Современные художники Америки. Zoey Frank

Современные художники Америки. Zoey Frank

Человек-легенда: дизайнер Йозеф Франк

Архитектор и дизайнер Йозеф Франк шел наперекор главенствующим в его время идеям функционализма и упрощения быта, создавая уютные виллы и ткани с фантастическими цветами и тропическими лесами

13 апреля 2015 · Текст: Плахина Антонина

  • Йозеф Франк (Joseph Frank) родился в 1885 году в Вене, умер в 1967 году в Стокгольме.
  • 1908: получил дип-лом архитектора.
  • 1919–1931: строил дома для рабочих.
  • 1930: вместе с Оскаром Влахом создал знаменитую виллу Beer.
  • 1934: начал сотрудничать со шведской маркой Svenskt Tenn.
  • 1952: кавалер золотой медали шведского короля за достижения в литературе и искусстве.
  • 1965: лауреат Большой госпремии Австрии по архитектуре.

Архитектор Йозеф Франк (Joseph Frank) родился в 1885 году в Вене в зажиточной еврейской семье. В начале XX века этот город был центром новейших течений в искусстве, архитектуре и философии. Не поддаться духу творческой свободы было невозможно. Но, выбрав свою профессию, он не соблазняется богемностью вальсирующей столицы, а идет своим путем. Окончив в 1908 году Высшую техническую школу в Вене, он защищает диссертацию по архитектуре итальянского Ренессанса. Ему не было и 35 лет, когда его пригласили читать лекции в венскую Высшую школу прикладных искусств.

К тому моменту архитектор уже успел открыть свое бюро, построить несколько частных зданий в Вене и отслужить в армии во время Первой мировой войны. В 1919 году, когда Франк стал преподавать, начинался интереснейший этап в истории венского градостроительства. Столицу Австрии в те годы называли Красной Веной: городской парламент возглавили социал-демократы и бросились решать жилищный вопрос. Выяснилось, что жилищный фонд столицы бывшей империи, над которой никогда не заходило солнце, пребывал в кризисном состоянии. Подсчитали, что в городе на тот момент было 400 тысяч квартир в одну-две комнаты, с маленькими окнами, выходившими во дворы-колодцы, часто без водопровода, канализации и электричества.

Благодаря усилиям «красных» парламентариев в Вене были построены уникальные жилые комплексы, в которых лучшие архитекторы использовали принципы так называемого «Нового строительства». Квартиры имели эргономичную планировку, функциональные кухни, большие окна. Комплексы возводились как единый архитектурный ансамбль, обычно охватывающий целый квартал. Здания украшали майолики, аллегорические скульптуры и фрески, посвященные людям труда.

Это были своего рода модели городов будущего, предназначенных для жизни в обществе со справедливым социальным устройством. Сегодня эти микрорайоны для рабочих объявлены памятниками архитектуры. Франк участвовал в создании нескольких таких микрорайонов, но его проекты, в отличие от других, не обладали монументальной экспрессией и пафосом. Здания были лаконичны, без декора, имели простые объемы с ясным ритмом окон и гладкими фасадами. В Вене можно увидеть одно из них — Leopoldine-Glöckel-Hof. Его секции окрашены в разные пастельные тона, поэтому венцы прозвали дом «радужным и акварельным».

Чтобы оценить изящество стиля Франка, надо взглянуть на стоящий на другой стороне шоссе Гюртель монументальный жилой комплекс для рабочих Reumannhof, — похожий на крепость, с многочисленными арками, колоннами и украшенным керамикой парадным фасадом.

Франк, хотя и проектировал многоквартирные дома, не был сторонником такой формы жилья. Он пропагандировал более соразмерные человеку поселки таунхаусов. В 1919 году он построил в предместье Вены рабочую деревню Ortmann: улицы белых модернистских двухэтажных домов с балконами, террасой на крыше, собственным садом. В центре поселка находились школа, библиотека, спорт-зал и клуб. К сожалению, до наших дней поселок не дожил. У Франка были свои представления о том, что делает человека счастливым, и они шли вразрез с идеями «Баухауза», Ле Корбюзье и других функционалистов. Не дом-машина, стандартизация и индустриализация, упрощающая быт, не просчитанные по науке жилищные единицы, а комфортная, ориентированная на человека архитектура.

Франк не понимал, как можно делать одинаковый для всех дизайн, — ведь все люди разные, и каждый человек — вещь в себе. В 1931 году он писал: «Современная немецкая архитектура — функциональная, практичная, зачастую даже интригующая, но в ней нет жизни».

В 1925 году Франк и его коллега Оскар Влах основали дизайн-бюро «Дом и Сад», где проектировали частные дома, интерьеры и мебель. Франк придавал огромное значение созданию индивидуальной среды обитания — комфортной, яркой, эмоциональной, красивой. Он мог «собрать» изысканный интерьер из антикварных вещей и ковров, дополнив его лишь несколькими сделанными на заказ предметами. Уже тогда занялся дизайном тканей — много позже это станет его основным доходом. Но пока он в первую очередь знаменитый архитектор. В 1929–1930-х годах Франк и Влах создали свой звездный проект — виллу для фабриканта Беера в Вене, на улице Венцгассе, 12. Она считается эталоном венской частной архитектуры конца 1920-х годов. «Хорошо спроектированный дом похож на прекрасные старинные города, где легко ориентируется даже чужестранец, ни у кого не спрашивая дорогу, находит и ратушу, и рыночную площадь», — писал Франк в своем манифесте. Эти идеи воплотились в доме Беера.

Белое трехэтажное здание с плоской крышей открыто в сторону сада. Изящно меблированные комнаты переходят одна в другую, чередуются, символизируя смену настроений человека, и приводят к доминанте — просторной гостиной. В 1932 году публике был представлен еще один проект, выполненный под руководством Франка.

​Художник Фрэнк Бенсон


Фрэнк Бенсон (Frank Weston Benson 1862—1951) — американский художник-импрессионист и педагог.
Был одним из Десяти американских художников, а также членом Американской академии искусств и литературы и The Guild of Boston Artists. Широко известен своими картинами, акварелями и офортами.

Фрэнк Бенсон родился 24 марта 1862 года в Сейлеме, штат Массачусетс, в семье брокера George Wiggin Benson и его жены Elisabeth Poole, чьи семьи, в свою очередь, были основателями города Сейлем. Его дед — Сэмюэль Бенсон был морским капитаном. Его брат — Джон Бенсон — был архитектором и художником.
Будучи увлечённым с детства орнитологом и охотником, Фрэнк хотел стать орнитологическим иллюстратором. Для этого в 1880 году он начал учебу в школе Музея изящных искусств в Бостоне у Эмиля Грундманна, где подружился с будущими художниками Джозефом Смитом, Робертом Ридом и Эдмундом Тарбеллом.
В день своего 21-летия родители подарили Фрэнку 2000 долларов на учебу в Европе, и он отправился в Париж, где учился в Академии Жюлиана с 1883 по 1884 годы вместе со своими друзьями — Джозефом Смитом и Эдмундом Тарбеллом. В Академии его учителями были Гюстав Буланже и Жюль Лефевр.
Кроме художественной деятельности, Бенсон занимался педагогической. В 1886 году он преподавал в школе искусств в Портленде, штат Мэн. Весной 1889 года начал преподавать античную живопись в школе Музея изящных искусств в Бостоне, где в 1890 году возглавил отделение живописи, проработав здесь до 1913 года.

Читать еще:  Цифровой художник. Michael Oswald

Фрэнк Бенсон «Автопортрет» 1898

Умер 15 ноября 1951 года в Сейлеме, штат Массачусетс.

«Мои дочери» 1907

«Чтение на солнце» 1910

«Тихое утро» 1904

«Portrait of Elizabeth»

«Children in the Woods» 1898

«Afternoon in September»

«Girl with Pink Bow»

«Portrait of Elizabeth Tyson Russell»

«Katherine Cavanaugh» 1897

«Red and Gold» 1915

«Алиса Бэкон (госпожа В.Х.Стерджис Лотроп)» 1891

«Моя дочь Элизабет» 1914

«My Sister» (also known as Portrait of Betty) 1885

Скрытые смыслы 9 всемирно известных картин, которыми гордится Музей современного искусства Америки

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Тонущая девушка, Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн первоначально работал в кубизме и абстрактном экспрессионизме, прежде чем перейти к поп-арту, жанру, в котором он оставил свой след. Одной из самых выдающихся работ Лихтенштейна является картина «Тонущая девушка» (также известная как «Секретные сердца» или «Мне плевать! Я предпочту утонуть»).

Метод рисовки и способ выражения мыслей, чувств и переживаний придают картине вид страницы комикса. Героиня предстаёт жертвой несчастной любви, которая скорее утонет, чем обратится за помощью к своему возлюбленному. «Тонущая девушка» была описана как шедевр мелодрамы, и это самая известная картина Лихтенштейна после «Бу-ух!» Начиная с 1971 года «Мне плевать. » входит в постоянную коллекцию Музея современного искусства.

2. Влюблённые, Рене Магритт

Бельгийский художник Рене Магритт наиболее известен как один из лидеров влиятельного художественного движения XX века — сюрреализма. На этой картине изображена мужская фигура в чёрном костюме, заключенная в объятия с женщиной, одетой в красное. Фигуры целуются друг с другом, но, что интересно, через вуали, и это то, что делает картину наводящей на размышления, как и многие другие работы Магритта.

Есть несколько интерпретаций «Влюблённых», в том числе это изображение нашей неспособности полностью раскрыть истинную природу, даже находясь в объятиях друг друга. Лица, скрытые от постороннего взгляда — это общая черта многих картин Магритта. Когда ему было четырнадцать лет, его мать покончила с собой, утонув. Он видел тело своей матери в мокрой ночной рубашке, обернутой вокруг её лица, и некоторые предположили, что эта травма привела его к тому, что он показывал затемнённые лица в своих работах. Однако художник отрицал это.

Даже на сегодняшний «Влюблённые» — одно из самых популярных и наиболее анализируемых произведений Рене Магритта, которое заставляет над многим задуматься.

3. Буги-Вуги на Бродвее, Пит Мондриан

Геометрическая абстракция — это форма абстрактного искусства, основанная на использовании геометрических форм. Пит Мондриан ввёл термин неопластицизм для своих абстрактных картин, фишкой которых была прямая линия, три основных цвета и нейтральные оттенки: чёрный, белый и серый.

Вдохновлённый городской сеткой (схема улиц) Манхэттена и бродвейской музыкой буги-вуги, он создал своё последнее, законченное произведение искусства, под названием «Буги-Вуги на Бродвее». Картина считается вершиной репрезентации художника с использованием его неподражаемого стиля, включающего в себя линии, квадраты и основные цвета. Она символизирует кульминацию его стилистического новаторства и является одной из самых выдающихся и важных работ в школе абстрактной геометрической живописи.

4. Мир Кристины, Эндрю Уайет

Эндрю Уайет был одним из самых известных американских художников середины ХХ века. Его точные реалистические взгляды на сельскую жизнь стали иконами американской культуры и бросили вызов природе современного искусства в стране, которое было в основном абстрактным. Его шедевр «Мир Кристины» входит в число самых известных американских картин середины ХХ века. На картине изображена женщина, лежащая на поле и смотрящая на серый дом на горизонте.

Главная героиня данной работы — Анна Кристина Олсон, которая была соседкой Уайета в Южном Кашинге, штат Мэн, и страдала от дегенеративного мышечного расстройства, которое мешало ей ходить. Художник был вдохновлён на создание шедевра, когда увидел, как она ползёт через поле, наблюдая за происходящим из окна. Хотя он получил мало внимания на первом показе, «Мир Кристины» с каждым годом набирал всё большей популярности. В настоящее время он считается иконой искусства и одним из самых важных произведений американского реализма.

5. Авиньонские девицы, Пабло Пикассо

Первоначально названный Le Bordel d’Avignon (бордель Авиньона), этот революционный шедевр считается одной из самых влиятельных картин ХХ века, поскольку он сыграл ключевую роль в развитии как кубизма, так и современного искусства. Это был радикальный отход от традиционной европейской живописи.

Пикассо использовал разные стили для изображения каждой фигуры на картине, причём голова женщины, задёргивающей занавес в правом верхнем углу, была самым строгим кубистическим элементом. Картина вызывала споры не только своим радикальным стилем, но и сюжетом. Впервые она была выставлена на всеобщее обозрение в 1916 году, и её название было изменено, чтобы уменьшить её скандальное влияние.

Читать еще:  Темные, мрачные и фигуративные картины. Katarzyna Sliwa

Авиньон в названии произведения — это отсылка к улице Барселоны, известной своим борделем. Здесь он мастерски изобразил пять обнажённых проституток в смущающей конфронтационной манере. Работа «Авиньонские девицы» считается одним из самых важных произведений Пабло Пикассо. Музей же приобрёл картину за двадцать четыре тысячи долларов, и теперь она представляет собой одну из его ключевых достопримечательностей.

6. Постоянство памяти, Сальвадор Дали

Пожалуй, картина «Постоянство памяти», на которой изображены расплавленные часы, что, медленно тая, стекают с ветки и не только, считается одной из самых популярных и противоречивых работ Дали. По одной из версий, художник сочетает в ней концепцию твёрдости и мягкости, где первое – реальность, а второе – разум.

И совсем неудивительно, что это произведение искусства бесконечно подвергается тщательному анализу, поскольку художник никогда не вдавался в подробности и смысл, заложенный в изображение. Некоторые искусствоведы предполагают, что тающие часы – бессознательный символ относительности пространства и времени, в то время, как другие придерживаются версии, связанной со смертью и разложением.

7. Звёздная ночь, Ван Гог

Ван Гог, страдавший душевной болезнью, поступил в психиатрическую лечебницу Сен-Поль в небольшом французском городке Сен-Реми-де-Прованс. И несмотря на то, что данное произведение искусства было написано в разгар дня, на нём запечатлена ночь, а точнее вид из окна комнаты клиники, в которой находился художник.

По одной из версий «Звёздная ночь» олицетворяет неподдельный интерес Винсента к астрономии. Исследование, которое было проведено одной из обсерваторий, дало заключение о том, что на картине изображена Луна, Венера и несколько звёзд точь-в-точь, как в ту самую ясную ночь.

Картина много анализировалась различными искусствоведами, находившими в ней символические элементы. «Звёздная ночь» — одно из самых узнаваемых произведений в истории западного искусства. Она широко упоминается в популярной культуре, в том числе в известной песне Дона Маклина под названием «Винсент». Это, безусловно, самая легендарная картина Винсента Ван Гога, которая считается одним из величайших произведений современного искусства, входящего в постоянную коллекцию Музея Современного Искусства.

8. Девушка перед зеркалом, Пабло Пикассо

Пабло Пикассо был одним из самых узнаваемых и величайших художников всех времён. На этой картине изображена Мари-Тереза Вальтер, любовница и модель легендарного живописца в период с 1927 по 1935 год. Молодая Мари-Тереза была одним из любимых сюжетов Пикассо в начале 1930-х гг.

Картина «Девушка перед зеркалом» изображает её красивой и накрашенной с одной стороны, в то время как с другой стороны её лицо потемнело, а тело и вовсе утратило пропорции, исказившись и искривившись.

Данное произведение известно своими разнообразными интерпретациями. Некоторые критики предполагают, что это изображение олицетворяет противостояние внешнего и внутреннего «Я» главной героини. Другие считают, что маэстро пытался передать и запечатлеть скоротечность времени и быстротечность жизни на примере возлюбленной натурщицы.

9. Банки с супом Кэмпбелл (Томат), Энди Уорхола

Одно из самых популярных и узнаваемых произведений поп-арта, «Банки с супом Кэмпбелл», состоит из тридцати двух полотен, по одному на 32 сорта, предлагаемых компанией в то время. Подобное искусство привело к тому, что поп-арт стал крупным художественным движением в США. Некрасивый стиль и коммерческая тематика живописи изначально вызывали обиду, поскольку оскорбляли технику и философию абстрактного экспрессионизма, тогдашнего доминирующего стиля в Америке.

Последовавшие за этим споры о достоинствах и этике такой живописи, лишенной эстетики и мистических наклонностей абстрактных экспрессионистских произведений, вызвали бурю возмущения в американском художественном мире. Это сделало Энди Уорхола ведущим и самым известным художником поп-арт-движения, которое оказало огромное влияние на западный художественный мир в целом.

В продолжение темы об искусстве, читайте также о том, чем же закончились самые дерзкие ограбления в мире, о которых до сих пор говорят.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

12 скандальных художников, которые вошли в историю, не прибивая мошонок

Когда-то художники умели удивлять, не прибивая мошонки к брусчатке. Впрочем, в разные периоды был разный градус предпочтений. В этой подборке — 10 самых скандальных работ художников, которые не просто умели эпатировать публику, но и вошли в историю.

«Большая одалиска», Жан Энгр, 1819 год

Картина Энгра стала невероятно скандальной для своего времени. А всё потому, что он писал её для сестры Наполеона Каролины Мюрат. Картина так и не была принята заказчицей. Знала бы она, от чего отказалась.

Кресло от дизайнера Аллена Джонса, 1969 год

Художник Аллен Джонс в середине 60-х был известен как один из самых ярких представителей британского поп-арта, а его работы считались радикальными, эпатажными, экстраординарными. Большинство работ художника вызвали резкую волну критики от женского населения и считались «сексистскими» за чрезмерную откровенность. В марте 1986 года активистами эта работа была облита краской.

«Театр мира», Хуанг Йонг Пинг, 6 октября 1989 года

Основная критика была направлена на три видеоработы выставки «Искусство и Китай после 1989 года», в которых животных использовали в качестве экспонатов. На первом видео были сняты две спаривающиеся свиньи, почти полностью покрытые татуировками; на втором — восемь американских питбулей, расположенных парами друг напротив друга в состоянии агрессии, но прикованных к беговым дорожкам; на третьем — прозрачный купол, где находились сотни насекомых и рептилий, которые в итоге охотились друг на друга и погибали.

«Стёртый рисунок Де Кунинга», Роберт Раушенберг, 1953 год

В 1953 году Раушенберг продемонстрировал всем работу под названием «Стёртый рисунок Де Кунинга» (Erased De Kooning Drawing) — карандашный набросок Виллема Де Кунинга, который был стёрт. Художник своей работой поставил под сомнение саму идею традиционного искусства. Люди задались вопросом, может ли стёртая работа другого художника стать полноценным творческим актом и самостоятельным произведением. В своё время эта работа считалась вызовом и провокацией.

Читать еще:  Современный сербский художник. Dejan Deki Milivojevic

«Дерьмо художника», Пьеро Мандзони, май 1961 года

В мае 1961 года Пьеро Мандзони сообщил поклонникам современного искусства о создании нового произведения: он разделил собственные фекалии на порции по 30 граммов, разложил в 90 баночек и запечатал их. Баночки были пронумерованы, и на каждой красовались надписи на четырёх языках — «Дерьмо художника», а также автограф самого Мандзони. Каждая баночка была соответствовала по стоимости одному грамму золота на тот период.

«Званый ужин», Джуди Чикаго, 1979 год

Своей работой «Званый ужин» художница решила покончить с патриархатной традицией сохранения мужских гениев, создав канон из 39 выдающихся женщин разных периодов истории. Художница изобразила своих героинь в виде вагин, разложенных по тарелкам на большом треугольном столе. Тринадцать женщин по каждую сторону стола в инсталляции отсылают к знаменитой работе Леонардо да Винчи «Тайная вечеря».

«Наклонная арка», Ричард Серра, 1981 год

«Наклонная арка» Ричарда Серра, установленная в 1981 году на Федеральной площади Нью-Йорка, вызвала ожесточённые споры среди общественности. Люди, работавшие в зданиях, расположенных на площади, выражали недовольство тем, что скульптура Серра якобы мешает движению. По итогам общественных слушаний (1985) было принято решение о перемещении скульптуры на другую площадку, но Серра утверждал, что она была создана специально для данного пространства и поэтому не может быть размещена нигде больше. В конечном счёте в 1989 году работа была демонтирована и пущена на переплавку.

«Окаймлённые острова», Жанна-Клод де Гийебон, 1983 год

В 1982 году художники Кристо и Жанна-Клод де Гийебон покрыли 11 островов в заливе Бискейн в Майами розовой полипропиленовой тканью. Экологи выступили против работы, беспокоясь о влиянии синтетического пластика на ламантинов.

«Я», Марк Куинн, 1991 год

Британский художник Марк Куинн (Marc Quinn) сотворил поистине безумный проект под названием Self — «Я», в рамках которого он создаёт скульптурные автопортреты из собственной крови. Это странный и тревожный проект художник стал реализовывать ещё в 1991 году. Каждые пять лет Марк изготавливает новую скульптуру своей головы из крови, чтобы запечатлеть себя и понаблюдать за собственным старением.

«Моя кровать», Трейси Эмин, 1998 год

«Моя кровать» представляет собой неряшливую, неубранную постель, вокруг которой разбросан различный бытовой мусор. Считается, что произведение отражает новую, современную эстетику, превращающую внешне безобразные объекты в предмет искусства. В 2014 году инсталляция была продана за $4,3 млн на аукционе Christie’s.

«Акула», Давид Черни, 2005 год

Скульптура чешского художника Давида Черни «Акула» в 2005 году сначала получила специальный приз Пражского биеннале, а после была запрещена. Инсталляция изображает полуобнажённого Саддама Хусейна, плавающего в аквариуме с формальдегидом. Сам Черни говорил, что это пародия на произведение Дэмьена Хёрста «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», однако на её демонстрацию всё равно наложили запрет в ряде стран, например в Польше и Бельгии.

«Дерево», Пол Маккарти, 2014 год

В октябре 2014 года на площади Вандом в Париже была установлена гигантская скульптура, вызвавшая смятение среди жителей города. Многие сравнивали её с секс-игрушкой. Художник даже был избит за свою работу. Незнакомец ударил его три раза по лицу со словами: «Ты не француз! Тебе нечего делать на этой площади!» — и убежал. В социальных сетях жители возмущались, что Вандомская площадь обезображена, а Париж унижен.

​Художник Фрэнк Бенсон


Фрэнк Бенсон (Frank Weston Benson 1862—1951) — американский художник-импрессионист и педагог.
Был одним из Десяти американских художников, а также членом Американской академии искусств и литературы и The Guild of Boston Artists. Широко известен своими картинами, акварелями и офортами.

Фрэнк Бенсон родился 24 марта 1862 года в Сейлеме, штат Массачусетс, в семье брокера George Wiggin Benson и его жены Elisabeth Poole, чьи семьи, в свою очередь, были основателями города Сейлем. Его дед — Сэмюэль Бенсон был морским капитаном. Его брат — Джон Бенсон — был архитектором и художником.
Будучи увлечённым с детства орнитологом и охотником, Фрэнк хотел стать орнитологическим иллюстратором. Для этого в 1880 году он начал учебу в школе Музея изящных искусств в Бостоне у Эмиля Грундманна, где подружился с будущими художниками Джозефом Смитом, Робертом Ридом и Эдмундом Тарбеллом.
В день своего 21-летия родители подарили Фрэнку 2000 долларов на учебу в Европе, и он отправился в Париж, где учился в Академии Жюлиана с 1883 по 1884 годы вместе со своими друзьями — Джозефом Смитом и Эдмундом Тарбеллом. В Академии его учителями были Гюстав Буланже и Жюль Лефевр.
Кроме художественной деятельности, Бенсон занимался педагогической. В 1886 году он преподавал в школе искусств в Портленде, штат Мэн. Весной 1889 года начал преподавать античную живопись в школе Музея изящных искусств в Бостоне, где в 1890 году возглавил отделение живописи, проработав здесь до 1913 года.

Фрэнк Бенсон «Автопортрет» 1898

Умер 15 ноября 1951 года в Сейлеме, штат Массачусетс.

«Мои дочери» 1907

«Чтение на солнце» 1910

«Тихое утро» 1904

«Portrait of Elizabeth»

«Children in the Woods» 1898

«Afternoon in September»

«Girl with Pink Bow»

«Portrait of Elizabeth Tyson Russell»

«Katherine Cavanaugh» 1897

«Red and Gold» 1915

«Алиса Бэкон (госпожа В.Х.Стерджис Лотроп)» 1891

«Моя дочь Элизабет» 1914

«My Sister» (also known as Portrait of Betty) 1885

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector