Современный американский художник. David Tanner

Современный американский художник. David Tanner

Магия света и цвета в загадочных натюрмортах американского художника Дэвида Чейфица

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Совершенство незавершенности

Нередко в живописи многие художники используют этюдную манеру письма, которая предполагает некую недосказанность и незавершенность. А вот Дэвид Чейфиц (Cheifetz David) сумел мастерски объединить в своем творчестве и недосказанность этюдной манеры, и абстракционизм, и реализм, которые и образовали неповторимый авторский стиль живописца. Изысканное сочетание цветов, игра контрастов, реалистичность и насыщенность – все это вдыхает жизнь в работы мастера. Поэтому, увидев однажды его работы — забыть их уже, действительно, невозможно.

Есть в произведениях Дэвида, что-то и от старых голландских натюрмортов, где темный фон играет особую роль. Он невероятно контрастирует с яркостью, сочностью, свечением предметов, которые зачастую не имеют четких границ. Отсюда у зрителя создается впечатление, что весь предметный ряд окружен световой оболочкой, подобной ауре или некой дымке.

Молодой художник научился мастерски показывать неповторимость и очарование в обыденных вещах, а также чувствовать и передавать красоту старинных предметов. Он также нашел изюминку в минимализме композиций, что является высшим пилотажем в его живописи. Его реалистическая манера письма также довольно необычна: насыщенные цвета, частые контрастные сочетания, игра света и тени, тонкая деталировка и фактурность. Иногда возникает желание потрогать руками тот или иной предмет, чтобы ощутить то, что он действительно нарисован, а не реален.

Уж больно притягателен свет и цветовая гамма каждой работы мастера. Яркие блики, контрастные тени и цветные рефлексы подчеркивают мощную энергетику каждого полотна настолько, что от них просто невозможно оторвать взгляд.

Стоит особо отметить рефлексы, которые ложась не только на рядом стоящие предметы, драпировку и предметную плоскость, и даже воздушное пространство, невероятно оживляют картины и придают им особое очарование и некую таинственность.

Портреты и пейзажи Дэвида Чейфица

Помимо чудесных натюрмортов, которые прославили этого художника на весь мир, работает он и в других живописных жанрах. Он пишет портреты, городские пейзажи, фантастические сюжеты, в которых также использует свои излюбленные технические приемы.

И, как видим, живая, этюдная манера письма Дэвида Чейфица, акцентируемая на световом эффекте, его крепкий корпусный мазок, а также минимальная загруженность деталями, говорит о большом таланте молодого художника, впереди у которого большие творческие перспективы.

А незавершенность картин и вовсе создает у зрителя такое впечатление, что сейчас войдет художник с волшебной кистью и одним взмахом закончит свою работу. Разве это не волшебство?

О художнике

Дэвид Чейфиц (David Cheifetz) — родился в 1981 году на северо-западе тихоокеанского побережья Соединенных Штатов. В 2004-ом он окончил Университет Вашингтона и получил степень бакалавра изобразительных искусств и архитектуры. Несколько лет проработав архитектором, решил учиться живописи. В 2007-м поступил в школу изобразительных искусств Schuler School of Fine Arts в Балтиморе. Постигал азы живописи сразу на нескольких курсах. А мастерство совершенствовал, беря уроки у лучших художников. С 2009 года полностью окунулся в творчество, став профессиональным художником. А вскоре получил широкое признание и награды.

В сентябре 2010 года один из популярных художественных журналов отметил его как «восходящую звезду» среди художников в возрасте до 30 лет. А уже через два года о нем писали несколько крупных художественных изданий. В настоящее время художник живет и работает в Пало-Альто, штат Калифорния, со своей супругой Жасмин.

А уже на сегодняшний день David Cheifetz является известным живописцем Соединенных Штатов Америки. Ежегодно он принимает участие в различных выставках, в том числе и персональных. Его картины уходят в частные собрания коллекционеров, причем не только США. Работы художника пока оцениваются в пределах от 900 до 3500 долларов. А если учесть, что размеры его «миниатюр» колеблются в пределах 30х40 см, то это довольно неплохой старт для молодого перспективного мастера.

Художники во все времена вынуждены были искать свою нишу в искусстве, поэтому, уподобляясь изобретателям, они постоянно самосовершенствовались. В продолжение темы о поисках и находках новаторских техник, читайте в нашей публикации: Как украинский художник придумал новую технику живописи, за которую его назвали «гений современности».

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Миллиард за вождя. Кто такой Дэвид Датуна и зачем ему тело Ленина?

Мавзолею Ленина в последние дни буквально нет покоя. Не успела отгреметь история с инициативой Союза архитекторов России о проведении конкурса на лучший проект нового использования Мавзолея, как подоспело новое предложение.

Есть конкурс, нет конкурса

Напомним, на сайте Союза архитекторов России появилось сообщение: «Cтартовал приём заявок на Всероссийский конкурс на лучшую концепцию по ре-использованию Мавзолея В. И. Ленина на Красной площади. Творческое состязание получило статус специального проекта в рамках фестиваля „Зодчество“, который в этом году пройдет с 11 по 13 ноября в ВК „Гостиный двор“ под девизом „Вечность“. Дедлайн регистрации — 19 октября. Приём заявок осуществляется до 19 октября. Лучшие работы будут экспонироваться с 11 по 13 ноября в рамках XXVIII Международного архитектурного фестиваля „Зодчество“ на площадке Выставочного комплекса „Гостиный двор“, а в заключительный день события, 13 ноября, будут объявлены победители конкурса. Цель конкурса — создать банк идей по ре-использованию Мавзолея, безусловного шедевра архитектуры ХХ века. Участникам конкурса предлагается разработать фор-эскиз проекта ре-использования Мавзолея В. И. Ленина на Красной площади в Москве в качестве музея, посвященного его проектированию и строительству, а также организовать маршрут, связующий здание на улице Воздвиженка с Мавзолеем на Красной площади. Другие идеи ре-использования Мавзолея не только допускаются, но и приветствуются».

Президент Союза архитекторов России Николай Шумаков в беседе с ТАСС заявлял: «Мы, Союз архитекторов, являемся творческой организацией, мы не занимаемся политикой и не занимаемся тем более экстремизмом. Объявили мы конкурс творческий — на использование Мавзолея в будущем, вернее даже — создание банка творческих идей, концептуальных идей, как можно будет использовать Мавзолей, допустим, через 50 лет. Для того чтобы избежать всяческих трактований типа „снести Мавзолей, раз вынуто оттуда тело Ленина“, мы делаем упреждающий шаг, чтобы показать населению России, что Мавзолей можно использовать, не надо двери заколачивать и не надо тем более его сносить».

Однако после того, как конкурс оказался в центре общественного обсуждения, Союз архитекторов объявил о его отмене.

«Заменить Ленина нельзя, поэтому я предлагаю его купить»

Вслед за этим американский художник Дэвид Датуна объявил о желании. выкупить у России тело Ленина. Вождя Датуна хочет разместить в копии Мавзолея, которую он собирается построить в Вашингтоне.

«Россия — уже давно империя со своим императором. Америка же движется в сторону коммунизма и социалистических идей. Сегодня атрибуты в виде Мавзолея и Ленина больше нужны США, чем России. Построить второй мавзолей несложно, а вот заменить Ленина нельзя, поэтому я предлагаю его купить и готов собрать на это любые деньги. Ленин и его Мавзолей являются наиболее яркими символами перемен, запрос на которые в 2020 году в США особенно высок и все чаще обсуждается в преддверии выборов президента», — объявил художник.

В качестве стартового предложения Датуна объявил 1 млн долларов, но заявил, что, если потребуется, готов увеличить предложение до 1 млрд долларов.

Член ЦК КПРФ, депутат Госдумы Александр Ющенко в беседе с РИА Новости так отреагировал на идею Датуны: «Наверное, американский художник не совсем знаком с законодательством нашим. Захоронение Ленина на Красной площади — это решение съезда высшего органа, поэтому такого рода предложения даже не могут быть обсуждаемы. Поэтому я предложу этому художнику изваять, создать, используя свое художественное видение, серию памятников и установить их на центральных площадях американских городов».

Лидер КПРФ Геннадий Зюганов заявил РБК: «Могу сказать, чтобы они берегли свои ценности. А мы свои охраняли, берегли и будем беречь. Они для нас — святыни. А у них сейчас у самих ломают памятники, и даже Колумбу голову снесли, что является варварством».

Читать еще:  Турецкий художник, реставратор и арт-терапевт. Soner Goksay

«Я не художник. Я — криэйтор»

Большинство комментаторов, очевидно, не потрудились прояснить главный вопрос — а кто, собственно, такой Дэвид Датуна?

46-летний уроженец Тбилиси перебрался в Соединенные Штаты в конце 1990-х. Освоившись в новой стране, Датуна нашел свою «золотую жилу» — так называемое современное искусство.

Сам о себе Датуна говорит: «Я не художник. Я — криэйтор». Известность ему принесли инсталляции, которые он собирал из линз.

Датуна собирал из множества линз флаги различных стран. Прославили грузина проекты «США — глазами миллионов» и «Канада — глазами миллионов».

В 2011 году в Москве Датуна представил цикл «Putin Couture» — четыре настенные инсталляции с изображениями Путина, а также флага России, отображающих главные события в стране после развала Советского Союза.

При этом портрет Путина художник собрал из маленьких изображений Джоконды, заключенных в линзы. «Мы до сих пор не знаем, кто такая Мона Лиза — хорошая она или плохая, мужчина или женщина. Также мы не знаем точно, who is Mr Putin», — пояснял проект Датуна.

Как Датуна сожрал банан за 120 000 долларов

Согласно данным СМИ, проект «Путин — Мона Лиза» был продан за 269 000 долларов. Сам грузин уверял, что приобрел его лично Владимир Владимирович. Годом позже в таком же стиле был создан проект «Наталья Водянова — любовь миллионов», который продали за 600 000 евро.

В декабре 2019 года Датуна напомнил о себе тем, что в буквальном смысле съел инсталляцию другого художника. На ярмарке современного искусства «Арт-Базель» в Майами-Бич была представлена работа итальянца Маурицио Каттелана под названием «Комедиант».

Представляла она из себя банан, прикрепленный к стене скотчем. Несмотря на простоту «шедевра», коллекционер из Франции согласился заплатить за «Комедианта» 120 000 долларов.

Появившийся на выставке Датуна схватил со стены банан и съел его. Растерянной публике он пояснил, что они только что могли видеть перформанс «Голодный художник».

Грузина выставили вон, а съеденный банан заменили новым, заметив, что дело не в нем, а в замысле.

Американский грузин Давид Датуна — самый дорогой, продаваемый и современный художник

ТБИЛИСИ, 13 сентября – Новости-Грузия. Что произойдет, если история заговорит языком современных технологий? Именно такими экспериментами прославился грузинский художник Дэвид Датуна — сначала в Америке, где он живет в последние двадцать лет, а потом и во всем мире.

Сейчас Датуна входит в число самых продаваемых и дорогих авторов современной арт-сцены благодаря своим работам, выполненным в уникальной технике.

С помощью современных технологий, усердия и блестящей идеи он доказал, что несмотря на этническую и культурную фрагментацию, весь мир связан цепью из выдающихся личностей и поступков.

В рамках специального арт-проекта Google Датуна первым в мире использовал в искусстве смарт-очки Google Glass в инсталляции «Портрет Америки», которую выставили в Национальной портретной галерее в Вашингтоне.

«Портрет Америки» — это огромный флаг США, созданный из более чем 2000 оптических линз. Благодаря Google Glass, инсталяция вдруг оживает и проецирует изображения, видео и события, связанные с важными моментами в американской культуре. Здесь можно разглядеть около 400 культовых личностей, которые создали Америку такой, какой мы знаем ее сегодня.

«Портрет Америки» задумывался как часть цикла из десяти работ под названием Viewpoint of Billions («С точки зрения миллиардов»).

Склеивая кусочки истории, художник пошел дальше — всего за несколько лет он создал более 500 флагов почти 80 стран, у каждого из которых своя философско-историческая концепция.

Среди сотен работ Дэвида Датуны есть и флаг Грузии. Картина под названием «Грузия — надежды миллионов» в 2013 году была подарена художником грузинскому народу в лице президента Георгия Маргвелашвили.

Прославила Датуну, однако, его первая выставка, посвященная президенту России Владимиру Путину. В 2011 году Датуна в Москве представил смелый цикл «Putin Couture» — четыре настенные инсталляции с изображениями Путина, который тогда занимал пост премьер-министра, а также флага России, отображающих главные события в стране после развала СССР.

Самым эффектным был портрет Путина, собранный из маленьких изображений Джоконды и заключенный в одеяние из линз.

«Мы до сих пор не знаем, кто такая Мона Лиза — хорошая она или плохая, мужчина или женщина. Так же мы не знаем точно, who is Mr Putin», — пояснил тогда свой замысел художник.

По слухам, портрет приобрел сам мистер Путин. Видимо, работа художника действительно понравилась российскому лидеру — уже через год выставка Датуны прошла на Красной площади.

Представленный тогда проект «Глаза в глаза: Путин, Николай II» в Кремле не оценили — выставка, призванная объяснить как два императора довели Россию до краха, была закрыта со скандалом.

Для Дэвида Датуны это послужило толчком для новых творческих замыслов и проектов.

Вскоре из крошечных изображений шестнадцатого президента США Авраама Линкольна, отменившего рабство, художник создал портрет Барака Обамы. Позже был портрет Стива Джобса, составленный из маленьких портретов Айн Рэнд — одного из самых значимых философов XX века, автора книги «Атлант расправил плечи», называемой библией капитализма. Еще одна популярная работа Датуны — шуточный коллаж Мэрилин Монро, который он собрал из маленьких портретов современной порнозвезды Саши Грей.

Сарказм с обилием оптических линз пользуется огромным спросом и продается за астрономические суммы.

По данным СМИ, работа «Путин — Мона Лиза» в 2011 году была продана за 269 000 долларов, инсталляция «Стив Джобс» — за 210 000 долларов, а работа «Водянова-Любовь миллионов» — за 600 000 евро.

В 2012 году художник совместно с американской «Global Art Group» создал мобильное приложение «Viewpoints» для ITunes, которое позволяет пользователям создавать произведения искусства в стиле «Датуны».

Сейчас художник работает над проектом своей мечты — впервые в истории человечества он планирует запустить в космос арт-спутник.

Собрав команду из ветеранов NASA, Датуна руководит созданием технологии Free Space. Уже совсем скоро каждый пользователь интернета сможет загрузить на космический спутник и сохранить для потомков свои работы — картину, фотографию или музыку.

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

Читать еще:  Филиппинский художник и иллюстратор. Tokwa Penaflorida

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Читать еще:  То, что я вижу. Hannah Ostapjuk

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Дэвид Хэммонс — David Hammons

Дэвид Хэммонс (родился 24 июля 1943 года) — американский художник, особенно известный своими работами в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе и его окрестностях в 1970-х и 1980-х годах.

Содержание

Ранние годы

Дэвид Хэммонс родился в 1943 году в Спрингфилде, штат Иллинойс , был самым младшим из десяти детей матери-одиночки. В 1962 году он переехал в Лос-Анджелес, где он начал посещать художественный институт Chouinard (ныне CalArts ) с 1966 по 1968 год и художественный институт Отиса с 1968 по 1972 год. Там на него повлияли такие художники, как Чарльз Уайт, Брюс Науман , Джон Балдессари , и Крис Бёрден , все из которых вскоре станут всемирно известными, но также были частью новаторской группы афроамериканских художников и джазовых музыкантов в Лос-Анджелесе, имевшей влияние за пределами этого района. В 1974 году Хэммонс поселился в Нью-Йорке, где постепенно стал известен в стране. Он до сих пор живет и работает в Нью-Йорке.

Художественная практика

Хаммонс стал известным художником своими отпечатками тела. Хаммонс начал эту художественную практику в 1960-х годах, и эти гравюры стали началом карьеры Хаммонса и одним из первых произведений искусства, которые он создал. Это уникальное искусство было создано путем смазывания собственного тела Хаммонса; Затем он нажимал на бумагу и добавлял графит или другой материал, чтобы подчеркнуть основной отпечаток. Большая часть Отпечатков Тела Хэммонса совпадает с его работой по выявлению радикальных представлений. Отпечатки сделаны из черного жира, а есть отпечатки с традиционной африканской маской для лица. Эти оттиски тела обычно не имеют названия, но некоторые из них находятся в Музее современного искусства в Нью-Йорке и Музее современного искусства в Лос-Анджелесе.

Большая часть его работы отражает его приверженность движению за гражданские права и власть черных . Хорошим примером является ранняя лопатка с цепями (1973), где художник использует провокационный, уничижительный термин в сочетании с буквальным садовым инструментом , чтобы визуально сыграть игру слов между лезвием лопаты и африканской маской, и современное заявление о проблемах рабства и сопротивления. Это было частью более крупной серии работ 1970-х годов «Spade», включая Bird (1973), где Чарли Паркера вызывает в памяти лопата, выходящая из саксофона, и Spade , гравюра 1974 года, на которой художник прижался лицом к форме. оставляя карикатурный отпечаток негроидных черт. У него также есть картина «Первый черный, вторая Америка», написанная в 1970 году. Это два изображения, на которых он сам завернут в американский флаг. Это его черное «я» и его американское «я». Ему кажется, что эти две идентичности разделены и принципиально расходятся. Они постоянно борются друг с другом и не могут быть объединены.

В 1980 году Хэммонс принял участие в Colab «s новаторская The Times Square Show , который выступал в качестве форума для обмена идеями для младшего набора альтернативных художников в Нью — Йорке. Его инсталляция была сделана из блестящих разбросанных осколков стекла (от разбитых бутылок с вином Night Train).

Другие работы изображают ассоциацию баскетбола и молодых чернокожих мужчин, например рисунки, сделанные путем многократных прыжков грязного баскетбольного мяча по огромным листам чистой белой бумаги, разложенным на полу; серия огромных баскетбольных колец, тщательно украшенных крышками от бутылок, напоминающих исламскую мозаику и дизайн; и « Higher Goals» (1986), где обычное баскетбольное кольцо, сетка и щит установлены на трехэтажном шесте, комментируя почти невозможное стремление к спортивной славе как к выходу из гетто. Известно, что Хаммонс говорит: «Чтобы играть в команде, нужно пять человек, но есть тысячи желающих играть — не все смогут, но даже если они этого не сделают, они хотя бы попытались». Более высокие цели был на виду в CADMAN Plaza Park в Нью — Йорке 1986-1987.

Благодаря своей разнообразной работе и разнообразным материалам, а также частой смене направления, Хаммонсу удалось избежать одного фирменного визуального стиля. Большая часть его работ ссылается и разделяет озабоченность минимализмом и пост-минималистским искусством, но с добавлением ссылок Дюшана на место черных в американском обществе. Работа Хэммонса состоит не только из намеков, но и из метафор . Эти метафоры превращаются в символы, которые имеют важное значение как в мире искусства, так и в глазах общественности. Дэвид Хэммонс продолжает предлагать важную интерпретацию истории афроамериканского искусства в жизни цветного человека через эти символы.

О работах Джеймса Таррелла о восприятии света Хэммонс сказал: «Я хотел бы заниматься таким искусством, но мы слишком угнетены, чтобы я там баловался . Я бы с удовольствием это сделал, потому что это тоже может быть очень черным. Вы знаете, как черный художник, имеющий дело только со светом. Они говорили: «Как, черт возьми, он мог справиться с этим, исходя из того, откуда он это сделал?» Я хочу добраться до этого, я пытаюсь чтобы добраться до этого, но я еще недостаточно свободен. Я все еще чувствую, что должен передать свое сообщение ».

Наряду с его акцентом на культурный подтекст, в работе Хэммонса также обсуждаются понятия общественных и частных пространств, а также то, что составляет ценный товар. Иллюстрацию этих концепций можно увидеть в Bliz-aard Ball Sale (1983), перформансе, в котором Хэммонс помещает себя рядом с уличными торговцами в центре Манхэттена , чтобы продавать снежки, цена которых зависит от их размера. Этот акт служит и пародией на товарный обмен, и комментарием к капиталистической природе искусства, поощряемому художественными галереями. Кроме того, в нем сатирически превозносится « белизна », высмеивается поверхностная роскошь расовой классификации, а также критикуются суровые социальные реалии уличной торговли, с которыми сталкиваются те, кто подвергался дискриминации по признаку расы или класса.

Также заслуживает внимания использование художником выброшенных или жалких материалов, включая, помимо прочего, слоновий навоз, куриные части, пряди афроамериканских волос и бутылки дешевого вина. Многие критики видят в этих объектах воспоминания об отчаянии бедняков, чернокожего городского сословия, но, как сообщается, Хэммонс видел в этих материалах некую священную или ритуальную силу, поэтому он так широко их использовал. Эти выброшенные объекты стали одними из самых известных скульптур Дэвида Хэммона, которые представляют жизнь афроамериканца, живущего в Соединенных Штатах. Один отброшенный материал превратился в символ того, что значит быть молодым, черным и мужчиной. «В капюшоне» была написана в 1993 году и показана в галерее «Мнучин» в Нью-Йорке. Эта простая скульптура представляет собой отрезанный кусок ткани, прибитый к стене с помощью проволоки, продетой через подкладку, чтобы открыть капюшон. Это может быть просто, но это настолько эффективно и согласуется с тем, сколько работы Хэммонса сделано.

В «Окно: Арендованная Земля: Дэвид Хэммонс», ранней персональной выставке в Новом музее , Хэммонс затронул диаметрально противоположные отношения между духовностью и технологиями, сопоставив маску африканского племени с современным изобретением — детским игрушечным телевизором. .

Хэммонс исследовал видео среды, сотрудничая с художником Алексом Harsley на ряде видео работ, в том числе Phat Free (первоначально под названием сдохнет ), который был включен в Биеннале Уитни и в других местах. Хэммонс и Харсли также сотрудничали в создании инсталляций в фотогалерее на 4-й улице в Нью-Йорке, известной выставке художников Ист-Виллидж и пространстве проектов.

Дэвид Хэммонс считался весьма отличным от других молодых афроамериканских художников своего времени; его считали «пост-черным — авангардным летописцем, его работы намекали на то, что атрузим всех нас, только что просыпающихся».

Коллекции и награды

Хэммонс получил стипендию MacArthur Fellowship (широко известную как «Грант гения») в июле 1991 года.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector