Современный британский художник. Toby Moate

Современный британский художник. Toby Moate

5 современных британских художников, о которых нужно знать

От Дэвида Хокни до Трейси Эмин.

1. Дэвид Хокни

С именем Дэвида Хокни в первую очередь ассоциируются бассейны под синим небом Лос-Анджелеса и молодые купальщики, ныряющие в кристальную воду. В прошлом году Хокни стал самым дорогим художником в истории: его «Портрет художника» (одна из знаковых картин) был продан за рекордные $90 миллионов. Но за жизнерадостным поп-артом, воспевающим калифорнийскую мечту, скрывается сложная натура художника из английской провинции, сублимирующего свои впечатления и переживания в живопись. Картина «Мистер и миссис Кларк и их кот Перси» (1970-1971) на первый взгляд кажется идиллическим кадром из богемной жизни молодой пары. Но уже через секунду конфетно-пастельную тональность картины разрезает ток напряжения между мужем и женой. В этой работе Хокни перевернул «Портрет четы Арнольфини» (1434) фламандца Яна ван Эйка: вместо собаки (символа верности) он разместил на коленях у мистера Кларка белого кота. А большое французское окно разделяет пару, усугубляя психологическую дистанцию между ними.

2. Аниш Капур

Британцы так ценят творчество Капура, что в 2015 году новые паспорта Соединенного Королевства украшали рисунки с его скульптурами. И это неслучайно. Художник прославился работой с трехмерным пространством, но его путь начался с рисунка. Постепенно форма, цвет и объем вырвались из плоскости бумаги и перешли в скульптуры, которые сам Капур называет «необъективными объектами». Объектами – за их простоту и стремление к природным материалам (в этом плане художник не изобретает велосипед и пользуется традиционным гранитом, известняком и пигментированным стеклом). Необъективными – за то, что скульптуры передают нематериальные психологические состояния, которые почти невозможно описать словами.

3. Трейси Эмин

Сегодня Трейси Эмин – одна из двух женщин-профессоров за всю историю Королевской академии художеств, а все начиналось в 1980-х, когда Эмин стала работать в кругу Young British Artists («Молодые британские художники»). Она знаменита своим непринципиальным отношением к художественным медиа: выражать свое бунтарское «я» Эмин может на бумаге или холсте, через видео или фотографию, в неоновых надписях и детских аппликациях. В 1997 году Трейси представила свою первую работу «Все, с кем я спала в 1965–1995». Внутри походной палатки художница наклеила имена всех, с кем она провела в одной постели хотя бы одну ночь. Слово «спала» художница трактовала в прямом смысле – поэтому внутри палатки есть имена ее близких и родственников, любовников, любовниц и нерожденных детей. Через эту работу Эмин показывает универсальную, вселенскую любовь, которая выплескивается далеко за рамки сексуальных связей.

4. Грейсон Перри

Греческие вазы и вышивки – в двух словах о творчестве самого остросоциального британского художника. А если подробнее, то Грейсон Перри использует классические формы (те же вазы), раскрашивая их в сатирические сцены из современной жизни. Таким образом художник спорит с предрассудком о том, что декоративные предметы (что может быть ненужнее огромной вазы и вышивки на всю стену?) не могут транслировать идеи. Поэтому на объектах он запечатлевает эпические сцены на тему мира, войны и трудностей самоидентификации. Работы Перри автобиографичны: в рисунках часто можно увидеть Клэр (женское альтер эго художника) и Алана Мислеса, плюшевого медведя из его детства. Кстати, Перри очень продуктивно исследовал проблему гендера и выпустил цикл документальных фильмов на британском телевидении. И их однозначно стоит посмотреть, чтобы подготовиться к восприятию его искусства.

Марк Тоби: жизнь и творчество художника

Марк Тоби (англ. Mark Tobey, 11 декабря 1890, Центервиль, США — 24 апреля 1976, Базель, Швейцария) — американский художник, представлявший северо-западную школу абстрактного экспрессионизма.

СОДЕРЖАНИЕ

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Тоби родился в Висконсине, США в 1890 году.

Свои молодые годы он провел на американском Среднем Западе. После краткого обучения в Высшей школе в Хаммонде Тоби пробует себя в разных профессиях в Чикаго, куда переезжает его семья. Работает рисовальщиком сначала в Чикаго, затем в Нью-Йорке, где становится светским портретистом, но зарабатывает на жизнь как декоратор-оформитель и занимается живописью.

В 1923 году он впервые приехал в Сиэтл на американский Северо-Запад. Он также совершил несколько поездок в Европу и на Ближний Восток в 20-е годы.

В 1925 году в Париже он входит в круг американских художников Монпарнаса, а затем отправляется в круиз по Средиземноморью, что дает ему возможность совершить паломничество по святым местам (Акка,Синай).

Разочарованный Парижем, он в 1926 возвращается в США. Он живет в Нью-Йорке и Сиэтле, где продолжает преподавать.

В 1930 Тоби едет в Англию, где останется на семь лет и откуда совершит многочисленные путешествия. В 1931 он посещает Мексику.

В 1934 году он поехал в Китай и Японию. В Китае он встречает своего друга, знакомого по Сиэтлу, китайского художника Тинг Квея, который учит его искусству акварели и каллиграфии и с которым он увлекается новой стилистикой. Однако универсализм и космизм каллиграфической линии он по-настоящему постигнет лишь в Японии, в буддистском монастыре в Токио, где учится у художника-монаха.

Художественные поиски Тоби заканчиваются лишь в 1935, по возвращении в Америку.

В 1944 художник проводит свою первую персональную выставку в Нью-Йорке, в гал. Мериан Виллард, где будет выставляться затем каждый год. Его известность растет. Именно в это время интерес к его творчеству проявляет Жанна Бюше, с которой он познакомится еще в Париже.

Тоби был широко признан как в США, где получил многочисленные награды (в частности, нац. премию фонда Гуггенхейма, 1951) и был избран в американскую Академию (1958), так и в Европе, где также в 1958 он полу- чил Гран При Венецианской Биеннале.

Читать еще:  Современная американская художница. Mia Bergeron

В 1960 году переехал в Базель, Швейцария. Он скончался в Швейцарии, в 1976 году.

Его произведения наиболее полно представлены в Нью-Йорке (Музей современного искусства и музей Метрополитен), Лондоне (гал. Тейт) и Париже (Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду).

ТВОРЧЕСТВО

Обращение в 1918 к восточным верованиям предопределило спиритуализм его искусства. Его эволюция от традициционной живописи к поискам ритмов в пространстве продолжалась долгие годы. На его манеру письма серьезное влияние оказало искусство Азии, которое Тоби прилежно изучал во время своей поездки в Китай и Японию в 1934 году.

Как говорил сам художник: «Здесь я почувствовал «каллиграфический импульс».

Художник известен, прежде всего, как основатель стиля «белой записи». Стиль представляет собой нанесение каллиграфических символов белого или светлого тона на абстрактный фон, и состоит из многих тысяч мазков кисти, тесно переплетающихся между собой. Этот стиль стал началом «крытого» стиля, созданного известным американским художником Джексоном Поллоком, которого часто сравнивают с Тоби.

Если тщательно проанализировать работы Тоби, можно прийти к выводу, что при помощи кисти и красок, мастер пытался выразить свое понимание духовной реальности. Об этом также можно судить исходя из названия картин художника: “Ангелы и дьяволы” (1953); “Ночь пророчества” (1956); “Пророческий свет утренней зари” (1958).

Художник умело сочетает яркость фона с изяществом изображения, чтобы переместить зрителя в другое измерение.

Картина “Первая четверть луны” (1953) была написана в белых и желто-зеленых тонах, размещенных на темном фоне. При первом взгляде произведение кажется унылым и нагоняющим тоску на зрителя. Но при внимательном рассмотрении картины, можно заметить наличие сфер красивого сияния и блистающей глубины. Это можно описать как мерцание лунного света. Через некоторое время после просмотра картины, зритель легко обнаруживает себя внутри параллельного мира.

ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИ ХУДОЖНИКА

Марк Тоби был приверженцем религии бахаи. Он стал активным проводником идей бахаи с момента познания этого учения в 1918 году и до конца своей жизни.

Марк Тоби перемещался из одной страны в другую, словно перелетная птица. Он был одним из немногих художников двадцатого столетия, кого можно назвать космополитом и транс-авангардистом.

Мистические картины
Марка Тоби

«Моё – это Восток, Запад, наука, религия, города, просторы и создание картины. » © Марк Тоби

Он чувствовал искусство в себе, а себя в искусстве. Простое полотно в его умелых руках превращалось в настоящее произведение, аналогов которому нельзя найти, а религия становилась источником вдохновения. К слову, если вы до сих пор не были знакомы с творчеством этого выдающегося американского художника, пора исправлять это досадное недоразумение. Вашему вниманию представляется Марк Тоби (Mark Tobey).

Родившись в штате Висконсин, США, в 1890 году, Тоби всю жизнь отрицал клеймо «американец». Себя он позиционировал как «гражданин мира». Словно перелётная птичка, Марк путешествовал по свету в поисках идеального места для творчества. Перемещался художник и по Америке (юность он провёл на Среднем Западе, побывал и в Сиэтле), затем совершал поездки на Ближний Восток и в Европу и даже определённое время жил в благородной Англии. Меняя страны и города, Тоби постепенно переходил от традиционного письма к поиску собственного стиля. Однако, географической точкой на земном шаре, где закончил в 1976 году свою жизнь Марк Тоби, стала Швейцария.

Вера. Нет, это не имя возлюбленной художника. Это то, что давало ему силы и желание творить. Приняв в 1918 году религию бахаи, оставаясь ярым её сторонником вплоть до самой смерти, Марк Тоби не раз открыто заявлял о высокой значимости религии в своём творчестве: «Учение бахаи утверждает, что все великие пророки едины, что наука и религия – это две мощные силы, которые должны быть уравновешены, чтобы человечество достигло зрелости. Я чувствую, что эти убеждения сильно повлияли на моё творчество». Тоби признавал полезным диалог культур и являлся космополитом. Именно в таком настроении и создавались его знаменитые полотна.

Марк Тоби прославился благодаря созданию уникального стиля «белой записи». Все довольно просто и сложно одновременно. Стиль представляет собой нанесение на абстрактный фон, состоящий из тысяч мазков, белых или окрашенных в «уютные» светлые тона каллиграфических символов. Причём символы отличаются своей красотой и неповторимостью. Как говорится: «Взгляни на свой почерк и на каллиграфию Тоби и рыдай». Именно создание «белой записи» положило начало вечному сравнению Марка Тоби с другим, не менее именитым, американским художником Джексоном Поллоком.

Дело в том, что Поллок являлся основателем «крытого» стиля живописи. Безусловно, никто не станет говорить здесь о грубом плагиате. Изначально историки либо закрывали глаза, либо вовсе не замечали того факта, что художники были давними знакомыми. И безусловно, на творчестве Марка Тоби сказывалось влияние опытного наставника. Так, «Белая запись», являясь самостоятельным стилем, стала ещё и разновидностью стиля Поллока.

Когда речь идёт именно о «мистических» картинах Марка Тоби, не значит, что сейчас перед зрителем предстанет изображённая на полотне сцена восстания мертвецов или полёт привидений. Мистическим сам художник признавал своё искусство потому, что всегда верил в уникальное магическое значение каллиграфии. Работы Тоби действительно завораживают. Написанные акварелью или маслом, углём или темперой, совершенно разные, они всегда потрясают человеческое воображение.

Читать еще:  Способ понять реальность. Gabriel Schmitz

Абстрактные картины не всегда понятны рядовому зрителю, но пройти просто мимо не получится. Только взгляните на творение с неприхотливым названием «Голова» (Head). Тысячи размашистых и мелких мазков постепенно обрели форму настоящей человеческой головы. Да, именно человеческой, если с первого взгляда было не ясно. Изображение странное, а линии запутаны точно так же, как и мысли, которые ютятся в ней.

Вы никогда не думали о том, кто такой «современный человек»? В каком мире он живёт? Марк Тоби не просто размышлял, он изображал это. Странная и мрачная, на первый взгляд, картина «Движение человека XX века» (Movement of 20th Century Man ) показывает нам совершенное земное создание, окружённое пространством света и тепла, которое защищает его от тёмного внешнего мира. Кажется, что этим светом человек пробивает себе путь и расчищает пространство вокруг. С другой стороны, может показаться, что тьма поглощает свет и все живое. А что, если это вовсе и не свет? Вдруг это всего лишь отражение того, что все мы живём в вымышленном мире собственных иллюзий и отрешены от реальности?

Как говорят мудрецы: «Случайности не случайны». Ещё одна картина Марка Тоби с «неожиданным» названием «Случайность» (Eventuality) в очередной раз доказывает нам древнюю истину. Случайность, судя по полотну, это закономерный путь с разными поворотами, перипетиями и зигзагами. Да, это обычный путь, где каждое действие влечёт за собой новое или обладает противодействием. Путь, который ведёт нас именно к тому, что мы и называем «случайностью».

Всего три картины уже показали нам, что творчество Марка Тоби – это не просто сочетание линий, не куча мазков кистью по холсту, а цельное абстрактное представление жизни, единства и человека.

Работы художника обладают весомым авторитетом в мире. Кульминацией растущего признания стала ретроспективная выставка в испанском национальном музее Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (с 11 ноября 1997 года по 12 января 1998 года). Здесь было собрано около 130 различных работ великого художника.

А о самом Тоби многие деятели искусства неоднократно высказывались как о выдающемся и уникальном в своём роде человеке. «Он был чуткой личностью, самоучкой, человеком духовным. Он открыл себя духовности и познал чувственность и утонченность Востока, а благодаря вере бахаи он постиг волшебство каллиграфии», − говорил в одном из своих интервью художник Ферран Рока Бон.

Широкое международное признание Марк Тоби обрёл на закате жизни. Главной наградой, которая оказалась в руках художника, стал «Приз за живопись», полученный на Венской Биеннале в 1959 году.

Таким образом, после Джеймса Вистлера Марк Тоби стал вторым деятелем искусства, который был удостоен этой высокой награды. При жизни художник собирал сразу несколько крупных выставок. Ретроспективная выставка в Лувре (1961) стала пиком признания творчества художника. За ней последовали не менее крупные − в нью-йорском музее современного искусства (1962) и в Национальной галерее изобразительного искусства в Вашингтоне. Сейчас, спустя десятки лет после смерти художника, его творчество продолжает жить. Может, и нам пора впустить в свой размеренный, обычный мир «мистическую» вселенную Марка Тоби?

Современное британское искусство — «Брит-арт»

1980-е ознаменовались для Британии появлением нового поколения художников, получивших название «Молодые Британские Художники» (Young British Artists, YBA) или Брит-арт (Brit-Art).

  • Дата публикации: 16 мая 2020
  • Текст: Катя Карцева
  • Время на прочтение: 3 — 5 мин.

В 1980-е Британия переживала радикальные политические и экономические изменения. Британское искусство тоже искало новые пути. Это время стало периодом расцвета для Голдсмитского колледжа (Goldsmiths College), входящего в Лондонский университет и предлагавшего очень прогрессивную программу обучения искусству под влиянием выдающихся педагогов таких, как Майкл Крейг Мартин. Результатом этого стал всплеск постмодернистского искусства, выразившийся в появлении нового поколения художников. Они получили название «Молодые Британские Художники» (Young British Artists, YBA) или Брит-арт (Brit-Art).

Эти художники имели мало общего, кроме молодости и приверженности постмодернистским практикам. Они работали в самых разнообразных медиа – живопись, скульптура, фотография, видео-арт, инсталляции, концептуальное искусство. Произведения Брит-арта могли включать в себя: личинки, трупы животных (Херст); куски зданий (Рейчел Уайтреад); не заправленную кровать, со следами мочи, семенной жидкости, использованных презервативов (Трейси Эмин); навоз слона (Крис Офили); замороженную человеческую кровь (Марк Куинн). Это лишь некоторые из многих и разнообразных материалов, которыми новое британское искусство шокировало зрителя.

Художники несомненно подвергались серьезной критике за отсутствие мастерства и других художественных качеств. Тем не менее, профессиональное сообщество, а также многие другие, с большим энтузиазмом восприняли их искусство. Одной из причин этому стало то, что Молодые британские художники обновили и оживили почти все средства современного искусства, заметно увеличив число его поклонников.

Автопортрет Марка Куинна, который он в течение года наполнял собственной кровью

Со становлением значимости движения молодых британских художников в истории искусства связывают три выставки: Freeze в 1988, «Современная медицина» в 1990, куратором обеих стал неизвестный студент Голдсмитского колледжа Дэмьен Херст, а также выставка «Сенсация» в Королевской Академии в 1997 г. Выставки, организуемые выпускниками Голдсмитского колледжа, общее количество которых было около 50 человек, разительно отличались от того, что показывалось тогда в галереях современного искусства.

Выставка Freeze прошла в июле 1988 г. в пустом здании администрации лондонского порта в лондонских доках. Куратор выставки Дэмиен Херст показал работы шестнадцати других студентов Голдсмитского колледжа и собственное творение – композицию из картонных коробок, раскрашенных малярными латексными красками.

Читать еще:  Украинский художник. Карина Волошко

Как куратор Херст лично отбирал работы, заказывал каталог и планировал церемонию открытия. Freeze стала стартовой точкой для молодых британских художников.

Выставка не имела широкого паблисити в СМИ, тем не менее Херст сумел договориться, чтобы ее посетили некоторые авторитетные представители художественного сообщества, включая Чарльза Саатчи, который приобрел большую часть экспонатов. Оглядываясь назад, он вспоминал, что не художественное качество искусства побудило его к покупке, а «обнадеживающая хватка нового искусства». Британское искусство с тех пор стало синонимом радикального высказывания.

Марк Куинн. «Эволюция».

После выпуска из Голдсмитского колледжа в 1989 году Херст курирует в промышленных пространствах еще две значимых выставки. «Авантюра» (Gamble), организованная в 1990-м, в ангаре заброшенного здании завода Bermondsey вместе с Карлом Фридманом. И «Современная медицина» тоже в 1990-м, на которой Саатчи оказывается заворожен его инсталляцией «Тысяча лет» – наглядное изображение жизни и смерти, приобретение которой стало началом долгого и плодотворного сотрудничества между галеристом и художником. Уже на деньги Саатчи, в 1991 году Херст создает свою знаменитую инсталляцию «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», представляющую собой аквариум с тигровой акулой, длиной 4,3 метра.

Работа обошлась Саатчи в 50 000 фунтов. Акула была поймана уполномоченным рыбаком в Австралии и имела цену в 6 000 фунтов. За эту работу Херст был номинирован на премию Тернера. Сегодня эта инсталляция широко известна тем, что была продана в декабре 2004 года коллекционеру Стиву Коэну за 12 миллионов долларов.

Международное признание приходит к Херсту в 1993 году на Биеннале в Венеции в рамках секции молодых художников, которую курировал куратор Франческо Бонами. Херст выставляет инсталляцию «Разделенные мать и дитя», представлявшую собой части коровы и теленка, помещенные в раздельные аквариумы с формальдегидом.

В результате, коммерческие галереи, такие как Serpentaine или Shoreditch обращают свое внимание на новое британское искусство и делают из него бренд. Молодое британское искусство стало поводом для появления нового поколения современных галерей, таких как «Белый куб» Джея Джоплинга, галереи Victoria Miro, Karsten Schubert, Sadie Coles, Maureen Paley’s Interim Art, Antony Wilkinson Gallery, а также стимулировали широкое распространение британских журналов об искусстве Frieze, Art Monthly, Art Review, Modern Painters, Contemporary Art. Журнал Frieze в 2000-е перерастет в одну из престижнейших мировых арт-ярмарок.

С 1984 г. ведет свою историю Премия Тернера в области современного искусства для британских художников, сегодня одна из самых авторитетных в мире, а также одна из самых скандальных. На нее номинируется, как правило, самое радикальное искусство, неудивительно, что молодые британские художики не раз были среди номинатов.

Лауреатами Премии Тернера в разные годы были Рейчел Уайтреад (1993), Дэмиен Херст (1995), Дуглас Гордон (1996), Джиллиан Норинг (1997), Крис Офили (1998), Стив Маккуин (1999), Марк Валлингер (2007).

Учеба в Royal College of Art: культурное разнообразие и протекающие потолки. Читать далее.

Молодые британские художники

Молодые британские художники (англ. Young British Artists, иногда также YBA, Brit artists, Britart) – группа современных художников, которая изначально сформировалась вокруг выпускников (тогда еще студентов) колледжа Голдсмит в Лондоне. Началом творческой активности YBA считается выставка Freeze (Лондон, 1988), которую организовывал наиболее известный представитель группы — Дэмиен Херст.

Само название «Молодые британские художники» впервые было использовано в 1992 году Майклом Коррисом в журнале «Артфорум». Акроним YBA появился в 1996 году в журнале «Art Monthly».

В художественном смысле «Молодые британские художники» являются представителями концептуального искусства. Во многом это связано с тем образованием, которое большинство из них получили в колледже Голдсмит. Дело в том, что в 80-х годах XX века в этом учебном заведении была введена инновационная модель обучения будущих художников, упор в которой делался не на умение рисовать, писать красками и т.д., а на знании основ концептуального искусства и развитии личности студента, повышения уровня инициативности человека, желания создавать нечто принципиально новое, часто шокирующее публику. Работы представителей YBA зачастую отличаются именно необычным, часто даже отталкивающим содержанием, но при этом в них отчетливо прослеживается та традиция, основные тезисы которой можно обнаружить еще в «Параграфах о концептуальном искусстве» Сола Левитта (1969).

Огромную роль в становлении группы сыграл Чарльз Саатчи, который стал их покровителем и не только скупал сами работы, но и финансировал ряд проектов, в том числе инсталляцию с акулой в формальдегиде Дэмиена Херста, известную под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живущего».

Большую популярность Молодые британские художники обрели в 90-х годах. Пиком здесь можно считать выставку «Sensation», которая была устроена Королевской академией, что само по себе может считаться показателем признания YBA. Скандалы, которые сопровождали ряд инсталляций только повысили популярность самих художников.

Одновременно со всем вышесказанным необходимо понимать, что YBA это не столько направление в искусстве, сколько группа художников, которые на протяжении определенного временного промежутка формировали некий общий дискурс, устраивали общие выставки и т.д. Вряд ли можно найти какой-либо исключительно художественный фактор, объединяющий всех представителей этой группы и выходящий за пределы концептуального искусства как такового. Впрочем, став на определенный момент неким флагманом концептуализма, а, возможно, и современного искусства вообще, YBA сформировали определенный вызов, одним из ответов на который можно считать стакизм.

Кристин Борланд, р. 1965 — шотландская художница, скульптор, автор инсталляций. В 1997 году была номинирована на премию Тернера

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector