Современные художники Америки. Michael Carson

Современные художники Америки. Michael Carson

Лучшие современные художники Сейшельских островов и места их работы

Сомали: самая опасная страна мира (Ноябрь 2020)

Искусство, созданное на Сейшельских островах, намного больше, чем сцены белых песчаных пляжей и Валле-де-Май, которые вы видите в туристических магазинах. В то время как современные художники, конечно же, должны соответствовать требованиям своих клиентов, преимущественно туристов, безусловно, есть изменение в типе искусства, создаваемого здесь. В эти дни на Сейшельских островах происходит настоящая коллекция фантастических художников и искусства. Познакомьтесь с лучшими современными художниками Сейшельских островов.

Майкл Адамс

Майкл Адамс, без сомнения, самый известный художник на Сейшельских островах. Он не родился на Сейшельских островах, но уже более четырех десятилетий живет и работает художником, уже зарекомендовав себя как успешный художник.

Le Jardin Du Roi by Michael Adams | Предоставлено Майклом Адамсом

Его работа, возможно, лучше всего определяется как смесь реализма, символики и абстракции.

Он проводит постоянные выставки в Барбадосе, Маврикии, Южной Каролине, США и Германии. Вы также можете найти его работу в многочисленных отелях через Сейшельские острова.

Карусель VII Майклом Адамсом 2016 года | Предоставлено Майклом Адамсом

Студия Майкла, которая также является его домом, можно найти в Anse Aux Poules Bleues (да, это означает «бухта голубых цыплят»!) На южном побережье Маэ. Он признан первой художественной студией, которая открылась на Сейшельских островах.

Студия Майкла Адамса, Anse Aux Poules Bleues, Маэ, Сейшельские острова. +248 4361006

Джордж Камиль

Хорошо любимый художник Сейшельских островов, Джордж Камиль создает свое искусство разными способами, включая сборку и монтаж живописи, графики, графики и скульптуры.

Работа Джорджа полна символизма, вдохновленного Сейшельскими островами, особенно природой. Вы часто можете найти слияние человека и геккона, рыбы и листьев и т. Д.

Он выставлялся в местах как в Индийском океане, так и в Европе. Возможно, особенно на Венецианской биеннале, где наряду с Леон Радегонде (см. Ниже) был первым художником Сейшельского моря, который выставлялся на Венецианской биеннале — одном из самых престижных культурных учреждений в мире.

Прерывание Джорджа Камилла. Часть коллекции дверных створков | Предоставлено Джорджем Камилле

Джордж, как и некоторые его современники, начинает вводить социальные и экологические проблемы в свою работу, все еще продолжая отмечать положительные моменты жизни Сейшельских островов.

Поцелуй Джорджа Камиля | Предоставлено Джорджем Камилле

Одной из его более известных коллекций была работа, которую он делал со старыми дверями затвора. Он собрал двери из старых креольских домов и добавил к их уже расстроенному чувству. Затем он добавил рельефную медь с символами и узорами. Двери символизировали прошлое Сейшельской жизни.

Венецианская биеннале, Ca ‘Giustinian, Сан-Марко 1364 / A30124, Венеция, Италия. +39 041 5218711

Леон Радегонде

Léon Radegonde — художник Сейшельских островов, который определенно выходит за пределы того, что вы можете считать «типичным» для искусства Сейшельских островов. Его работа сосредотачивается вокруг «найденных объектов». Как правило, это бумага, ткань или мешковина, хотя он также сделал некоторые работы по скульптуре.

Части Леона варьируются по всем размерам. Темы его искусства посвящены истории Сейшельских островов и старым способам жизни Сейшельских островов — обычно это время его детства в 1950-х и 60-х годах. Большая часть его работы имеет темный оттенок для них, поэтому не ожидайте в его работах каких-либо пляжей, рыбалки или пальм.

Без названия от Léon Radegonde | Предоставлено Léon Radegonde

Преобразование его найденных объектов во что-то, что, по-видимому, устарело или повреждено со временем, является товарным знаком Léon’s. Когда вы видите что-то от него, кажется, что вы действительно смотрите на исторический артефакт.

Большая часть его работы также будет включать лица, будь то буквально в виде фотографии или подразумеваемые.

У Леона нет собственной галереи, потому что это по его собственному выбору, в отличие от отсутствия спроса. Его студия находится у себя дома в Маэ. Тем не менее, вы можете найти некоторые из его работ в галерее Passerose на Праслине. Он приобрел большое количество в Европе, особенно в Германии.

Галерея Passerose, Праслин, Сейшельские острова +248 2594949

Без названия от Léon Radegonde 2016. Смешанные материалы на мешковине на дереве | Предоставлено Léon Radegonde

Поп-король «на стене»: Майкл Джексон глазами художников

Автор фото, Gary Hume and DACS,

Гэри Хьюм «Майкл», 2001

«Если бы я мог превратиться в любого другого человека, то я стал бы, скорее всего Майклом Джексоном» — признавался в свое время один из самых успешных, если не самый успешный, современный художник Джефф Кунс.

Кунс — автор одной из самых знаменитых художественных работ, посвященных неожиданно скончавшемуся девять лет назад певцу.

Работа эта — скульптура Джексона с его любимой обезьянкой Бабблз — не вошла в выстуавку, проходящую сейчас в лондонской Национальной портретной галерее и приуроченную к предстоящему в конце лета 60-летнему юбилею.

Автор фото, Getty Images

Скульптура Джеффа Кунса «Майкл Джексон и Бабблз» на выставке в музее современного искусства The Broad в Лос-Анджелесе

Зато есть здесь сотни работ 48 художников из разных стран мира, которые заполнили 14 залов одного из самых респектабельных музеев британской столицы.

Майкл Джексон — фигура известная, но в то же время крайне противоречивая.

Читать еще:  Художница из Франции. Kiera Malone

Для одних гений, для других всего лишь попса.

Для одних артист, поднявший афроамериканскую культуру на невиданную прежде высоту, для других — отступник и предатель чернокожей расовой идентичности.

Для одних гуманист и филантроп, запустивший одну из самых ярких и продуктивных благотворительных кампаний в истории (We Are The World), для других — преступник-педофил, лишь благодаря своему несметному богатству сумевший уклониться от правосудия.

Мало кто в истории привлекал столь пристальное внимание и удостаивался такого количества изображений — от мимолетных фотографий до сложнейших по замыслу и исполнению концептуальных работ изобразительного искусства.

Автор фото, KAWS

Американский художник Брайан Донелли, автор этого портрета Майкла Джексона, опубликованного на обложке сентябрьского 2009 года номера журнала Interview, выступает под профессиональным именем KAWS

Посвященные поп- и рок-музыкантам масштабные, амбициозные выставки стали в последние годы привычным в Лондоне явлением. Заняты их организацией не только сугубо коммерческие предприятия типа концертной арены 02, но и респектабельная галерея Saatchi (The Rolling Stones: Exhibitionism) и еще более респектабельный государственный музей Виктории и Альберта (David Bowie Is, Pink Floyd: Their Mortal Remains).

Примостившаяся во флигеле более известной Национальной галереи Национальная портретная галерея долго оставалась своего рода пусть и престижным, но почти забытым бедным родственником, которому были не под силу крупные амбициозные проекты и который существовал в тени своих более смелых и более богатых собратьев.

Ситуацию взялся радикально изменить пришедший сюда в 2015 году новый директор Николас Куллинан. Несмотря на молодость (в момент назначения ему было всего 38), Кулинан обладал изрядным кураторским и административным опытом — на его счету работа и крупные проекты в лондонской Tate Modern и в нью-йоркском «Метрополитен».

Путь просветления

За кажущимся слишком буквальным для выставки изобразительного искусства названием On The Wall («На стене») кроется каламбур. Off The Wall — изданный в 1979 году сольный альбом Джексона, который принято считать началом перехода артиста от детского имиджа «маленького Майкла», младшего брата в семейном квинтете пятерых братьев, к более взрослому репертуару.

«Это не биография и не собрание личных вещей, не ретроспективный взгляд на карьеру Майкла Джексона через призму музыки, танца, моды или славы. Эта выставка исследует влияние его фигуры на современное искусство», — говорит Николас Куллинан.

Идея выставки появилась у Николаса Кулилинана десять лет назад, когда он работал над выставкой в галерее Тейт Модерн «Поп-жизнь: искусство в материальном мире», в которой рассматривался поп-арт и все наследие этого инициированного Энди Уорхолом художественного направления в современном мире. Конечно, у Уорхола самого есть серия портретов Джексона, но в процессе подготовки выставки Куллинан был поражен, насколько притягательна фигура певца для современных художников.

Автор фото, Alexander Kan

Портрет Майкла Джексона работы Энди Уорхола

Характерное и самое радикальное отличие выставки в Национальной портретной галерее от упомянутых аналогичных проектов состоит в том, что суть и главное содержание ее — отнюдь не сам Майкл Джексон. Выставка представляет отражение фигуры артиста в современном искусстве, и, соответственно, каждая работа говорит нам не только, а зачастую и не столько о Джексоне, сколько о том, как видят его и связанные и его личностью и его статусом проблемы современного общества.

Проблемы эти эстетического, социального, расового, религиозного, даже политического характера.

В работе знаменитого фотографа Дэвида Лашапеля «Просветленный путь» Джексон предстает как мессия, ведущий своих последователей по пути просветления.

Автор фото, David LaChapelle

Дэвид Лашапель «Просветленный путь», 1988

Для выросшего из охвативших Нью-Йорк на рубеже 70-х и 80-х искусства граффити Кита Харинга Джексон — лишь повод для погружения этого лица-иконы в стилистические каноны исповедуемого им «дикого экспрессионизма».

Автор фото, The Keith Haring Foundation

Кит Харинг «Без названия», 1984

Общепланетная привлекательность и хоровой портрет

Для 87-летней чернокожей художницы и активистки Фейт Ринггольд Джексон, несмотря на всю изменчивость и гибкость его расовой идентификации, в первую очередь — знаковая фигура афроамериканской культуры. Она исходит из того, что Джексон вовсе не пытался стать «белым», в чем многие его обвиняли.

«Он конструировал свой физический облик так, чтобы обрести универсальную, общепланетную расовую и демографическую привлекательность», — говорит она.

В своей работе Who’s Bad, название которой перекликается со знаменитым альбомом Bad, Ринггольд помещает артиста в окружении видных лидеров борьбы за равноправие: Мартина Лютера Кинга, Малькольма Экс, Нельсона Манделы, архиепископа Десмонда Туту, сенатора Джесси Джексона и других.

Автор фото, Getty Images

В своей работе Who’s Bad афроамериканская художница и активистка Фейт Ринггольд помещает артиста в окружении видных лидеров борьбы за равноправие

Название видеоработы южноафриканской художницы Кэндис Брайтц «Король (портрет Майкла Джексона)» звучит обманчиво. Самого Джексона в ней мы не видим и не слышим. Через опубликованное в газете в Германии объявление Брайтц отобрала 16 добровольцев, каждый из которых, без какого-то бы то ни было умения, просто с любовью и страстью, в одиночестве перед камерой и микрофоном пел а капелла одну за другой все песни из самого знаменитого джексоновского альбома Thriller. Получившиеся в результате 16 индивидуальных интерпретаций самыми обычными людьми классического альбома сливаются в хоровой портрет — отражение видения музыки Джексона его поклонниками.

Читать еще:  Сюрреалистические картины. Dino Valls

Автор фото, Candice Breitz

Видеоинсталляция «Король (портрет Майкла Джексона)» южноафриканской художницы Кэндис Брайтц

Королевская особа

Ключевое место на выставке занимает огромное полотно афроамериканского художника Кьянде Уайли «Конный портрет короля Филиппа II (Майкл)».

Излюбленный прием Уайли — реинтерпретации классических работ старых мастеров, порождающие причудливый, постмодернистский синтез традиции и современности. Среди его самых известных работ — «Наполеон переводит армию через Альпы», где в заимствованной у картины Жака-Луи Давида композиции в позе императора мы видим обычного афроамериканца в камуфляжных штанах, бандане и ботинках Timberland. А в его интерпретации шедевра Караваджо «Юдифь и Олоферн» голову обезглавленного генерала держит не традиционная библейская героиня, а высокая, статная афроамериканка.

Такой подход заинтересовал Джексона, и он заказал Уйали свой портрет, основанный на знаменитой картине Рубенса. Написанное в 2010 году внушительных размеров полотно стало последним прижизненным портретом певца.

Автор фото, Kehinde Wiley

Кьянде Уайли «Конный портрет короля Филиппа II (Майкл)», 2010

Сотрудничество с Джексоном во время работы над картиной Уайли называет «совершенно экстраординарным»: «Его знание и понимание истории изобразительного искусства оказались намного более глубокими, чем я мог предполагать. Он говорил о разнице в живописной манере между ранним и поздним Рубенсом. Мы обсуждали с ним, как его костюм может выполнять роль доспехов короля. И на картине он изображен в полном рыцарском облачении».

Как известно, многие и до сих пор склонны воспринимать Майкла Джексона как фрика. Как бы отвечая на эти упреки, и заодно суммируя смысл и суть выставки, ее организаторы включили в каталог сказанные еще в 1985 году слова известного американского писателя Джеймса Болдуина:

«Какофония голосов и мнений вокруг Майкла Джексона поражает в первую очередь тем, что она вовсе не о Майкле Джексоне. Ему не так быстро простят нарушение им столь многих правил и табу. Фриков называют фриками и относятся к ним соответственно — главным образом ужасно — именно потому, что они способны выразить таящиеся в глубине нас самые потаенные желания и страхи».

Где создается совриск: 7 студий художников в Нью-Йорке

Творческая кухня американского искусства

Фото: Catinca Tabacaru Gallery
Фото: Кевин Лю

Нью-Йорк больше века притягивает художников со всех концов света и неизменно входит в топ-10 арт-направлений мира. Чтобы понять, как живет независимое американское искусство, наш корреспондент заглянул в студии 7 нью-йоркских художников

В Нью-Йорк, как и в любой другой город-миллионник, люди едут за мечтой. Если Лос-Анджелес манит в киноиндустрию или музыкальную сферу, то по части искусства тон задает Большое яблоко. Художники со всего света слетаются сюда в надежде зажечь свою звезду на небосводе города. Здешний арт-климат, пожалуй, один из самых устойчивых в мире. Несмотря на финансовый кризис 2008 года и прочие нестабильности современной американской экономики, рынок искусства в Нью-Йорке, в отличие от других отраслей, практически не пострадал — коллекционеры продолжают тратить деньги, галереи не закрываются, а художники приезжают и приезжают. Чтобы понять, как и на что живет независимое американское искусство, стоит заглянуть в студии местных художников и посмотреть, в какой атмосфере получается то, что потом можно наблюдать на различных выставках и арт-шоу по всему миру. Мы посетили семь мастерских современных нью-йоркских художников.

Джастин Орвис Штеймер

Студия и дом Джастина находятся в Бушуике. Этот некогда индустриальный и малообжитой район Бруклина стал пользоваться популярностью у художников сразу после того, как цены на аренду в Уильямсбурге (ближайшая к Манхэттену часть Бруклина) взлетели втрое. Тогда же началась активная миграция всей творческой прослойки вглубь Бруклина. Художники стали снимать бывшие промышленные лофты, превращая их в студии и квартиры. Попав в дом Джастина, сразу понимаешь, что в этом пространстве происходит не только его творческий процесс, но также и большое количество вечеринок, на которых он сам же выступает диджеем. Двухъярусная студия также служит спальней и местом для медитации.

Рисовать Джастин начал еще в восемь лет. В Нью-Йорк он переехал уже в довольно зрелом возрасте. В течение пяти лет Джастин работал поваром в одном из традиционных американских ресторанов, а по ночам писал картины. Наконец, однажды его заметил куратор галереи Сatinca Tabacaru. С 2011 года у художника состоялось уже более 10 выставок, а на летний сезон 2015 одно из международных творческих объединений пригласило Джастина на три месяца в Венецию, где он будет трудиться над созданием целой серии работ. Живопись Штеймера совмещает в себе мистицизм и технологичность, в своих последних работах Джастин в качестве холстов использовал старые парашюты. Свою студию в Бушуике он не готов поменять ни на что другое, а Нью-Йорк считает самым лучшим местом для художников на Земле: «Я люблю Бруклин и Нью-Йорк. Семью я заводить не планирую, мне нужно лишь мое искусство, а тут для этого самое идеальное место, можно творить в формате «здесь и сейчас» и встречать много удивительных людей».

ROMASHIN DESIGN SCHOOL. Авторская школа А. Ромашина

Онлайн обучение графическому дизайну, типографике и брендингу

ДЭВИД КАРСОН — ПАГАНИНИ ТИПОГРАФИКИ

Так обозвали американские СМИ главного героя мирового графического дизайна 90-х годов Дэвида Карсона. О Карсоне писали тогда почти все. Лондонский журнал «Creative Review» озаглавил статью о нем так: «Арт-директор новой эры». А «Newsweek» заявил, что Карсону удалось «полностью изменить представление общества о графическом дизайне».
Своим творчеством Дэвид Карсон опроверг догму о том, что графический дизайн должен следовать за содержанием, заданным брифом, а не порождать собственные смыслы. Будучи социологом по образованию, он, наверное, мог бы много написать в своих книгах об этом. Но другой социолог, Маршалл Маклюенн, написал за него в свое время — «главное средство сообщения и есть сообщение». Сам Карсон предпочитает не рассказывать, а показывать это в своих работах, а в своих книгах отделывается общими фразами. Тем не менее, книги Карсона по актуальному дизайну, переведены на многие языки и стали мировыми бестселлерами. Их издания и переиздания – абсолютные чемпионы мира по тиражам.

Читать еще:  Эмоции, выплеснувшиеся на холст. Helene Fremont

Дизайнерская биография Карсона началась в 1989 году, когда он был приглашен арт-директором в журнал «Transworld Scateboarding», а потом в «Beach Culture», где он начал использовать сложнейшую фотографику и неординарные сочетания шрифтов, совмещать разные пространственные планы, формируя многомерное, словно открывающееся вовне пространство, будоражащее воображение зрителя.

Превратив «Beach Culture» в один из самых авангардных журналов, Карсон, тем не менее, не смог обеспечить ему коммерческий успех. За два года вышло всего шесть номеров, после чего издатель был вынужден закрыть журнал. Однако работа в «Beach Culture» оказалась для Карсона не напрасной – она принесла ему более ста пятидесяти профессиональных наград в области графического дизайна и была продолжена в журнале «Surfer» (1991-1992).

Реклама для Enporio Armani

Но самый оглушительный успех дизайнеру принесло сотрудничество с журналом «Ray Gun» (1992-1995), который был посвящен альтернативной музыкальной культуре и образу жизни в стиле гранж. Отражая турбулентное духовное состояние «поколения X», Дэвид Карсон обратился к энтропии как главному творческому принципу. Энтропия, в широком смысле, означает меру неупорядоченности системы; чем меньше элементы системы подчинены какому-либо порядку, тем выше энтропия.

Следуя этому творческому принципу, Карсон принципиально отказался от модульной сетки. При разном, порой совершенно контрастном текстовом содержании материалов номера, он стремился к столь же разнообразному оформлению буквально каждого разворота.

Верстка напоминала сумасшедшие живописные холсты, на которые, словно при создании палимпсеста, послойно наносились буквы, строки и изображения. В этом смысле дизайн Карсона оказался генетически связан с поэтикой дадаизма и сюрреализма. Композиционные решения, основанные на центробежной активности отдельных элементов, выразительная эквилибристика буквоформ создавали ощущение «пластической невесомости». Свободная верстка, богатая ассоциативность образов, действующая подобно звучанию гранжевой музыки, популярной в те годы группы NIN, сделали «Ray Gun» культовым изданием 90-х.

В 2000 году, через пять лет после ухода из «Ray Gun» Карсона, журнал прекратил свое существование. Параллельно, сотрудничая с «Ray Gun», в 1995 году Карсон открыл собственную дизайн-студию «David Carson Design» c офисами в Нью-Йорке и Сан-Диего. Заслуженная слава привела к нему крупнейших корпоративных клиентов, среди которых Pepsi, Соса-Соlа, Ray Ban, Nike, Microsoft, Budweiser, Giorgio Armani, NBC, American Airlines, Levi Strauss Jeans, Xerox и другие.

Плакат 2011 года

В условиях клипового постмодернистского сознания Карсон свободно оперирует бесконечным набором прерывностей, различий, порогов, вырезов, разрывов и границ, наслаждаясь комбинаторикой и бесконечными возможностями компьютерных технологий. Его творчество становится предельно либеральным «коммуникативным предпринимательством», не регламентированным никакими конвенциями смысло и формообразования.

В 1995 году вышла книга Карсона «The End of Print», принесшая ее автору поистине всемирную славу. Она появилась на волне романтической постмодернистской убежденности в необходимости безусловной свободы творчества и инноваций, способных вознести на пьедестал демократические ценности и претворить в жизнь «американскую мечту». Экзистенциальная надежда на фундаментальные перемены, возможные в информационном обществе, и своего рода технократический оптимизм сделали Карсона истинным героем медиакультуры 90-х, а его книгу – манифестом постмодернистской парадигмы в графическом дизайне.

Кстати, скачать альбом «The End of Print» в pdf версии можно в конце этой статьи

The End of Print 1998

В публикациях о Дэвиде Карсоне стало уже общим местом обсуждать провозглашенный им конец эры печатной культуры. Однако стоит ли понимать название его книги настолько буквально? Как полагает Л. Блэкуэлл, соавтор книги, в названии «The End of Print» можно усмотреть не столько авторский жест и констатацию того, что эпоха бумажной книги неотвратимо движется к своему завершению, сколько намерение Карсона продемонстрировать некие пределы художественного эксперимента, подводящего зрителя к самой грани, к границе реализуемого с помощью современных технологий. Экстремально провокативная, сравнимая по своему эффекту с пиротехническим шоу, типографика Карсона как бы испытывала на прочность представления о пределах возможного в графическом дизайне.

The End of Print 1996

Выдержавшая переиздание и переведенная на пять языков, самая популярная в мире книга о графическом дизайне «The End of Print», существенно расширенная и дополненная новыми материалами, была переиздана в третий раз в лондонском издательстве «Laurence King Publishers» в мае 2012 года. Этот факт неоспоримо свидетельствует в пользу сохраняющейся актуальности бумажной печатной культуры, пусть и перешедшей в новое качество особого духовного измерения.

Опубликовано с разрешения автора Оксаны Ващук . Первая публикация — INTERNI №8 май 2012

Постер, посвященный событиям 11 сентября 2001 г.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector