э. Выбрав именно этот исторический момент художник символически изобразил события 1812 года, предвозвестившие окончательное поражение Наполеона в последующей через три года битве при Ватерлоо.

5. Последний рейс корабля «Отважный» («Бесстрашный»). 1839 год

Последний рейс корабля «Отважный» («Бесстрашный»). 1839 г. 121,9 x 90,8 см. Холст. Масло. Лондонская Национальная галерея, Лондон, Великобритания.

Эту картину Уильям Тернер написал больше как историческое свидетельство прощания с одним из прославленных фрегатов Трафальгарского сражения.

6. Современный Рим — Кампо Ваччино. 1839 год

Современный Рим — Кампо Ваччино. 1839. холст, масло. 90,2 × 122 см.
Музей Гетти, Лос-Анджелес

Развалины Римского форума, изображенные на картине, в старину иногда называли Кампо Ваччино (Campo Vaccino — «пастбище для коров»).

Картина была выставлена в Королевской академии художеств 1839 года и входит в серию Римских видов, написанных Уильямом Тернером в течение двух десятилетий.

7. Большой канал в Венеции. 1835 год

Это полотно было написано на пике славы художника. Город, вдохновлявший многих художников, конечно не оставил равнодушным и Уильяма Тернера — певца красоты стихии и пейзажа, — который бывал в Венеции многократно. На картине Тернер воссоздает солнечную атмосферу прекрасного города посредством яркости красок и воздушной глубины цвета, слегка обозначив композицию при помощи рисунка. Большой канал изображен со стороны церкви Санта Мария делла Салуте (на картине она виднеется справа). На заднем плане слева видна колокольня собора св. Марка и Дворец дожей.

Читать еще:  Чистая и позитивная энергия. Оля Гостева

Большой канал в Венеции. 1835. Холст, масло. 91,4 х 122,2 см. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Картина «Большой канал в Венеции», признанная одной из лучших работ Уильяма Тернера, была представлена с четырьмя другими произведениями художника на выставке в Королевской академии в 1835 г.

8. Гора Риги: вид на Люцернское озеро на восходе. 1842 год

Об этой акварели Уильяма Тернера, написанной после поездки в Швейцарию, английский искусствовед Джон Рёскин был очень высокого мнения.

Гора Риги: вид на Люцернское озеро на восходе. 1842 г. Акварель, бумага, 45 x 29,7 см. Тейт Британ, Лондон, Великобритания.

Картина является сегодня национальным достоянием Англии.

9.Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигнал бедствия, попав в мелководье. 1842 год

Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигнал бедствия, попав в мелководье. 1842 г.
Холст, масло. 91,5 x 122. Галерея Тейт, Лондон, Великобритания.

Полотно живописца, наиболее подвергшееся беспощадной критике. Предчувствуя гениальной интуицией художника приближение катастроф времени, Тернер попытался передать свое ощущение в образе шторма.

10. Пейзаж с далекой рекой и плотиной. 1835-1840 годы

Пейзаж с далекой рекой и плотиной. 1835-1840. Холст, масло. 93×123.
Париж, Лувр.

В этой картине, как и во многих других своих пейзажах, Уильям Тернер мастерски передает воздушность атмосферы, оттененную ярким сочетанием красок. Размытость очертаний и плавный переход цветов, формирующий объем, столь характерные для стиля Тернера, отличали его творчество от живописи старых мастеров. Такая манера письма приближала его произведения к абстракции, в полной мере явившейся в изобразительном искусстве лишь спустя полвека. Уильям Тернер опережал в своей живописи время, в котором ему было суждено творить, и поэтому оставался до конца непонятым современниками.

На анонсе статьи картина Уильяма Тернера «Канал в Чичестере», 1828 г.

Уильям Тёрнер — величайший британский художник всех времен: биография и картины

Уильям Тёрнер (William Turner; родился 23 апреля 1775 — умер 19 декабря 1851 гг.) — гениальный британский художник XIX века, признанный мастер пейзажного и батального жанров, маринист, выдающийся представитель романтизма в мировой живописи. Картинам Тёрнера свойственны особая манера изображения стихий и солнечного света, господство яркой палитры цветов. В последние годы в творчестве Уильяма Тёрнера отчетливо просматривается интерес к абстракционизму задолго до возникновения этого направления в европейской живописи.

Уильям Тёрнер рано добился признания, но современники нещадно критиковали многие его произведения за смелое новаторство. Большинство работ мастера по его завещанию переданы британскому народу и в наше время украшают коллекцию Лондонской Галереи Тайт.

Биография Уильяма Тёрнера

Уильям Тёрнер родился в Лондоне 23 апреля 1775 года в семье владельца мастерской по изготовлению париков. Уильям рано начал проявлять интерес к живописи и научился самостоятельно писать акварели. Несколько его работ случайно попались на глаза авторитетным лондонским художникам и по их рекомендации 14-летнего Тёрнера приняли в Королевскую академию искусств.

Уже через год после начала обучения к юноше пришел первый успех. Одну из его акварелей выбрали для ежегодной экспозиции работ учеников Академии Художеств. Молодой живописец увлеченно овладевал знаниями и пытался копировать работы мастеров, чтобы оттачивать собственные навыки.

Особо впечатлили Уильяма картины и гравюры Клода Лоррена (Claude Lorrain). Впервые увидев «Отплытие царицы Савской», Тёрнер не смог сдержать слёз. Много лет спустя он создал схожий по тематике собственный шедевр «Дидону». Оба произведения сейчас рядом находятся в экспозиции Лондонской Национальной Галереи. Под влиянием Лоррена Тёрнер также начал работать с гравюрой в технике меццо-тинто.

В 1799 году 25-летнего Уильяма избрали членом-корреспондентом Королевской академии. Он стал самым молодым художником в истории заведения, удостоенным этого высокого звания. А в 1807 году Тернера приняли на работу в академию на должность профессора перспективы.

С первых лет профессиональной деятельности у художника проявляется интерес к пейзажному жанру. Тернер был глубоко уверен, что пейзаж способен выражать глубокие чувства и вызывать сильные эмоции у зрителя не хуже исторических картин. Во время наполеоновских войн живописец также проявил себя искусным мастером батального жанра. «Трафальгарская битва» и «Поле Ватерлоо» были тепло приняты публикой и критиками.

После первой поездки в Италию в 1819 г. стиль художника постепенно меняется. Он не боится экспериментировать со светом, его работы становятся более яркими и выразительными. Именно полотна этого периода творчества спустя несколько десятилетий оказали огромное влияние на французских импрессионистов, особенно на Клода Моне (Claude Monet) и Камиля Писсарро (Camille Pissarro).

В 30-40-х годах XIX века обласканный славой пейзажист постепенно отходит от академической живописи. Его холсты позднего периода творчества с элементами абстракции значительно опережают время. На мастера обрушивается шквал критики, а королева Виктория даже отказалась присвоить заслуженному мэтру рыцарский чин. Современники навешивают на него ярлык психически нездорового и утрачивают интерес к его творчеству.

В декабре 1851 года Уильям Тёрнер умирает в возрасте 76 лет. А спустя 133 года его именем благодарные потомки назвали одну из самых престижных премий в области современного изобразительного искусства.

Самые известные картины Уильяма Тёрнера

В перечне известных картин Уильяма Тёрнера есть и акварели, и произведения, написанные маслом. Художник мастерски владел обеими техниками и оставил потомкам множество прекрасных работ:

  • «Рыбаки в море» (1796) — первая работа маслом в жанре пейзажа, принесшая молодому художнику широкую известность. Картину восторженно сравнивали с полотнами великого голландца Рембрандта.
  • «Автопортрет» (1799) — один из немногих образцов портретного жанра. Решением авторитетной комиссии это изображение будет украшать новую двадцатифунтовую британскую банкноту.
  • «Трафальгарское сражение» (1808) — эпический батальный шедевр мастера, на котором изображена славная победа Британского флота.
  • «Дидона, основательница Карфагена» (1815) — лучшая картина в творческом наследии по признанию самого мастера.
  • «Дождь, пар и скорость» (1844) — одна из последних работ с элементами абстракционизма.

Уильям Тёрнер занимает достойное место среди мировых гениев живописи, а в Британии многие по праву считают его самым английским лучшим художником всех времен.

На портале Very Important Lot можно принять участие в аукционах и приобрести шедевры антиквариата. Наш сайт также предоставляет возможность ценителям искусства напрямую купить картины у современных художников.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector