Современный американский художник. William Dunn

Современный американский художник. William Dunn

Современный американский художник. William Dunn

Художник William Whitaker

William Whitaker

Современный американский художник William Whitaker родился в 1943 году. В настоящее время он является ярчайшим представителем реалистического направления живописи в современном американском искусстве.

William Whitaker родился в семье художника и с самого раннего детства был окружен миром изобразительного искусства, что сказалось на его художественном даровании, которое проявилось уже в возрасте 6 лет, к большой радости его отца, который тут же создал сыну все условия для развития его живописного таланта, обучив технике рисования маслом и акварелью.

А по достижению 17 лет, William Whitaker поступил в Университет штата Юта, на факультет изобразительного искусства , где его преподавателем живописи был известный художник портретист Alvin Gittins.

В процессе творческих поисков и экспериментов с различными стилями рисования William Whitaker остановился на том, чтобы было ближе его творческому духу — традиционному реалистическому направлению.

С 1965 года William Whitaker полностью посвящает себя профессии художника, много выставляется и постоянно работает над совершенствование своего мастерства. В данное время William Whitaker является еще и преподавателем живописи, ему присвоено звание профессора, он так же проводит семинары и мастер классы в различных университетах.


The Letter, oil on panel

Hollyhocks, oil on canvas

Santa Fe Garden Corner, oil on panel

Path to Cascade Springs, oil on panel

Petunias, oil on panel

Green Park, oil on panel

White Roses and Three Apricots, oil on canvas

Уильям Т. Уильямс — William T. Williams

Уильям Т. Уильямс (родился 17 июля 1942 года в Кросс-Крик, Северная Каролина , США) — американский художник. Он является профессором искусства в Бруклинском колледже , Городской университет Нью — Йорка , чей факультет он вступил в 1971 году.

Уильямс является лауреатом множества наград, в том числе стипендии Джона Саймона Гуггенхайма , двух премий Национального фонда искусств и премии Фонда Джоан Митчелл . Он также является лауреатом премии «Художник- студия-музей Гарлема » в 1992 году и получил премию Джеймса Ван Ди Зи от мастерской Brandywine за жизненные достижения в искусстве в 2005 году.

Он выставлялся в более чем 100 музеях и художественных центрах США, Франции, Германии, России, Венесуэлы, Нигерии, Кот-д’Ивуара, Китайской Народной Республики и Японии.

Содержание

Раннее детство

Уильямс — нью-йоркский художник, корни которого выходят на юг Америки. Он провел свое раннее детство в Спринг-Лейк, Северная Каролина .

Нью-Йорк: конец 1950-х.

После переезда семьи на Север его художественный талант был признан главой местного общественного центра, который предоставил ему комнату для студии. Он учился в Школе промышленного искусства на Манхэттене (ныне Высшая школа искусства и дизайна ), многие занятия которой проводились в Музее современного искусства и Музее искусств Метрополитен . В 1962 году Уильямс поступил в Институт Пратта, чтобы изучать живопись. На первом курсе он выиграл летнюю стипендию в Школе искусств Скоухеган и получил грант на поездку от Национального фонда искусств .

Студенческие годы

Он получил степень бакалавра изящных искусств в Институте Пратта в 1966 году и учился в Школе искусств Скоухеган . В 1968 году он получил степень магистра изящных искусств (MFA) в Школе искусства и архитектуры Йельского университета .

Уильямс быстро привлек внимание мейнстрима мира искусства. Музей современного искусства приобрел свою композицию «Элберт Джексон LAMF, часть II» в 1969 году, и к 1970 году его работа была быть выставлена на Fondation Maeght на юге Франции.

Художественная школа

После формального образования в Институте Пратта и Йельском университете в 1960-х годах по программе изобразительного искусства, он исследовал физические границы, которые редко встречаются в исследованиях в науке о цвете, и установил для себя стандарт достижения в своей работе неотъемлемой полноты. досягаемость других художников.

Конец 1960-х

В 1969 году он участвовал в выставке «Черный художник в Америке: симпозиум» , проходившей в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Он также принял участие в многочисленных выставках, в том числе в Музее-студии на открытии Гарлемского шоу, « Икс к четвертой силе» и « Новые приобретения» в Музее современного искусства. В 1970 году Уильямс был заказан Еврейским музеем (Нью-Йорк) и коллекцией Менил в Хьюстоне, штат Техас.

Основание художника по месту жительства в музее-студии

«Попечители Музея-студии в Гарлеме прочитали мое предложение, взяли у меня интервью и наняли меня, чтобы я начал программу» Artist-in-Residence «. Эта программа началась на первом месте музея над винным магазином на Пятой авеню (2033 Fifth). Авеню). Это был чердак, закрывающаяся фабрика, в которой было много швейных машин. Мэл Эдвардс и я физически убрали это пространство для программы «Художник по месту жительства». Это было началом. Я хотел создать контекст, а именно программу «Художник по месту жительства», через которую деньги можно было бы направлять художникам, что позволило бы им обдумать те проблемы и вопросы, которые возникают в программе для выпускников ». Киншаса Конвилл , бывший директор музея, говорит, что программа «стала критически важной для самобытности музея и его вклада в большую арену искусства».

Инсталляция Риз Пэлли

Первая персональная выставка Уильямса в галерее Риз Пэлли в Нью-Йорке в 1971 году привела к продаже каждой картины. В том же году Музей американского искусства Уитни дважды выставлял его работы; коллекционеры, такие как AT&T и General Mills, купили его искусство; и его работы были представлены в журналах Life и Time . Валери Дж. Мерсер

1970-е: новое вдохновение

Уильямс вернулся домой на пыльные грунтовые дороги Северной Каролины, чтобы вдохнуть новую палитру, рожденную блеском и сиянием слюды, фальшивого золота и лисьего огня из пульсирующего покрова земли. Рельеф Уильямса из живописи цветного поля был отмечен в новых работах, завершенных между 1971–77, такими как «Равноденствие» и «Бабье лето». В 1975 году Уильям также принял участие в программе обучения художников в университете Фиск в Нэшвилле, штат Теннесси.

ФЕСТАК Фестиваль

В 1977 году Уильямс участвовал во втором Всемирном фестивале афроамериканского искусства и африканской культуры в Лагосе , Нигерия (FESTAC). Этот фестиваль собрал более 17 000 художников африканского происхождения из 59 стран. Это было крупнейшее культурное событие, когда-либо проводившееся на африканском континенте.

1980-е годы

Ранние выставки

В 1982 году Уильямс был включен в список последних приобретений коллекции Шомбурга в Шомбургском центре в Нью-Йорке. В 1984 году Уильям принял участие в шоу под названием « С эпохи Гарлемского Возрождения» , которое посетило Университет Мэриленда , Университет Бакнелла и Государственный университет Нью-Йорка в Олд-Вестбери . Он также побывал в Институте искусств Мансона-Уильямса-Проктора в Ютике, Нью-Йорк, и в Художественном музее Крайслера в Норфолке, Вирджиния.

1987: выставка в Смитсоновском институте

В 1987 году Уильям получил стипендию Джона Саймона Гуггенхайма . Он также был участником шоу The Art of Black America in Japan, которое проходило в Токио, Япония . Уильям также принял участие в выставке Contemporary Visual Expressions в Музее Анакостии / Смитсоновском институте в Вашингтоне, округ Колумбия.

Эспириту и Материа

William’s отправился в Венесуэлу с художником Джеком Уиттеном и скульпторами Мэлом Эдвардсом и Тайроном Митчеллом на открытие их выставки Espiritu & Materia в Музее визуальных искусств Алехандро Отеро.

1990-е годы

1992: Музей-студия в Гарлеме Премия художника

В 1992 году Уильямс был удостоен награды «Художник- студия в Гарлеме » за достижения на протяжении всей жизни и его роль в создании программы постоянного проживания художника для музея.

Работа с Бобом Блэкберном

Боб Блэкберн впервые пригласил Уильямса сделать отпечаток в Printmaking Workshop в 1975 году. В течение следующих 22 лет Уильямс сотрудничал с Blackburn, чтобы выпустить 19 изданий и ряд уникальных проектов печати. Его последний проект в Printmaking Workshop был в 1997 году, когда он выпустил ряд монопринтов, подписанных меценатом майором Томасом.

2000: Чтобы сохранить наследие

В 2000 году Уильямс принял участие в обширном передвижном шоу под названием « Сохранить наследие: американское искусство колледжей и университетов, в которых исторически чернокожие люди» . Выставка организована Addison Галерея американского искусства в Академии Филлипса в Андовер, штат Массачусетс и Музей — студия в Гарлеме в Нью — Йорке , посетили восемь крупных музеев , включая Corcoran галерея искусств , в Художественном институте Чикаго , Фиск университет , Университет Дьюка и Художественные музеи университетов Хэмптона .

Читать еще:  Французский художник. Paul Vergier

Джаз в Линкольн-центре

В 1994 году Уильямс участвовал в программе » Джаз в Линкольн-центре» под названием «Swing Landscapes: Jazz Visualized». Цель программы Jazz Talk заключалась в том, чтобы исследовать, что именно в джазе делает его цвета, ритмы и характеры такими привлекательными для глаза художника. Уильямс и автор Альфред Аппель-младший обсудили влияние джаза на современное искусство . Эта программа была частью общегородского празднования в Нью-Йорке в честь художника Ромара Бирдена .

Текущие события

Получает награду за жизненные достижения

В 2005 году Уильямс был приглашен для создания гравюры в Brandywine Workshop в связи с получением премии Джеймса Ван Дер Зи за заслуги перед жизнью. С июля по конец августа он совершил пять поездок в Филадельфию, оставаясь там по несколько дней. В результате этих поездок было выпущено четыре издания и ряд уникальных раскрашенных вручную гравюр. Мастерская Brandywine, расположенная в Филадельфии, была основана в 1972 году для поощрения интереса и талантов к гравюрам, одновременно культивирования культурного разнообразия в искусстве.

Печать в Lafayette College

В 2006 году Уильямс был приглашенным ученым и художником в Институте экспериментальной гравюры (EPI) колледжа Лафайет , который включал лекцию Уильямса о его работе, спонсируемую Фондом серии посещенных лекций Дэвида Л. Старшего и Хелен Дж. Темпл. В этом году работы Уильямса также были показаны в Студии-музее в Гарлеме « Энергия и эксперименты: черные художники и абстракция 1964-1980».

2006: получает награду губернаторов Северной Каролины

В 2006 году Уильям Т. Уильямс получил Премию губернатора Северной Каролины в области изящных искусств от губернатора Майка Изли .

Что объединяет велосипедисток, павлинов и декаданс: Как художник Уильям Брэдли создал американский модерн

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Брэдли родился в штате Массачусетс в 1868 году. Свою художественную карьеру Уильям начал рано, в двенадцатилетнем возрасте. После смерти отца, переехав с матерью в Мичиган, он был вынужден искать себе подработку, и оказался в качестве подмастерья в издательстве еженедельной газеты. В семнадцать лет он решил играть по-крупному – и отправился в Чикаго. Там очень юный, но уже вполне опытный художник занимался гравюрой и типографией, а затем начал работать как внештатный графический дизайнер с несколькими издательствами.

Неизвестно, почему Брэдли вернулся в Массачусетс, однако именно там он предпринял попытку создать собственное дело и собственное периодическое издание, известное как Breadly: His book.

В качестве независимого издателя Брэдли выступал в роли иллюстратора, редактора, типографа, дизайнера и менеджера. Он собирал поэтические произведения по своему вкусу, искал интересные прозаические отрывки, дополнял их своими набросками и готовыми работами.

В современном понимании это было чем-то между зина (независимого журнала, создаваемого не столько по законам проектирования периодических изданий, сколько в зависимости от личных предпочтений и идей авторов) и артбука. В любом случае, проект Уильяма Брэдли нашел отклик в кругах ценителей, и он достиг определенного финансового статуса, но…

…но, как известно, многозадачность быстро расшатывает здоровье и психику. В свои двадцать восемь художник чувствовал себя все хуже и хуже. Он начал терять сознание прямо на работе. Уильям рассудил, что никакой успех и независимость не должны стоить ему здоровья, и продал свое предприятие. К тому же работа над Breadly: His book принесла Уильяму известность в кругах ценителей высокохудожественной графики.

Его называли самым непредсказуемым, необычным и талантливым американским коммерческим иллюстратором. Он создавал иллюстрации для детских книг, приложил руку к кинематографическим декорациям. Его дебют на «большой сцене» — в крупном издании – произвел фурор и обозначил появление нового стиля в графическом дизайне и рекламе США. Издатели начинают буквально охотиться за ним. В 1894 году Брэдли получает два ключевых для его карьеры заказа: обложки к «Inland Printer» и семь афиш для «Chap book».

Работы Брэдли, чье имя практически не известно в России, искусствоведы ставят в один ряд с афишами и плакатами самого Анри де Тулуз-Лотрека, но сравнивают чаще всего с Обри Бердслеем.

Кроме того, Брэдли продолжал традиции младших прерафаэлитов, Движения искусств и ремесел — тщательно выписывал буквы, стремился к лаконизму и изяществу форм, использовал отсылки к образам средневековья.

Творчество Брэдли относят к американскому ар нуво, а его самого – первым американским художником, работающим в этом стиле. Так же, как и многие художники модерна, он черпал вдохновене в японской ксилографии – это заметно, например, в его обложках для журнала «The Chap book», где локальные цвета и плавно изогнутые линии выдают источники вдохновения художника. Немало на него повлияла и Всемирная выставка в Чикаго, где художник увидел работы многих своих коллег.

Брэдли старался не «разбрасываться» колоритом, используя не более трех цветов и делая ставку на декоративность. Он мастерски владел линией, создавал сложные орнаменты. Особенно это заметно в изображениях павлинов, нарисованных Брэдли для обложек и рекламных плакатов.

В конце XIX века образ павлина был невероятно популярен. Ему, символу бессмертия, а вовсе не гордыни, отдали должное и Тиффани, и Уистлер, и Бердслей, да и обожаемое художниками тех лет японское искусство не обошло павлинов стороной.

Еще одним, что называется, трендом в графическом дизайне тех лет были… велосипеды. В 1980-х годах Европу и США захлестнуло повальное увлечение ездой на велосипеде. Феминистка Сьюзент Энтони объявила велосипед средством женской эмансипации – во всяком случае, именно велосипеды стали поводом для появления рациональных, лаконичных фасонов женской одежды. Брэдли выразил свое восхищение храбрыми велосипедистками, создав один из самых своих известных плакатов, в котором заметно влияние представительницы «прямолинейного модерна» Маргарет Макдональд.

Впрочем, к теме велосипедов он возвращался не раз и создавал достаточно жесткие, графичные работы, в которых можно заметить нечто футуристическое.

Стиль модерн, как известно, просуществовал недолго, но карьера Брэдли не шла на спад. С 1907 по 1910 год он проработал главным художником в «Collier’s Weekly» — самом успешном американском еженедельнике тех лет, публиковавшем серьезные политические материалы. Под началом Брэдли трудились Эдвард Пенфилд и Эдмунд Дюлак, впоследствии ставшие известными художниками-иллюстраторами.

Впоследствии Брэдли, не прекращающий сотрудничать с многочисленными журналами, открыл для себя новые горизонты. Он начал писать рассказы, выступал с лекциями, вернулся к разработке шрифтов. Ему довелось побывать и арт-директором нескольких фильмов.
О личной жизни художника известно немного. Он был на двадцать лет старше своей супруги Алисы, однако смерть унесла ее гораздо раньше, и последние годы жил то с дочерью, то в доме престарелых.

Однако творить он не прекращал ни на секунду. После смерти жены Брэдли выпустил книгу мемуаров – кстати, не первую, но на сей раз богато иллюстрированную. К сожалению, она была издана всего лишь в объеме шестисот пятидесяти экземпляров – теперь они являются предметом поклонения библиофилов. Уильям Брэдли скончался в возрасте девяноста четырех лет, на полвека пережив созданный им стиль.

Текст: Софья Егорова.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн. Назван самый дорогой художник из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $ 90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Дэвид Хокни. Фото: Reuters

Аукционный дом оценивал картину в $ 80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $ 28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Читать еще:  Скульптуры для Мексиканского института ревматологии. Eduardo Urbano Merino

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $ 58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году, после того как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал любовником и музой художника. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $ 18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потом продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960−1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 году прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал на своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $ 8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Читать еще:  Яркие картины. Байрам Саламов

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $ 28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Уильям Бредли. Жизнь и творчество.

Биография и знаковые работы Бредли.

Обложка для книги «Когда трубят сердца»

Уильям Бредли

Американский модерн

Самое знаменитое имя, связанное с американским модерном, это, несомненно, Тиффани, и даже сам стиль иногда называют «тиффани». Но это не единственное имя в американском искусстве. В 1893 году издательство «Harper’s» решило напечатать рекламный плакат для своего журнала, причем качество изображения оказалось настолько высоко, что никто не ожидал такого уровня от плакатной продукции. Тогда чикагские издатели Стоун и Кимбол, подстегиваемые успехом своих конкурентов Скрибнеров, заказывают Уильяму Брэдли серию плакатов для рекламы журнала «The Chap book». Первым и, наверное, самым известным из серии стал плакат Близнецы 1894 года, выполненный в стиле модерн. Обложка журнала «The Chap book», сделанная Брэдли (1894), отражает дух американского праздника День благодарения. Близнецы Брэдли являются воплощением радости этого праздника. Несколько локальных цветов и смелые изогнутые линии выдают влияние японской гравюры, которое в Америке было столь же сильно, как и в Европе.

Журнал «The Chap book» выходил в течение пяти лет, начиная с 1894 года, и прекрасно рекламировал книги издательства «Stone and Kimball». В журнале публиковались стихи и проза Генри Джеймса (1843–1916), Уильяма Батлера Йейтса (1865–1939) и Томаса Харди (1840–1928), а также помещались работы Обри Бёрдсли (1872–1898) и карикатуриста Макса Бирбома (1872–1956).

Обложка журнала «Chap book»

Павлины в искусстве

Другие издатели тоже заказывали Брэдли рекламные плакаты, и среди них — влиятельный издательский дом «Charles Scribner’s Sons», находившийся в Нью-Йорке. Авторами издательского дома были Фрэнсис Скотт Фицджеральд (1896–1940) и Эрнст Хемингуэй (1899–1961). В 1895 году в издательстве вышла книга «The Modern Poster» («Современный плакат»), и Брэдли получил заказ на рекламный плакат. На плакате изображен павлин с огромным хвостом, занимающим большую часть плоскости. Колорит работы строится на сочетании нескольких цветов, а изысканные изогнутые линии создают линеарный узор, придающий плакату декоративность.

Павлин. Мастерская Тиффани.

В конце XIX века изображения павлинов (павлин в христианстве символизирует бессмертие души) появляются во многих художественных произведениях. Так англо-американский художник Джеймс Макнил Уистлер (1833–1903) в 1876 году написал павлинов на стенах столовой в лондонском доме судового магната Фредерика Лейланда (1831–1892). Роспись получила название «Павлинья комната». Эта работа Уистлера вызвала много толков и откликов в прессе, с которыми наверняка был знаком Уильям Брэдли. Вероятно, Уистлер оказал на него определенное влияние, гак как Брэдли, как и Уистлер, испытывал большой интерес к японскому искусству, для которого изображение павлинов было традиционно. Второй пример «павлиньей» темы являет нам творчество Тиффани, который нередко изображал этих птиц, например, Витраже с павлином. Возвращаясь к Брэдли, стоит упомянуть, что вскоре после появления постера Современный плакат он стал работать над созданием своего собственного журнала «Bradley: His Book». По содержанию журнал был похож на «The Chap book», и работа над этим проектом продолжалась до 1898 года.

Велосипедное помешательство

Удивительным явлением 1890-х годов как в Европе, так и в Америке стало так называемое «велосипедное помешательство» (bicycle craze). Особенно полюбили велосипед современные эмансипированные женщины. Сьюзен Энтони, знаменитая американская феминистка и борец за права женщин заявила, что именно велосипед более, чем что-либо другое, способствует женской эмансипации. Стремление ездить на велосипеде привело к тому, что появилась рациональная женская одежда, без пышных юбок. Именно этой проблеме посвящен рекламный плакат Брэдли (1896). Восхищая зрительниц образом женщины-велосипедистки, он имел цель воздействовать на потенциальных покупательниц.

Брэдли снова использует несколько цветов, простые графические линии и характерный для модерна стилизованный цветочный мотив. Графические приемы художника напоминают прямоугольные формы, характерные как для работ Маргарет Макдональд Макинтош, так и для художников Венских мастерских — Мозера и Йозефа Хофмана (1870–1956). Плакат Брэдли, рекламирующий велосипед, появился в альманахе Жюля Шере «Les Maitres de l’Affiche», его также отпечатали на памятной американской марке. Другие работы Брэдли, рекламировавшие велосипеды, были тоже исполнены в стиле модерн и напоминали о творчестве его французских и бельгийских коллег. Однако в первом плакате, о котором шла речь, просматриваются некоторые черты, предвещающие появление модернизма.

Плакат для Viktor Bicycles

Всемирная выставка в Чикаго

Триумфом Брэдли оказалось оформление книги Тома Холла (1862–1900) «Когда трубят сердца» (1894), вышедшей в издательстве «Stone and Kimball» в 1894 году. Орнаментальные изогнутые линии и чувственность этой работы напоминали творчество Обри Бёрдсли, а женская фигура слева заставляла вспомнить о музах Россетти. Несомненно, Брэдли находился под влиянием увиденного на Всемирной выставке в Чикаго. Выставка оказала огромное влияние на американское искусство, и это произошло в то время, когда Америка начинала наращивать свою индустриальную мощь, которая вскоре превзойдет европейскую. По иронии судьбы выставка проводилась в ознаменование 400-летия прибытия в Новый Свет кораблей Колумба. На ней впервые в истории Всемирных выставок экспозиционные залы освещались электричеством, которое вырабатывали генераторы переменного тока, а молодой инженер Джордж Феррис (1859–1896) демонстрировал сконструированное им гигантское колесо обозрения.

Поздний период творчества Брэдли

Постепенно происходил упадок стиля модерн. В 1907 году Брэдли стал главным художником еженедельника «Collier’s Weekly». Этот пост он сохранял за собой в течение трех лет. Брэдли отвечал за оформительскую работу привлеченных им художников, таких, как Эдвард Пенфилд (1866–1925) и Эдмунд Дюлак (1882–1953), а также сам занимался журнальным дизайном. Еженедельник был основан в 1888 году выходцем из Ирландии Петером Коллиером (1849–1909). В течение последующих четырех лет журнал приобрел самый высокий рейтинг в Америке, какой только возможен для изданий такого рода. Это был один из первых еженедельников, который публиковал серьезные материалы журналистов. В разное время в нем сотрудничали такие выдающиеся личности, как Хемингуэй и даже Уинстон Черчилль (1874–1965).

«Когда трубят сердца». Фрагмент.

После ухода из «Collier’s Weekly» Брэдли сотрудничал с несколькими журналами. Самыми значительными были «Century» и «Good housekeeping». Он также написал несколько коротких рассказов, читал лекции и разрабатывал новые виды шрифтов. Брэдли был арт-директором нескольких фильмов — как независимый художник, так и в составе «Hearst Corporation», куда он ненадолго вошел в 1915 году, а затем после продолжительного перерыва вернулся в 1921-ом. В 1928 году он вышел в отставку и продолжал работать над «Мемуарами», опубликованными в 1949 году.

На следующий год в престижной Хантингтонской библиотеке в Сан-Марино (Калифорния) с успехом прошла ретроспективная выставка работ Брэдли, где он получил несколько почетных наград. Его жена Алиса скончалась в возрасте 64 лет в 1952 году, и оставшиеся годы художник жил у дочери Ферн или в доме престарелых. Брэдли умер в Калифорнии в возрасте 93 лет.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector