Современные художники Аргентины. Hugo Urlacher

Современные художники Аргентины. Hugo Urlacher

Аргентинский иллюстратор нарисовал современное общество таким, какое оно есть, без прикрас

Мы все знаем, что нет ничего совершенного. Включая наше современное общество. Существует много проблем, а бороться с ними мы не спешим.

Художник из Буэнос-Айреса Аль Мархен рисует карикатуры, которые обличают пороки современного человека. Иллюстратор создает образы, которые иногда сильнее, чем слова.

Сам автор критично отзывается о своих работах. Он говорит: «Это детища скуки, инакомыслия или гнева. Это мусор из подсознания. Но эти иллюстрации живее и искреннее других рисунков, потому что они создавались не для того, чтобы кому-то угодить. Они появились просто как порыв. Они родились, чтобы раздражать, потому что они обличают несовершенства».

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

Современные художники Аргентины. Hugo Urlacher

Аргентинская живопись и скульптора имеет богатую историю, которая начинается с развития современной Аргентины во второй половине 19 века.

Несмотря на то, что почти вся Аргентина была заморожена в течении последнего ледникового периода, и следовательно, менее археологически богата, чем многие из ее соседей, наскальные рисунки были найдены в пещерах на всей территории Аргентины, хотя художественное наследие коренного населения Аргентины является довольно скромным, по сравнению например с Перу.

Вскоре после провозглашения независимости в 1816, ландшафтные художники из Европы начали изучать просторные аргентинские земли. В 1830-х, Карлос Морель стал первым влиятельным аргентинским художником, а рисунки местной жизни кисти Прилидиано Пйеррона сделали его одним из немногих успешных аргентинских художников тех дней. Иммигранты, такие как Эдуардо Шиффино, Эдуардо Сивори, Рейнальдо Гидичи и Эрнесто де ля Каркова оставили после себя богатое наследие в местной культуре.

Импрессионизм не был распространен в Аргентине среди художников до 1900 года, хотя немногие местные импрессионисты (напр. Мартин Мальхарро, Рамон Сильва и Фернандо Фадер) вдохновили влиятельных европейских импрессионистов. Реализм и эстетизм является основной темой аргентинской живописи и скульптуры, в связи с этим можно вспомнить скульптора Лола Мора, ученика Огюста Родена.

Монументальные скульптуры Лола Мора стали пользоваться очень высоким спросом после 1900 года, особенно со стороны муниципальных органов власти и состоятельных семей, которые конкурировали друг с другом за право обладать наиболее интересными статуями за большие деньги.

Хотя большинство предпочитает французских и итальянских скульпторов, местным жителям очень нравятся памятники и мемориалы работы Эрминио Блотта и Рохелио Ирутиа, их работы сделали их бессмертными.

Художники одного интеллектуального художественного круга, такие как Антонио Берни, Спилимберго Лино и Хуан Карлос Кастаниньо были друзьями, и часто совместно работали над некоторыми своими шедеврами, такими как потолок в Galerias Pacifico, пассаж в Буэнос-Айресе (1933 год).

Как и в Мексике и других странах, muralism стал incresingly популярен среди аргентинских художников. Среди первых использовать его окрестности drab, как холст был Бенито Quinquela Мартин, чьи смутно cubist пастельные цвета стены окрашены в Буэнос-Айресе его окрестности Ла Бока в течение 1920 и 1930 стали историческими памятниками и Аргентины культурных эмблем, во всем мире. Литографии, точно так же, обнаружен в Аргентине после некоторого времени после того, как они были сделаны популярны в других странах. В Аргентине, художники, как Адольфо Беллок использовали это средне-и часто изображают тяжелых условий труда в Аргентине растущего промышленного сектора, в течение 1920 и 1930. Беллок в литографии стали влиятельными в мире, с тех пор.

В авангарде культурно консервативные Аргентина, футуристов и кубистов, как XUL, солнечной энергии и Эмилио Pettoruti заработали следующим значительным, что и менее абстрактно и более сентиментальных портрета и пейзажа художники, как Рауль Soldi. Кроме того, традиционные абстрактные художники, как Луис Барраган, Хуан дель Пре, Эдуардо Mac Entyre и Луис Seoane равных сосуществуют с апелляциями в качестве наиболее концептуальных мобильных творцов искусства как непредсказуемый Перес Селис, Дьюла Кошице из Аргентины Madi движение, Марта Minujin, один Энди Уорхол “наиболее уважаемых коллег концептуального искусства и Леона Феррари, один из мировых всего конструктивистский художников, в настоящее время. В 1960 и 1970, многие из этих художников абстрактного искусства нашли свое отражение в популярной рекламе и даже корпоративных логотипов.

Как правило, обладающих сильной из сентиментальных серия, аргентинской публики вкус к искусству и наивно простой глиняной посуды нельзя игнорировать. С Prilidiano Pueyrredon день, художники в ключе, как наивно Candido Лопез захватили абсурдности войны, Сюзана Агирре и Анико Сабо idiosyncracies повседневной окрестностей и Гато Фриаса, воспоминания детства.

Чтобы продемонстрировать Аргентинские и Латиноамериканские картины и скульптуры, коллекционер местного искусства Эдуардо Константини решил выделить большую часть его личной коллекции, и в 1998 году началось строительство в Буэнос-Айресе первого крупного учреждения, специализирующегося на произведениях латиноамериканских художников. Этим учереждением стал музей искусства латинской америки Буэнос-Айреса (MALBA) в 2001 году.

Художник Arthur Hughes (1831 – 1915)

Леди Шалот (The Lady of Shalott)

Художник Артур Хьюз (Arthur Hughes) – сегодня практически забытый живописец и иллюстратор из Великобритании, который писал свои полотна в стиле прерафаэлитов.

Читать еще:  Туманные и неясные образы. Benjamin Garcia

Артур Хьюз в 19 лет (Arthur Hughes)

Arthur Hughes (Артур Хьюз) родился в Лондоне в январе 1831 года. В возрасте пятнадцати лет поступил в Школу рисунка и начал брать уроки живописи у знаменитого художника Алефреда Стивенса. В 1847 году стал учеником античного класса Школы искусств при Королевской Академии и через два года был удостоен Серебряной медали. А ещё в 1849 году он дебютировал на ежегодной академической выставке.

В 1850 году Артур Хьюз знакомится с художниками–прерафаэлитами, и этот год становится знаковым и переломным в творчестве художника. Артур не стал членом Братства, но попал под сильное влияние идей прерафаэлитов – его увлекли и темы, и стилистика выполнения работ.

Самой известной картиной художника Arthur Hughes стала «Апрельская любовь», которая была показана художником на академической выставке в 1856 году. Полотно привело в восторг и прерафаэлитов, и поклонников академизма.

Современники отмечали, что Хьюз был человеком выдержанным и очень скромным, совсем не держал зла на маститых академиков, которые часто отклоняли его картины, которые художник хотел показать в Академии. Он сам не стал академиком и даже не делал попыток получить звание. Был человеком очень мягким и добрым, любил (даже боготворил) свою супругу и детей.

Уильям Майкл Россетти писал о нем:

Если бы мне предложили назвать среди своих многочисленных знакомых самого приятного и бесхитростного, свободного от ненависти, злобы и зависти человека, я, вне всяких сомнений, остановил бы свой выбор на мистере Хьюзе.

Скончался художник в декабре 1915 года в Лондоне. После художника осталось более 700 картин и просто огромное количество иллюстраций. В 1921 году скончалась супруга художника и Эмили (дочь Хьюза) была вынуждена перебраться в более скромное жилище. А часть картин, эскизов, черновых записей и всю частную переписку – уничтожила.

Сегодня я хочу предложить вашему вниманию небольшую галерею работ художника.

Случай особый: аргентинская мода и ее лица

Мы постоянно находимся в поиске новых имен по всему миру. И на этот раз решили исследовать модную сцену Аргентины, совершенно неожиданно для себя сделав сразу несколько больших открытий. О самых многообещающих дизайнерах из Буэнос-Айреса рассказала нам Вика Черниковски, стилист аргентинского происхождения, обосновавшаяся в Москве

Б уэнос-Айрес — второй по величине город Южной Америки после бразильского Сан-Паулу. Днем здесь, благодаря многочисленным театрам, музеям и галереям, кипит культурная жизнь, а после ужина все из-за обеденных столов отправляются в бары и клубы, где пляшут до самого рассвета. А вот бутиков крупных брендов в Буэнос-Айресе не найти: у нас до сих пор нет ни Chanel, ни Prada, ни Louis Vuitton. Кажется, что большим брендам просто невыгодно приезжать в Аргентину. Да и экономическая политика, запрещающая компаниям импортировать продукты из-за рубежа, их появлению здесь явно не способствует. Исключением стали только Hermès: витрины их бутика на Alvear avenue, оформленные Хавьером Иттуриосом, главным денди Буэнос-Айреса, — настоящее украшение города.

Из-за этой обособленности от остального модного мира в Аргентине и сформировалась собственная, ни на что не похожая модная сцена. Специально для Buro 24/7 я собрала самых интересных дизайнеров Буэнос-Айреса — 12 героев, которые и представляют сейчас аргентинскую моду. Первыми идут настоящие модные ветераны.

Fabian Zitta
У одного из самых известных аргентинских дизайнеров, Фабиана Зитты, как у любого супергероя, две жизни. В первой половине дня он анестезиолог в одной из больниц Буэнос-Айреса, а все оставшееся время посвящает работе над собственной маркой. Он вместе со своим партнером открыл бутик в районе Риколета, где и продаются его необычные вещи, в которых авангард встречается с ретромотивами, а увлечение архитектурой — со старинными портновскими техниками.
За свой успех Фабиан благодарит наставницу Норму Бертол, университетского профессора моды и знаменитого социолога, а в прошлом первую ассистентку Карла Лагерфельда в Chanel. Благодаря ее советам и постоянной поддержке в 2009 году Зитта впервые представил свою коллекцию на неделе моды в Нью-Йорке, чуть позже отправился в Милан, а в прошлом году снова показал весенне-летнюю коллекцию на New York Fashion Week.

Carlos Di Domenico
Карлос Ди Доменико вырос с матерью-ливанкой и отцом-итальянцем, но по темпераменту пошел полностью в отца: Карлос — шумный, игривый, жизнерадостный и невероятно увлеченный. Он обожает все, что связано с искусством, модой, любовью, музыкой, и это находит отражение в его коллекциях. Благодаря способности восхищаться всем новым, он на протяжении 40 лет остается успешным и популярным среди не только местных знаменитостей, но и европейских звезд. Они в восторге от его вручную сделанных вышивок, роскошных тканей и сексуальных, подчеркивающих фигуры силуэтов — сделать такое невозможно без огромной любви к женщинам.

Martin Churba (Tramando)
Мартин Чурба — один из главных дизайнеров-авангардистов Аргентины. Он вырос в семье, где все так или иначе имели отношение к моде: мама шила детскую одежду, отец был драпировщиком, а дядя — владельцем мастерской по печати на ткани. Поэтому он с пеленок полюбил процесс создания одежды, а после стал первым среди аргентинских дизайнеров, кто в своих коллекциях наряду с тканями начал использовать пластик, винил и даже металл — все вещи Tramando непременно отличают различные текстуры и принты. В работе Мартин никогда не оглядывается на традиции, смешивая совершенно неожиданные мотивы, и благодаря этому стал особенно популярен в Японии, там его коллекции продаются даже лучше, чем в Аргентине.

Читать еще:  Уличное искусство: свобода выражения или вандализм

Breeders Furs
Breeders Fur — старейший меховой магазин Буэнос-Айреса, созданный еще в 1930 году иммигрантом из Испании, который был специалистом по разведению нутрий. Продавать в Аргентине мех не так-то просто: здесь редко бывает по-настоящему холодно, тем более в столице, поэтому судьба у марки довольно непростая. После войны и экономического кризиса магазин закрылся и снова был открыт только в 1982 году. Здесь продают лучшие меха шиншиллы, лисы, нутрии и совсем экзотических животных, предлагают и классику, и авангардные яркие вещи всех цветов радуги — включая сумки, обувь и предметы для дома.

Pepe Cantero
Пепе Кантеро начал свою карьеру еще в 60-х, открыв в районе, где вырос, маленькую обувную мастерскую: каждую пару обуви он делал собственноручно, как и все великие обувных дел мастера. Слухи о его творениях распространялись быстро, и спустя какое-то время все модели и актрисы в городе носили туфли от Пепе — скоро «эпидемия» захватила всю страну, а также Уругвай и Чили. Апогей славы Кантеро пришелся на 80-е годы, но после популярность бренда пошла на убыль — спас марку перезапуск в 2006 году, начатый сыном Пепе Джулианом.

Rapsodia
Бренд Rapsodia основали в 1999-м Франциско де Нарваез (теперь политик), Сол Акуна (в прошлом модель) и ее подруга Жозефина Элугуэра, и с самого появления марка стала настоящим хитом. Троица знаменита умением перемешивать элементы богемно-романтических 70-х, свои воспоминания о поездках в Непал, Турцию и другие старны с рок-н-ролльным духом и психоделикой.

Las Oreiro
Да, вы не ошиблись, это та самая Наталья Орейро, звезда мыльных опер и певица, которая каким-то образом умудряется находить в своем плотном графике время для работы над коллекциями. Маркой она занимается с 2007 года вместе с сестрой Адрианой. Они создают очень женственные вещи немного в духе ретро, а в списке их главных муз — красотки Бетти Буп, Джессика Рэббит (знаменитая подружка кролика Роджера) и Бетти Пейдж.

Каждый сезон на аргентинской модной сцене появляются и незнакомые имена: выросло новое поколение талантливых дизайнеров, вчерашних выпускников University of Buenos Aires и Palermo University. Многих из них открывают скауты и команды Buenos Aires Fashion Week, а самые удачливые, благодаря программам поддержки последних, получают возможность отправиться на обучение за границу, в главные модные школы мира.

Dubie
Августина Дуби закончила знаменитый колледж St. Martins и успела в самом начале карьеры поработать с Николасом Кирквудом и Роксандой Иллиник. А вернувшись в родной город, девушка открыла собственную марку, специализацией которой стали вневременные вещи из благородных, чистых материалов вроде шелка и хлопка. Простые и прямые линие, особый крой, элементы мужского костюма и обязательное присутствие в коллекциях вещей oversize — главные составляющие ДНК ее марки.

Juan Hernandez Daels (Fauna)
Свою собственную марку Fauna Хуан Эрнандез запустил совсем недавно, вернувшись из Антверпена, где окончил Королевскую академию искусств. Его вещи уже продаются в бутиках Буэнос-Айреса, Парижа и магазинах Opening Ceremony по всему миру. В коллекциях Fauna пока явно ощущается влияние Рафа Симонса и Дриса ван Нотена.

Vanessa Krongold
Стиль Ванессы Кронголд — жизнерадостный, громкий, китчевый и уж точно идущий в ногу со временем. Особенно это относится к ее последним коллекциям, объединяющим digital-принты, разбивку на компьютерные мелкие пиксели и ошибки иллюстраторов, не просто напечатанные на бумаге или ткани, а выгравированные на коже. Не обходится никогда и без привычных эпатажных элементов вроде неона, радужных узоров, перьев, единорогов и, конечно, ярких красок. Но несмотря на явную андеграундную направленность марки, оценили ее и вполне официальные органы: Ванесса стала стипендиаткой специальной модной премии города. Ее работы были представлены и на неделе моды в Лондоне.

Black Mamba
За марку Black Mamba отвечают сразу две девушки, Джулия Рамос и Бьянка Сиконолфи. Главной фишкой бренда стало использование в коллекциях символов, от оккультных до метафизических: их дизайнеры переносят на одежду со строгой и максимально нейтральной цветовой палитрой, переводя на язык моды обрядные амулеты и религиозные ритуалы. Особенно хорошо им удается работать с кожей.

Julia Schang-Viton
Джулия пока еще совсем молодой дизайнер, она недавно окончила модный колледж и только-только представила свою коллекцию на неделе моды в Буэнос-Айресе. Используя геометричные формы и невесомые ткани, девушка создает одежду, исследующую сферы неизведанного и необъяснимого — ее последняя коллекция, например, называется UFO и посвящена она мистическим встречам с внеземными цивилизациями в аргентинском Монт Юниторко.

House of Matching Colors (HOMC)
Паула Селби Авелланда, основательница HOMC, создает достаточно театральные вещи, похожие на сценические костюмы, в лучшем смысле этого выражения, ведь иначе на них вряд ли бы обратила внимание команда Opening Ceremony. И, конечно, как и следует из названия, одним из ключевых элементов в коллекциях марки всегда остается цвет: Авелланда играет с оттенками, старательно подбирая их для каждой детали. Особую роль в ее творчестве занимает и музыка: от рока до психоделики.

Читать еще:  Уникальные деревянные поделки, идеи и узоры

Belen Amigo
Белен Амиго дебютировала на неделе моды в Буэнос-Айресе всего год назад. Она работает с деконструкцией, по-новому обыгрывая знакомые формы и привычную геометрию вещей.

Photo: Rodrigo Carmuega
Stylist and Producer: Vika Czernikowski
Models: Virginia Gidetti, Antonella Graeff (Look 1)
Make up: Marianela for Jazmin Calcarami Studio
Hair: Leandro Moreno for Jazmin Calcarami Studios
Photo assistant: Alfredo Seveso
Stylist assistant: Lucia Lopez

5 фактов о работах Ли Бул

В питерском Манеже открылась выставка «Утопия Спасенная» суперзвезды корейского искусства — художницы Ли Бул. Рассказываем главное, что нужно знать о художнице.

Критики называют работы Ли Бул, главной современной художницы Южной Кореи, гротескными и роскошными. Дочь диссидентов, преследуемых режимом диктатора Пак Чон Хи (известен также как автор «корейского экономического чуда»), Ли с детства привыкла к обыскам в доме и вообще узнала, как выглядит угнетение и что значит быть свободной. Она и сама, возвращаясь из школы, где ее насильно переучивали в правшу, садилась рисовать — левой рукой, не как все. В итоге хрупкость человека и исторические потрясения стали главной темой ее работ — причудливых инсталляций из стекла, тканей и металла. Впрочем, в выборе материала она свободна до крайностей: выставку в нью-йоркском МoМА закрыли раньше времени из-за запаха тухлой рыбы — важной части инсталляции. В ход идут и человеческие волосы, и слепки греческих статуй, и собственное тело — для своих знаменитых перформансов Ли переодевается в монструозные костюмы. Ли Бул — первая и пока единственная из корейских художников достигла большого международного признания, ее роль в развитии перформанса сравнима с ролью Марины Абрамович. Кроме того, Ли была одной из основателей корейской андеграундной арт-группы Museum, влиятельной до сих пор. О красоте, уязвимости и вдохновении The Blueprint рассказала сама художница и куратор ее выставки Сунджун Ким.

В 20 лет она хотела изменить мир радикальными перформансами

В важнейшем перформансе «Аборт», обнаженная и подвешенная вниз головой к потолку, она облизывала леденцы и с болью рассуждала об абортах (в тот момент запрещенных в Корее). А те самые монструозные костюмы, напоминающие вывернутого наизнанку человека, — отражали беспокойство, ее и окружающих, вызванное политическими репрессиями в стране. «Сейчас я понимаю, — говорит Ли Бул, — что легко мир не изменится. А когда мне было 20, я думала, что это возможно. Еще теперь я знаю, что мое искусство не дает конкретный ответ на фундаментальные вопросы, которые у меня есть к миру. Если бы я знала все это в 20 лет, была бы я менее фрустрирована тем, что мир нельзя изменить? Не знаю».

ЕЕ РАБОТЫ 1990-Х ИССЛЕДУЮТ ЧЕЛОВЕЧЕСКОЕ ТЕЛО: ЕГО КРАСОТУ, ЖИЗНЬ И СМЕРТЬ

Ли Бул полагает, что красота — в неожиданном, недосказанном, неизвестном и не определенном до конца. Ли Бул находит красоту в руинах и разрушении, несовершенстве и уязвимости. Красота в ее произведениях иногда воплощается в трагедии и травме: свежая рыба умирает внутри скульптур, киборгам из ее знаменитой серии, обезличенным и вместе с тем как будто бы женским фигурам, не хватает рук и ног.

В НУЛЕВЫЕ ОНА ОБРАЩАЕТСЯ К АРХИТЕКТУРЕ И УТОПИИ

Willing to be Vulnerable («Желание быть уязвимым») — это название недавней серии инсталляций, которые состоят из связанных друг с другом различных предметов: воздушных шаров, тентов и баннеров; все вместе напоминают о заброшенном цирке. Серия воссоздает модернистское представление о воображаемом будущем, а легкие и воздушные материалы придают этому будущему ощущение неуловимости. Один из элементов этой инсталляции, воздушный шар из металла (Metalized Balloon), напоминает печально известный дирижабль «Гинденбург» (взорвался при посадке в 1937 году. — The Blueprint). Ли Бул долго изучает историю модернизма и его утопий, но в отличие от большинства художников она этим не очарована — ее захватывает, скорее, связь утопичных идей с ее личной памятью и опытом.

В РАБОТАХ ЛИ БУЛ ЕСТЬ ОТСЫЛКИ К СОВЕТСКОМУ АВАНГАРДУ

Ли Бул говорит, что больше всего сейчас ее волнует образование цивилизаций, идеи прекрасного будущего, которые общество без конца пытается претворить в жизнь — и проваливается в своих начинаниях. «Мои работы так или иначе — исследование идей и идеологий, которые лежали в их основе. А утопическая модернистская архитектура начала XX века — важный мотив моей работы. Я прозвучу как старомодный гуманист, но больше всего меня вдохновляет человечество в целом — идеалы, истории, цивилизации, связь будущего и прошлого. Не верю, что можно говорить о будущем, прошлом и настоящем независимо друг от друга. Мы всегда рассматриваем прошлое из настоящего. А настоящее было будущим всего секунду назад».

БОЛЬШЕ ВСЕГО ОНА ИЗВЕСТНА СВОИМИ ОГРОМНЫМИ ИНСТАЛЛЯЦИЯМИ

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector