Современный американский художник. Adrian Waggoner

Современный американский художник. Adrian Waggoner

Очаровательные женщины художника Адриана Готтлиба

Творчество Адриана Готтлиба демонстрирует, что среди современных художников есть настоящие таланты, которые способны создавать красивое искусство. Многие зрители жалуются на то, что хороших современных художников становится всё меньше и меньше. Многие мастера живописи всё больше предпочитают различные авангардные техники, которые обычным зрителям, слабо говоря, непонятны. Однако среди общей массы художников есть такие имена, которые знакомы многим любителям прекрасного.

Одним из таких художников является Адриан Готтлиб. Современный американский художник в основном специализируется на создании портретов. Особенно красиво получаются у этого художника женские портреты. Кажется, в своих произведениях он неведомым образом передаёт такие тонкости души женщины, которые понятны любому зрителю. К удовольствию многих его поклонников, Адриан является реалистом, то есть создаёт портреты в реалистичной манере.

Здесь стоит отметить, что даже самый проработанный и детализированный реализм в живописи сильно отличается от фотографии. Каждый художник вкладывает в свои произведения частичку себя, свои чувства, эмоции, настроение, впечатление от увиденного. Всё это он передаёт в малейших нюансах, цветовых сочетаниях, деталях. Даже если вы видите перед собой живописную картину, к примеру, тот же портрет, который настолько реалистичен, что его не отличить от качественной фотографии, стоит знать, что если разместить рядом фотографию с той же моделью, разница будет заметной. Картины зачастую намного глубже, душевнее, проникновеннее. Живопись направлена на то, чтобы вызволить из глубины души и сердца такие чувства, которые ничто другое сделать неспособно. В этом есть сила искусства.

Рисование и живопись — это далеко не черчение или точная передача внешнего образа. В этом можно убедиться, просматривая работы замечательного художника Адриана Готтлиба. Здесь присутствуют не только линии и цветные мазки. В живописи есть нечто живое, так как художник стремится выразить не внешние формы, а внутренний мир человека, его образ, а также окружающую атмосферу, которая, к слову, также может содержать намёки о характере героя картины.

Художник Адриан Готтлиб действительно очень талантлив, и заслуживает того, чтобы любители искусства обратили на его творчество внимание. Портреты этого художника яркие и эмоциональные, душевные и трогательные. Если вам не безразлично искусство, в частности, современное искусство, то стоит запомнить это имя, чтобы знать о таком художнике, который украшает образ современной живописи своими произведениями.

Адриан (художник по костюмам) — Adrian (costume designer)

Адриан Адольф Гринбург (3 марта 1903 — 13 сентября 1959), широко известный как Адриан , был американским дизайнером костюмов, чьи самые известные костюмы были для Волшебника из страны Оз и сотен фильмов Метро-Голдвин-Майер в период с 1928 по 1941 год. обычно приписывали на экране фразу «Платья Адриана». В начале своей карьеры он выбрал профессиональное имя Гилберт Адриан , комбинацию отцовского имени и своего собственного.

Содержание

Ранние годы

Адриан родился 3 марта 1903 года в Наугатуке, Коннектикут , в семье Гилберта и Хелены (Поллак) Гринбург. Отец Адриана Гилберт родился в Нью-Йорке, а его мать Хелена — в Уотербери, штат Коннектикут. Обе стороны семьи были евреями. Джозеф Гринбург и его жена Фрэнсис были из России, а Адольф Поллак и Берта (Мендельсон) Поллак были из Богемии и Германии соответственно.

В 1920 году Адриан поступил в Нью-Йоркскую школу изящных и прикладных искусств (ныне Школа дизайна Парсонса ). В 1922 году он перешел в кампус NYSFAA в Париже, где Ирвинг Берлин заключил с ним контракт на разработку декораций и костюмов для берлинского Music Box Revue 1922–1923 годов в Нью-Йорке.

Карьера в Голливуде

Адриан был привезен в Голливуд в ноябре 1924 года женой Рудольфа Валентино Наташей Рамбовой для создания костюмов для «Сокола в капюшоне» . Компания Valentino распалась, и первым фильмом Адриана на экране стала комедия Констанс Талмадж « Ее сестра из Парижа» . В 1925 году Адриан был нанят художником по костюмам независимой киностудией Сесила Б. Де Милля . В 1928 году Демилль переехал в Metro-Goldwyn-Mayer , и Адриан был временно нанят в качестве художника по костюмам для MGM. Через несколько месяцев он подписал контракт в качестве главного дизайнера, в конечном итоге оставшись на тринадцать лет и 200 фильмов.

Адриан работал с крупнейшими женщинами-звездами того времени: Гретой Гарбо , Нормой Ширер , Жанетт Макдональд , Джин Харлоу , Кэтрин Хепберн и Джоан Кроуфорд . Он разработал двадцать восемь фильмов Кроуфорда, восемнадцать фильмов Ширера и девять фильмов Харлоу. Он работал с Гарбо с 1928 года, когда он прибыл, до 1941 года, когда оба покинули компанию. Эжени шляпу он создал для своего фильма Romance стал сенсацией и под влиянием стилей шляп. Когда Адриан подчеркнул плечи Кроуфорда, создав наряды с подплечниками , это создало тренд.

Адриан был известен дизайном вечерних платьев , талант проявился в «Женщинах» . Несмотря на то, что «Женщины» сняты в черно-белых тонах, они включают в себя показ мод Адриана в цветном стиле. Адриан был известен своими старинными костюмами « Ромео и Джульетта» ; экстравагантные костюмы Великого Зигфельда ; и роскошные платья Камиллы и Марии Антуанетты . Адриан настаивал на использовании лучших материалов и качества изготовления для выполнения своих проектов, развивая производителей тканей в Европе и Нью-Йорке.

Самый известный фильм Адриана — «Волшебник из страны Оз» , для которого он разработал расшитые красными блестками рубиновые тапочки, которые носила Джуди Гарланд .

Адриан покинул MGM 5 сентября 1941 года, чтобы открыть собственную модную фирму. Адриан подумывал уйти из MGM на год или два, расстроенный бюджетными сокращениями, вызванными Великой депрессией и изменениями в общественном вкусе. У него были серьезные разногласия с режиссером Джорджем Кьюкорем , продюсером Бернардом Хайманом и главой MGM Луи Б. Майером по поводу стиля костюмов, который Грета Гарбо должна носить в предстоящем фильме « Двуликая женщина» , подготовка которого началась примерно в апреле 1941 года. Адриан, очевидно, решил уйти. студия после этого разногласия. Он уведомил MGM о своем решении 16 июля 1941 года. Уход Адриана из студии стал шоком для Луи Б. Майера. Последний день Адриана должен был быть 15 августа, но он предложил остаться, чтобы завершить различные проекты. Майер держал его в платежной ведомости до 5 сентября. Адриан не был уволен MGM, и он не ушел в отставку; его трехлетний контракт просто истек. Роберт Каллох , главный дизайнер костюмов и модельер Columbia Pictures, был назван заменой Адриана в значительной степени потому, что его дизайн сильно напоминал дизайн Адриана.

Читать еще:  Художник-импрессионист. Andre Kohn

Адриан продолжал разрабатывать одежду для эпизодических кинопроектов в 1940-х годах, в первую очередь для Humoresque в 1946 году.

Сексуальность и брак

Хотя ходили слухи, что неженатый Адриан был геем, он женился на Джанет Гейнор 14 августа 1939 года. Гейнор не состоял в браке шесть лет с тех пор, как распался ее предыдущий брак, и хотя этот брак мог быть бледно-лиловым ответом на рекламные кампании индустрии, и Адриан, и Гейнор официально заявили, что они счастливы в браке, и оставались таковыми до его смерти в 1959 году. У Гейнора и Адриана был один сын Робин (родился 6 июля 1940 года).

Дизайнер американской моды

В 1942 году Адриан основал Adrian, Ltd. по адресу 233 North Beverly Drive, Beverly Hills, в здании, которое раньше занимал ресторан Victor Hugo. (Розничные продавцы уговаривали его разработать дизайн для публичной продажи, но он отклонил эти предложения. В 1932 году Macy’s Cinema Shop скопировал его работы с молчаливого одобрения студии, почти так же, как универмаги производили так называемую «парижскую моду», которая были неутвержденными копиями работ французских кутюрье.)

Линия моды Адриана заполнила пробел, оставленный Парижем, который не мог экспортировать во время немецкой оккупации. Американские женщины откликнулись на дизайн Адриана с четкими линиями, и он оказывал сильное влияние на американскую моду до конца 1940-х годов.

Адриан вернулся в MGM в 1952 году для съемок одного фильма « Прекрасно смотреть» . Он никогда не был номинирован на премию Оскар, поскольку категория костюмов не была представлена ​​во время его основной работы на студии.

Болезнь, пенсия и смерть

Адриан был поражен сердечным приступом в 1952 году. Поскольку он никогда не поручивал работу своим помощникам, предпочитая делать все чертежи и проекты сам, бизнес не мог продолжаться под его именем. Следовательно, он был вынужден закрыть Adrian, Ltd.

Адриан и его жена Джанет купили фазенду (ранчо) в Анаполисе, в штате Гояс, во внутренних районах Бразилии. Они потратили несколько лет на его разработку, часто в компании своих друзей Ричарда Халлидея и Мэри Мартин .

В 1958 году Адриан вышел на пенсию, чтобы создать костюмы для « На Гранде» , музыкальной версии фильма « Гранд Отель» 1932 года, в котором снимались Пол Муни и Вивека Линдфорс и который играл только в Лос-Анджелесе и Сан-Франциско.

В 1959 году Адриан был нанят для создания костюмов для грядущего бродвейского мюзикла « Камелот» . Во время работы над этим проектом в своей студии Адриан перенес сердечный приступ со смертельным исходом . Он был посмертно награжден премией Тони за лучший дизайн костюмов в мюзикле . Он похоронен на кладбище Hollywood Forever .

Современная американская художница Карла Жерар

Американскаяхудожница Карла Жерар (Karla Gerard) пишет акрилом по холсту. На ее картинах с детской наивностью и непосредственностью изображены городские и деревенские пейзажи, цветущие деревья и птицы, люди и животные. Все выглядит очень ярко и позитивно.Картины Карлы Жерар дполныоптимизмаижизни. На первыйвзглядеёкартиныкажутся немного наивными и детскими. Ноприболеедетальномизученииеёработпоявляется ощущение, чтопопадаешьвсказку: фантастически ецвета, изогнутые деревья с фантазийными листьямии большими красочными цветами, аккуратные домики и таинственные птицы, бескрайние холмы, абстрактные пейзажи, наполненные множеством маленьких деталей, которые хочется рассматривать бесконечно. Карла Жерард родилась в 1960 году в Техасе, США. Сейчас живёт в штате Мэйн. С детских лет испытывала страсть к живописи. Специального художественного образования у Карлы нет, она самоучка. На протяжении многих лет художница отрабатывала свой уникальный стиль живописи. Карла работает в народной манере как художник-абстракционист. Для написания своих картин использует акриловые и масляные краски, рисует на холсте и бумаге.

Главной темой творчества Карлы Жерар являются домики: сказочные, немного наивного стиля, яркие, красочные. На фотографиях ниже представлена лишь малая их часть. На ее картинах с детской наивностью и непосредственностью изображены городские и деревенские пейзажи, цветущие деревья и птицы, люди и животные. Все выглядит очень ярко и позитивно. Картины очень нравятся и детям и взрослым, вызывают улыбку, повышают настроение.

Остальное вы сможете найти на просторах интернета. Приятного просмотра и творческого вдохновения!

Пять самых известных художников-авангардистов, чьи произведения должен знать каждый культурный человек

Авангардизм в истории искусства — понятие широкое. Принято считать, что этот термин объединил несколько школ живописи: кубизм, примитивизм, сюрреализм и т.д. Большинство из названных художественных направлений появились в начале XX века. В это время в мире искусства свершилась революция: всеми любимая и понятная классика оказалась отодвинута на второй план. Пришли авторы, которые поражали своей самобытностью и мироощущением, не боялись бросать вызов традициям. Тогда мало кто понимал их творчество, но зато спустя десятилетия работы этих художников на аукционах вызывают настоящий фурор.

Читать еще:  Я провоцирую зрителя на размышления. Alex J Dewars

Казимир Малевич

Казимир Малевич прославился нашумевшей работой «Черный квадрат». Он много экспериментировал, творил сразу в нескольких направлениях авангардного искусства, попробовал себя в модернистских стилях. Вошел в историю искусства как создатель супрематизма. Этому жанру свойственно использование простых геометрических фигур: круги, прямые линии, прямоугольники, трапеции, квадраты. Эти идеи потом стали использоваться в архитектуре и промышленном дизайне.

Появлению супрематизма предшествовало увлечение Малевича футуризмом.
Интересный факт: живописец рассказывал, что идея знаменитого «Черного квадрата» возникла у него стихийно. С появлением на свет этой картины, о которой так много спорят до сих пор, связана мистическая история: за неделю до написания авангардного шедевра Малевичем овладело непонятное беспокойство, он впал в прострацию, не мог спать и есть. А саму работу писал грозовой ночью, когда на небе сверкали молнии.

Кстати, кроме «Черного квадрата» он создал еще несколько работ в этой же стилистике: «Черный круг» и «Черный крест».

Малевичу было важно стать основателем нового направления в живописи, он к этому стремился. И осуществил свою мечту, войдя в историю искусства как создатель супрематизма.

Сальвадор Дали

Сальвадор Дали (Salvador Dalí) заработал известность сюрреалистическими полотнами. Ему были подвластны самые разные стили живописи: от кубизма до неоклассицизма. Его первая выставка состоялась в 14 лет. В 17 Дали начинает учиться в Академии изящных искусств в Мадриде. Он полностью посвящает себя рисованию, ведет затворническую жизнь. Студенческим вечеринкам предпочитает посещение музеев, в которых изучает манеру письма известных художников. Несмотря на страсть к живописи, из Академии его исключают. Свободолюбивому духу оказалось невыносимо тесно в стенах классического учебного заведения. Дали уезжает в бунтарский Париж, цель — окунуться в мир авангардного искусства. И делает это с грандиозным успехом. Его картины пользуются бешеным спросом, на аукционах работы скупаются за огромные деньги.

Благодаря своим авангардным картинам и таланту устраивать сюрреалистические перфомансы, Сальвадор Дали становится одним из самых дорогих художников. Все свое состояние, а оно насчитывало к моменту смерти гения почти 10 млн долларов, авангардист оставил стране, которую боготворил, — своей любимой Испании.

Ричард Принс

Ричард Принс (Richard Prince) — современный американский художник-авангардист, перенявший талант эпатажа у Дали. Много сделал для антипропаганды рекламы. Не стесняется в своих работах использовать чужие фотоснимки, взятые из социальной сети Instagram.

Много занимался полиграфией, создавал обложки для книг. Одна из таких серий, известная под названием «Медсестры», принесла мировую славу. На картинах использовал мрачно-кровавую палитру фона, а сами ангелы милосердия представали в совсем иной ипостаси…

В произведениях делал акцент на темной стороне общества, развенчивал представления о морали и дискредитировал индустрию рекламы.

Чжан Сяоган

Чжан Сяоган (Xiaogang Zhang) — один из самых известных живописцев современности. Его работы пользуются огромной популярностью на мировом арт-рынке. Творческое становление художника пришлось на период культурной революции. Подавление индивидуальности и свободомыслия, жестокие репрессии — все это пережил один из самых талантливых китайских художников.

Политика не стала основной нитью его творчества, в его авангардистских картинах мы не увидим воззваний или обличений. Сяоган ни к чему не призывает. Больше всего китайского авангардиста волнуют психологические проблемы: почему люди стремятся жить в усредненном мире и специально подавляют свою индивидуальность, какие причины заставляют их демонстрировать жестокость по отношению друг к другу… Уникальная особенность художника состоит в том, что он не пишет отдельных полотен, все его картины объединены в серии. Наибольшую известность автору принес цикл Bloodline: Big Family.

Герхард Рихтер

Герхард Рихтер (Gerhard Richter) — один из самых дорогих немецких художников-авангардистов. Заработал популярность и состояние продажей абстрактных декоративных произведений. Одно из популярных полотен — «Абстрактный образ». Картина была создана в 1986 году, написана не кистью, а строительным скребком. Этот авангардистский шедевр на Sotheby’s был продан за 46 млн долларов.

У Рихтера много интересных работ. Но сам художник не считал их картинами, а называл декоративными произведениями. Большую популярность ему принесли картины «Красное и синее», «Медитация», «Двойной серый».

Румынская звезда Адриан Гени: как мальчик из городка в Трансильвании стал художником с миллионными заработками

Адриан Гени наделал много шума за последние годы. Свой звездный рывок он начал в 2011 году, когда в венецианском палаццо Грасси, выставочном пространстве одного из главных коллекционеров современного искусства Франсуа Пино, состоялась его большая выставка портретов исторических личностей вроде Сталина, Гитлера и нацистского преступника Йозефа Менгеле. В 2015 году Гени представлял на Венецианской биеннале в национальном павильоне Румынию. В 2016 году на аукционе Christie’s акриловая живопись Nickelodeon (2008) Адриана Гени ушла за £7 млн.

Как оказалось, в 2009-м эту работу купил владелец аукционного дома Christie’s Франсуа Пино за €60 000. То есть за последние 10 лет цены на работы румынской звезды арт-рынка взлетели в 160 раз. Сейчас уровень цен выглядит так: €750 000–1,1 млн — на большие работы, €150 000-200 000 — на рисунки. На рынке художника представляют ведущие мировые галереи: Galerie Thaddaeus Ropac, Pace Gallery, крупные Nicodim Gallery, Galeria Plan B.

Главная заслуга Гени перед современностью — он заставил обратить особое внимание на такую вроде бы перепаханную область искусства, как фигуративная живопись.

От Чаушеску до Гени

Гени родился в 1977 году в Трансильвании, маленьком городке Бая-Маре, окончил Институт искусства и дизайна в Клуж-Напоке. Там же организовал галерею Plan B в Fabrica de Pensule. Живет между Берлином и Клуж-Напоком.

Если вспомнить ключевые живописные явления последних 30–40 лет, то неминуемо всплывают герои неоэкспрессионизма, Новой лейпцигской школы, а теперь Новой румынской школы живописи во главе с Гени. Очевидно, что в случаях с Лейпцигом и Румынией это одна и та же эстафетная палочка в цветах стран Восточного блока. Поиск новой идентичности бывших стран участников Варшавского договора создает ожидаемый интерес и повышенное внимание. Но мало кто ожидал, что в Румынии это произойдет в Клуже-Напоке, чего Бухарест не может пережить до сих пор.

Читать еще:  Художник-реалист. Wim Heldens

С самого начала сюжетами Гени становятся исторические фигуры и сцены социально-политических потрясений XX века, от похорон Марселя Дюшана, офицеров СС до портретов супружеской четы Чаушеску. В этом смысле автор оправданно получил ярлык «исторического рассказчика». Сам автор говорит, что сегодня реализм не убедителен, он слишком буквален и примитивен. Гени интересует граница между фигуративом и абстракцией, а порой и чистая абстракция, к которой он приходит через разложение фигуративной формы, частенько доводя ее до кубизма начала XX века.

И цвет, и свет, и сезоны

Работы Гени можно назвать примером громкой живописи и по цвету (чистый цвет добавляет звона в этом оркестре), и по сюжету (порой не нуждающемуся в каких-либо объяснениях), и, разумеется, по размеру работ. Такая живопись сразу обращает на себя внимание, ее воздействие мгновенно, как у салюта на 9 Мая, а послевкусие терпкое и ностальгическое, как у старого кот-дю-рон. Если бельгиец Люк Тюйманс ищет цвет в градациях серого, как под слоем пыли в склепе на Пер-Лашез, то румын будто трясет радугу «Скитлс» в надежде не упустить ни один из цветов дисперсии Ньютона.

Гени виртуозно владеет материалом, демонстрирует прекрасную академическую выучку и чувство цвета. Краска превращается в скульптурный материал, из которого он буквально лепит отдельные участки картины.

Важным в творчестве Гени является постоянное обновление его живописи. Если сравнить его работы нулевых и работы последних пяти лет, то окажется очевидным, что это два безусловно талантливых, но совершенно разных автора. Это поразительная способность выдерживать жесточайшее давление рынка и продолжать свои экспериментальные практики, причем довольно успешные. Так он сохраняет постоянный интерес к своему творчеству и вписывается в логику рынка сезонных новинок (весна-лето, осень-зима).

На арт-рынке, как на боксерском ринге

Институциональное признание (выставки в музеях, биеннале, премии и прочее) является главным активом любого художника в защите или повышении цен на работы, именно поэтому себестоимость банана Каттелана равна $3, а цена — $120 000.

Выставка Гени — пример стратегии, последовательно проводимой Тадеушем Ропаком (Гени второй художник его галереи, первым был Ансельм Кифер два года назад, из тех, кто вторгся в Эрмитаж). Так его аукционные рекорды подкрепляются музейными выставками, а неспешность в производстве работ (10–12 в год) создает необходимый дефицит и лист ожидания (в 2017 году перед его выставкой в Pace Gallery список ожидания составлял 134 покупателя). Карьеру Адриана ведут так, как ведут промоутеры молодого боксера, подбирая ему удобных соперников, чтобы создать красивый рекорд побед.

Историческое алиби

В Эрмитаже показывают 12 полотен, треть из которых были специально написаны для выставки. Все работы объединяет история путеводителя по музейной экспозиции голландской живописи издательства «Искусство» 1984 года, оказавшаяся у автора в юном возрасте. Работы 2019 года сделаны настолько цветастыми и абстрактными, что превращаются в декоративные панно, создавая впечатление, что автор чересчур заигрался в эффекты и угодил одной ногой в барочность, а другой — в маньеризм. Как бы у нас сказали «залюбовался» или свалился в «салон». Собственно, это еще одно обвинение и хлесткий ярлык — «салон с историческим алиби».

Этой выставкой художник одновременно закрывает свой детский гештальт и «чекинится» в очередном музее c очередной персоналкой-благословением, создавая непробиваемый уровень поддержки для цен на свои работы. Грустной правдой является то, что сегодня цена определяет качество работы, а не наоборот, то есть это такой рыночный механизм манипулирования, который невозможно взломать и который обеспечивает устойчивую инверсию. Последние, кто на этом погорел, как раз художники волны неоэкспрессионизма. В случае с Гени такие дефолты вряд ли возможны.

Зачем смотреть Гени в Эрмитаже

Адриан Гени прославился «Сражениями на тортах» 2008 года, работа с изображением залепленных красочной массой лиц, буквально с «кашей вместо лица». Уже с этой серии автора начнут преследовать сравнениями с Бэконом, который также обезображивал лица, представляя их комками перекрученной плоти. Только Фрэнсис проживал свой крик плоти, тогда как Адриан говорит о тоталитарных ужасах XX века и с плотью обходится, как с исторической оберткой кошмарного воспоминания.

Другим камнем, который в него постоянно бросают, является его коммерциализированность. Смешное обвинение, которое предъявляется каждому художнику, выбирающему живопись в качестве основного медиума. Есть беда, к которой Гени имеет отношение опосредованное, — это его влияние на коллег по цеху. Уже сегодня по всему миру и в России есть армия подражателей, как в свое время у Нео Рауха из Лейпцигской школы. Все эти художники размазывают, смазывают, набрасывают, растирают, нашлепывают и даже говорят с румынским акцентом!

Работа Гени — мечта любого галериста, ведь в свои 43 года художник безумно дорог. Коллекционеры рыщут в поисках его ранних работ на вторичном рынке, аукционные дома включают его работы в вечерние торги, собратья по цеху люто завидуют и хейтят, а самые молодые из них очарованы художником, как юные курсистки. Руководство к действию может выглядеть так: инвестировать — поздно, подражать — глупо, восхищаться — уже легкомысленно, а на выставку идти — надо. Такое живописное чудо, пусть и местами рыночное, нужно видеть своими глазами.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector