Современные художники Америки. Kim Roberti

Современные художники Америки. Kim Roberti

Современные художники, которых нужно увидеть на фестивале ARTLIFE

Как же мы скучали по офлайн-выставкам.

В 2020 году команда онлайн-академии живописи ARTLIFE в третий раз проведет одноименный Международный интерактивный фестиваль современного искусства. Событие состоится при поддержке правительства Москвы с 19 по 27 сентября в Манеже. Там пройдут лекции, которые смогут посещать до 500 человек единовременно, public talks с резонансными в мире моды и искусства спикерами, 35 мастер-классов. Но главное – в выставке примут участие художники из 22 стран и представят 450 картин.

На ARTLIFE, как и на других фестивалях, есть свои хедлайнеры. Вполне возможно, о ком-то из них вы уже слышали, а кого-то – только откроете для себя. В любом случае работы этих художников убеждают в многогранности и неуспокоенности современного искусства.

Национальная портретная галерея в Лондоне дважды признавала Бена лучшим портретистом. Звучит впечатляюще, но описание его работ интригует еще больше. Художник исследует взаимодействие культур прошлого и настоящего, высмеивая традиционную британскую чопорность. Основу его провокационного творчества составляют портреты с элементами сюрреализма, а также иммерсивные инсталляции.

Вот что говорит про себя сам Бен: «Я провел много часов перед одними и теми же шедеврами живописи в Национальной галерее Лондона, анализируя картины слой за слоем, чтобы понять, как мастера прошлого добивались нужного эффекта. Поэтому можно сказать, что моими главными учителями были Рембрандт, ван Дейк, Вермеер и Рубенс. Именно их традиции легли в основу моего творчества».

Ким Ёнг Сонг

Скорее всего, вы не раз видели работы этого художника в соцсетях с подписью «как живые» или что-то в этом духе. Ким Ёнг Сонг – ведущий гиперреалист современности. Больше всего его вдохновляют флора и фауна. Когда смотришь на его полотна, трудно отделаться от впечатления, что изображенное животное или растение лишь на мгновение застыло, и сейчас вы увидите, как шелохнется лист или дрогнет рыбка в аквариуме. Художник работает над произведениями более 12 часов ежедневно, при этом на создание одной картины у него уходит от трех месяцев до четырех лет. Все дело в редкой скрупулезности. Для каждого мазка гиперреалист использует новую кисть. И постоянно совершенствует свой стиль. Ким Ёнг Сонг изобрел 100-балльную шкалу оценки своих работ: среди критериев – композиция, форма, контрастность, яркость и чистота цветов, пропорции, перспектива и многое другое. Художник стремится передать ощущение трехмерности изображения, добиться эмоционального воздействия и максимального соответствия замыслу.

«Я родился и вырос в Сеуле – в сердце корейской культуры. Многие иностранцы, приезжая в мой город, восхищаются архитектурой, природой. Для меня самым вдохновляющим всегда был район Инсадон, где расположено множество художественных галерей. Я шел мимо этих витрин в школу и именно там впервые увидел ультрареалистичные картины. Издалека невозможно было понять, что то, что я вижу, нарисовано. Но когда я подходил ближе, это становилось очевидным. Тогда мне захотелось создать нечто лучшее. Этому я и посвятил жизнь», – вспоминает художник.

Российский зритель увидит работы южнокорейского гиперреалиста впервые, а также получит возможность пообщаться с художником после его выступления в рамках бесплатного лектория ARTLIFE.

Титус Бжозовски

Титус Бжозовски – польский архитектор и художник-акварелист, создающий яркие и живые портреты родной Варшавы, которая в его интерпретации выглядит сказочной. Его картины можно было бы назвать сюрреалистичными, однако Титус – не только художник, но и архитектор, поэтому ему удается добиться узнаваемости мегаполиса даже на самых «волшебных» полотнах.

«Я очень люблю родной город, его историю. Мне интересно изучать Варшаву, раскрывать ее самобытность, показывать красоту зданий, принадлежащих разным эпохам и стилям. А энергию мне дает, наверное, сам процесс создания картины, когда видишь и понимаешь, к чему все движется, что получится в результате», – отмечает Титус.

Дэвид Даунтон

Представьте себе все самые престижные издания и бренды. Среди них сложно найти те, с которыми не работал фэшн-иллюстратор Дэвид Даунтон. Осознание таланта к художнику пришло не сразу. Он долго сомневался в своих способностях, но все встало на свои места, когда Дэвид попал на Неделю моды в Париж.

«К 1996-му я уже посвящал коммерческой иллюстрации все свое время. Ни на чем конкретном я не специализировался и брался за все заказы подряд, а их, к счастью, было много. Я создавал театральные афиши, оформлял поваренные книги и бульварные романы… Заказы на фэшн-иллюстрации тоже приходили время от времени, но связей в этой сфере у меня тогда не было. Все изменилось, когда я попал в Париж на Неделю моды. Оказаться за кулисами показов было подобно боевому крещению. Я был настолько поражен увиденным, что даже не смог выполнить свою работу (в то время иллюстратора газеты. – Прим. GQ) по-настоящему качественно. По крайней мере, так я оцениваю этот опыт теперь. Но та поездка заронила зерно надежды состояться в модной иллюстрации», – рассказывает Дэвид.

Уже два года спустя открылась первая персональная выставка работ Даунтона, которая увенчалась безусловным успехом.

Гости фестиваля получат возможность не только увидеть работы Дэвида на выставке, но и встретиться с художником лично в рамках бесплатного лектория. Почему бы не попросить его подписать свежий номер ежегодного журнала о современном искусстве ARTLIFE MAGAZINE, обложку которого украшает созданная им иллюстрация?

Анна Березовская

Сама художница называет свой стиль поэтическим реализмом. Описать его не так просто – это сплав реализма, абстракционизма и сюрреализма. Однако, единожды увидев сюжетную живопись Анны, вы ее почерк уже ни с чьим не спутаете. Сложные, многоплановые картины Березовской – источник бесконечных интерпретаций. Каждый зритель видит в них что-то свое.

«Мои работы – это чаще всего отображения того, что я будто бы когда-то где-то видела. Это мои сны, которые иногда реальнее реальности. Почти все картины автопортретны, но не в смысле внешней похожести – они созвучны моим мыслям», – поясняет художница.

Помимо ярких впечатлений и новых знаний фестиваль предложит гостям и необычные сувениры. На ARTLIFE FEST будет работать корнер с продукцией, созданной в коллаборации с художниками. Вырученные от продаж деньги пойдут на благотворительность – средства поступят в фонд ARTLIFE CHARITY, который помогает детям, попавшим в сложную жизненную ситуацию, получить дополнительное образование в сфере искусства и необходимые материалы для творчества. Фонд предоставляет детям возможность учиться у высококвалифицированных преподавателей и перенимать опыт ведущих художников мира, в том числе и на фестивале ARTLIFE. Дети знакомятся с нюансами развития сферы современного искусства и возможностями художника в наши дни. Выбор творческой профессии становится для них осознанным, а фонд помогает преодолеть трудности, которые возникли на их пути в силу жизненных обстоятельств.

Заниматься организацией такого масштабного фестиваля одновременно интересно и сложно. О том, как все начиналось и развивалось, в подробностях расскажет документальный фильм «ARTLIFE FEST: искусство объединять», который скоро выйдет на экраны.

Вход на фестиваль ARTLIFE свободный по предварительной регистрации на сайте.

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

Читать еще:  Собственный вариант реальности. Barbara Jaenicke

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Читать еще:  Стремление к выразительности и совершенству. Веселов Александр

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Противоречивая Америка в лучших фотографиях Роберта Франка

Современный американо-швецарский фотограф Роберт Франк приехал в США в 1947 году, и за несколько лет поездок по стране сделал множество черно-белых фотографий, ставших впоследствии всемирно известными шедеврами.

Мы подобрали самые яркие и пронзительных снимки из его наиболее популярной фотокниги «Американцы» («The Americans»).

1. «Парад в Нью-Джерси»

2. «Парк в Кливленде, штат Огайо», 1955−56

3. Мальчик читает газету с заголовком «Мэрилин мертва»

4. Когда 83 фотографии, сделанные во время путешествия, были наконец-то опубликованы — в 1958 году в Париже и в 1959 в США — на книгу обрушился шквал критики. Частично не без оснований: фотографии Роберта Франка ни в коем смысле не были «популярными». Они были абсолютно непонятны и неприятны среднему американскому зрителю. С другой стороны, книга оказала большое влияние на развитие репортажной фотографии второй половины XX века. В наше время книга «Американцы» давно стала классической, выдержала много переизданий, хотя она может быть и до сих пор не очень понятна широкой публике.

5. Фотоработы Франка выделялись на общем фоне современников еще и по так называемым эстетическим параметрам: обычная профессиональная фотография 1950-х подразумевала четкую экспозицию, ровные горизонты и прочие «правильные» параметры. Снимки Франка были в противовес общепризнанным канонам размыты и иногда даже с «заваленным горизонтом», что, соответственно, не могло остаться не замеченным критиками.

7. «Пикник», 1956 год

8. Сам Роберт Франк рассказывал о своем подходе к фотоискусству таким образом: «Белое и черное — это цвета фотографии. Для меня они символизируют надежду и отчаяние.

Меня часто обвиняют, что я сознательно искажаю факты, чтобы они соответствовали моей точке зрения. Это отчасти правда, ведь фотограф не может наблюдать жизнь безучастно. Его мнение — своего рода критицизм. Но критицизм может быть и от любви».

9. «Я езжу по штатам. Около года. 500 роликов плёнки. Я захожу в почтовые отделения, дешёвые магазины, на автобусные остановки. Ночую в дешёвых отелях. В 7 утра иду в ближайшее кафе. Работаю всё время. Разговариваю мало. Стараюсь быть незаметным…» (О съемках для книги «Американцы»)

10. Автобус с разделением мест — «для белых» и «для цветных».

11. Фотография «Конгрессмены», сделанная в 1955 году, который считается одним из ключевых периодов в истории борьбы афроамериканцев за свои права.

12. Уличные мужчины-проститутки, 1955 год

13. Одна из самых знаменитых фотографий Франка, в которой автору удалось передать потрясающие эмоции и динамику.

14. «Родео в Нью-Йорке».

15. «Мужской туалет на вокзале в Мемфисе», 1955 год

16. Американская мечта, которая иногда скрывает личность человека.

17. «Индианаполис», 1955 год. Эпоха активного слияния культур в американском обществе. На фото присутствует символичный мотоцикл «Харлей Дэвидсон», джинсовая одежда, однако в нее одеты уже не белые, а афроамериканцы.

Американская живопись

История развития американской живописи – это своеобразное повторение основных европейских тенденций. Хотя первые известные произведения американской живописи датируются 16 веком (зарисовки участников исследовательских экспедиций), но профессиональные художники появились здесь только через 2 столетия, в 18 веке, а единственным полноценным источником дохода был портрет и подобная ситуация сохранялась в американской живописи до 19 века.

Во второй половине 17 века быт переселенцев сравнительно стабилизировался, что дало возможность им заниматься искусством. Именно в этот период появляется группа художник в городах восточного побережья, которая работала современной для своего времени и реалистичной манере: Генриетта Джонстон в Чарльстоне, Юстус Кюн, Г. Хесселиус, Дж. Уотсон, П. Пелэм и Дж. Смайберт. Среди картин этого времени наиболее известен портрет Миссис Фрик с дочерью (1671–1674), который принадлежит кисти неизвестного английского художника.

Первым крупным американским живописцем считается Джон Синглтон Копли (1738–1815). Молодой художник изучал живопись по гравюрам. Его работа «Мальчик с белкой» (1765) была отправлена в Лондон и Копли пригласили продолжить учебу в Англии. Но художник продолжал жить в Америке до 1774 года, когда все-таки решился на переезд в Европу. После 1775 года в его творчестве появляются черты, свойственные английской живописи того времени: манерность и идеализация. Лучшие картины Копли – это большие парадные портреты и полотно «Брук Уотсон и акула»(1778). Другой значимый художник этого времени Бенджамин Уэст (1738–1820), после первых успехов в живописи сразу переехал Лондон. В Англии Уэст стал известным историческим живописцем. Одна из наиболее известных его работ — картина «Смерть генерала Вулфа» (1770). В 1792 Уэст стал президентом Британской Королевской академии художеств.

Копли и Уэст после переезда уже не возвращались в Америку, а портретист Джилберт Стюарт (1755–1828), несмотря на успешную карьеру в Лондоне и Дублине, в 1792 году вернулся в Америку, где вскоре стал ведущим художником этого жанра. Его кисти принадлежат портреты практически всех выдающихся общественных и политических деятелей Америки. Через лондонскую мастерскую Б. Уэста прошло много молодых американский художников, среди которых Чарльз Пил (1741–1827) и Сэмюэл Морзе (1791–1872). Пил основал династию живописцев, семейное художественное предприятие в Филадельфии, а также открыл Музей истории и живописи в Филадельфии. У него было семнадцать детей, многие из которых стали художниками и исследователя. Хотя С. Морзе больше известен как изобретатель телеграфа, он также был неплохим художником, в частности ему принадлежит одна из самых грандиозных картин в американской живописи- полотно «Галерея Лувра». На этом полотне с уникальной точностью переданы в миниатюре примерно 37 картин.

Читать еще:  То, что я вижу. Hannah Ostapjuk

Вашингтон Олстон (1779–1843) считается первым американским художником, работавшим в стиле романтизма. Во время путешествий по Европе он писал итальянские сценки, морские штормы и сентиментальные портреты.
В 19 веке в Америке стали появляться первые академии художеств, которые занимались не только подготовкой студентов, но и организовывали выставки: Пенсильванская академия художеств и Нью-Йоркская Национальная академия рисунка. К 1830-му году в американской живописи доминирующим жанром стал пейзаж. Появляется «школа реки Гудзон» — общество художников, изображавших американскую дикую природу. Наиболее яркий представитель этого течения — Томас Коул (1801–1848), рисовавший девственную природу севера. Его кисти принадлежит и несколько картин с этико-религиозным смыслом, например цикл работ «Жизненный путь» (1842).

Определенную популярность приобретает и жанровая живопись, в частности картины Уильяма Сидни Маунта (1807–1868), посвященные жизни фермеров Лонг-Айленда, и работы Джорджа Калеба Бинхэма (1811–1879), рассказывающие о быте рыбаков с берегов Миссури. Перед началом Гражданской войны ведущим американским живописцем считался ученик Коула Фредерик Эдвин Чёрч (1826–1900). Он специализировался на полотнах крупного формата, а для привлечения публики не боялся использовать слишком натуралистические мотивы. Его самая известная картина – «Ниагарский водопад» (1857). Определенной популярностью пользовались и полотна Альберта Бирштадта (1830–1902), который воспевал дикую красоту Скалистых гор.

После Гражданской войны многие американские художники для получения образования стали уезжать в Европу, где можно было получить более фундаментальные знания. Джеймс Уистлер, Мэри Кассат, Джон Сарджент (1856–1925) – все они учились, жили и работали в Англии и Франции. Творческая манера Уистлер была близка к французскому импрессионизму, Мэри Кассат по личному приглашению Э. Дега участвовала в выставках импрессионистов в 1879 – 1886 годах, Сарджент специализировался на портретах выдающихся людей Нового и Старого Света в оригинальной очерковой манере. В противовес импрессионизму стали появляться иллюзионистические натюрморты. Над этим жанром работали художники-реалисты Уильям Харнетт, Дж. Пето и Дж. Хэберл (1856–1933). Еще два крупных живописца этого периода У. Хомер (1836–1910) и Т. Икинс (1844–1916) не относились ни к одному из распространенных в тот момент художественных направлений. Хомер начинал свою творческую деятельность как иллюстратор, а к 1890-е годам уже был знаменитым художником. Его первые работы — яркие солнечные сцены из деревенской жизни. Но в дальнейшем в его творчестве стали преобладать сложные и драматические темы, например картина «Гольфстрим» (1899). Картины Томаса Икинса современниками часто критиковались за чрезмерный объективизм и прямоту. А сейчас его работы очень высоко ценятся за четкий и строгий рисунок.

В начале 20 века в американской живописи доминировал импрессионизм, но противовес общественному мнению появилась школа «мусорного ведра», которую основала группа из 8 художников: Р. Хенри (1865–1929), Дж. Слоун (1871–1951), В. Глэкенс (1870–1938), Э. Шинн (1876–1953), Дж.Лакс (1867–1933), А. Дэвис (1862–1928), М. Прендергаст (1859–1924) и Э. Лоусон (1873–1939). На их картинах преобладали трущоб и других прозаические места и предметы. В 1913 году в Америку «завезли» постимпрессионизм. Часть художников увлеклись новыми идеями, и занялась исследованием возможностей абстракции, другая часть остались верна реалистической традиции: Ч. Берчфилд (1893–1967), Р. Марш (1898–1954), Э. Хоппер (1882–1967), Ф. Портер (1907–1975) и Э. Уайет.

В первой группе широко представлены различные стили, так А. Олбрайт (1897–1983), Дж. Тукер и П. Блум (1906–1992) работали в стиле «магического реализма», Ч. Шилер (1883–1965), Ч. Демут (1883–1935), Л. Фейнингер (1871–1956) и Д. О’Кифф совмещали в своем творчестве элементы кубизма, реализма и экспрессионизма, близки к экспрессионизму морские виды Д. Мэрина (1870–1953) и М. Хартли (1877–1943). После Второй мировой войны американской живописи стала преобладать беспредметная живопись. На первое место вышла живописная поверхность как таковая, как место взаимодействия цветовых пятен, линий и масс. Именно на этом фоне возник абстрактный экспрессионизм – первый художественный стиль, возникший в США и получивший мировое признание.

Новое движение возглавили Аршип Горки (1904–1948), В. де Кунинг (1904–1997), Д. Поллок (1912–1956), Ф. Клайн (1910–1962), М. Ротко (1903–1970). Одно из важнейших открытий абстрактного экспрессионизма считается художественный метод Джексона Поллока, который клал холст на пол и разливал и капал на него краской для получения переплетения динамичных. Другая форма беспредметного искусства – это творчество Д. Альберса (1888–1976) и Э. Рейнхарта (1913–1967), картины которых состоят из холодных, четко просчитанных геометрических форм. Однако вскоре против беспредметного искусства выступила группа художников в числе Роберта Раушенберга, Джаспера Джонса и Ларри Риверса. Они работали в смешанной технике с небольшим перекосом в сторону ассамблажа. Эта техника подразумевает включение в картины фрагменты различных предметов: газет, афиш, фотографий. В 1960-х годах из техники ассамблажа возникло новое движение – поп-арт. Основные представители этого стиля – Энди Уорхол, (1928–1987), Дж. Розеннквист и Рой Лихтенстейн. Практически сразу за поп-артом стал популярен опт-арт, художественнй стиль, основанный на принципах оптической иллюзии и оптики. В 1970-е годы в американской живописи параллельно развивались сразу несколько новых направлений: геометрический хард-эдж, поп-арт, фотореализм, экспрессионизм и другие стили изобразительного искусства.

Роберто Матта

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren

Роберто Матта

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren

  • Дата рождения: 11 ноября 1911 г. ; Santiago, Chile
  • Дата смерти: 23 ноября 2002 г. ; Civitavecchia, Italy
  • Национальность:чилиец
  • Направление:Сюрреализм
  • Сфера:живопись
  • Википедия:ru.wikipedia.org/wiki/Матта,_Роберто_Себастьян

Заказать
репродукцию

Роберто Себастьян Матта (исп. Roberto Sebastian Antonio Matta Echaurren; 11 ноября 1911(19111111), Сантьяго де Чили — 23 ноября 2002, Чивиттавекия, Италия) — выдающийся чилийский художник-сюрреалист, скульптор, архитектор и график, друг и единомышленник Сальвадора Дали, лидер латиноамериканского арт-авангарда.

Изучал архитектуру в Католическом университете Чили. По окончании, в 1933 году переезжает в Париж, где 2 года работает в архитектурном бюро Ле Корбюзье. В это время художник близко сходится с Пабло Нерудой и Федерико Гарсиа Лоркой, которые в свою очередь знакомят его с Сальвадором Дали и Андре Бретоном. Бретон, на которого произвели впечатления рисунки Матты, приглашает его в 1937 году присоединиться к бурно развивающемуся движению сюрреалистов. В это время полотна Матты указывают на его творческую зависимость от Танги, но уже в них замечается та аморфная, размытая атмосфера, которая является индивидуальной для Матты в его изображениях объёмного пространства.

В 1939 году Матта эмигрирует в США, где знакомится со старшим поколением сюрреалистов и дадаистов, особое впечатление на него производит творчество Марселя Дюшана. Начиная с 1946 года из-под его кисти выходит серия полотен, навеянных темой Второй мировой войны — демонически-утопические видения с насекомоподобными фигурами в закрытых, изолированных помещениях — являясь одновременно стилизацией технической цивилизации.

В 1949 году художник возвращается в Европу, живёт попеременно в Англии, во Франции и в Италии. В пятидесятые и шестидесятые годы XX века его стиль становится более жёстким и реалистичным, мастер посвящает свои работы также политической борьбе этой эпохи.

Tim Martin: Surrealisten, Bath 2004

Die Welt der Malerei, Köln 1990.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector