Современный художник и музыкант. Paul Roberts

Современный художник и музыкант. Paul Roberts

Живописные работы знаменитых музыкантов и актёров, которые открывают новые грани их таланта

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Сильвестр Сталлоне

Сильвестр Сталлоне (1946) — американский актер, режиссер, сценарист и продюсер, снискавший мировую славу благодаря своим ролям в боевиках. А в США его еще знают как художника, который пишет живописные картины уже около сорока лет. Мечту стать живописцем Сильвестр воплотил в жизнь, пройдя курс обучения в Швейцарии. И с тех пор серьезно занимается живописью в стиле абстракционизма и экспрессионизма.

«В поисках себя мне помогло искусство. До сих пор, когда ощущаю себя несчастным, а жизнь кажется бессмысленной — иду к холсту. В таком состоянии получаются лучшие работы! Мои картины — это выброс эмоций и чувств»,— говорит Сталлоне о своем увлечении.

Одни из последних выставок Сталлоне проходили в Швейцарии (2011), в Москве (2013) под названием «Сильвестр Сталлоне: 35 лет живописи», где было представлено около тридцати произведений. Стоимость каждого полотна тогда составляла от сорока до пятидесяти тысяч долларов. Но с каждым годом живописные творения Сильвестра растут в цене достаточно быстрыми темпами.

Фредди Меркьюри

Фредди Меркьюри — настоящее имя Фаррух Булсара (1946-1991) — талантливый неподражаемый музыкант современного рока. Но не многим известно, что в юности он мечтал стать художником. В 1969 году он с отличием окончил Илингский художественный колледж в Лондоне, получив степень по графике и дизайну. Но волею судьбы он стал тем, кем он стал — королем рока, яркой звездой над музыкальным Олимпом.

Этот музыкант знал, как свои концерты сделать яркими и запоминающимися. Черно-белый рок он разрисовал цветными красками. Полученные в колледже познания в живописи и в дизайне в сочетании с безупречным вкусом очень часто приходили Фредди на выручку при создании сценических костюмов и в постановке клипов. Он разработал оригинальный герб рок-группы «Queen», где мастерски объединил зодиакальные знаки всех участников группы вокруг заглавной буквы Q, в соответствии со стилистикой британской геральдики.

Чем подкупают рисунки Фредди, так это разнообразием стиля. Впрочем, как и его музыка.

«И есть еще краски, но нет холста». Виктор Цой

Виктор Цой (1962-1990) — один из наиболее значимых рок-идолов, кумир советской молодежи в 80-х годах. Почти на пике своей творческой карьеры он ушел из жизни, оставив после себя достаточно большое наследие в рок-музыке, кино, изобразительном искусстве.

«Если задаться вопросом, кем же был Виктор Цой: рок-музыкантом, поп-звездой, художником или киноактером, то скорее всего ответа не найдем. Он был Героем своего времени, художником в самом полном понимании этого слова, и поэтому чувствовал себя свободным в любом виде искусства, будь то рок-музыка, живопись или кинематограф. И как без его песен трудно представить русский рок, так и самого Цоя трудно представить без его живописи»,— фрагмент из книги «Художник по имени Виктор Цой».

С детства любил рисовать, окончил художественную школу. В 1977 году Виктор поступает в художественное училище им. В.Серова в Ленинграде на оформительское отделение, а уже через год был отчислен за неуспеваемость. А немногим позже заканчивает реставрационное училище по специальности художественная резьба.

Его гротескные картины сочетают в себе примитивизм и карикатурную форму, но определяют очень глубокий смысл.

Цой профессионально вырезал миниатюрные фигурки из дерева в японском стиле — нэцкэ.

Боб Дилан — при рождении Роберт Аллен Циммерман (1941)- американский автор-исполнитель песен, поэт, художник, писатель и киноактёр, нобелевский лауреат по литературе, песни которого стали гимнами антивоенного движения. Его предки в начале прошлого века эмигрировали в США из Одессы.

Живописные творения Дилана впервые были вынесены на суд широкой публике в начале 90-х, когда он выпустил альбом-сборник своих эскизов, написанных в 1989—1992 годах под названием «Drawn Blank».

А первая персональная экспозиция картин артиста состоялась в 2007 году в Германии в галерее изобразительных искусств в Хемнице. Успех вдохновил Боба и он создал около трехсот новых работ, которые объединились в известную серию «Drawn Blank».

С тех пор выставки актера и художника Боба Дилана вызывают огромный резонанс в галереях многих столиц мира. Множество интереснейших работ актера можно посмотреть на видео:

Юрий Шевчук

Юрий Шевчук (1957)- российский рок-музыкант, автор песен, поэт, актёр, художник и продюсер, являющийся основателем, лидером и единственным бессменным участником группы ДДТ. По образованию Юрий — художник. Окончил художественно-графический факультет Башкирского государственного пединститута.

Пирс Броснан

Пирс Брендан Броснан (1953) — ирландский и американский актёр и продюсер, снискавший мировую славу благодаря роли Джеймса Бонда.А еще Пирс широко известен своим пристрастием к живописи. Рисовать он начал раньше, чем играть на сцене и в кино. Закончив художественную школу, даже некоторое время работал иллюстратором. Любимыми художниками, которые были примером для подражания Пирс считает Матисса, Пикассо, Кандинского.

Рассматривая эту тему невозможно не вспомнить живописные работы, написанные Адольфом Гитлером, которого когда-то не приняли в Венскую академию искусств. Сейчас сложно предположить, как сложилась бы судьба злого гения, если бы он стал художником или архитектором. И каков сейчас был бы мир.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Поп-арт: 10 обложек пластинок, созданных художниками

Вчера Леди Гага представила обложку нового альбома «Artpop», которую для певицы создал Джефф Кунс. На ней изображена статуя Гаги в натуральную величину, которая зажимает между ног большой синий зеркальный шар, а фоном выступает коллаж из фрагментов картины Боттичелли «Рождение Венеры». Но это лишь один из ярких примеров сотрудничества музыкантов и звезд современного искусства. Вспоминаем еще 10 знаменитых обложек, над которыми потрудились знаменитые художники и фотографы.

наведите на обложку, чтобы послушать запись

Энди Уорхол и The Velvet Underground

The Velvet Underground & Nico

Желтый банан на обложке дебютного альбома The Velvet Underground и Нико — один из знаковых принтов Энди Уорхола, немногим уступающий по популярности знаменитым красным банкам Campbell. Художник, приложивший руку к созданию огромного количества музыкальных обложек, любил делать их, что называется, интерактивными. Так, оригинальный тираж диска «The Velvet Underground & Nico» вышел со стикерами на лицевой стороне и надписью «Медленно потяни и смотри»: банан на обложке можно было очистить и увидеть, что изнутри он розовый. Лейблу печать таких обложек обошлась в копеечку, но компания готова была пойти на любые жертвы за возможность использовать имя Уорхола. The Velvet Underground вообще были тесно связаны с художником, который взялся продюсировать пластинку и в итоге перетянул одеяло на себя: на обложках первого тиража отсутствовало название группы, зато красовалось имя Уорхола.

Роберт Мэпплторп и Патти Смит

Знаковая обложка альбома, который позже назовут одним из лучших в истории рок-музыки, записанного в разгар бума нью-йоркской панк-сцены ее дарлинг Патти Смит. Этот сдержанный, лаконичный снимок 29-летней Смит — самый известный в истории ее уникальных отношений с фотографом Робертом Мэпплторпом, долгие годы балансировавших на грани дружбы, сотрудничества и любви (обо всем этом лучше прочитать в мемуарах Патти «Просто дети»). Мэпплторп, чьи БДСМ-фотоработы слегка затмили его минималистичную ипостась, снял Патти в их общей квартире в Гринвич-Виллидж на фоне стены и при естественном освещении, выставив только одно требование: белая рубашка должна быть безукоризненно чистой.

Читать еще:  Яркие и энергичные портреты женщин. Anna Bocek

Энни Лейбовиц и Брюс Спрингстин

Born In The U.S.A.

Фотографию для обложки седьмого студийного альбома Спрингстина сняла Энни Лейбовиц, и впоследствии этот снимок стал одним из символов западной поп-культуры. Главная американская портретистка, Лейбовиц сделала кучу кадров музыканта с разных ракурсов, но по иронии судьбы на обложку лучше всего подошла фотография его тыла, обтянутого голубыми джинсами и с заправленной в задний карман кепкой. Как позже заметил Спрингстин: «Оказалось, мое лицо выглядит хуже, чем задница». Альбом «Born in the U.S.A.» и коллаборация с Лейбовиц стали ключевым моментом в карьере музыканта, а образ Спрингстина с обложки — белая футболка, голубые джинсы и кепка — стал культовым. И кстати, это неплохой ориентир для оригинального костюма на Хэллоуин.

Раймонд Петтибон и Sonic Youth

Жестокий комикс пера Раймонда Петтибона на обложке — вызывающий жест для группы, которая только что подписала контракт с мейджор-лейблом (и настоятельно посоветовала сделать то же Курту Кобейну). Впрочем, рисунок нон-конформиста Петтибона с надписью «Я увела парня у своей сестры, мы убили родителей и пустились в бега» не помешал пластинке стать коммерческим прорывом Sonic Youth. Можно вспомнить и другие арт-инициативы группы (например, знаменитую свечу Герхарда Рихтера на обложке «Daydream Nation»), но «Goo» — пример не заимствования, а полноценной коллаборации.

Роберт Раушенберг и Talking Heads

Speaking In Tongues

Выпускник арт-колледжа и фронтмен Talking Heads Дэвид Бирн всегда питал симпатию к классикам поп-арта: стоит вспомнить обложку второго альбома группы «More Songs About Buildings and Food», прием для которой он «подрезал» у художника Дэвида Хокни. Выход пластинки «Speaking In Tongues», пика карьеры Talking Heads (именно оттуда — хиты «Burning Down The House» и «This Must Be The Place»), был самым подходящим моментом, чтобы поработать с величиной арт-мира напрямую. Звезда американской живописи XX века Роберт Раушенберг, правда, оформил не основную обложку, а limited edition, зато этот полупрозрачный винил принес художнику нетипичную для арт-кругов награду Grammy.

Ганс Гигер и Дебби Харри

Специалист в области биомеханики, вошедший в поп-культуру как создатель облика ксеноморфа из «Чужого», швейцарец Гигер создавал обложку для дебютного сольного альбома Дебби Харри, толком не зная, какую музыку она играет, зато ни на шаг не отступая от собственной эстетики. В итоге красивое лицо Дебби легло в типично гигеровскую оболочку как влитое. Обложка произвела тревожное впечатление и на саму певицу, которая описала ее как смесь панка, сай-фая и акупунктуры: во всех вариантах (а их художник создал несколько) лицо Харри пронзают металлические стержни. При этом певица не стала отказываться от работы Гигера: наоборот, увидев его рисунки, она вдохновилась и придумала название для пластинки. Кстати, их сотрудничество получило продолжение: Гигер снял видео на две песни с альбома.

Араки и Бьорк

Если бы Бьорк выпустила свой знаменитый альбом «Post» не на инди-лейбле, а на мейджоре, ей вряд ли бы удалось уговорить студийный менеджмент отдать обложку последовавшего альбома ремиксов в руки японца Араки. Большая часть его грандиозного портфолио состоит из провокативных, на грани с порнографией, снимков юных и не очень японок: бандаж, задранные юбки, наивные влажные взгляды. Как ни странно, его поклонница Бьорк выглядит на обложке «Telegram» абсолютно невинно (с типичными моделями фотографа ее роднит разве что разрез глаз), и можно только додумать, что из себя представляла полная фотосессия. Разочарованы ли мы таким результатом их сотрудничества? Пожалуй, нет.

Гвон Осанг и Keane

Не самый известный прецедент сотрудничества музыкантов и художника — но от этого не менее выдающийся. Внимание британских меланхоликов привлек корейский художник Гвон Осанг, у которого в середине 2000-х как раз прошло несколько выставок в британских галереях современного искусства (стоит отметить насмотренность группы и помощь лондонской The Union Gallery). Сеулец Осанг работает в технике, отчасти растущей из коллажей того же Дэвида Хокни: клеит трехмерные ростовые портреты из сотен снимков модели с разных углов. Для Keane художник сделал три полноразмерные скульптуры участников группы (для каждого потребовалось 300 кадров), которые, правда, не слишком хорошо видны на обложке. Но полюбоваться на них во всей красе можно здесь.

Дэмиен Херст и The Hours

Самый коммерческий художник современности сделал за последний десяток лет не одну обложку (можно вспомнить альбомы Red Hot Chili Peppers, Babyshambles и даже 30 Seconds To Mars), но целая серия обложек для синглов, ипишек и альбома недолговечной группы бывшего басиста Pulp — самый узнаваемый херстовский артворк. Как и Джефф Кунс, вложивший Леди Гаге свой фирменный синий шар, Херст «одолжил» The Hours свой знаменитый череп примерно в десятке вариаций. Спор о том, халтура это или взаимовыгодное сотрудничество, остается открытым.

Джордж Кондо и Канье Уэст

My Beautiful Dark Twisted Fantasy

Американский классик современного искусства Джордж Кондо создал целых пять обложек для альбома Канье Уэста «My Beautiful Dark Twisted Fantasy». Перед тем как начать работу, Кондо и Уэст провели полдня за совместным прослушиванием песен музыканта, после чего художник очень быстро написал несколько разных картин, образы для которых он почерпнул из лирики Канье: на двух из них был изображен сам музыкант, еще на одной — балерина с бокалом вина; предающаяся любовным утехам пара и расплывчатый снимок, символизирующий экзистенциальную потерянность музыканта. По просьбе рэпера Кондо изначально пытался придумать для альбома скандальную обложку и успешно осуществил свой план. Вариант с обнаженным темнокожим мужчиной (очевидно, так Кондо увидел Уэста) и женщиной-демоном был запрещен для продажи в iTunes и сети супермаркетов Walmart.

Кто такой Роберт Дель Ная?

Ряд британских СМИ считают, что знаменитым уличным художником Бэнкси, сохраняющим анонимность, является Роберт Дель Ная из знаменитой электронной группы Massive Attack. При этом сам Дель Ная отрицает, что является Бэнкси, — одним из ярчайших представителей современного стрит-арта — и называет художника «своим другом».

Личность Бэнкси доподлинно пока неизвестна. В 2016 году сообщалось, что Бэнкси начал свою творческую деятельность в Бристоле. Он также создал граффити в Лондоне, Нью-Йорке, Барселоне, Берлине, Тель-Авиве и ещё десятках городов мира. Его работы очень популярны, их продают за сотни тысяч долларов на международных аукционах.

Читать еще:  Тёплые тона. Lamine Azzouzi

Кем может быть Бэнкси?

В 2016 году английский журналист Крейг Уильямс провёл расследование, в результате которого выяснил, что рисунки Бэнкси появлялись в местах гастролей Massive Attack. А 22 июня 2017 года в своём интервью для подкаста Distraction Pieces британский диджей Голди случайно назвал имя Бэнкси. «Напишите граффити-шрифтом на футболке „Бэнкси“ — и всё, готово, можно продавать. При всём уважении к Роберту, я думаю, он замечательный художник, он изменил мир искусства», — заявил Голди.

Ранее учёные из Лондонского университета королевы Марии утверждали, что анонимный художник — это житель Бристоля Робин Каннингем. По словам учёных, подтвердить эту версию удалось благодаря методу географического профилирования, который обычно применяется британскими криминалистами при определении местонахождения серийных преступников. Специалисты проанализировали точки появления 140 граффити, которые приписываются Бэнкси, и установили, что чаще всего они появлялись в Бристоле рядом с одним из пабов, игровыми полями и в одном жилом квартале. После чего вычислили, что в непосредственной близости от этих мест проживал выпускник одной из государственных школ Бристоля Робин Каннингем.

Бэнкси также называли 35-летнего художника из Ливерпуля Пола Хорнера, художников Робина Бэнкса и Дэмиена Херста. Многие считают, что неуловимый творец скандальных граффити — это не один человек, а группа граффитчиков. Другие предполагают, что автором выдающихся произведений стрит-арта вполне может быть женщина.

Что известно о Роберте Дель Ная?

Роберт Дель Ная — британский музыкант, певец и граффитист. Он родился 21 января 1965 года в Бристоле, Великобритания.

Свою музыкальную карьеру Дель Ная начинал в бристольской группе The Wild Bunch. Музыканты играли в заброшенных районах Бристоля и исполняли композиции различных стилей. В восьмидесятые годы прошлого века он вместе с Грантом Дэдди Джи Маршаллом и Эндрю Машрумом Ваулзом создал группу Massive Attack.

Пауль Клее. Художник, рисующий музыку и другие миры

“Линия – это точка, которая пошла погулять”. Пауль Клее

Пауль Клее (1879-1940 гг.) родился в Берне (Швейцария). В семье преподавателя музыки. Он был музыкально одарён. Играл на скрипке.

В молодости иногда играл в оркестре, чтобы немного заработать. Но решил в музыке карьеру не делать. Считая, что на этом поприще уже Моцарт и Бах достигли вершины. А вот в живописи ещё есть, куда двигаться.

Вот такое взрослое решение ещё совсем юного человека. Как вы понимаете, родители прочили ему музыкальную карьеру. Но Клее настоял на своём. В 23 года он уехал учиться в Германию, Мюнхен.

Ранние работы Клее

Сначала он сосредоточился на технике офорта. Мрачных, гротескных. В духе Капричос Гойи .

Чего только стоит один из известных его офортов. С таким громоздким, но оригинальным названием “Встреча двух людей, каждый из которых убеждён в более высоком положении другого”.

Пауль Клее. Встреча двух людей, каждый из которых убеждён в более высоком положении другого. 1903 г. YouTube.com

Благодаря увлечению офортами он изобрёл свою собственную технику – гравюру иглой по стеклу. “Портрет эмоциональной дамы” как раз создан в этой технике.

Пауль Клее. Портрет эмоциональной леди. 1906 г. Стекло. 24х16 см. Центр Пауля Клее в Берне, Швейцария. Artinvestment.ru

Как Клее стал тем Клее, которого мы знаем

Клее не остановился на полученном в Мюнхене образовании. Он упорно занимался и самообразованием. Так как считал, что “художник должен быть и поэтом, и философом, и натуралистом”.

Такими универсалами были художники Эпохи Возрождения . Которые помимо живописи, ещё и на музыкальных инструментах играли, и трактаты писали.

Таковым стал и Клее. Он был и музыкантом, и художником, и писателем. Его дневник, который он вёл всю жизнь, сделал его самым изучаемым художником 20 века. Он же признан самым образованным из своих коллег.

В 27 лет он женится на немецкой пианистке и переезжает вновь в Мюнхен. Его жена будет его единственной женщиной на всю жизнь. При этом их семья была необычна. Она работала, а он сидел дома. Занимался живописью, но его работы ещё не покупали.

Даже когда родился их сын Феликс, жена продолжала работать. Слава настигнет его лишь к 40 годам. До тех пор – материально он зависим от жены. Но это не мешало им быть счастливыми в браке.

В 32 года Клее знакомится с передовыми художниками: Кандинским, Мондрианом. Он находит среди них понимание. Ведь он так же, как и они хочет перенести на бумагу или холст внутреннюю сущность мира. Закрыв глаза на внешнюю оболочку.

Поездка в Тунис окончательно сформировала Клее, как выдающегося колориста. Отныне цвет для него – главное. Сам Клее говорил: «Писать – значит лишь одно: помещать нужный цвет в нужное место».

Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Акварель, чернила, бумага. 26х38 см. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com

С этих пор он стал тем Паулем Клее, которого мы знаем. Тем, кто был убежден: смысл искусства не показывать видимое, а делать невидимое видимым.

Когда вы смотрете в окно, вы видите видимое. Но если вы смените фокус и посмотрите на стекло, только что видимое станет туманным, почти неразличимым. И возможно вне фокуса вы “увидите” нечто другое.

Вот эти миры “вне фокуса” и стремился показать нам Клее. Но с условием, что мы будем включать свою фантазию. Чтобы разглядеть что-то предназначенное лично нам.

Разнообразный Клее

Клее был очень многогранен. Иногда он создавал новый мир, который живет по своим законам. Это было полное отсутствие изобразительности.

Пауль Клее. Шаг. 1914 г. Холст, масло, карандаш. Центр Пауля Клее в Берне, Швейцария. Arts-museum.ru

Когда смотришь на картину “Шаг”, кажется, что Клее абстракционист.

Но нет. Иногда предметы и объекты реального мира появлялись в его работах. Но лишь, чтобы быть частью другого мира.

Пауль Клее. До краев. 1930 г. Бумага, акварель, перо. Городской музей в Базеле, Швейцария. Community.artauthority.net

За счёт таких картин сюрреалисты назвали Клее одним из своих основоположников.

Но у Клее есть и другие работы. За которые уже примитивисты приняли его за своего.

Пауль Клее. Новый Ангел. 1920 г. Акварель, тушь, цветные мелки. Музей Израиля, Иерусалим. Artchive.ru

На самом деле Клее не принадлежал ни одному направлению модернизма. Часто его работы сложно подогнать под конкретное направление.

Пауль Клее. Три цветка. 1920 г. Центр Пауля Клее в Берне, Швейцария. Buro247.ru

В беспредметное он уходит редко. Чаще на его картинах мы видим узнаваемые образы. Просто из натуры он убирает все лишнее. “Экономит”, сокращает. Оставляет только главное.

А ещё добавляет музыку. Каждый его цвет – это нота. Полотно – мелодия.

Как сказал поэт Рильке, если бы он не знал, что Клее играет на скрипке, он об этом бы догадался. Настолько живопись художника музыкальна.

Пауль Клее. Ягнёнок. 1920 г. 31х41 см. Масло, чернила, картон. Штеделевский художественный музей, Франкфурт-на-Майне, Германия. Staedelmuseum.de

Читать еще:  Тайны любви и женской красоты. Ирина Каркаби

1920 год. Признание

В 20-х годах к Клее приходит слава. Тогда же его приглашают преподавать в Баухаус*. Здесь он воодушевлено внушает ученикам, что лишь духовное и интуитивное важно в искусстве.

Здесь же он преподаёт искусство работы со стеклом. В том числе по созданию витражей. Часть его картин на самом деле похожи на витражи.

Пауль Клее. Парк. 1938 г. Газетная бумага, мешковина, масло. 100х70 см. Центр Пауля Клее в Берне, Швейцария. Abstractcritical.com

Его коллеги вспоминали, что мастерская Клее напоминала лабораторию алхимика. В ней стояло несколько мольбертов. Художник мог часами сидеть в углу с трубкой и медитировать. Потом резко встать и нанести пару выверенных линий или мазков.

Все его работы были заранее продуманы. А исполнение отличалось тщательностью, почти ювелирностью.

Клее был восхищён работоспособностью Ван Гога , который писал по одной картине в 1-2 дня. И также стремился работать, ни дня без линии. В результате он оставил огромное наследие. Более 10000 работ.

1933 год. К власти приходят нацисты. Они вынуждают многих авангардистов покинуть Германию. Единственно верным признается псевдоклассическое искусство. Что-то типа того.

Картина Вернера Пайнера 1935 года. Germanartgallery.de

Как вы понимаете, создателю “Нового Ангела” и “Статично-динамичной градации” мало что хорошего предвещало будущее в стране с такими идеалами.

Он уехал в Берн. В город, где он родился. Подал документы на гражданство. Получил отказ.

Со второй попытки гражданство ему дали. Правда получил его слишком поздно. Через несколько дней после смерти.

Да, швейцарцы и тогда долго давали гражданство. Когда в 2005 году в Берне построили Центр Пауля Клее, мэр города сказал, что это единственная возможность публично принести извинения великому мастеру.

Умер Клее в 61 год. Последний год жизни умирал от мучительной болезни. Когда каждое движение – это сильнейшая боль. Провёл этот год в постели. И за это время создал 1200 работ. Ни дня без линии. Вот одна из последних его картин.

Пауль Клее. Странствующий цирк. 1940 г. 64х40 см. Литография. Художественный музей в Сан-Паулу, Бразилия. Expressionists.ru

Пауль Клее в России

Я нашла только одну работу Клее, хранящуюся в России. В Пушкинском музее . Это рисунок-эскиз к куколке.

Пауль Клее. Куколка. 1920 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва. Buro247.ru

Клее сам смастерил десятки кукол для домашнего театра своего сына Феликса. Когда он вырос, то вспоминал детство, как время, наполненное волшебством. А стал он … театральным режиссёром.

*Баухаус – легендарная школа строительства и дизайна. Облик архитектуры современных городов сформирован выпускниками этой школы.

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Роберт Раушенберг — картины и творчество великого американского художника

Роберт Раушенберг с Андреем Вознесенским — Из дневника 1978

На фоне разноцветных работ «комбинации» Раушенберга (1925 — 2008) выделялись своим аскетизмом; американский художник пользовался в основном белой и черной красками, смешивал белила с землей для получения серой краски, с грубой фактурой.

По его словам, «живопись должна быть не вызывающей, а благородно сдержанной», как в картине «Езда на большой скорости». Поэтому на холстах Раушенберга, равномерно закрашенных белилами, с едва заметными тенями и бликами от неизображенных предметов, не было кричащих цветов, характерных для полотен абстракционистов.

Раушенберг создавал произведения, не имея никакого художественного замысла, используя в творческом процессе лишь собственные фантазии. Нередко он делал композиции из земли, укладывая ее в старые деревянные ящики. Однажды на такой «картине» проросли случайно попавшие в почву семена. Это обстоятельство послужило основой для создания «живых» полотен с настоящими растениями.

Rush 16 (Cloister) 1980

Оригинальные работы были выставлены в сентябре 1953 г. в Конюшенной галерее (под выставку было приспособлено помещение-бывшей конюшни), которая, по словам критиков, очень подходила для экспозиций подобного рода; Это мероприятие приобрело форму публичного скандала. В то время как одни посетители хватались за голову и выбегали на свежий воздух, другие эмоционально выражали автору свое восхищение.

Современники назвали сентябрьскую экспозицию Раушенберга «самой развеселой выставкой в Лондоне», а мастер получил прозвище «ужасный экспериментатор». Несмотря на скандальную репутацию, число поклонников оригинального творчества Раушенберга неуклонно возрастало; коллекционеры и владельцы картинных галерей охотно приобретали его «комбинации», неизменно получавшие высокую оценку критиков и музейных работников. Сам художник наиболее значительным собственным произведением считал композицию «Кровать», в работе над которой он впервые применил идею «замысел-воплощение». В начале работы он натянул на подрамник вместо холста стеганое одеяло, затем присоединил к нему подушку и хаотично нанес по всей поверхности красный колер. Вид «Кровати» в экспозиции первой выставки привел посетителей в смущение: говорили, что постель выглядела так, словно на ней кого-то зарубили топором.

В 1958 г. «Кровать» была одним из двенадцати экспонатов, представленных американскими художниками на «Фестивале двух миров» в Сполето. Итальянские организаторы фестиваля, увидев присланные американцем картины, возмутились, отказавшись их выставлять. После долгого разбирательства все работы американцев, кроме «Кровати», были вывешены. Великое творение Роберта Раушенберга так и осталось в кладовой.

Автор искренне недоумевал по этому поводу: «Я всегда считал «Кровать» одним из самых симпатичных своих произведений… боялся только одного: как бы кому-нибудь не взбрело в голову улечься в нее».

Опасения художника реализовались через шесть лет, когда на XXXII Бьеннале в залах поп-арта была представлена новая работа Раушенберга, в которой зрители могли посетить оригинальную ванную и туалетную комнаты, посмотреться в обыкновенное зеркало и оценить предметы интимной гигиены. В последующих работах Раушенберг продолжил творческий поиск. Он создавал коллажи, используя чучела птиц и зверей, сочетая их с деталями старых автомобилей (чучело козла с надетой на него автопокрышкой).

Иллюстрации к «Аду» Данте в трактовке американского художника состояли из фигур американских президентов Кеннеди и Никсона. Для воплощения образа Вергилия, «проводника по загробному миру», он взял прототипом Эдлая Стивенсона. Однако сам Данте в композиции изображался скромным человеком с полотенцем, обвязанным вокруг пояса; фотографию прообраза великого поэта художник вырезал из рекламного проспекта. Раушенберг активно сотрудничал с рекламными агентствами, отбирая иллюстрации в различных изданиях.

Галл (Джаммер) 1976

Роберт Раушенберг — Пре-Марокко 1983

Резервное копирование из основных правил 1997

Роберт Раушенберг — картины и творчество американского художника

Glacial Decyo Series (литограф IV) 1980

портфолио Лео Кастелли 90-летие 1997

Роберт Раушенберг с Андреем Вознесенским — Чайка плавки Бога 1978

Серия Ледниковых Манок Роберта Раушенберга (Офорт V) 1979оп

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector