Современный британский художник. James Needham

Современный британский художник. James Needham

Английский деревенский пейзаж. Картины современного художника Джеймса Ноутона (James Naughton)

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Джеймс Ноутон родился в 1971 году в немаленьком (100 тысяч жителей) городе Болтоне, что в графстве Ланкашир, в рабочей семье — местность в пригородах очень живописная; неудивительно, что в будущем художник увлечется деревенскими пейзажами. Вспомнив творческую атмосферу Северной Ангии 70-х годов (отраженную на фото Ливерпуля Пола Тревора), мы не удивимся, что юного Ноутона вдохновляли не станина и швеллер, а искусство — конечно же, изобразительное. Ко времени поступления в местный университет, за плечами у Джеймса уже была школа искусств.

В институте, продолжив знакомство с живописью, Ноутон очень заинтересовался техникой монопечати. Этот метод живописи, очень популярный при рисунке на ткани, требует предварительно наносить краску на основу (лист ацетата, металл и т.д.), а потом отпечатывать на холст или бумагу. Оттиск делается лишь один, рисунок получается уникальным, и даже сам художник не может полностью предугадать фактуру своего произведения. В этой-то технике и сделаны многие работы Ноутона.

Как и большинству современных художников, Ноутону приходилось зарабатывать кусок хлеба ремеслом — но эксперименты и поиски в искусстве он не оставлял. В результате сейчас Ноутон — один из самых известных современных английских художников. Хотя у него есть потрясающие «морские» работы, в первую очередь своей славой он обязан деревенским пейзажам. Светлые картины художника, вдохновленные традициями британской живописи, порой напоминают о туманнной загадочности, свойственной пейзажам Тернера — а иногда о конкретности и четкости картин Констебла.

Присмотревшись, можно сказать, что художник сочетает акварельную размытость неба с четкостью и прозрачностью земли. Глядя на деревенские пейзажи Ноутона, понимаешь: если что-то в Англии и поменялось за последние века, то это точно не ее прекрасная природа.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Современное британское искусство — «Брит-арт»

1980-е ознаменовались для Британии появлением нового поколения художников, получивших название «Молодые Британские Художники» (Young British Artists, YBA) или Брит-арт (Brit-Art).

  • Дата публикации: 16 мая 2020
  • Текст: Катя Карцева
  • Время на прочтение: 3 — 5 мин.

В 1980-е Британия переживала радикальные политические и экономические изменения. Британское искусство тоже искало новые пути. Это время стало периодом расцвета для Голдсмитского колледжа (Goldsmiths College), входящего в Лондонский университет и предлагавшего очень прогрессивную программу обучения искусству под влиянием выдающихся педагогов таких, как Майкл Крейг Мартин. Результатом этого стал всплеск постмодернистского искусства, выразившийся в появлении нового поколения художников. Они получили название «Молодые Британские Художники» (Young British Artists, YBA) или Брит-арт (Brit-Art).

Эти художники имели мало общего, кроме молодости и приверженности постмодернистским практикам. Они работали в самых разнообразных медиа – живопись, скульптура, фотография, видео-арт, инсталляции, концептуальное искусство. Произведения Брит-арта могли включать в себя: личинки, трупы животных (Херст); куски зданий (Рейчел Уайтреад); не заправленную кровать, со следами мочи, семенной жидкости, использованных презервативов (Трейси Эмин); навоз слона (Крис Офили); замороженную человеческую кровь (Марк Куинн). Это лишь некоторые из многих и разнообразных материалов, которыми новое британское искусство шокировало зрителя.

Художники несомненно подвергались серьезной критике за отсутствие мастерства и других художественных качеств. Тем не менее, профессиональное сообщество, а также многие другие, с большим энтузиазмом восприняли их искусство. Одной из причин этому стало то, что Молодые британские художники обновили и оживили почти все средства современного искусства, заметно увеличив число его поклонников.

Автопортрет Марка Куинна, который он в течение года наполнял собственной кровью

Со становлением значимости движения молодых британских художников в истории искусства связывают три выставки: Freeze в 1988, «Современная медицина» в 1990, куратором обеих стал неизвестный студент Голдсмитского колледжа Дэмьен Херст, а также выставка «Сенсация» в Королевской Академии в 1997 г. Выставки, организуемые выпускниками Голдсмитского колледжа, общее количество которых было около 50 человек, разительно отличались от того, что показывалось тогда в галереях современного искусства.

Выставка Freeze прошла в июле 1988 г. в пустом здании администрации лондонского порта в лондонских доках. Куратор выставки Дэмиен Херст показал работы шестнадцати других студентов Голдсмитского колледжа и собственное творение – композицию из картонных коробок, раскрашенных малярными латексными красками.

Как куратор Херст лично отбирал работы, заказывал каталог и планировал церемонию открытия. Freeze стала стартовой точкой для молодых британских художников.

Выставка не имела широкого паблисити в СМИ, тем не менее Херст сумел договориться, чтобы ее посетили некоторые авторитетные представители художественного сообщества, включая Чарльза Саатчи, который приобрел большую часть экспонатов. Оглядываясь назад, он вспоминал, что не художественное качество искусства побудило его к покупке, а «обнадеживающая хватка нового искусства». Британское искусство с тех пор стало синонимом радикального высказывания.

Марк Куинн. «Эволюция».

После выпуска из Голдсмитского колледжа в 1989 году Херст курирует в промышленных пространствах еще две значимых выставки. «Авантюра» (Gamble), организованная в 1990-м, в ангаре заброшенного здании завода Bermondsey вместе с Карлом Фридманом. И «Современная медицина» тоже в 1990-м, на которой Саатчи оказывается заворожен его инсталляцией «Тысяча лет» – наглядное изображение жизни и смерти, приобретение которой стало началом долгого и плодотворного сотрудничества между галеристом и художником. Уже на деньги Саатчи, в 1991 году Херст создает свою знаменитую инсталляцию «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», представляющую собой аквариум с тигровой акулой, длиной 4,3 метра.

Читать еще:  Яркие и лирические произведения. Van Hovak

Работа обошлась Саатчи в 50 000 фунтов. Акула была поймана уполномоченным рыбаком в Австралии и имела цену в 6 000 фунтов. За эту работу Херст был номинирован на премию Тернера. Сегодня эта инсталляция широко известна тем, что была продана в декабре 2004 года коллекционеру Стиву Коэну за 12 миллионов долларов.

Международное признание приходит к Херсту в 1993 году на Биеннале в Венеции в рамках секции молодых художников, которую курировал куратор Франческо Бонами. Херст выставляет инсталляцию «Разделенные мать и дитя», представлявшую собой части коровы и теленка, помещенные в раздельные аквариумы с формальдегидом.

В результате, коммерческие галереи, такие как Serpentaine или Shoreditch обращают свое внимание на новое британское искусство и делают из него бренд. Молодое британское искусство стало поводом для появления нового поколения современных галерей, таких как «Белый куб» Джея Джоплинга, галереи Victoria Miro, Karsten Schubert, Sadie Coles, Maureen Paley’s Interim Art, Antony Wilkinson Gallery, а также стимулировали широкое распространение британских журналов об искусстве Frieze, Art Monthly, Art Review, Modern Painters, Contemporary Art. Журнал Frieze в 2000-е перерастет в одну из престижнейших мировых арт-ярмарок.

С 1984 г. ведет свою историю Премия Тернера в области современного искусства для британских художников, сегодня одна из самых авторитетных в мире, а также одна из самых скандальных. На нее номинируется, как правило, самое радикальное искусство, неудивительно, что молодые британские художики не раз были среди номинатов.

Лауреатами Премии Тернера в разные годы были Рейчел Уайтреад (1993), Дэмиен Херст (1995), Дуглас Гордон (1996), Джиллиан Норинг (1997), Крис Офили (1998), Стив Маккуин (1999), Марк Валлингер (2007).

Учеба в Royal College of Art: культурное разнообразие и протекающие потолки. Читать далее.

Александр Джеймс: «Мое искусство как стихи: оно создано, чтобы запомнить»

Британский художник о новой выставке в галерее «Триумф»

18 апреля в галерее «Триумф» открылась выставка Александра Джеймса — британского художника, которого не интересуют тренды современного искусства. Он вдохновляется прерафаэлитами, Врубелем и Флавицким, говорит в своих работах о смерти, призывая людей жить

Британский художник Александр Джеймс провел в Москве целых четыре месяца. Его студия переехала в одно из зданий на Красном Октябре, прежде побывав в Токио, Нью-Йорке и Сиднее. Каждая страна вносила в творчество свой колорит, и Россия — в том числе. Новый проект Александра Джеймса для галереи «Триумф» был создан в темном, полуподвальном помещении в Берсеневском переулке , которое до превращения в студию выглядело просто ужасно. Художник лично выгреб кучу мусора (на это ушло несколько недель), провел электричество, перенес туда свои инструменты, установил бассейны для съемок и развесил произведения прошлых лет.

Работы Джеймса находятся на стыке фотографии, живописи и скульптуры. Начиная с создания сложной композиции, он изготавливает все материалы самостоятельно: бабочек он разводит в собственной студии, цветы, фрукты и овощи — выращивает в саду. Затем художник помещает предметы в резервуар с очищенной водой, где и производит съемку. Главные приемы Александр Джеймс держит в секрете. Скажем только, что он никогда не обрабатывает своих снимков: вся его работа — чистейший научный процесс.

Искусство Александра Джеймса находится вне времени и тенденций современного арт-мира. Оно очень личное, сильное, трагичное, красивое и вызовет у вас эффект катарсиса. Мы посмотрели на студию своими глазами, а также поговорили с художником и в этом убедились.

В этой студии — мой дневник. Есть как очень старые работы, которым около десяти лет, так и те, что были созданы здесь.

Москва придает особенный оттенок моему искусству. Например, мы сшили всю одежду для съемок из российских тканей. Зимой здесь было трудно, потому что студия не обогревалась. А ведь я живу в ней, и, более того, один раз я на протяжении целого месяца совсем не покидал ее.

В моей жизни есть три вещи, которыми я могу что-то сделать. Это Мое искусство, мои руки и мой голос

Больше всего на меня повлияли прерафаэлиты, в частности, Джон Миллес. А также Поль Деларош. С тех пор как я попал в Россию — Врубель. Удивительно, как много у вас больших картин. Одну из них, что висит в Третьяковской галерее, я часто навещаю. Знаете «Княжну Тараканову»? Каждую неделю я возвращаюсь, чтобы увидеть ее. Она великолепная, сексуальная, трагичная, русская. Настроение этой картины полностью совпадает с моим настроением от России.

Я современный художник, но работаю в старом стиле. Современное искусство сегодня зачастую находится под властью пиара и моды. Это не для меня.

Самое важное в любом искусстве — личность художника и то, как он показывает жизнь. Многие используют творчество, чтобы построить модную карьеру. Я не модный.

Торжественные открытия не лучший способ познакомиться с искусством. Но я могу пойти на вернисаж, если искусство значит что-то особенное в жизни художника.

Сейчас я работаю над экспериментальным проектом. В моей студии как раз находится то, что я покажу в «Триумфе», и это очень интересно. Но не эта совершенно черная вода интересует меня в первую очередь, а отражения в ней. В России, богатой нефтью, она становится своего рода диалогом. Мне бы хотелось поэкспериментировать в городской среде — только представьте в Москве темную воду. В фонтанах, например.

Читать еще:  Художник и скульптор. John Neil Rodger

Я безумно рад видеть всех на выставке , но приглашаю всех прийти еще раз и в пустых залах прочувствовать мои работы. Дайте искусству шанс.

В России невероятная культура, но Запад заражают чушью по телевидению. Я художник, и у меня нет телевизора. Мое впечатление основано на беседе лицом к лицу. Россия не то, что о ней думают. Сибирь — это самое красивое место, в котором мне когда-либо довелось побывать.

Я ездил в Сибирь, чтобы охотиться на волков. Мне хотелось собрать то, что тесно связано с русской культурой: волков, нефть, мех; впитать всю ее жизненную энергию. Я не говорю о Москве, а о России в целом, я много времени провел здесь.

Если бы я хотел, чтобы мои работы были проданы олигархам, то устроил бы выставку в Лондоне. Там все раскупают. Мне было важно выразить своими работами уважение к России.

Я никогда не лгу. В моей жизни есть три вещи, которыми я могу что-то сделать. Это мое искусство, мои руки и мой голос.

Всем нам приходится быть «в игре». Но я не люблю играть на публику, предпочитаю делать это в своей студии. Для меня не важны ни деньги, ни мое имя. Ценно то, что я делаю.

Игры современного искусства — ерунда. Вы станете знаменитым на двадцать минут, но ваше искусство ничего не значит.

Вы спросили меня про ярмарки? В следующем году я приму участие в своей первой биеннале. Пока, правда, не скажу вам, в какой. Не люблю говорить о том, что еще не произошло.

Мое искусство недавно описали как «трагичное барокко». Мне понравилась эта фраза. У меня была грустная жизнь. Я потерял все, что любил. Я езжу на кладбище чаще, чем вижусь с семьей. Мои работы — это продолжение диалога с ними. Мое искусство как стихи: оно создано, чтобы запомнить.

Люди видят в искусстве то, что хотят, но прежде всего оно отражает самого художника.

Я прославляю не смерть, а жизнь, какой бы она ни была.

Выставка Александра Джеймса «Растворенная печаль» будет открыта в галерее «Триумф» с 18 апреля по 11 мая.

6 необычных произведений искусства, которые стоят дороже, чем вы думаете

Готовы купить унитаз за пару миллионов долларов?

Люди находят более привлекательными те произведения искусства, для создания которых, по их мнению, понадобилось больше сил и профессиональных навыков. Таким выводом поделился канадский профессор психологии Йельского университета Пол Блум в своей книге «Наука удовольствия: почему мы любим то, что мы любим». И этим можно частично объяснить скепсис в адрес современного искусства.

Вы, вероятно, слышали про «Фонтан» Марселя Дюшана (его Блум также приводит в пример) – писсуар с надписью R. Mutt («Р. Дурак»). Можно долго спорить, искусство ли это, но арт-объект был продан за $1,7 миллиона на аукционе. Кроме того, техника реди-мейд стала значимым и известным явлением в искусстве XX века.

Собрали для вас еще несколько необычных (будем честны, порой даже странных) картин, скульптур и инсталляций, которые ушли с молотка за внушительную сумму.

1. «Свалка» Гэвина Терка

Стартовая цена на аукционе – $65,5 тысячи

И желающие приобрести ее уже есть. Да, большой черный мусорный мешок. Конечно, отлитый из бронзы – а вы что подумали? Британский художник Гэвин Терк не в первый раз воспользовался техникой trompe-l’œil (в переводе с французского – «обманка»). Это арт-объекты, которые крайне правдоподобно имитируют привычные, порой даже бытовые предметы. Но Терк не просто так решил выставить на аукцион металлический мешок с отходами. Это призыв к людям переосмыслить свое отношение к труду, который автор затрачивает на создание произведения искусства. А вместе с тем и ценность этого самого искусства. Так что же такое, на самом деле, настоящее искусство?

2. «Без названия» Сай Твомбли

$70 миллионов

Нет, никакие это не каракули на школьной доске. И вряд ли чей-то пятилетний ребенок сможет так же. Это полотно американского художника-абстракциониста Сая Твомбли. Большую часть жизнь он провел в Риме и вдохновлялся мифологией и мистикой. Часть своих работ Твомбли посвятил этим темам. Талант живописца не остался незамеченным – в 2010 году он был удостоен чести расписать потолок в одном из залов Лувра. Для современных художников это редкая награда. Кроме того, в 2001 году Сай Твомбли получил «Золотого льва» Венецианской биеннале – одного из известнейших форумов мирового искусства.

3. L.H.O.O.Q., или «Усатая Джоконда» Марселя Дюшана

В 2017 году репродукция полотна Леонардо да Винчи «Мона Лиза», которой Марсель Дюшан в 1964 году дорисовал усы и бороду, была продана на аукционе Sotheby’s. И это при том, что такая работа существует не в единственном экземпляре. Всего Дюшан создал 39 полотен (один оригинал, остальные – авторские копии), где Джоконда обзавелась волосами на лице. Теперь те, кто портит портреты в школьных учебниках, могут говорить, что просто подражают великому художнику (хотя в действительности им весьма далеко до уровня Дюшана).

Читать еще:  Художник-режиссёр. François Pagé

4. «Свежий ветер» Джеймса Франко

Сумма кажется не столь внушительной по сравнению с остальными, если не уточнять, что это стоимость «невидимой» картины. MONA – The Museum on Non-Visible Art, или Музей невидимого искусства – находится в Нью-Йорке. Тут на стенах нет картин – только таблички с названиями и описаниями. Можно подумать, что все полотна просто украли. Но нет, их тут и не было. Оказывается, такую «живопись» можно не только экспонировать, но и продавать. Так, в 2011 году некто приобрел «Свежий ветер» Джеймса Франко. Любопытно, что он получил? Раму, сертификат подлинности и табличку с описанием работы. В последнем заключается вся суть «невидимого искусства» – в распоряжении зрителя только рассказ о том, какой могла бы быть картина. Остальная часть работы лежит в воображении смотрящего.

5. «Пространственная концепция. Ожидание» (1964) Лучо Фонтаны

$1,5 миллиона

Лучо Фонтана – итальянский живописец, который прославился тем, что резал холсты – пускай и свои собственные. Красное полотно с семью прорезями было продано за полтора миллиона долларов США. Сам автор объяснял свое творчество стремлением вырваться за рамки плоскости: «В отверстия, которые я проделываю, просачивается бесконечность, и живопись более не нужна». «Пространственная концепция» – это целая серия работ. Многие из них были также проданы на аукционах за большие деньги. Для Лучо Фонтаны эти отверстия – словно портал в космос, к чему-то большему, к той самой бесконечности, о которой говорит сам художник.

6. «Моя кровать» Трейси Эмин

$4,3 миллиона

Кажется, мы совершенно неправильно распоряжаемся своей постелью, если она до сих пор не принесла нам такую прибыль. Инсталляция британской художницы Трейси Эмин – незаправленная кровать и разбросанный вокруг нее хлам – принесла автору большой успех. Тут и пустые бутылки, и окурки, и салфетки, и клочки бумаги. Дело в том, что девушка провела несколько дней, не вылезая из постели. У нее была депрессия из-за расставания с возлюбленным. Очнувшись от печали, Трейси обратила внимание на то, во что превратилась ее комната. Это вдохновило художницу на создание арт-объекта.

Кроме высокой денежной оценки, инсталляция принесла Эмин популярность и признание – девушка была номинирована на премию Тернера.

Вероятно, вам также будет интересно:

11 выставок, на которые мы пойдем в сентябре

Каким российские художники увидели настоящее и будущее после пандемии?

Молодые британские художники

Молодые британские художники (англ. Young British Artists, иногда также YBA, Brit artists, Britart) – группа современных художников, которая изначально сформировалась вокруг выпускников (тогда еще студентов) колледжа Голдсмит в Лондоне. Началом творческой активности YBA считается выставка Freeze (Лондон, 1988), которую организовывал наиболее известный представитель группы — Дэмиен Херст.

Само название «Молодые британские художники» впервые было использовано в 1992 году Майклом Коррисом в журнале «Артфорум». Акроним YBA появился в 1996 году в журнале «Art Monthly».

В художественном смысле «Молодые британские художники» являются представителями концептуального искусства. Во многом это связано с тем образованием, которое большинство из них получили в колледже Голдсмит. Дело в том, что в 80-х годах XX века в этом учебном заведении была введена инновационная модель обучения будущих художников, упор в которой делался не на умение рисовать, писать красками и т.д., а на знании основ концептуального искусства и развитии личности студента, повышения уровня инициативности человека, желания создавать нечто принципиально новое, часто шокирующее публику. Работы представителей YBA зачастую отличаются именно необычным, часто даже отталкивающим содержанием, но при этом в них отчетливо прослеживается та традиция, основные тезисы которой можно обнаружить еще в «Параграфах о концептуальном искусстве» Сола Левитта (1969).

Огромную роль в становлении группы сыграл Чарльз Саатчи, который стал их покровителем и не только скупал сами работы, но и финансировал ряд проектов, в том числе инсталляцию с акулой в формальдегиде Дэмиена Херста, известную под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живущего».

Большую популярность Молодые британские художники обрели в 90-х годах. Пиком здесь можно считать выставку «Sensation», которая была устроена Королевской академией, что само по себе может считаться показателем признания YBA. Скандалы, которые сопровождали ряд инсталляций только повысили популярность самих художников.

Одновременно со всем вышесказанным необходимо понимать, что YBA это не столько направление в искусстве, сколько группа художников, которые на протяжении определенного временного промежутка формировали некий общий дискурс, устраивали общие выставки и т.д. Вряд ли можно найти какой-либо исключительно художественный фактор, объединяющий всех представителей этой группы и выходящий за пределы концептуального искусства как такового. Впрочем, став на определенный момент неким флагманом концептуализма, а, возможно, и современного искусства вообще, YBA сформировали определенный вызов, одним из ответов на который можно считать стакизм.

Кристин Борланд, р. 1965 — шотландская художница, скульптор, автор инсталляций. В 1997 году была номинирована на премию Тернера

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector