Современные художники Германии. Dietmar Jakel

Современные художники Германии. Dietmar Jakel

Самые известные и знаменитые современные немецкие художники

Рейтинг Kunstkompass не отражает финансовый успех немецких художников. Он руководствуется исключительно резонансом, который вызывает их искусство в современном арт-мире. Но часто деньги и почет идут рука об руку. Известность притягивает к себе не только интерес публики, но и возможность продавать свои картины за внушительную сумму. Представляем трех самых популярных современных художников, живущих и работающих в Германии.

Герхард Рихтер

Герхард Рихтер (Gerhard Richter, род. 9 февраля, 1932, Дрезден) возглавляет этот рейтинг уже много лет подряд. Его имя в Германии знают все, кто хоть сколько-то интересуется современной живописью. Его работы отлично продаются на известных аукционах. Ценовой рекорд был поставлен в 2015 году. Созданная художником абстрактная композиция была продана за 44,5 миллионов долларов.

На художественный Олимп он буквально ворвался. В 1967 году он получает свою первую награду — его премируют как талантливого молодого художника. Проходит всего четыре года и его работы отправляются на Венецианскую биенналле. В 1973 новая грандиозная победа — персональная выставка в США.

«В моих работах нет единого стиля, в них вы не найдете каких-то общих деталей», — так говорит о своих картинах Герхард Рихтер. Кажется, что ему подвластны абсолютно все направления современного искусства. Наибольшую популярность ему принесли работы, созданные на грани живописи и фотографии. Очень хорошо продаются его беспредметные яркие композиции, которые он создает с помощью кистей, шпателей и скребков.

Художник необыкновенно плодовит, он создал более 3 000 полотен. И не собирается на этом останавливаться.

Розмари Трокель

Эта немецкая художница Розмари Трокель (Rosemarie Trockel, род. 13 ноября 1952, Арнсберг) известна далеко за пределами Германии. Сейчас она не только продолжает радовать своих поклонников новыми оригинальными работами, но и занимается преподаванием в Академии изящных искусств.

Многие шедевры Розмари созданы в стиле неоконцептуализма. Своими учителями она называет Йозефа Бойса (Joseph Beuys) и Зигмара Польке (Sigmar Polke).

Художница любит экспериментировать, впрочем, как и все сторонники постмодернизма. Она в своих работах мастерски смешивает высокое и низкое, ниспровергает ценности, иронизирует. В этом плане очень интересны ее работы, созданные из шерстяной пряжи.

Одна из таких ее «вязаных» работ под названием “Made in Western Germany” была продана за миллион долларов.

Еще одно увлечение Розмари — создание художественных коллажей из фотографий. Большой успех и узнавание в Европе ей принесла выставка «Космос». Она показала публике свою личную вселенную через созданные художественные миры.

Ансельм Кифер

Ансельм Кифер (Anselm Kiefer, род. 8 марта 1945, Донауэшинген) — известный немецкий художник, скульптор, фотограф. В его работах отразилась национальная самобытность Германии. Очень много создано картин и по мотивам скандинавских мифов.

Большое влияние на творчество Кифера оказали немецкие живописцы Йозеф Бойс и Георг Базелиц (Georg Baselitz).

Кифер получил мировую известность благодаря своим масштабным картинам и оригинальным инсталляциям. Он настоящий мастер абстрактного экспрессионизма. Художник использует для реализации проектов необычные собственные технические приемы.

Художественное искусство Германии

Изобразительное искусство Германии берет свое начало еще далекие времена, с того момента как племена германцев пришли на территорию Римской империи. Богатейшее художественное наследие хранится в многочисленных музеях страны, галереях и выставочных центрах. Его также можно увидеть в интерьерах и на фасадах старинных и современных зданий. Изобразительное искусство Германии включает в себя древние фрески, искусно нарисованные портреты, орнаменты, витражи и великолепные картины всех стилей, созданные знаменитыми и никому не известными художниками.

Фрески и витражи

Самые древние фрески, найденные на территории современной Германии, относятся к эпохе Каролингов, продлившейся до 843 г. Они были обнаружены в одном из подземных помещений аббатства Св. Максимина (Reichsabtei St. Maximin) в Трире. На сегодняшний день эти великолепные фрески хранятся в церкви Св. Георгия на территории монастыря Райхенау (Kloster Reichenau). А в Трирском музее Собора и Епархии выставлен купол старинного Римского дворца, украшенный великолепно сохранившимися фресками.

Аббатство Св. Максимина (Фото © Stefan Kühn / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-SA-2.5,2.0,1.0)

Множество красивых витражей было создано в Романскую эпоху в период с X по XIII ст. Большая их часть посвящена религиозной тематике. Красивейшие витражи Романской эпохи украшают Кёльнский собор и собор в Аугсбурге. К XV ст кёльнские мастера стали создавать витражи, изображающие живописные пейзажи. Самые яркие образцы такого искусства сегодня хранятся в художественном музее в Гамбурге (Hamburger Kunsthalle).

Немецкий Ренессанс развивался в направлении итальянского Возрождения. Его главным представителем был немецкий живописец и график Альбрехт Дюрер (Albrecht Dürer), который не уступал в своем таланте знаменитым итальянским мастерам. Несколько его работ хранится в Старой Пинакотеке в Мюнхене и в Нюрнбергском доме Дюрера (Albrecht-Dürer-Haus), где выдающийся живописец жил и работал до самой своей смерти.

По эскизам Дюрера были созданы великолепные витражи на религиозную тематику. Его работы украсили церкви Св. Лаврентия в Нюрнберге и Св. Якоба в Штраубинге, а также дом нюрнбергского гуманиста Сикста Тухера и бенедиктинский монастырь Св. Эгидия.

Самые роскошные фрески были созданы в эпоху барокко, которая продолжалась с XVII по середину XVIII ст. Фрески покрывали стены большинства возведенных в тот период дворцов. Они позволяли визуально увеличить пространство помещений, придать им изысканность и помпезность. Самым ярким примером барочных фресок является Большая лестница Бальтазара Нойманна.

Немецкое гравюрное искусство

Расцвет искусства гравюры пришелся на начало эпохи Возрождения. Его развитию послужила доступность и невысокая стоимость нового на тот период материала для книг – бумаги. Данный вид искусства привлек к себе внимание ведущих немецких мастеров. Основная тематика была отражением актуальных на то время событий (война, проституция, крестьяне).

Читать еще:  Чёрное искусство. Morris T Howard

Среди самых известных немецких гравюр:

    «Рыцарь, Дьявол и смерть» Альбрехта Дюрера.

Гравюра «Рыцарь, Дьявол и смерть» Альбрехта Дюрера (Фото © Albrecht Dürer / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-PD-Mark)

  • «Смерть, швейцарские воины и военная проститутка» Урса Графа.
  • «Смерть хватает епископа» Ганса Гольбейна.
  • Романтизм

    Основными тематиками изобразительного искусства в стиле романтизма выступали религия и мистика. Яркими представителями данной эпохи были Каспар Дэвид Фридрих и Филипп Отто Рунге. Большинство работ Фридриха выставлено в гамбургском Кунстхалле и Старой берлинской национальной галерее.

    Художественный музей Гамбурга демонстрирует самые известные работы Филиппа Отто Рунге, произведения искусства движения Назарейцев, а также художественные произведения искусства Вильгельма Лайбла, созданные в стиле позднего романтизма.

    Период между двумя мировыми войнами

    В период между Первой и Второй мировыми войнами изобразительное искусство Германии словно замерло и погрузилось в спячку. Множество столичных деятелей искусства были отправлены в изгнание, а некоторые художники и вовсе уничтожены нацистами.

    Нацисты ненавидели такие течения изобразительного искусства, как дадаизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм. Практически все течения модерна были поставлены под клеймо «деградация» (Entartung). Множество картин Клее, Дикса, Бекманна и других представителей модернизма были изуродованы или просто уничтожены.

    В 1938 году в Германии был принят закон, позволяющий изымать из частных коллекций картины «деградированного искусства». Апогеем событий стало публичное сожжение в 1939 г в Берлине около 4 тыс картин.

    От начала XX ст до наших дней

    Огромное значение для современного изобразительного искусства Германии имели колонии художников в Ворпсведе (Künstlerkolonie Worpswede) и Дармштадте (Darmstädter Künstlerkolonie), которые действовали в начале XX ст. Здесь проживали и работали в различных стилях художники, оставившие миру множество потрясающих произведений искусства. Большинство работ было создано в стиле модерн.

    После окончания Второй мировой войны влияние таких известных деятелей экспрессионизма, как Кандинский и Нольде, были возрождены. Абстрактный экспрессионизм приобрел новые краски и черты. Самые яркие работы в данном стиле были созданы художниками Эрнстом Вильгельмом Наем и Вилли Баумейстером.

    Самые захватывающие произведения искусства современности принадлежат немецкому скульптору Ансельму Киферу. Его работы украшают берлинский зал Гамбургского железнодорожного вокзала, расположенного в Берлине.

    Лучшие работы современных художников выставлены в современной Пинакотеке в Мюнхене, Музее дизайна Vitra в Вайле-на-Рейне, музее Баухауса в Веймаре, берлинских галереях Eigen+Atr и Кунст-Верке, Новом музее в Нюрнберге. На их территории действуют временные и постоянные выставки.

    Пинакотека в Мюнхене (Фото © Guido Radig / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-3.0)

    Видео о живописи в Германии смотрите по ссылке ниже:

    Немецкий рынок искусства
    ARTinvestment.RU 31 октября 2011

    Согласно данным недавно вышедшего доклада Artprice о состоянии арт-рынка, Германия занимает шестое место в мире по объему продаж современного искусства с результатом 6 947 679 миллионов евро за период с июля 2010 года по июнь 2011, опережая Сингапур, Францию, Великобританию, США и Китай.

    Четыре немецких художника вошли в топ-50 самых продаваемых авторов в мире. Так, на 19-е место попал Ансельм Кифер (Anselm Kiefer) с оборотом 9 200 234 евро в период между июлем 2010 года и июнем 2011 года. Весомый вклад в это достижение внес тот факт, что в прошлом мае работа Кифера «Неизвестному художнику посвящается» была продана за 2,16 миллиона долларов на Christie’s.

    На 21-м месте списка Андреас Гурски (Andreas Gursky) с результатом 8 540 078 евро. Гурски — один из немногих художников в мире, чьи фотоработы продаются за миллионы евро.

    На 41-м месте Томас Шютте (Thomas Schütte) с результатом 4 049 697 евро. Его скульптура «Большой призрак № 16» в ноябре 2010 года ушла с молотка на аукционе Phillips de Pury за 2,55 миллиона евро.

    На 44-м месте Мартин Киппенбергер (Martin Kippenberger) с суммой 3 741 559 евро.

    Двое немецких авторов попали в топ-100 современных художников по версии Artprice — это Томас Штрут (Thomas Struth) на 82-м месте и Ансельм Рейле (Anselm Reyle) на 91-м.

    Впрочем, Германия славится не только художниками: в недавний список самых влиятельных людей в мире искусства, составленный Art Review, вошел ряд немецких галеристов. 44-е место занимают кёльнские галеристы Моника Шпрют (Monika Sprüth) и Филомена Магерс (Philomene Magers), основательницы галереи Sprüth & Magers, которая сегодня имеет офисы в Берлине и Лондоне; на 61-ю позицию составители рейтинга поставили Даниэля Бухольца (Daniel Buchholz), владельца галереи в том же Кёльне; 77-я строчка досталась основателям галереи Neugerriemschneider в Берлине Тиму Нойгеру (Tim Neuger) и Буркхарду Римшнайдеру (Burkhard Riemschneider); и 96-е место отвели Иоганну Кёнигу (Johann König).

    Хотя Берлин занимает центральное место на художественной сцене Германии, однако и в других городах страны бурлит художественная жизнь, в особенности славятся ею Кёльн и Дюссельдорф. Престижные галереи, чьи имена громко звучат на международном арт-рынке, расположились по всему Кёльну. Они же имеют офисы и в столице. К примеру, галерея Christian Nagel, основанная в Кёльне в 1999 году, в 2002-м открыла выставочные площади в Берлине. Не так давно появились там и старейшие кёльнские галереи Daniel Buchholz и Gisela Capitain.

    Как пишет Art Media Agency, долгое время именно Кёльн был центром немецкого арт-рынка, и туда стекалось огромное число дилеров и коллекционеров. Однако в последнее время Кёльн начал постепенно уступать позиции более молодой рыночной площадке — столичной. Впрочем, это не мешает ярмарке Арт-Кёльн, которой в этом году исполнилось 45 лет, быть на слуху и за пределами Германии; к тому же ее позиции упрочила отмена в этом году берлинской ярмарки Art Forum Berlin, существование которой сейчас вообще поставлено под вопрос.

    Читать еще:  Украинский художник. Olga Akasi

    Другая немецкая культурная столица — Дюссельдорф, и там тоже кипит галерейная жизнь: местные заведения демонстрируют широкий диапазон произведений современного искусства — от творений именитых художников до произведений начинающих авторов. В Дюссельдорфе располагается известная галерея Ганса Мейера (Hans Meyer). Она возникла в 1965 году, поселилась в городе в 1971-м и вот уже сорок лет продолжает расширять круг своих художников, работающих, отметим по обе стороны океана. В их числе всемирно признанные Фрэнк Стелла (Frank Stella), Элсворт Келли (Ellsworth Kelly), Сол ЛеВитт (Sol LeWitt), Роберт Раушенберг (Robert Rauschenberg), Рой Лихтенштейн (Roy Lichtenstein) и Том Вессельман (Tom Wesselmann), представители более молодого поколения Кит Хэринг (Keith Haring), Жан-Мишель Баския (Jean-Michael Basquiat) и Роберт Лонго (Robert Longo), а также европейцы, например Гия Эдзгверадзе (Gia Edzgveradze) и Маркус Оэлен (Markus Oehlen).

    Многие старые галереи Дюссельдорфа, как и их кёльнские коллеги, имеют филиалы в Берлине. Так, галерея Konrad Fischer, основанная в 1967 году, открыла свой филиал в Берлине в 2007-м. Галерея экспонирует известных немецких и зарубежных художников, в числе которых Харальд Клингельхеллер (Harald Klingelhöller), Хельмут Дорнер (Helmut Dorner), Тони Крэгг (Tony Cragg), а также молодые таланты Магнус Плессен (Magnus Plessen), Мэтью Бэкингем (Matthew Buckingham), Гай Бен-Нер (Guy Ben-Ner) и Вольфганг Плёгер (Wolfgang Plöger).

    Многие всемирно известные немецкие художники, такие как Андреас Гурски (Andreas Gursky), Томас Шютте (Thomas Schütte) и Томас Штрут (Thomas Struth), облюбовали Дюссельдорф в качестве места жительства, и это, конечно, повышает статус города как культурной столицы.

    Репутация Кёльна и Дюссельдорфа на немецком арт-рынке несомненна, однако центральное место на нем с недавнего времени занимает Берлин, второй по величине город в Европе. Привлекательные цены на недвижимость идут на пользу как художникам и их студиям, так и солидным галереям, коих здесь немало.

    Галерея Contemporary Fine Arts Gallery входит в число берлинских заведений, котирующихся на международной сцене, и принимает участие в таких значимых международных событиях, как Fiac, Frieze и АртБазель. Галерея представляет как художников местного уровня, так и всемирно известных мастеров, таких как Георг Базелиц (Georg Baselitz), Питер Дойг (Peter Doig) и Даниэль Рихтер (Daniel Richter).

    Галерея Eigen+Art, возникшая в Лейпциге и работающая в Берлине с 1992 года, имеет несколько офисов в разных городах страны, а также филиалы в Токио, Париже, Нью-Йорке и Лондоне. Она представляет ярких художников из бывшей Восточной Германии, например Нео Рауха (Neo Rauch), одного из самых знаменитых немецких авторов в мире. Галерея Sprüth Magers также имеет филиал в Лондоне и выставляет таких известных художников, как Ричард Принс (Richard Prince), Андреас Гурски (Andreas Gursky) и Синди Шерман (Cindy Sherman).

    Помимо популярных на рынке имен, крупные берлинские и другие значительные немецкие галереи отдают должное и художникам, известным только у себя на родине: это Антон Хеннинг (Anton Henning), Джонатан Миз (Jonathan Meese), Томас Руфф (Thomas Ruff), Блинки Палермо (Blinky Palermo), Ганс-Юрген Шликер (Hans-Jürgen Schlieker), Гюнтер Уэкер (Günther Uecker), Арис Калайцис (Aris Kalaizis), Катарина Фритш (Katharina Fritsch), Фриц Швеглер (Fritz Schwegler).

    С падением Стены и началом массовой миграции населения в Западную Германию из Восточной Берлин сильно изменился. Многие здания оказались заброшенными, и территорию Восточного Берлина стали заново осваивать художники и галеристы, которые в итоге превратили центральный район Митте в средоточие артистической жизни.

    После объединения Германии в 1989 году в немецкой столице открылись новые музеи, а старые стали обретать новый вид и утраченные коллекции. Среди лучших художественных учреждений города — Бодемузеум, Старая и Новая Национальные Галереи, Старый музей, Музей Пергамон.

    Способствуют развитию немецкого арт-сектора и благоприятные налоговые условия: размер НДС в Германии составляет 19 процентов, однако на покупку некоторых товаров, в том числе произведений искусства, действует сниженный 7-процентный налог.

    Материал подготовила Мария Эстрова, AI

    камни ШОТЛАНДИИ | Dietmar Voorwold

    Красивые дикие пляжи изрезанной береговой линии Шотландии, камни и скалы, океан, приливы и отливы, неожиданное буйство красок вдохновили Дитмара Вурволда (Dietmar Voorwold) создать серию потрясающих мозаик из камней и листьев, которые он находит здесь же.

    Дитмар — яркий представитель направления лэнд-арта, именно его природные инсталляции принесли ему мировую известность.

    Он родился в 1957 году в Германии. Получил образование художника-графика и фотографа в Дюссельдорфе.

    В течение многих лет он работал как арт-терапевт с детьми-инвалидами и взрослыми-инвалидами в учебных и лечебных учреждениях Германии, Голландии и Великобритании.

    Шотландия покорила Дитмара своей дикой северной красотой, разнообразием и непредсказуемостью природы.

    Местный ланшафт очень отличается от ландшафта, который он видел с детства в Германии. Поэтому в 2008 году Дитмар переехал жить в Шотландию.

    В основном работы Дитмара созданы из разноцветных камней и листьев, поэтому срок жизни его инсталляций — от нескольких минут до нескольких дней, и зависит исключительно от ритмов природы.

    Все, что в конечном счете остается от его работ — это фотографии и воспоминания.

    Дитмар воспринимает свое искусство как творчество, дающее спокойствие и исцеляющее души.

    Основной акцент он делает на самовыражение, радость и вдохновение.

    Дитмар Вурволд (Dietmar Voorwold) создает графичные инсталляции из камней, а супруги Наоми Зеттл ( Naomi Zettl ) и Андреас Кунерт ( Andreas Kunert ) настоящие панно из камней, которые можно посмотреть ЗДЕСЬ!

    Питер Вагеманс (Pieter Wagemans) — художник

    «Цветы — продукт природы, они лучше всего воспроизводятся в природе». «Я предпочитаю розы, хотя бы из-за своей аристократической ауры. Вместе с роскошными тканями и серебряными предметами они предлагают самые красивые композиции». Питер Вагеманс (Pieter Wagemans)

    Читать еще:  Турецкий художник. Adem Baspinar

    Питер Вагеманс разработал собственный стиль в создании цветочных композициях. В натюрмортах Pieter Wagemans имеют существенные отличия в отношении выражения, техники и композиции, а также в цветовой палитре: цвета более чистые, с более богатыми контрастами.

    Цветы добавляют объем к картинам и приносят впечатление барокко. Эти картины созданы в мастерской художника; с пейзажами из его воображения. Для гармонии глубины Pieter Wagemans предпочитает использовать «теплый свет низкого солнца».

    Питер Вагеманс родился 11 августа 1948 г. в Merksem, недалеко от г. Antwerpen, Belgium. Еще в юности у Pieter Wagemans проявился художественный дар, который он, вероятно, унаследовал от своего отца. В возрасте 15 лет Питер Вагеманс начал брать уроки в Королевской академии изящных искусств в Антверпене.

    Во время обучения в Академии у Питер Вагеманс было много возможностей практиковать рисунки, в основном в жанрах ню, пейзажи и натюрморты, под руководством таких профессоров, как Жак Горус и Виктор Дольфин. Благодаря усердной и кропотливой работе Питер Вагеманс получил основу для классических навыков в технике рисования.

    В 1969 году Питер Вагеманс получил диплом графического дизайнера, художника и иллюстратора. После службы в армии Питер Вагеманс работал в разных издательствах художником иллюстратором и дизайнером

    На протяжении этой работы Pieter Wagemans совершенствовал свою технику живописи, и искал свой стиль, который лучше всего соответствовал его видению и методам работы. Обучение в Академии помогло Pieter Wagemans в поиске правильного пути, но еще многое предстояло сделать самостоятельно.

    ВИДЕО: Pieter Wagemans использует технику «A la Prima » / VIDEO: The flemish (Belgium) flower painter Pieter Wagemans uses the «A la Prima » technique.

    Pieter Wagemans was born on 11 August 1948 in Merksem, close to the city of Antwerp, Belgium. From his youth Pieter has always been able to express himself spontaneously through the artistic gift that he probably inherited from his father. Even from his early years it seemed likely that he would develop this gift further. At the age of 15 he decided to take lessons at the Royal Academy of Fine Arts in Antwerp.

    During his training at the Academy Pieter had many opportunities to practise life drawings, mainly still lifes, but also nudes and landscapes, each time under the inspiring leadership of professors such as Jacques Gorus and Victor Dolfyn. Through much hard work, they gave him a good grounding in classical painting skills and taught him to master the techniques of an artist.

    In 1969 Pieter obtained the commercially valuable diploma of graphic designer, artist and illustrator. After his military service he set out as a free-lance illustrator and designer, working for various publishers over a number of years.

    Throughout these years Pieter has continuously refined his painting technique. It was a long journey, searching for the style that best fitted his vision and working methods. His training at the Academy had helped him onto the right path, but there was still a long way to go. In this period Pieter took on a commission to paint a series of large ceiling paintings in the 16th century home of the Antwerp artist David Van Noort. These paintings, in the style of the old masters, gave Pieter valuable experience in their use of colour, contrast with light and shadow and the importance of composition.

    His style. Gradually it became clear to Pieter that he had an increasing preference for fine art painting. «It is more a character trait than a conscious style,» according to Pieter.

    By studying famous still life paintings and the work of flower painters such as David de Heem, Willem Heda and Rachael Ruys, Pieter strengthened his insight into colour harmony and deepened his understanding. Thematically he prefers still life paintings with antique objets d’art. Looking for the symbolic value of a composition he builds a moving story. The ‘vanitas’ motif is a major source of inspiration. Reflecting on the transitory nature of life, beauty often is incorporated in the form of a flower.

    Pieter Wagemans in his studio. As a variation on still life, in recent years Pieter has developed his specialised talents in flower compositions. In comparison with still life paintings there are significant differences to observe in expression, technique and composition as well as in the colour palette — colours are purer, with richer contrasts.

    The flowers add volume to the paintings and bring a baroque impression. These paintings are all created in his studio; with landscapes flowing spontaneously from his imagination. For the harmonic depth Pieter often prefers the warm glow of a low sun «I prefer roses,» says Pieter, «if only because of their aristocratic aura. Together with sumptuous fabrics and items of silver they provide most beautiful compositions».

    The fine painting of flowers demands considerable discipline, because the passing of time is an important challenge. A flower is always changing. To capture the moment, Pieter bypasses the use of underpainting and paints each flower in turn, ‘alla prima’ until the painting is finished.
    Sometimes he needs a whole day for each flower, other times only a few hours. Often the flower compositions never existed in reality because the flowers were painted one by one over several weeks.

    Питер Вагеманс (Pieter Wagemans)

    Ссылка на основную публикацию
    Adblock
    detector