Современный американский художник. Adam Caldwell

Современный американский художник. Adam Caldwell

# adam-caldwell

Adam Caldwell — Gasmask

Adam Caldwell — Identity theory

Adam Caldwell — Science of the mind

frozen by adam caldwell

November 2017 Comic Covers

Adventure Time Comics 17 — Cole Closser (kaboom!)

She-Hulk 159 — Bilquiis Evely (Marvel)

Superman 34 — Patrick Gleason (DC)

Popeye 64 — Derek Ballard (IDW)

Doctor Who 3.9 — Adam Caldwell (Titan)

American Gods 9 — Davod Mack (Dark Horse)

PENNY DREADFUL #7

Writer: Chris King Artist: Jesus Hervas Cover A: Adam Caldwell Cover B: Photo Publisher: Titan Comics FC – 32pp – $3.99 – On sale: November 15, 2017

Continues the story directly after the shocking events of Penny Dreadful’s season three finale!

Penny Dreadful #7 preview. Directly after the shocking events of season three #comics PENNY DREADFUL #7 Writer: Chris King Artist: Jesus Hervas Cover A: Adam Caldwell Cover B: Photo…

DOCTOR WHO: THE TWELFTH DOCTOR YEAR THREE #9

Writer: Richard Dinnick Artist: Pasquale Qualano Cover A: Adam Caldwell Cover B: Photo Publisher: Titan Comics FC – 32pp – $3.99 – On sale: November 15, 2017

All new adventure begins for the Twelfth Doctor, Bill and Nardole! Celebrate the most recent TARDIS team in all its glory!

Doctor Who: The Twelfth Doctor Year Three #9 preview. Bill and Nardole! #comics #DoctorWho DOCTOR WHO: THE TWELFTH DOCTOR YEAR THREE #9 Writer: Richard Dinnick Artist: Pasquale Qualano Cover A: Adam Caldwell…

Artist: Adam Caldwell

by Adam Caldwell

by adam caldwell

Adam Caldwell — Girl fish

Adam Caldwell’s “Dark Stage” at Thinkspace Gallery.

Opening on Saturday, July 23rd, 2016 at Thinkspace Gallery in Culver City, California is artist Adam Caldwell’s solo show “Dark Stage.”

This show is presented in collaboration with and will feature two special performances by the Bandelion Dance Troupe, whom posed for Caldwell for many of the paintings featured in this exhibition.

There will be performances at 7PM and 9PM during this Saturday’s reception PLUS Thinkspace will host a special talk with Caldwell and an extended performance from Bandelion on Sunday, July 24 at 2PM.

Adam Caldwell discusses “Dark Stage”: «In this show I was looking for a way to imply and illustrate multiple levels of artifice and meaning. In fiction there are many examples of plays within plays, stories within stories, I wanted to explore that in painting. I decided that creating a performance that included aspects of my paintings and then documenting that as a means for further painting was a good start. I reached out to many theater companies and was lucky to meet Eric Kuypers, director of Bandelion Dance Troupe. They are a multi-disciplinary company that use acting, dance, theater, and music in an ongoing experimental collision of genres. They explore themes of disability, gender, sexuality, race, and the nature of performance. I’d initially thought of developing a narrative structure for a performance, but we soon discovered that a free improvisation worked best. With a team of photographers, I documented several large scale improvised performances over the last two years and have been using the reference for a series of oil paintings. I think they look a bit like Caravaggio and David Lynch mashed up. The experience of working with a community and using a multi-disciplinary approach has been really rewarding and fruitful. The show also includes many of my ongoing portrait series, created on a smaller scale. I’ve tried to explore the range of possible techniques and styles from photo realism to almost pure abstraction. They offer a way to experiment with things on a smaller scale, that I then bring into my larger works.»

Dark Stage” will be on display until August 13th, 2016.

Современный американский художник. Adam Caldwell

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Читать еще:  Узнайте, как выглядит социальный реализм по мнению Sean Mahan

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

Читать еще:  Снежные пейзажи Тибета. Ai Xuan

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Удивительно ностальгическая и нежная живопись американского художника Morgan Weistling

Несколько дней назад, бродя по просторам интернета, мне попалась на глаза удивительная картина Моргана Вейстлинга. Маленький мальчик, весь перемазанный кашей, наивно и вопросительно сморел прямо в душу. Трогательный малыш напомнил мне собственного внука Макара, когда он в таком же возрасте аппетитно уплетал овсянку, севершенно не заботясь об аккуратности 🙂 И конечно же, мне захотелось детальнее познакомится с творчеством такого замечательного художника.

И вот, что я узнала. Morgan Weistling — известный современный американский живописец родился в 1964 году, в семье художников. С ранних лет он жил среди мольбертов и красок, и первые, самые важные книги по искусству из обширной семейной библиотеки он читал, сидя ещё на коленях отца. Любовь к искусству, воспитанная отцом в раннем возрасте, привели Моргана к твердому решению самостоятельно изучить курс живописи по книгам.

«Мой папа и я погружались в рисунок и говорили друг с другом картинами. У отца был огромный талант к тому, чтобы рассказывать истории в форме комиксов. Именно тогда искусство стало для меня языком общения.»

В возрасте 12 лет Вейстлинг был настроен пройти весь курс живописи самостоятельно. Но в 15 лет он пришел к выводу, что его исследования анатомии, рисунка, и живописи нуждались в руководстве наставника. И его обучением занялся иллюстратор Фред Фикслер. Школа Фреда, названная Brandes Art Institute, была посвящена одной вещи: изучению жизни. И Морган успешно проучился у Фреда три года, при этом работая неполный день дворником, чтобы иметь возможность оплатить учебу.

В один счастливый для художника день, как это обычно случается, неожиданно, работы Моргана, ещё студента, увидел видный иллюстратор, зашедший в школу. На следующий день Вейстлинг оказался нанятым в одно из главных киноагентств в Голливуде. «Тогда единственное, что я хотел делать — это быть иллюстратором. И в один день это свершилось!», — говорит сам Морган. И в течение следующих 14 лет он успешно создавал иююстрации для всех киностудий Голливуда.

Ну а в свободное время Морган рисовал для души, и, первая же серьёзная картина была оценена по достоинству совладельцем галереи «Trailside», Маривонном Леш. А дальше случилось невероятное! То о чем все художники могут только мечтать: «Он послал нам свои картины без рам, но ещё до того, как они были развешаны, их продали! Его первый показ состоял из 26 картин, и все они были проданы в течение пяти часов». А в следующем году, на его второй персональной выставке, все картины были так же проданы задолго до открытия!

Так интерес коллекционеров на его оригиналы стал просто огромным. Его ностальгические и несколько сказочные образы касаются зрительских сердец, используя что-то более значимое, чем сентиментальность.

Его полотна как письма, рассказывающие занимательные истории о любви, старании, трудолюбии, борьбе, радости, непосредственности, да и просто о повседневной жизни.

Сам Морган говорит: «В некоторых стилях живописи, чем ближе вы к холсту, тем больше вы увидите. В моём, чем больше шаг назад, тем больше деталей вы увидите. Для меня искусство — это мой язык, используемый для связи с другим.»

В 2000 году Morgan Weistling выигрывает «Prix de West Invitational and Masters of the American West Exhibits». А в 2001 он выиграл «Prix de West Award» Нон-Жана Халсейы Буйер за картину «Танец».

«Я надеюсь, что люди будут получать удовольствие от просмотра моих работ».

Со своей женой Джоанн Морган познакомился в художественной школе, как когда-то и его родители, они женаты с 1990 года. А у самой Джоанн тоже множество выставок в Трейлсайд Галереи. Она работает под псевдонимам «J. Перальта» в честь своей бабушки.

У них две дочери, Бретани и Sienna. Именно они частенько становятся моделями для картин отца.

Норман Роквелл — культовый американский художник и его картины

Норман Роквелл (Norman Rockwell) — один из самых культовых американских художников и иллюстраторов, изображавших повседневную американскую жизнь и актуальные общественные вопросы. Его уникальный стиль иллюстрации представлен тщательно нарисованными выразительными символами. Точность почти фотографическая.

Рокуэлл — один из отцов визуальной идентификации некоторых полюбившихся вымышленных персонажей, например, Санта-Клауса. Он был фантастически плодовитым художником, оставив более 4000 картин, иллюстраций и других оригинальных произведений. Картины Нормана Роквелла славятся классической эстетикой, понятностью и образцовым представлением повседневности.

Норман Роквелл родился в 1894 году в Нью-Йорке и с самого раннего возраста ощутил тягу к искусству. До 14 лет он посещал школу искусств, а затем учился в Национальной академии дизайна и в Art Students League. Рокуэлл на протяжении всей своей карьеры использовал технические приемы, освоенные во время учебы.

Первый успех пришел к художнику в нежном возрасте 16 лет, когда он получил заказ на четыре рождественские открытки. Вскоре стартовала его карьера независимого художника и иллюстратора.

В 22 года Норман Роквелл нарисовал свою первую обложку для журнала The Saturday Post, сотрудничество с которым продлилось 47 лет. За почти пять десятилетий художник создал 321 обложку для этого издания.
1930-е и 1940-е годы считают наиболее плодотворными в творческом пути американского иллюстратора. В этот период Роквелл женился во второй раз, завел семью и переехал в маленький городок в штате Вермонт. Город Арлингтон вдохновил художника на создание самых известных бытовых сцен американской жизни.

Годы Второй мировой войны Роквелл провел в трудах. Он был глубоко вдохновлен борьбой за правое дело и американским президентом Франклином Рузвельтом, что в 1943 году привело к выпуску знаменитой серии картин под названием «Американские свободы» («Four Freedoms»). Работы, которые последовательно публиковали в Saturday Evening Post, мгновенно снискали славу. Затем последовал тур по Соединенным Штатам. На выставках удалось заработать более 130 миллионов долларов, которые ушли на нужды военной промышленности.

Читать еще:  Элементы графического дизайна. Bridget Baldwin

После невероятного успеха Норман Роквелл в том же году во время пожара утратил свою драгоценную студию. Он с семьей переехал в Массачусетс, а в 1953 году его жена скоропостижно скончалась. Тем не менее, в 1960 году художник собрался с силами и с помощью сына опубликовал автобиографичную книгу «My Adventures as an Illustrator».

В 1961 году художник женился в третий раз и начал сотрудничать с журналом Look. Десятилетняя деятельность с новым издательством отмечена социально заинтересованными картинами, поднимающими вопросы гражданских прав и бедности, а также дебютные космические полеты.

Норман Роквелл удостоился высшей гражданской награды в США, Президентской медали Свободы, которую ему вручили в 1977 году. Умер художник в 1978 году в Стокбридже, штат Массачусетс, в возрасте 84 лет, завершив длительный и удивительный жизненный путь.

Большинство картин Нормана Роквелла состоят в государственных коллекциях по всей Америке, но многие из них были уничтожены в результате пожаров и других катаклизмов. Кроме работ на холсте он иллюстрировал книги, календари, открытки и другие публикации в очень узнаваемом и красноречивом стиле, пробуждая в зрителе теплые чувства и знакомое настроение. Картины Нормана Роквелла такие же культовые, как и их автор.

Картины Нормана Роквелла:

«Мальчик и девочка смотрят на Луну», 1926 год

Романтическое представление о любви двух детей, смотрящих на Луну. Это типичная ранняя работа Нормана Роквелла. Иллюстрация наполнена сентиментальным идеализмом и, возможно, граничит с китчем.

«Санта читает почту», 1935 год

Еще одна «повседневная» сцена. На этот раз главным героем стал воображаемый Санта Клаус, но представлен он настолько реалистично, что от картины веет непреодолимой магией рождественских праздников.

«Свобода слова», 1943 год

Одна из работ, вошедших в серию «Американские свободы», навеянных речью Франклина Рузвельта в 1941 году. Эту картину сначала опубликовали в Saturday Evening Post, а затем в соответствующем эссе. Норман Роквелл считал ее лучшей из серии наравне с картиной «Свобода веры».

«Свобода веры», 1943 год

Сила живописи заключается в портрете крупным планом, архетипических символах, отчетливо преданных выражениях. Она отстаивает право каждого человека на свободу вероисповедания.

«Свобода от нужды», 1943 год

Третья картина из серии «Американские свободы». Изображение сцены ужина людей в кругу семьи и друзей в День благодарения. Картина считается одной из самых культовых, представляющих праздник День благодарения.

«Свобода от страха», 1943 год

Последняя из четырех свобод. Она отражает переживания, связанные со Второй мировой войной. Родители бережно укладывают своих детей спать, а в это время бушует стратегическая бомбардировка Великобритании нацистской Германией.

«Искусствовед», 1955 год

Норман Роквелл в юмористической форме изобразил художественного эксперта, который очень обеспокоенно пытается подтвердить подлинность работы. Он выглядит неуклюжим, занудным и смешным.

«Тройной автопортрет», 1960 год

Самый известный автопортрет знаменитого художника. Он охватывает все три наиболее известные черты его личности — юмор, смирение и собственное призвание с кучей деталей, заимствованных из его повседневной жизни.

«Портрет Джона Кеннеди», 1960 год

Один из самых известных портретов убитого американского президента Дж. Ф. Кеннеди. Портрет был заказан и выполнен перед тем, как Кеннеди стал лидером нации, в то время он был сенатором и кандидатом в президенты.

«Проблема, с которой все мы живем», 1964 год

Одна из самых известных картин, посвященных борьбе с расизмом и движению за гражданские права. На холсте изображена маленькая афроамериканская девочка Руби Бриджес, которая начала посещать «белую» государственную школу в Новом Орлеане 14 ноября 1960 года.

«Человек на Луне», 1967 год

Норман Роквелл стал своего рода летописцем американского общества 20-го века. На этой картине изображено сенсационное достижение американской космической программы — посадка на Луне.

Morgan Weistling современный американский художник

УДИВИТЕЛЬНО ДОБРЫЕ И ТРОГАТЕЛЬНЫЕ КАРТИНЫ современного американского художника Morganа Weistlingа.

Его полотна как письма, рассказывающие занимательные истории о любви, старании, трудолюбии, борьбе, радости, непосредственности, да и просто о повседневной жизни.

Сам Морган говорит: «В некоторых стилях живописи, чем ближе вы к холсту, тем больше вы увидите. В моём, чем больше шаг назад, тем больше деталей вы увидите. Для меня искусство — это мой язык, используемый для связи с другим.»

Morgan Weistling — известный современный американский живописец родился в 1964 году, в семье художников. С ранних лет он жил среди мольбертов и красок, и первые, самые важные книги по искусству из обширной семейной библиотеки он читал, сидя ещё на коленях отца. Любовь к искусству, воспитанная отцом в раннем возрасте, привели Моргана к твердому решению самостоятельно изучить курс живописи по книгам.

«Мой папа и я погружались в рисунок и говорили друг с другом картинами. У отца был огромный талант к тому, чтобы рассказывать истории в форме комиксов. Именно тогда искусство стало для меня языком общения.»

В возрасте 12 лет Вейстлинг был настроен пройти весь курс живописи самостоятельно. Но в 15 лет он пришел к выводу, что его исследования анатомии, рисунка, и живописи нуждались в руководстве наставника.
И его обучением занялся иллюстратор Фред Фикслер. Школа Фреда, названная Brandes Art Institute, была посвящена одной вещи: изучению жизни. И Морган успешно проучился у Фреда три года, при этом работая неполный день дворником, чтобы иметь возможность оплатить учебу.

В один счастливый для художника день, как это обычно случается, неожиданно, работы Моргана, ещё студента, увидел видный иллюстратор, зашедший в школу. На следующий день Вейстлинг оказался нанятым в одно из главных киноагентств в Голливуде. «Тогда единственное, что я хотел делать — это быть иллюстратором. И в один день это свершилось!», — говорит сам Морган. И в течение следующих 14 лет он успешно создавал иллюстрации для всех киностудий Голливуда.

Ну а в свободное время Морган рисовал для души, и, первая же серьёзная картина была оценена по достоинству совладельцем галереи «Trailside», Маривонном Леш. А дальше случилось невероятное! То о чем все художники могут только мечтать: «Он послал нам свои картины без рам, но ещё до того, как они были развешаны, их продали! Его первый показ состоял из 26 картин, и все они были проданы в течение пяти часов». А в следующем году, на его второй персональной выставке, все картины были так же проданы задолго до открытия.

Со своей женой Джоанн Морган познакомился в художественной школе, как когда-то и его родители, они женаты с 1990 года. А у самой Джоанн тоже множество выставок в Трейлсайд Галереи. Она работает под псевдонимам «J. Перальта» в честь своей бабушки.

У них две дочери, Бретани и Sienna. Именно они частенько становятся моделями для картин отца.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector