Современные немецкие художники. Walter Roos

Современные немецкие художники. Walter Roos

Художественное искусство Германии

Изобразительное искусство Германии берет свое начало еще далекие времена, с того момента как племена германцев пришли на территорию Римской империи. Богатейшее художественное наследие хранится в многочисленных музеях страны, галереях и выставочных центрах. Его также можно увидеть в интерьерах и на фасадах старинных и современных зданий. Изобразительное искусство Германии включает в себя древние фрески, искусно нарисованные портреты, орнаменты, витражи и великолепные картины всех стилей, созданные знаменитыми и никому не известными художниками.

Фрески и витражи

Самые древние фрески, найденные на территории современной Германии, относятся к эпохе Каролингов, продлившейся до 843 г. Они были обнаружены в одном из подземных помещений аббатства Св. Максимина (Reichsabtei St. Maximin) в Трире. На сегодняшний день эти великолепные фрески хранятся в церкви Св. Георгия на территории монастыря Райхенау (Kloster Reichenau). А в Трирском музее Собора и Епархии выставлен купол старинного Римского дворца, украшенный великолепно сохранившимися фресками.

Аббатство Св. Максимина (Фото © Stefan Kühn / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-SA-2.5,2.0,1.0)

Множество красивых витражей было создано в Романскую эпоху в период с X по XIII ст. Большая их часть посвящена религиозной тематике. Красивейшие витражи Романской эпохи украшают Кёльнский собор и собор в Аугсбурге. К XV ст кёльнские мастера стали создавать витражи, изображающие живописные пейзажи. Самые яркие образцы такого искусства сегодня хранятся в художественном музее в Гамбурге (Hamburger Kunsthalle).

Немецкий Ренессанс развивался в направлении итальянского Возрождения. Его главным представителем был немецкий живописец и график Альбрехт Дюрер (Albrecht Dürer), который не уступал в своем таланте знаменитым итальянским мастерам. Несколько его работ хранится в Старой Пинакотеке в Мюнхене и в Нюрнбергском доме Дюрера (Albrecht-Dürer-Haus), где выдающийся живописец жил и работал до самой своей смерти.

По эскизам Дюрера были созданы великолепные витражи на религиозную тематику. Его работы украсили церкви Св. Лаврентия в Нюрнберге и Св. Якоба в Штраубинге, а также дом нюрнбергского гуманиста Сикста Тухера и бенедиктинский монастырь Св. Эгидия.

Самые роскошные фрески были созданы в эпоху барокко, которая продолжалась с XVII по середину XVIII ст. Фрески покрывали стены большинства возведенных в тот период дворцов. Они позволяли визуально увеличить пространство помещений, придать им изысканность и помпезность. Самым ярким примером барочных фресок является Большая лестница Бальтазара Нойманна.

Немецкое гравюрное искусство

Расцвет искусства гравюры пришелся на начало эпохи Возрождения. Его развитию послужила доступность и невысокая стоимость нового на тот период материала для книг – бумаги. Данный вид искусства привлек к себе внимание ведущих немецких мастеров. Основная тематика была отражением актуальных на то время событий (война, проституция, крестьяне).

Среди самых известных немецких гравюр:

    «Рыцарь, Дьявол и смерть» Альбрехта Дюрера.

Гравюра «Рыцарь, Дьявол и смерть» Альбрехта Дюрера (Фото © Albrecht Dürer / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-PD-Mark)

  • «Смерть, швейцарские воины и военная проститутка» Урса Графа.
  • «Смерть хватает епископа» Ганса Гольбейна.
  • Романтизм

    Основными тематиками изобразительного искусства в стиле романтизма выступали религия и мистика. Яркими представителями данной эпохи были Каспар Дэвид Фридрих и Филипп Отто Рунге. Большинство работ Фридриха выставлено в гамбургском Кунстхалле и Старой берлинской национальной галерее.

    Художественный музей Гамбурга демонстрирует самые известные работы Филиппа Отто Рунге, произведения искусства движения Назарейцев, а также художественные произведения искусства Вильгельма Лайбла, созданные в стиле позднего романтизма.

    Период между двумя мировыми войнами

    В период между Первой и Второй мировыми войнами изобразительное искусство Германии словно замерло и погрузилось в спячку. Множество столичных деятелей искусства были отправлены в изгнание, а некоторые художники и вовсе уничтожены нацистами.

    Нацисты ненавидели такие течения изобразительного искусства, как дадаизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм. Практически все течения модерна были поставлены под клеймо «деградация» (Entartung). Множество картин Клее, Дикса, Бекманна и других представителей модернизма были изуродованы или просто уничтожены.

    В 1938 году в Германии был принят закон, позволяющий изымать из частных коллекций картины «деградированного искусства». Апогеем событий стало публичное сожжение в 1939 г в Берлине около 4 тыс картин.

    От начала XX ст до наших дней

    Огромное значение для современного изобразительного искусства Германии имели колонии художников в Ворпсведе (Künstlerkolonie Worpswede) и Дармштадте (Darmstädter Künstlerkolonie), которые действовали в начале XX ст. Здесь проживали и работали в различных стилях художники, оставившие миру множество потрясающих произведений искусства. Большинство работ было создано в стиле модерн.

    После окончания Второй мировой войны влияние таких известных деятелей экспрессионизма, как Кандинский и Нольде, были возрождены. Абстрактный экспрессионизм приобрел новые краски и черты. Самые яркие работы в данном стиле были созданы художниками Эрнстом Вильгельмом Наем и Вилли Баумейстером.

    Самые захватывающие произведения искусства современности принадлежат немецкому скульптору Ансельму Киферу. Его работы украшают берлинский зал Гамбургского железнодорожного вокзала, расположенного в Берлине.

    Лучшие работы современных художников выставлены в современной Пинакотеке в Мюнхене, Музее дизайна Vitra в Вайле-на-Рейне, музее Баухауса в Веймаре, берлинских галереях Eigen+Atr и Кунст-Верке, Новом музее в Нюрнберге. На их территории действуют временные и постоянные выставки.

    Пинакотека в Мюнхене (Фото © Guido Radig / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-3.0)

    Видео о живописи в Германии смотрите по ссылке ниже:

    Уолтер де Мария: пять главных инсталляций

    Уолтер де Мария (1935–2013) — художник, скульптор, ленд-артист, автор больших концептуальных инсталляций. «Артгид» рассказывает о пяти работах, ставших поворотными точками в его творчестве.

    Уолтер де Мария. Две линии, три круга в пустыне. 1969. Пустыня Мохаве, Калифорния. Фотоснимок из фильма. © The Estate of Walter De Maria

    Де Мария, родившийся в 1935 году, был плотью от плоти поколения минималистов: любовь к очищенным от мирской суеты геометрическим формам он пронес через всю жизнь. Однако близость к движению Fluxus придала его работам одновременно страсть и иронию. Работы де Марии на первый взгляд кажутся сухим концептуализмом — металлические брусья, разложенные по залу в том или ином порядке, блестящие детали, похожие на протезы, ровный слой земли, покрывающий пол галереи. Но на деле главным произведением в работах де Марии становится не материальная форма, а опыт, который получает зритель — и в этом опыте, а не в металле или земле, заключается суть работ художника.

    Де Мария с юности учился на художника и прошел стандартный профессиональный путь от студента до участника кассельской «Документы» и автора многочисленных персональных выставок. Однако визуальным искусством его интересы не ограничивались. Он был музыкантом и композитором, в 1960-х играл на ударных в группе ThePrimitives вместе с Лу Ридом и Джоном Кейлом. Срежиссировал и создал несколько кинофильмов. Неделю назад де Мария приехал из Нью-Йорка в Лос-Анджелес отпраздновать столетие своей матери. Здесь его и сразил инсульт. Кристина де Мария пережила сына.

    Нью-йоркская земляная комната (The New York Earth Room). 1977

    Инсталляция «Нью-йоркская земляная комната» находится в постоянной экспозиции Dia Art Foundation в Нью-Йорке и занимает целый этаж. Огромное пространство, пустое и тихое — обычный выставочный зал с белыми стенами, только весь пол покрыт землей. Кроме черного земляного слоя на полу и влажного запаха почвы здесь ничего нет. Зрители смотрят на «Земляную комнату» из прилегающих к залу коридоров.

    Нью-йоркский критик Джерри Сальц, обычно не склонный сентиментальничать, о «Земляной комнате» все же пишет как о самом трогательном произведении в своей жизни: «Здесь я испытал почти шаманский подъем чувств. Запах земли стал волшебной палочкой, по мановению которой я перенесся к кустам и дворам, через которые срезал дорогу по пути в школу, дышавшим на меня сыростью. Впечатление было полным, но в нем не было ни единого образа, только принятие абстракции. Вход в зал перекрыт стеклянным барьером, который лишь на несколько дюймов выше уровня земляного слоя, попасть туда невозможно, но в то же время я заполнял это пространство самим собой… У меня захватывало дух от того, какой мертвой и одновременно живой может быть скульптура».

    Читать еще:  Уличный художник из Индонезии. WD (стрит арт)

    Уолтер де Мария впервые сделал «Земляную комнату» в 1968 году в Мюнхене, повторил в 1974 в Дармштадте, и наконец в 1977 году она навеки поселилась в Нью-Йорке — германские версии работы не сохранились. Для устройства инсталляции понадобилось примерно 200 кубометров земли общим весом 127 тонн, которая покрыла площадь зала в 335 кв. м.

    Вертикальный километрземли (The Vertical Earth Kilometer). 1977

    Инсталляция — хотя можно ли назвать инсталляцией невидимую вещь? — была сделана де Марией в 1977 году для 6-й «Документы» в Касселе. Посреди площади Фридрихплац де Мария действительно забил в землю километровый гвоздь из латуни диаметром 5 сантиметров. «Гвоздь» ушел в землю на всю километровую длину, снаружи видна лишь его верхушка, которую можно принять за оброненную монету. Художница Сара Уилсон пишет: «Виден лишь торец стержня, он вровень с землей. Мне нравится этот вызов, эта идея поставить под вопрос доверие между художником и зрителем: а мы верим, что там, под землей, правда есть километровый штырь?»

    Шахта для гвоздя проходит через шесть геологических слоев, а ее бурение заняло 79 дней. Сам же гвоздь не цельный, он состоит из нескольких соединенных между собой частей.

    Поле молний (The Lightning Field). 1977

    В чистом поле в штате Нью-Мексико де Мария врыл в землю четыреста стальных штырей-громоотводов. По его идее, они должны притягивать молнии (а пустыни штата Нью-Мексико славятся грозами) и превращать все пространство инсталляции в наполненную молниями сцену.

    Один из лучших арт-блогеров Тайлер Грин, посетивший в 2005 году «Поле молний», описывая свои впечатления опускает свое всегдашнее красноречие. Его репортаж — скрупулезное и по-детски детальное описание поля, ветра, самих громоотводов, пролетающих мимо бабочек, пробегающих мелких зверьков, цветов заката и восхода. Только в конце он позволяет себе даже не вывод, а краткую ремарку: «Ленд-арт — это не хвастовство художника, который ставит посреди природы предмет искусства, чтобы отвлечь наш взгляд от природы. Ленд-арт — это скромность, это согласие на то, что твое искусство покажется карликовым перед лицом Земли».

    «Поле молний» занимает участок земли шириной в 1 км и длиной в 1 милю (1609 м). Четыреста громоотводов имеют одинаковую высоту — около шести метров. Увидеть «Поле молний» непросто: зрители должны заранее забронировать ночь в пустыне, в мини-отеле-вагончике на три спальни, откуда открывается вид на поле. Такая ночь стоит от 100 до 250 долларов, в одну ночь допускается не больше шести посетителей, и места обычно распроданы на год-два вперед. Зрителям запрещается приносить с собой любую электронику, фотографировать здесь тоже нельзя. Гарантии, что природа пошлет на поле молнии именно в эту ночь, нет. Однако те, кому посчастливилось попасть в заветный вагончик, утверждают, что независимо от капризов природы главным опытом искусства для них стало само пребывание под звездами посреди пустыни, в отрыве от всех средств коммуникации и в обществе людей, которых они видели в первый и, скорее всего, в последний раз.

    Сломанный километр (The Broken Kilometer). 1979

    Де Мария действительно распилил километр. Инсталляция в нью-йоркском Сохо представляет собой пятьсот двухметровых брусьев из золотистой полированной латуни, выложенных пятью параллельными рядами.

    «Сломанный километр» — медитация в форме чистой математики. Он заставляет зрителя отречься от разноцветья повседневной жизни и сосредоточиться на простой, точно измеримой рулеткой основе наших представлений о пространстве. Немецкий искусствовед Томас Келляйн пишет: «В инсталляции «Сломанный километр» де Мария достиг четвертой и последней стадии своей скульптурной системы. В Касселе он загнал в землю километровый гвоздь, в «Поле молний» в Нью-Мексико разметил одинаковыми прутьями площадь километр на милю, в 1977году создал «Земляную комнату», покрыв землей пол галереи в Сохо. И вот два года спустя «Сломанный километр» выставлен в постоянной экспозиции, и понятно, что любой зритель, попадающий в это пространство, может взаимодействовать с ним лишь одним способом: молчаливым созерцанием».

    В «Сломанном километре» де Мария дал волю самоиронии: помимо всего прочего, эта работа — насмешливый перепев «Вертикального километра земли». Если составить все латунные брусья вместе, получится точно такой же стержень, какой двумя годами раньше де Мария забил в землю в Касселе: материал и диаметр в обеих скульптурах точно совпадает.

    Компьютер, который решит любую проблему в мире / Многогранник 3-12 (A Computer Which Will Solve Every Problem in the World / 3-12 Polygon). 1984

    Середина 1980-х — переломное с точки зрения кибернетики время, когда компьютеры стали входить в повседневную жизнь людей, превращаясь из научного в бытовой электроприбор. Де Мария был зачарован цифровой логикой компьютера: любое описание всего мира, оказывается, можно уложить в последовательность нулей и единиц. Этой логике он посвятил инсталляцию в музее Бойманс ван Бенинген в Роттердаме: 75 металлических брусьев выложены на полу треугольником. Брусья почти незаметно меняются от треугольных в сечении к квадратным, от квадратных к пятигранным, и так до двенадцатигранных.

    Чистота и беспощадность цифровых последовательностей, которые заменяют реальный — аналоговый — мир, сталкиваются в инсталляции де Марии с прямым чувственным опытом зрения и осязания. Зритель, в конце концов, воспринимает железные палки глазами, ловит игру света на них, и только потом пересчитывает или не пересчитывает их грани. Инсталляция де Марии ставит перед каждым вопрос о том, сводится ли опыт жизни к сухой логике и может ли действительно компьютер найти решение для любой человеческой проблемы.

    Самые известные и знаменитые современные немецкие художники

    Рейтинг Kunstkompass не отражает финансовый успех немецких художников. Он руководствуется исключительно резонансом, который вызывает их искусство в современном арт-мире. Но часто деньги и почет идут рука об руку. Известность притягивает к себе не только интерес публики, но и возможность продавать свои картины за внушительную сумму. Представляем трех самых популярных современных художников, живущих и работающих в Германии.

    Герхард Рихтер

    Герхард Рихтер (Gerhard Richter, род. 9 февраля, 1932, Дрезден) возглавляет этот рейтинг уже много лет подряд. Его имя в Германии знают все, кто хоть сколько-то интересуется современной живописью. Его работы отлично продаются на известных аукционах. Ценовой рекорд был поставлен в 2015 году. Созданная художником абстрактная композиция была продана за 44,5 миллионов долларов.

    На художественный Олимп он буквально ворвался. В 1967 году он получает свою первую награду — его премируют как талантливого молодого художника. Проходит всего четыре года и его работы отправляются на Венецианскую биенналле. В 1973 новая грандиозная победа — персональная выставка в США.

    «В моих работах нет единого стиля, в них вы не найдете каких-то общих деталей», — так говорит о своих картинах Герхард Рихтер. Кажется, что ему подвластны абсолютно все направления современного искусства. Наибольшую популярность ему принесли работы, созданные на грани живописи и фотографии. Очень хорошо продаются его беспредметные яркие композиции, которые он создает с помощью кистей, шпателей и скребков.

    Художник необыкновенно плодовит, он создал более 3 000 полотен. И не собирается на этом останавливаться.

    Розмари Трокель

    Эта немецкая художница Розмари Трокель (Rosemarie Trockel, род. 13 ноября 1952, Арнсберг) известна далеко за пределами Германии. Сейчас она не только продолжает радовать своих поклонников новыми оригинальными работами, но и занимается преподаванием в Академии изящных искусств.

    Многие шедевры Розмари созданы в стиле неоконцептуализма. Своими учителями она называет Йозефа Бойса (Joseph Beuys) и Зигмара Польке (Sigmar Polke).

    Художница любит экспериментировать, впрочем, как и все сторонники постмодернизма. Она в своих работах мастерски смешивает высокое и низкое, ниспровергает ценности, иронизирует. В этом плане очень интересны ее работы, созданные из шерстяной пряжи.

    Одна из таких ее «вязаных» работ под названием “Made in Western Germany” была продана за миллион долларов.

    Еще одно увлечение Розмари — создание художественных коллажей из фотографий. Большой успех и узнавание в Европе ей принесла выставка «Космос». Она показала публике свою личную вселенную через созданные художественные миры.

    Читать еще:  Современный российский художник. Azamat Kuliev

    Ансельм Кифер

    Ансельм Кифер (Anselm Kiefer, род. 8 марта 1945, Донауэшинген) — известный немецкий художник, скульптор, фотограф. В его работах отразилась национальная самобытность Германии. Очень много создано картин и по мотивам скандинавских мифов.

    Большое влияние на творчество Кифера оказали немецкие живописцы Йозеф Бойс и Георг Базелиц (Georg Baselitz).

    Кифер получил мировую известность благодаря своим масштабным картинам и оригинальным инсталляциям. Он настоящий мастер абстрактного экспрессионизма. Художник использует для реализации проектов необычные собственные технические приемы.

    Уолтер де Мария: пять главных инсталляций

    Уолтер де Мария (1935–2013) — художник, скульптор, ленд-артист, автор больших концептуальных инсталляций. «Артгид» рассказывает о пяти работах, ставших поворотными точками в его творчестве.

    Уолтер де Мария. Две линии, три круга в пустыне. 1969. Пустыня Мохаве, Калифорния. Фотоснимок из фильма. © The Estate of Walter De Maria

    Де Мария, родившийся в 1935 году, был плотью от плоти поколения минималистов: любовь к очищенным от мирской суеты геометрическим формам он пронес через всю жизнь. Однако близость к движению Fluxus придала его работам одновременно страсть и иронию. Работы де Марии на первый взгляд кажутся сухим концептуализмом — металлические брусья, разложенные по залу в том или ином порядке, блестящие детали, похожие на протезы, ровный слой земли, покрывающий пол галереи. Но на деле главным произведением в работах де Марии становится не материальная форма, а опыт, который получает зритель — и в этом опыте, а не в металле или земле, заключается суть работ художника.

    Де Мария с юности учился на художника и прошел стандартный профессиональный путь от студента до участника кассельской «Документы» и автора многочисленных персональных выставок. Однако визуальным искусством его интересы не ограничивались. Он был музыкантом и композитором, в 1960-х играл на ударных в группе ThePrimitives вместе с Лу Ридом и Джоном Кейлом. Срежиссировал и создал несколько кинофильмов. Неделю назад де Мария приехал из Нью-Йорка в Лос-Анджелес отпраздновать столетие своей матери. Здесь его и сразил инсульт. Кристина де Мария пережила сына.

    Нью-йоркская земляная комната (The New York Earth Room). 1977

    Инсталляция «Нью-йоркская земляная комната» находится в постоянной экспозиции Dia Art Foundation в Нью-Йорке и занимает целый этаж. Огромное пространство, пустое и тихое — обычный выставочный зал с белыми стенами, только весь пол покрыт землей. Кроме черного земляного слоя на полу и влажного запаха почвы здесь ничего нет. Зрители смотрят на «Земляную комнату» из прилегающих к залу коридоров.

    Нью-йоркский критик Джерри Сальц, обычно не склонный сентиментальничать, о «Земляной комнате» все же пишет как о самом трогательном произведении в своей жизни: «Здесь я испытал почти шаманский подъем чувств. Запах земли стал волшебной палочкой, по мановению которой я перенесся к кустам и дворам, через которые срезал дорогу по пути в школу, дышавшим на меня сыростью. Впечатление было полным, но в нем не было ни единого образа, только принятие абстракции. Вход в зал перекрыт стеклянным барьером, который лишь на несколько дюймов выше уровня земляного слоя, попасть туда невозможно, но в то же время я заполнял это пространство самим собой… У меня захватывало дух от того, какой мертвой и одновременно живой может быть скульптура».

    Уолтер де Мария впервые сделал «Земляную комнату» в 1968 году в Мюнхене, повторил в 1974 в Дармштадте, и наконец в 1977 году она навеки поселилась в Нью-Йорке — германские версии работы не сохранились. Для устройства инсталляции понадобилось примерно 200 кубометров земли общим весом 127 тонн, которая покрыла площадь зала в 335 кв. м.

    Вертикальный километрземли (The Vertical Earth Kilometer). 1977

    Инсталляция — хотя можно ли назвать инсталляцией невидимую вещь? — была сделана де Марией в 1977 году для 6-й «Документы» в Касселе. Посреди площади Фридрихплац де Мария действительно забил в землю километровый гвоздь из латуни диаметром 5 сантиметров. «Гвоздь» ушел в землю на всю километровую длину, снаружи видна лишь его верхушка, которую можно принять за оброненную монету. Художница Сара Уилсон пишет: «Виден лишь торец стержня, он вровень с землей. Мне нравится этот вызов, эта идея поставить под вопрос доверие между художником и зрителем: а мы верим, что там, под землей, правда есть километровый штырь?»

    Шахта для гвоздя проходит через шесть геологических слоев, а ее бурение заняло 79 дней. Сам же гвоздь не цельный, он состоит из нескольких соединенных между собой частей.

    Поле молний (The Lightning Field). 1977

    В чистом поле в штате Нью-Мексико де Мария врыл в землю четыреста стальных штырей-громоотводов. По его идее, они должны притягивать молнии (а пустыни штата Нью-Мексико славятся грозами) и превращать все пространство инсталляции в наполненную молниями сцену.

    Один из лучших арт-блогеров Тайлер Грин, посетивший в 2005 году «Поле молний», описывая свои впечатления опускает свое всегдашнее красноречие. Его репортаж — скрупулезное и по-детски детальное описание поля, ветра, самих громоотводов, пролетающих мимо бабочек, пробегающих мелких зверьков, цветов заката и восхода. Только в конце он позволяет себе даже не вывод, а краткую ремарку: «Ленд-арт — это не хвастовство художника, который ставит посреди природы предмет искусства, чтобы отвлечь наш взгляд от природы. Ленд-арт — это скромность, это согласие на то, что твое искусство покажется карликовым перед лицом Земли».

    «Поле молний» занимает участок земли шириной в 1 км и длиной в 1 милю (1609 м). Четыреста громоотводов имеют одинаковую высоту — около шести метров. Увидеть «Поле молний» непросто: зрители должны заранее забронировать ночь в пустыне, в мини-отеле-вагончике на три спальни, откуда открывается вид на поле. Такая ночь стоит от 100 до 250 долларов, в одну ночь допускается не больше шести посетителей, и места обычно распроданы на год-два вперед. Зрителям запрещается приносить с собой любую электронику, фотографировать здесь тоже нельзя. Гарантии, что природа пошлет на поле молнии именно в эту ночь, нет. Однако те, кому посчастливилось попасть в заветный вагончик, утверждают, что независимо от капризов природы главным опытом искусства для них стало само пребывание под звездами посреди пустыни, в отрыве от всех средств коммуникации и в обществе людей, которых они видели в первый и, скорее всего, в последний раз.

    Сломанный километр (The Broken Kilometer). 1979

    Де Мария действительно распилил километр. Инсталляция в нью-йоркском Сохо представляет собой пятьсот двухметровых брусьев из золотистой полированной латуни, выложенных пятью параллельными рядами.

    «Сломанный километр» — медитация в форме чистой математики. Он заставляет зрителя отречься от разноцветья повседневной жизни и сосредоточиться на простой, точно измеримой рулеткой основе наших представлений о пространстве. Немецкий искусствовед Томас Келляйн пишет: «В инсталляции «Сломанный километр» де Мария достиг четвертой и последней стадии своей скульптурной системы. В Касселе он загнал в землю километровый гвоздь, в «Поле молний» в Нью-Мексико разметил одинаковыми прутьями площадь километр на милю, в 1977году создал «Земляную комнату», покрыв землей пол галереи в Сохо. И вот два года спустя «Сломанный километр» выставлен в постоянной экспозиции, и понятно, что любой зритель, попадающий в это пространство, может взаимодействовать с ним лишь одним способом: молчаливым созерцанием».

    В «Сломанном километре» де Мария дал волю самоиронии: помимо всего прочего, эта работа — насмешливый перепев «Вертикального километра земли». Если составить все латунные брусья вместе, получится точно такой же стержень, какой двумя годами раньше де Мария забил в землю в Касселе: материал и диаметр в обеих скульптурах точно совпадает.

    Компьютер, который решит любую проблему в мире / Многогранник 3-12 (A Computer Which Will Solve Every Problem in the World / 3-12 Polygon). 1984

    Середина 1980-х — переломное с точки зрения кибернетики время, когда компьютеры стали входить в повседневную жизнь людей, превращаясь из научного в бытовой электроприбор. Де Мария был зачарован цифровой логикой компьютера: любое описание всего мира, оказывается, можно уложить в последовательность нулей и единиц. Этой логике он посвятил инсталляцию в музее Бойманс ван Бенинген в Роттердаме: 75 металлических брусьев выложены на полу треугольником. Брусья почти незаметно меняются от треугольных в сечении к квадратным, от квадратных к пятигранным, и так до двенадцатигранных.

    Читать еще:  Современный австралийский художник. Tank Art

    Чистота и беспощадность цифровых последовательностей, которые заменяют реальный — аналоговый — мир, сталкиваются в инсталляции де Марии с прямым чувственным опытом зрения и осязания. Зритель, в конце концов, воспринимает железные палки глазами, ловит игру света на них, и только потом пересчитывает или не пересчитывает их грани. Инсталляция де Марии ставит перед каждым вопрос о том, сводится ли опыт жизни к сухой логике и может ли действительно компьютер найти решение для любой человеческой проблемы.

    Немецкий рынок искусства
    ARTinvestment.RU 31 октября 2011

    Согласно данным недавно вышедшего доклада Artprice о состоянии арт-рынка, Германия занимает шестое место в мире по объему продаж современного искусства с результатом 6 947 679 миллионов евро за период с июля 2010 года по июнь 2011, опережая Сингапур, Францию, Великобританию, США и Китай.

    Четыре немецких художника вошли в топ-50 самых продаваемых авторов в мире. Так, на 19-е место попал Ансельм Кифер (Anselm Kiefer) с оборотом 9 200 234 евро в период между июлем 2010 года и июнем 2011 года. Весомый вклад в это достижение внес тот факт, что в прошлом мае работа Кифера «Неизвестному художнику посвящается» была продана за 2,16 миллиона долларов на Christie’s.

    На 21-м месте списка Андреас Гурски (Andreas Gursky) с результатом 8 540 078 евро. Гурски — один из немногих художников в мире, чьи фотоработы продаются за миллионы евро.

    На 41-м месте Томас Шютте (Thomas Schütte) с результатом 4 049 697 евро. Его скульптура «Большой призрак № 16» в ноябре 2010 года ушла с молотка на аукционе Phillips de Pury за 2,55 миллиона евро.

    На 44-м месте Мартин Киппенбергер (Martin Kippenberger) с суммой 3 741 559 евро.

    Двое немецких авторов попали в топ-100 современных художников по версии Artprice — это Томас Штрут (Thomas Struth) на 82-м месте и Ансельм Рейле (Anselm Reyle) на 91-м.

    Впрочем, Германия славится не только художниками: в недавний список самых влиятельных людей в мире искусства, составленный Art Review, вошел ряд немецких галеристов. 44-е место занимают кёльнские галеристы Моника Шпрют (Monika Sprüth) и Филомена Магерс (Philomene Magers), основательницы галереи Sprüth & Magers, которая сегодня имеет офисы в Берлине и Лондоне; на 61-ю позицию составители рейтинга поставили Даниэля Бухольца (Daniel Buchholz), владельца галереи в том же Кёльне; 77-я строчка досталась основателям галереи Neugerriemschneider в Берлине Тиму Нойгеру (Tim Neuger) и Буркхарду Римшнайдеру (Burkhard Riemschneider); и 96-е место отвели Иоганну Кёнигу (Johann König).

    Хотя Берлин занимает центральное место на художественной сцене Германии, однако и в других городах страны бурлит художественная жизнь, в особенности славятся ею Кёльн и Дюссельдорф. Престижные галереи, чьи имена громко звучат на международном арт-рынке, расположились по всему Кёльну. Они же имеют офисы и в столице. К примеру, галерея Christian Nagel, основанная в Кёльне в 1999 году, в 2002-м открыла выставочные площади в Берлине. Не так давно появились там и старейшие кёльнские галереи Daniel Buchholz и Gisela Capitain.

    Как пишет Art Media Agency, долгое время именно Кёльн был центром немецкого арт-рынка, и туда стекалось огромное число дилеров и коллекционеров. Однако в последнее время Кёльн начал постепенно уступать позиции более молодой рыночной площадке — столичной. Впрочем, это не мешает ярмарке Арт-Кёльн, которой в этом году исполнилось 45 лет, быть на слуху и за пределами Германии; к тому же ее позиции упрочила отмена в этом году берлинской ярмарки Art Forum Berlin, существование которой сейчас вообще поставлено под вопрос.

    Другая немецкая культурная столица — Дюссельдорф, и там тоже кипит галерейная жизнь: местные заведения демонстрируют широкий диапазон произведений современного искусства — от творений именитых художников до произведений начинающих авторов. В Дюссельдорфе располагается известная галерея Ганса Мейера (Hans Meyer). Она возникла в 1965 году, поселилась в городе в 1971-м и вот уже сорок лет продолжает расширять круг своих художников, работающих, отметим по обе стороны океана. В их числе всемирно признанные Фрэнк Стелла (Frank Stella), Элсворт Келли (Ellsworth Kelly), Сол ЛеВитт (Sol LeWitt), Роберт Раушенберг (Robert Rauschenberg), Рой Лихтенштейн (Roy Lichtenstein) и Том Вессельман (Tom Wesselmann), представители более молодого поколения Кит Хэринг (Keith Haring), Жан-Мишель Баския (Jean-Michael Basquiat) и Роберт Лонго (Robert Longo), а также европейцы, например Гия Эдзгверадзе (Gia Edzgveradze) и Маркус Оэлен (Markus Oehlen).

    Многие старые галереи Дюссельдорфа, как и их кёльнские коллеги, имеют филиалы в Берлине. Так, галерея Konrad Fischer, основанная в 1967 году, открыла свой филиал в Берлине в 2007-м. Галерея экспонирует известных немецких и зарубежных художников, в числе которых Харальд Клингельхеллер (Harald Klingelhöller), Хельмут Дорнер (Helmut Dorner), Тони Крэгг (Tony Cragg), а также молодые таланты Магнус Плессен (Magnus Plessen), Мэтью Бэкингем (Matthew Buckingham), Гай Бен-Нер (Guy Ben-Ner) и Вольфганг Плёгер (Wolfgang Plöger).

    Многие всемирно известные немецкие художники, такие как Андреас Гурски (Andreas Gursky), Томас Шютте (Thomas Schütte) и Томас Штрут (Thomas Struth), облюбовали Дюссельдорф в качестве места жительства, и это, конечно, повышает статус города как культурной столицы.

    Репутация Кёльна и Дюссельдорфа на немецком арт-рынке несомненна, однако центральное место на нем с недавнего времени занимает Берлин, второй по величине город в Европе. Привлекательные цены на недвижимость идут на пользу как художникам и их студиям, так и солидным галереям, коих здесь немало.

    Галерея Contemporary Fine Arts Gallery входит в число берлинских заведений, котирующихся на международной сцене, и принимает участие в таких значимых международных событиях, как Fiac, Frieze и АртБазель. Галерея представляет как художников местного уровня, так и всемирно известных мастеров, таких как Георг Базелиц (Georg Baselitz), Питер Дойг (Peter Doig) и Даниэль Рихтер (Daniel Richter).

    Галерея Eigen+Art, возникшая в Лейпциге и работающая в Берлине с 1992 года, имеет несколько офисов в разных городах страны, а также филиалы в Токио, Париже, Нью-Йорке и Лондоне. Она представляет ярких художников из бывшей Восточной Германии, например Нео Рауха (Neo Rauch), одного из самых знаменитых немецких авторов в мире. Галерея Sprüth Magers также имеет филиал в Лондоне и выставляет таких известных художников, как Ричард Принс (Richard Prince), Андреас Гурски (Andreas Gursky) и Синди Шерман (Cindy Sherman).

    Помимо популярных на рынке имен, крупные берлинские и другие значительные немецкие галереи отдают должное и художникам, известным только у себя на родине: это Антон Хеннинг (Anton Henning), Джонатан Миз (Jonathan Meese), Томас Руфф (Thomas Ruff), Блинки Палермо (Blinky Palermo), Ганс-Юрген Шликер (Hans-Jürgen Schlieker), Гюнтер Уэкер (Günther Uecker), Арис Калайцис (Aris Kalaizis), Катарина Фритш (Katharina Fritsch), Фриц Швеглер (Fritz Schwegler).

    С падением Стены и началом массовой миграции населения в Западную Германию из Восточной Берлин сильно изменился. Многие здания оказались заброшенными, и территорию Восточного Берлина стали заново осваивать художники и галеристы, которые в итоге превратили центральный район Митте в средоточие артистической жизни.

    После объединения Германии в 1989 году в немецкой столице открылись новые музеи, а старые стали обретать новый вид и утраченные коллекции. Среди лучших художественных учреждений города — Бодемузеум, Старая и Новая Национальные Галереи, Старый музей, Музей Пергамон.

    Способствуют развитию немецкого арт-сектора и благоприятные налоговые условия: размер НДС в Германии составляет 19 процентов, однако на покупку некоторых товаров, в том числе произведений искусства, действует сниженный 7-процентный налог.

    Материал подготовила Мария Эстрова, AI

    Ссылка на основную публикацию
    Adblock
    detector