Современные художники Франции. Alban Dizdari

Современные художники Франции. Alban Dizdari

6 выдающихся французских декораторов

«В мире нет ничего проще роскоши. Роскошь — это знания. В противном случае это только деньги. Люди богатеют за четыре года и не знают ничего, кроме своих 50 миллионов, а их декораторы говорят, что без картины Пикассо человек ничто». Главные мысли и проекты Жака Гарсиа и ещё 5 выдающихся французских декораторов.

Кристиан Лиэгр

Кристиан Лиэгр

Родился в 1943 году.

«Французскость» стиля Кристиана Лиэгра трудно поддается определению. В его подходе к дизайну много интуитивного, но поиски красоты и комфорта, — а второе для него очень важно, — всегда приводят дизайнера к ясным, современным, порой минималистичным формам, воплощениям неагрессивной роскоши. Даже в тех случаях, когда фантазия Лиэгра отталкивается от стилистических констант 16 или 18 века, функциональность его мебели и интерьеров остается бескомпромиссной.

На заметку: свою мебель Кристиан Лиэгр обычно тестирует сам, и если диван или кресло не сдают экзамен по комфорту на отлично, они отправляются обратно на фабрику и доводятся до совершенства.

Известные цитаты Кристиана Лиэгра

Я, скорее, дизайнер интерьера, как это понимали в прошлом веке. К примеру, когда я работаю над домом, то создаю мебель специально для него.

Внешняя среда настолько агрессивна, что я стараюсь создать в интерьере уголок спокойствия. Когда человек вечером возвращается домой, он должен попадать в совершенно иной мир.

Если у вас слишком много вещей, ваша душа постоянно отвлекается. Я предпочитаю предложить клиенту 2-3 действительно красивых объекта, которые он выберет сердцем, а не увешать стены десятком картин.

Жак Гарсиа

Жак Гарсиа

Родился в 1947 году.

Культовая фигура не только французской, но и мировой интерьерной сцены, Жак Гарсиа подает роскошь на тонком блюде иронии: дворцовый стиль времен Людовика XIV, мрамор Ренессанса и артефакты музейного значения в его проектах могут сочетаться с простым текстилем или ультрасовременной мебелью. Смешивая эпохи и страны, Гарсиа не просто эпатирует публику, но, по сути, позволяет себе то, что мало кто из современных декораторов может позволить. Например, игнорируя моду на минимализм, оформляет отели в ностальгически-пышном королевском духе. Или находит дорогим коллекционным вещам практическое применение, на деле доказывая, что место старинной мебели не в музее, а в интерьере.

На заметку: для себя Жак Гарсия оформил квартиру в особняке, построенном Жюль-Аруэн Мансаром, главным архитектором Людовика ХIV. Среди предметов обстановки — стулья короля-солнца и ванна, принадлежавшая Франсуа Шатобриану.

Известные цитаты Жака Гарсиа

Я один из последних, кто помнит, как говорят во Франции, grand style. И я сделаю всё возможное, чтобы связь не оборвалась, чтобы этот дух не был потерян.

В мире нет ничего проще роскоши. Роскошь — это знания. В противном случае это только деньги. Люди богатеют за четыре года и не знают ничего, кроме своих 50 миллионов, а их декораторы говорят, что без картины Пикассо человек ничто.

Утопающие — фото-аллегории Албана Гросдидье

Албан Гросдидье (Alban Grosdidier) — молодой парижский фотограф и графический дизайнер, очень сильно интересующийся социальными аспектами искусства дизайна. Когда-то он работал волонтером в неправительственной анти-СПИД организации, а сейчас все свое внимание Албан сосредоточил на том влиянии, которое оказывает большой город на психику своих обитателей.

1. Проект «Утопающие» — это своеобразная аллегория и одновременно критический взгляд на то часто колоссально-непреодолимое давление, которое испытывают жители современных мегаполисов и просто больших городов.

2. Каждый человек по-своему пытается противостоять этому давлению, поэтому подобных портретов можно создать бесконечно много.

3. Кто-то пытается бороться, но вскоре силы его покидают.

4. У кого-то вовсе нет сил, и они сразу же идут ко дну – одни с тоской, другие равнодушно.

5. Кто-то, наоборот, пытается всеми силами удержаться на поверхности, и это ему даже некоторое время удается…

6. Работа над проектом «Утопающие» началась под руководством фотографа и художника-постановщика Тома Канна (Tom Kan), и вначале это был проект для Высшей школы искусства и дизайна (ESAG).

7. Впервые работы были представлены публике в январе 2012 г. Выставка состоялась на берегах Сены.

8. Вторая часть фотографий этой серии была создана в июне, и демонстрировалась в июле 2012 г, став уже персональным проектом.

9. Выставка проходила на берегах канала Saint Martin прямо под дождем.

10. Постепенное разрушение снимков под потоками дождевой воды еще больше подчеркивало сокрушающее влияние города и наглядно показывало, как городская жизнь может буквально растерзать человека и стереть его с лица земли.

Топ-5 французских художников, которыми гордится Франция

Франция подарила миру множество ярких самобытных художников. И это не только импрессионисты, пошатнувшие многовековые традиции. Страна соседствует с колыбелью живописи — прекрасной Италией. Поэтому неудивительно, что эпоха Возрождения оказала большое влияние на творческих людей. Но национальной оригинальной школы не сформировалось, Франция не может похвастаться мастерами, превосходящими талантом знаменитого Леонардо да Винчи или Караваджо. Свой вклад в мировое искусство уроженцы этой солнечной страны внесли в другое время.

Читать еще:  Художник и скульптор. Christopher Conte

Бартелеми д’Эйк

Бартелеми д’Эйк (Barthelemi d’Eyck), творчество которого относят к авиньонской школе, известен как придворный художник французского короля Рене Доброго. Интересно то, что Бартелеми д’Эйк никогда не ставил подпись на созданных полотнах. Поэтому известно совсем немного его картин, авторство которых искусствоведы признали безоговорочно. Наиболее интересные работы: «Распятие», «Святое семейство».

Бартелеми д’Эйка называют самым ярким представителем провансальского искусства XV века.

Эдуард Мане

Художник прославился как один из главных вдохновителей импрессионизма. Именно благодаря этому направлению в живописи Франция ворвалась на пьедестал модного искусства, опередив свою вечную соперницу — Италию. Сам Эдуард Мане (Edouard Manet) не считал себя бунтарем и на лидерство среди молодых французских художников, бросивших вызов буржуазным вкусам, не претендовал. Фрондерство было не свойственно его характеру. Грезил об официальном признании. И оно пришло, но для этого потребовалась почти вся жизнь.

В работах много экспериментировал с цветом. Он не старался передать на холсте так называемый природный оттенок. Давал волю фантазии. Если свинцовое небо не вдохновляло, на пейзаже возникала лазурь. Публика же требовала от художника фотографической точности.

Мане удалось изменить представление о предназначении живописи. Он отстоял право не прогибаться, а писать так, как видится внутреннему взору. И продолжал работать, наплевав на принятые шаблоны и традиции.

Огюст Ренуар

Импрессионизм называют самым радостным направлением в живописи. А наиболее позитивным и светлым художником той эпохи был Ренуар (Pierre-Auguste Renoir). В его работах полностью отсутствует негатив. Даже от использования черной краски он отказался. Проповедовал легкое, беззаботное отношение к жизни. Умел разглядеть прекрасное в банальном и привычном.

Ренуар любил людей, поэтому они присутствуют практически на каждой картине. Пейзажи использовал скорее как фон. На его работах радуются жизни парижане, друзья и знакомые художника.

Еще одно направление в живописи, которое принесло известность Ренуару — жанр ню. Его обнаженные женщины всегда прекрасны.

Ренуар — один из тех счастливцев, кому удалось при жизни купаться в лучах славы, увидеть собственные работы в знаменитом Лувре.

Поль Гоген

Поль Гоген (Paul Gauguin) — художник, принесший известность Франции уже после смерти. В начале творчества был близок к импрессионистам. В этой стилистике написаны знаменитые работы «Прекрасная Анжела», «Женщина с плодом манго». Но живопись в то время не была его основным занятием, на жизнь зарабатывал игрой на бирже.

В городе чувствовал себя несчастным. Имея в родословной корни свободолюбивых индейцев Перу, он стремился порвать с цивилизацией. Принял решение перебраться на Таити. Свои самые гениальные картины Гоген написал в Океании. Известно более 80 работ, созданных там. В том числе и полотно «Когда свадьба», проданное на аукционе за рекордные 300 млн долларов.

Паскаль Чове

Паскаль Чове (Pascal Chove) — известный современный французский художник. Предпочитает для своих работ использовать не привычный холст, а деревянные панели. Интересен его способ создания картин: к написанию подходит как архитектор. Центр вырисовывается наиболее тщательно, даже реалистично. Чем ближе к периферии, фигуры и предметы становятся более размыты.

В начале своей карьеры делал ставку на пейзажи. Но вот уже несколько лет работает исключительно над женскими портретами. В них и находит вдохновение. Фрески поражают нежностью и восхищением. От его девушек веет утренней свежестью и умиротворенностью.

Обратите внимание — портреты Паскаль Чове выполняет в трехмерной перспективе.

Три портрета. История величайших арт-дилеров Франции (часть 3)

Завершая нашу трилогию о величайших французских арт-дилерах, обратимся к имени Далиеля-Анри Канвейлера.

Мы помним из предыдущей части, что Амбруаз Воллар поддерживал Пикассо в его «голубой» и «розовый» периоды, но вот кубизм не понял и отстранился от художника на это время. Позднее они еще много работали вместе, но в это время на «сцене» появляется Даниель-Анри Конвейлер, немец по происхождению, реализовавшийся во Франции, как арт-дилер, писатель, издатель и меценат, наиболее известный своим самым живым участием в становлении кубизма и длительной профессиональной близостью с его основателем.

Начав интересоваться работами группы молодых и неизвестных художников, он вскоре уже представлял Пикассо, Жоржа Брака, Андре Дэрена, Мориса Вламинка, Фернана Леже на эклюзивных правах. Он также инвестировал в издание книг начинающих литераторов, среди которых ни много ни мало — Guillaume Apollinaire, André Malraux и Antonin Artaud.

В 1920-ых он подписывает контракты в новыми художниками, среди которых сюрреалисты Андрэ Масон и швейцарец Пауль Клее.

О наиболее близких ему художниках Канвейлер пишет монографии, и, вдобавок, в 1961 издает свои мемуары «Mes galeries et mes peintres» (Мои галереи и мои художники) – настоящая библия арт-бизнеса.

Читать еще:  Чилийский художник. Benja Wilson

Канвейлер действительно считается крупнейшим дилером и выразителем новейших художественных идей, и, в особенности, кубизма. Он был одним из первых, кто распознал значение и красоту пикассовских «Авиньонских девиц», пожелав немедленно приобрести и их, и все остальные работы художника. Пикассо, который на момент создания его лучших работ был беден и абсолютно неизвестен, писал о Канвейлере с благодарностью: «Что бы стало со всеми нами, если бы у Канвейлера не было его делового чутья».

Канвейлер не искал легких путей, и вместо того, чтобы выставлять признанных мастеров прошлого и настоящего, делал ставку на будущее. Он поддерживал в своей галерее самых величайших художников эпохи, настоящих пророков, которые в то время не имели ни поддержки, ни почитателей. В его «корзину» покупок входят картины Ван Донгена, Дерена, Леже, Брака, Гриса, Вламинка, Джакометти и других из того же поколения.

Кроме того, Даниель Канвейлер отличился на поприще искусствознания и был наряду с такими фигурами, как Alfred Flechtheim, Paul Cassirer, и Daniel Wildenstein, влиятельнейшим знатоком искусства ХХ века.

Как бизнесмен, Канвейлер ввёл и регламентировал множество методов работы с художниками и арт-дилерства – сейчас все эти положения неотъемлемая и бесспорная часть художественной деятельности. В 1907 году, когда в Париже было только полдюжины хороших галерей, Даниель-Анри уже заключал эксклюзивные контракты с художниками, выкупал права на представительство и приобретение всех работ, выходящих из-под кисти мастера, освобождая их, таким образом, от любых насущных проблем, связанных с жильем, питанием, покупкой материалов для творчества и др. Он был для них другом, мамой, няней, спонсором, секретарем, отцом и врачевателем души: ежедневно Канвейлер встречался со своими протеже, обсуждал с ними их творчество, фотографировал каждую новую работу, развлекал их, вывозя порыбачить на своём небольшом судёнышке, вёл строгую «инвентаризацию» всех предметов, «произведенных» его художниками, планировал и организовывал персональные выставки на уровне Франции и в мировом масштабе, способствуя международному признанию «своих» мастеров.

Это Канвейлеру обязан жизнью проект BeauLivres — проект, объединивший всю творческую элиту того времени. Это был проект, в котором современные художники иллюстрировали только что написанные произведения современных писателей и поэтов, в результате чего в свет вышло более 40 книг, каждая из которых настоящее сокровище.

Вообще, Канвейлеру не было равных в издательском деле: его трудами мир увидел книги Гийома Аполинера, Макса Якоба, Андре Массона, Гертруды Штайн, Пабло Пикассо и многих других, и на литературном небосклоне зажглось множество громких имен.

Но самым выдающимся в Канвейлере была его потрясающая художественная интуиция, ведь он был самоучкой в искусстве. Его открытие Кубизма в 1912 году, мгновенное принятие и поддержка нового тренда, ставшее его главным вкладом в историю искусств, обязано именно смеси интуиции и самообразования. Эти качества добавили еще один титул в биографию великого арт-дилера – титул историка искусств. Действительно, все свободное время Канвейлер проводил за книгами по эстетике и истории искусств, постоянно посещал парижские музеи и галереи, отправлялся за пределы Франции, чтобы увидеть лучшие европейские коллекции и быть в курсе всего, что происходит в искусстве.

Канвейлер настолько поддерживал новые течения, что и его галерея стала настоящим островом независимости и бескомпромиссности по отношению к несогласным. Галерея придерживалась авангардистских эстетических взглядов, смелой стратегии развития и в период становления кубизма, 1907-1914, была чуть ли не более кубистической, чем сами художники этого направления. К тому же в ее стенах можно было не только увидеть новые работы самого значимого течения со времен импрессионизма, но и встретиться непосредственно с художниками, которые обсуждали там свои новые картины, и поговорить с ними об искусстве,

В связи с началом Первой Мировой войны и до 1920 года Канвейлер должен был покинуть Францию. В годы вынужденной ссылки он впервые попробовал описать свой опыт. Он написал две книги Der Weg Zum Kubismus и Confessions Esthetique, и с тех пор писательство стало страстью и неотъемлемой частью его жизни, он написал множество книг и значительный статей.

Но лучше всего о его жизни рассказывает автобиографическая книга Mes galleries est mes peintres.К 80-летию Даниэля-Анри Канвейлера эта книга вышла с комментариями видных философов, историков и теоретиков искусства, художников и коллекционеров, в которых они рассказывают о великой важности его деяний для истории и мирового художественного рынка.

Он умер в 1979 год в Париже в возрасте 95 лет, будучи безусловным авторитетом среди художников, арт-дилеров, коллекционеров и историков.

Сентиментальный реализм Леона Базиля Перро — художника вне моды, картины которого почти полвека выставляли в Парижском Салоне

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Читать еще:  Украшения на дорогах. Juliana Santacruz Herrera

Французский художник Леон Базиль Перро(Leon Bazil Perrault), творивший свои шедевры в конце 19 века в академической манере 18 столетия, был востребован и популярен в Европе и США, невзирая на стремительное развитие новых модных направлений в искусстве. Его полотна были постоянными экспонатами на престижной выставке Парижского Салона на протяжении 42 лет и до сих пор на аукционных торгах пользуются большим спросом.

Удивительный мастер, работавший в академическом направлении, прославился портретами на тематику материнства и детства, хотя увлекался художник батальными и религиозными темами, декоративными росписями.

Современники полагали, что пристрастие к детской теме брало истоки в сентиментальной любви к собственным малышам. Перро был отличным семьянином и любящим отцом шестерых детей, которые служили «моделями» для ангелочков и всегда, находясь рядом с отцом, вдохновляли его на создание умилительных картин.

Два мальчика и четыре девочки были предметом обожания и нежной родительской любви в семье Леона и Мари-Луизе. Их сыновья Эмиль и Анри впоследствии пошли по стопам отца и сделали блестящую карьеру: один стал художником-иллюстратором, другой-скульптором-анималистом.

Карьера французского художника академического направления Леона Базиля Перро

Маленький Леон появился на свет в городе Пуатье в семье обычного портного. Мальчуган с ранних лет проявлял любовь к рисованию и в 10-летнем возрасте поступил в школу дизайна. Но из-за бедственного положения семьи в 14 лет он оставляет учебу и идет работать подмастерьем к художнику. Это дало ему возможность продолжать заниматься живописью.

В это время начинающий талант постоянно брал участие в различных конкурсах рисунка, надеясь на победу. 1851 год ознаменовался удачей: он занял первое место в конкурсе, получил от города 600 франков и стал стипендиатом в престижной Школе изящных искусств в Париже, затем — в Академии, а позже получил дополнительную стажировку в частных мастерских у известных мастеров — Франсуа Эдуарда Пико, Уильяма Бугро, ставшего ему другом на всю жизнь.

В первые годы своей учебы Перро проявлял интерес к аллегорическим и религиозным сюжетам. А в 1861 году началась карьера Леона, как академического художника, выработавшего свой уникальный стиль, опиравшегося на традиции академизма, которые были основаны в 18 веке.

Хотя во второй половине 19 века во Франции уже в полную силу начали развиваться новые направления: пришла эпоха французских импрессионистов, представителей стиля ар-деко и других модных течений. И не удивительно, что коллеги Леона, занятые творческими исканиями, жаждущие новизны, не признавали архаичные картины Перро с трогательными, тщательно выписанными младенцами и обнаженными девушками.

Но как бы там ни было, академические полотна мастера пользовались немалым успехом у парижан. А в 1866 году сам Наполеон III приобрел его картину «Nestled» для своей резиденции.

Мечтой художника было войти со своими произведениями в Парижский Салон, являющийся самой престижной художественной выставкой Франции. Но неудачи в конкурсах за престижный приз «du Prix de Rome» преследовали художника. И лишь благодаря упорству и трудолюбию Леон Перро все-таки добился своего, дебютировав в 1860 году с картиной «Старик и трое юношей» (Музей Пуатье).

В последующие годы Леон Перро имел ошеломляющий успех, так как только присутствие на этой престижной выставке Салона было важным показателем популярности среди публики и его коллег.

К слову, за сорок шесть лет творческого пути Перро отсутствовал на выставках Салона всего лишь четыре года. А участвуя на международных выставках, неоднократно становился обладателем бронзовых и серебряных медалей.

Будучи опытным баталистом, выполнял даже работы совместно со знаменитой студией Ораса Верне в 1862-64 годах. Компания Goupil & Co растиражировала репродукции его популярных картин и распространила их за границей, что сделало художника широко популярным в Англии и Соединенных Штатах.

Леон Перро, будучи членом Общества французских художников, в 1887 году был выдвинут кандидатом в кавалеры Почетного легиона и стал им. А к концу жизни получил в Салоне звание “hors concours”, которое давало ему право выставлять свои работы без предоставления их на суд жюри.

К сожалению, имя художника Leona Bazile Perrault практически забыто любителями живописи, но его художественные произведения популярны на аукционах торгах в Сотбис и в других аукционных домах.

В наши дни его картины большей частью хранятся в частных американских коллекциях, но их можно увидеть и в некоторых музеях Бордо, Пуатье, Ла-Рошеля и Штутгарта.

Направление романтического реализма на рубеже 19-20 столетия в своей живописи развивал норвежский художник Ханс Даль, который писал картины на пасторальные сюжеты.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector