Современный португальский художник. Antonio Macedo

Современный португальский художник. Antonio Macedo

Антониу Маседо (художник) — António Macedo (painter)

Антониу Маседу — прекрасный художник, учившийся в Escola Superior de Belas Artes do Porto (Школа изящных искусств Порту). В результате лет, проведенных в Лондоне и других странах Соединенного Королевства, его работы явно прослеживаются под влиянием англосаксонской культуры. Он работает в основном как художник и скульптор с определенным реалистическим стилем, а также известен как художник-портретист .

Масляная живопись — его средство выбора, и его предметы, помимо портретов, включают женскую фигуру, драпировки, натюрморты, символический и магический реализм, а также сцены из обычной жизни.

Среди его многочисленных портретов — портреты председателя парламента Португалии доктора Антониу Алмейды Сантоса , епископов Порту Д. Арминдо Коэльо и Д. Мануэля Клементе, а также портреты в Конституционном суде доктора Артура Маурисио и доктора Луиса Нуньеса де Алмейды. Его картины можно увидеть в нескольких учреждениях, как государственных, так и частных, и он выставлялся как самостоятельно, так и коллективно, на национальном и международном уровнях. Его работы упоминаются и проиллюстрированы в многочисленных публикациях, особенно в изданиях Galeria Cordeiros и их сотрудников.

Первая премия (Стэнли Гримм) на выставке Королевского института масляных художников в 1989 году.

Почетное упоминание на биенальной выставке Placência в 1999 г.

Содержание

Академические квалификации

Антониу Маседу получил степень бакалавра гуманитарных наук в Открытом университете Великобритании, а до этого он посещал художественную школу в Порту ( Escola Superior de Belas Artes do Porto ).

Профессиональный обучение

В 1975 году он переехал в Лондон, а затем в Танбридж-Уэллс , где после обучения у местного реставратора картин он стал техническим консультантом галереи Pantiles в этом городе. Затем его работы как художника продвигала John Whiteley Ltd в Лондоне, а позже — галерея WH Patterson на улице Альбемарл в Лондоне.

Имея образование в области скульптуры в художественной школе, он занимается созданием скульптур с 1986 года.

Его постоянный интерес к материалам и техникам живописи развился благодаря тщательному изучению работ из прошлого, работе по консервации, выполненной в сотрудничестве с реставраторами картин, путем создания копий и работ, вдохновленных великими периодами создания картин.

1969-73: AM обнаруживает страсть к рисованию и живописи и развивает свои навыки в этой области через контакты с сокурсниками и признанными художниками, но в основном своими собственными усилиями.

1973-74: Он посещает местную художественную школу (Escola Superior de Belas Artes do Porto) на курсах живописи и скульптуры, которые преподавались одновременно в первые годы обучения.

1975: Неудовлетворенный методами преподавания в художественной школе, он едет в Лондон, где он поселяется и продолжает свои исследования в области методов живописи прошлого и устанавливает некоторые контакты с практикующими художниками того времени. В этот период очень помогли два художника: Дэниел Сэмюэлс и Гарольд Хичкок. Его работу начинает продвигать John Whiteley Ltd в Лондоне.

1977: Он переезжает из Лондона в Танбридж-Уэллс, Кент, где начинает свое обучение технике консервации масляной живописи у местных реставраторов картин.

1978: Он становится частью небольшой группы художников, чьи работы продвигаются галереей Pantiles в Танбридж-Уэллс, Кент.

1979: он выставляется на летней выставке Королевской академии в Берлингтон-Хаус, Пикадилли.

1982: Он выставляется на коллективной выставке в галерее Gillridge в Мейфилде, Восточный Суссекс.

1983: Первая персональная выставка в Fundação Engenheiro António de Almeida, Порту

1984: Вторая выставка в Fundação Engenheiro António de Almeida, Порту. Он участвует в нескольких коллективных выставках как в Португалии, так и в Великобритании, а затем его работы продаются и продвигаются галереей WH Patterson в Лондоне.

1986: Персональная выставка в Galeria do Museu Municipal de Aveiro. Он также получил степень бакалавра в Открытом университете Великобритании. С этого времени он начинает производить скульптуры, а также картины (включая портреты). (например, портретный бюст отца).

1987: Его работы продвигаются и продаются через Christopher Wood Gallery (Лондон). Он участвует в нескольких коллективных выставках в Португалии, Японии, Франции и Великобритании 1988: Персональная выставка, снова на Fundação Engenheiro António de Almeida, Oporto 1989: Его приглашают на персональную выставку в ратушу Санта-Мария-да-Фейра . У него также есть работа на нескольких коллективных выставках, и он получает первый приз (Стэнли Гримм) на выставке Королевского института художников-масляных художников (Mall Galleries, Лондон).

1991/92/93/94: Он участвует в нескольких коллективных выставках в Португалии, Германии и Великобритании.

1995: Персональная выставка в Galeria Narareth (Порту). Персональная выставка в Galeria Euroarte (Лиссабон) и ряд других коллективных выставок

1996: Персональная выставка в Fundação António Cupertino de Miranda (Порту). Он также участвует в коллективной выставке в Galeria Mellado (Сан-Лоренцо-дель-Эскориал-Мадрид, Испания).

1997: Он впервые участвует в коллективных выставках «Mestres de Pintura» в Galeria Cordeiros (Порту). 1998: Его работы начинают продавать и продвигать в Португалии через Galeria Cordeiros (Порту); первая персональная выставка в Galeria Cordeiros и другие коллективные выставки, а именно биеннале в Вила-Нова-де-Сервейра. Почетное упоминание на Bienal de Arte de Placência (Испания). 2000: Персональная выставка в Коимбре, в Sala da Cidade и другие коллективные выставки в Португалии.

2001: Персональная выставка в Galeria Cordeiros (Порту) и другие коллективные выставки

2002/03: Участвует в нескольких коллективных выставках, организованных Galeria Cordeiros.

2004: Персональная выставка в Galeria Cordeiros и несколько коллективных выставок, организованных галереей.

2005, 2006, 2007: Он участвует в ряде коллективных выставок, организованных Galeria Cordeiros, 2008: Art Madrid, Arte moderna e contemporânea, выставка colectiva de pintura e escultura (Galeria Cordeiros) 2009: Персональная выставка в Galeria Cordeiros, и несколько коллективных выставки, такие как Madrid Art Fair, Fiart Valência, arte moderna e contemporânea

2010: Он участвует в нескольких ярмарках искусства с Galeria Cordeiros: Art Madrid, Museu da Alfândega, Oporto, Colectiva de pintura, VI ярмарка современного искусства — Марбелья, Centro de Congressos do Estoril.

2011: Участник ряда арт-ярмарок и коллективных выставок: Art Madrid, Art Moscow, Art Toronto, Contemporary Istambul и других выставок, организованных Galeria Cordeiros.

2013: Участвует в Figurativas 13, Fundació de les Arts i els Artistes (MEAM — Барселона), Art Monaco, Zona Maco (Мексика), India Art Fair (Нью-Дели), Art Stage (Сингапур), Colectiva de pintura, Galeria Cordeiros

Читать еще:  Стремление к красоте. Melissa Forman

2014: Коллективные выставки и арт-ярмарки: Кремниевая долина Contemporary, Сан-Хосе, Калифорния (Galeria Cordeiros)

2015: Коллективная выставка Fundación Arcilla «Una otra realidad» в Культурном центре Ла Вагуада, Мадрид, и другие выставки, организованные Galeria Cordeiros (Кордоария-Лиссабон, Art Miami, США)

12 скандальных картин Диего Риверы, вокруг которых не утихают споры по сей день

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Первоначально он остался в Испании и постепенно переехал во Францию, где имел привилегию жить и работать с множеством выдающихся личностей. Именно в Париже он столкнулся с движением кубизма, возглавляемым такими известными художниками, как Жорж Брак, Пабло Пикассо и Хуан Грис. Он принял эту новую форму искусства между 1913 и 1917 годами, после чего его внимание переключилось на постимпрессионизм, вдохновлённый Полем Сезанном.

Его художественный вклад в истории искусства ценился во всём мире и выставлялся на различных выставках по всему миру, а его картины были спонтанными, поскольку Диего однажды сказал: «Я рисую то, что вижу, я рисую то, что рисую и я рисую то, что думаю». А ещё, он преуспел и в личной жизни. Ривера женился несколько раз, одной из его жён была знаменитая мексиканская художница Фрида Кало, с которой он заключил брачные узы в 1929 году. Их свадьба прошла через множество потрясений, и после развода в 1939 году они снова поженились в 1940 году, оставаясь парой до смерти Фриды. Ривера умер в возрасте семидесяти лет из-за сердечной недостаточности, оставив после себя богатое художественное наследие, что ценится во всём мире и по сей день.

1. Улица в Авила

Пожалуй, это одна из самых популярных пейзажных картин Риверы, где использование ярких цветов, особенно при изображении деревьев, выходит за рамки этой работы на совершенно другой уровень.

2. Обнаженная с лилиями

Стоит отметить тот факт, что у этой картины есть и другое, альтернативное название «Desnudo con alcatraces», а сама работа является одной из самых популярных настенных картин Диего Риверы, где он продолжает праздновать отношения крестьян с природой. Лилии, которые символизируют чувственность, были великолепно изображены в этом произведении искусства, отражая и подчёркивая идею автора.

3. День Мёртвых

«День мёртвых» является одним из значительных праздников Мексики, где люди помнят своих близких, которые перешли в другой мир. Ривера был частью Мексиканского движения монументалистов, и по возвращении в Мексику в 1921 году, он решил создать реалистичные фрески, посвящённые праздникам страны, именно это произведение искусства является одним из них. Эта фреска, которая намекает на своего рода праздник, сыграла важную роль в установлении тенденции включения «Дня мёртвых» в качестве значимого предмета в изобразительном искусстве.

4. Человек на распутье

Было очень много споров относительно этой картины, которая сначала была установлена в лобби 30 Rockefeller Plaza. Первоначально художник получил одобрение семьи Рокфеллеров, но споры и разногласия возникли после того, как портрет Владимира Ленина рядом с Первомайским парадом был установлен и включён в выставку. Тогдашний директор Рокфеллеровского центра Нельсон Рокфеллер просил Риверу удалить изображение, но тот отказался. Поэтому данная работа была снята, а другая фреска Хосепа Марии Серта заменила её через три года. Оригинальная работа существовала только в виде чёрно-белых картин, после чего Ривера перекрасил эту работу, назвав её человеком-регулятором Вселенной, который был похож на оригинал за исключением нескольких изменений.

Арбузы имеют символическое значение в мексиканском празднике День мёртвых, предназначенный для увековечения памяти умершего. Жена Диего Риверы представила натюрморт с изображением этой ягоды всего за восемь дней до своей смерти. Возможно, Ривера написал эту картину в память о своей лучшей половине и случайно умер через несколько дней после этого. Хотя значение арбуза до конца неясно, яркое использование цветов придаёт ему реалистичный вид.

6. Портрет Игнасио Санчеса

Это трепетное произведение искусства прекрасно иллюстрирует особенность Риверы рисовать людей, которых он видел регулярно. Простой, но элегантный стиль с минимальным использованием цветов идеально подчёркивает портретные черты и характер его персонажа. Есть невинность на лице маленького мальчика, когда он смотрит удовлетворённо. Жест, который он формирует, сжимая руки, и умудрённый взгляд в его глазах говорят о том, что он более зрелый, чем его возраст, а большая шляпа почти закрывает его лицо, в то время как его наряд указывает, что он в любое время может присоединиться к своим родителям в поле. Через эту картину была отражена склонность Риверы изображать жизнь крестьян и их борьбу за выживание.

7. Материнство — Ангелина и ребёнок

Ривера был частью авангардного движения кубизма, что отразилось во многих его работах, в том числе и в этой. На картине видна кубистическая техника анализа объектов, их разбиения и абстрактной сборки. Основываясь на личной жизни Риверы, картина показывает его гражданскую жену Анджелину Белофф и их сына Диего, который покинул мир смертных через несколько месяцев после своего рождения после того, как заболел гриппом.

8. Сон о воскресном дне в парке Аламеда

Карлос Обрегон Сантасилия, известный мексиканский архитектор, попросил Риверу написать эту картину для Версальского ресторана отеля Del Prado. Однако после землетрясения 1985 года, которое поразило город Мехико, отель был разрушен, и фреска была сохранена в Музее фрески Диего Ривера. Предметом картины является конфликт между классом буржуазии после Мексиканской революции 1910 года. Он берёт Центральный парк Аламеда в качестве основного фона, на котором были представлены множество выдающихся личностей, таких как его жена Фрида Кало, Ла Малинче, Хосе Марти и Уинфилд Скотт.

9. Перевозчик цветов

Он прост на вид, но несёт в себе много символики, изображающей суматоху и суету в жизни крестьянского сословия, общую тему, увиденную во многих его произведениях. Крестьянин, как видно, изо всех сил пытается управлять большой корзиной цветов, а его жена помогает ему в этой задаче. Цветы изумительны, но человек, несущий их, не может лелеять их красоту, так как для него это просто мирской объект сделки. По мнению некоторых критиков, большая корзина, лежащая на спине рабочего, якобы намекает на препятствия, с которыми может столкнуться неподготовленный рабочий в капиталистическом мире.

Читать еще:  Удивительные фотографии Alberto Seveso

10. Крестьяне

Ещё одна интересная крестьянская картина Риверы, где видно, как человек тяжело трудится, а другой человек смотрит. Красивый пейзаж, созданный благодаря яркому использованию цветов, резко контрастирует с человеком в кадре, который прилагает все усилия для выполнения задачи.

11. Матрос за завтраком

Ещё одна кубистическая картина Риверы символизирует растущую волну французского националистического движения. Следуя технике кубизма, он делает геометризованную версию моряка, который сидит за деревянным столиком кафе, предаваясь напитку. Слово «патриот», начертанное на его мундире, является намеком на верность и патриотизм.

12. Рынок Теночтитлан

Основанный ацтеками, он превратился в процветающий город, и Ривера делает замечательную презентацию рыночной сцены через эту картину. Работа показывает, что рабочие упорно трудятся, но не намекает на империализм ацтеков. В то время рабство достигло своего пика, и люди продавались как другие товары, хотя здесь нет и намека на то же самое.

Другие известные картины Риверы включают «Утро Авилы» (1908), «Подсолнухи», фрески «Промышленности Детройта» (1932-33, состоящие из двадцати семи панелей), история Мексики (1929-35, расположенная на лестничной клетке Национального Дворца Мехико), и, конечно же, работа «Дом на мосту». Ривера был предметом нескольких кинематографических (Cradle Will Rock и Frida) и литературных презентаций. Его жена Фрида Кало также спроектировала его в одной из своих картин в 1931 году через два года после их брака, который также считался их свадебным портретом.

В продолжение темы – 10 картин художников-реалистов, перевернувших представление о прекрасном.

По материалам сайта artisticjunkie.com

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Антон Рафаэль Менгс (Anton Raphael Mengs) — художник

22 марта 1728, в Богемии родился самый крупный немецкий живописец эпохи классицизма, превосходный портретист Антон Рафаэль Менгс (Anton Raphael Mengs). Художник умело сочетал точную передачу индивидуальных черт модели с барочной парадностью. При жизни современники видели в нём нового Рафаэля, и он имел международную славу. Он писал портреты самых могущественных людей того времени, таких как папа Климент XIII, король Пруссии Фридрих II Великий, королей Саксонии, Испании, Великой княжны Екатерины Павловны и других.

Папа Климент XIII, 1758

Он разработал строгие правила выбора моделей и сюжетов, и был прекрасным знатоком современного и античного искусства, призывающим соединить античную красоту с лучшими чертами творчества. Менгс стремился к красоте форм и к соблюдению точных правил композиции, законов светотени и определенных приёмов живописи масляными красками, фресковой росписи, а также техники пастельного и акварельного рисунка.

Олицетворение трех частей дня в греческой мифологии / Personifikasi tiga bagian hari dalam mitologi Yunani, 1765

Антон Рафаэль Менгс был за возврат к классическим нормам и отказ от излишеств стиля рококо. Следование великим мастерам прошлого художник считал единственным путём достижения идеальной красоты, не существующей в природе, но являющейся результатом отбора наилучшего. Он критиковал живописцев XVII в. за избыточную драматизацию и повышенный религиозный пафос, и за чрезмерное увлечение светотеневыми эффектами. А художников XVIII в,, он критиковал за отсутствие моральных и образовательных устремлений.

La Adoración de los pastores, 1770

Anton Raphael Mengs, как теоретик, пользовался большим уважением в интеллектуальных кругах Европы, оказывая сильное влияние на развитие живописи того времени. Менгс был членом художественных академий Болоньи, Рима, Флоренции, Генуи, Венеции, Аугсбурга и Мадрида.

Fresco de Anton Raphael Mengs

Его книга Gedanken uber die Schonheit und den Geschmack in der Malerei («Мысли о красоте и вкусе», впервые опубликована в Цюрих 1762 с переизданием) использовалась во многих академиях как учебник. Сборник сочинений Менгса, вышедший на итальянском языке в Парме (1780), был переведён на испанский (Мадрид, 1780, 1797); французский (Амстердам, 1781; Регенсбург, 1782; Париж, 1787); немецкий (Халле, 1787) и английский (Лондон, 1796) языки.

Semiramis erhält die Nachricht vom Babylonischen Aufstand, 1756

Вскоре после смерти художника (29 июня 1779 г, Рим) его слава угасла, хотя Менгсу и отдавали должное как великому портретисту. В XIX веке Менгса считали «холодным и неискренним». И хотя Менгс считал себя первым неоклассицистом, но прежде всего он был одним из последних мастеров барокко, о чем говорил Рудольф Виттковер: «В конечном счете, он (Менгс) в такой же степени завершает традицию, как и начинает новую».

Lot and his Daughters (Лот и его дочери)

PS: В наше время появляется очень много работ великих художников, в том числе и те, что возможно принадлежат творчеству Менгса. Но, к сожалению, большая часть из таких картин подделка. Поэтому, в этой публикации JuicyWorld.org постарались опубликовать только те работы, по которым нет споров об авторстве художника

(Palacio Real de Madrid) Порка Христа, 1769 Христос на Масличной горе, 1769 Portrait of William Burton Conyngham, 1854-57 Портрет Катерины Регины (Екатерина Павловна (1788-1819) — великая княжна, 4 дочь Павла I Фердинанд IV, король Неаполя Anton Raphael Mengs / Sir James Gray, 1761 Ritratto del cardinal Zelada, 1773 Портрет Доменико Аннибале, 1750 Карл III Испанский, 1761 Сон Иосифа / The Dream of St. Joseph, 1773-1774 The Triumph of History over Time, ceiling Vatican Library, 1772 Персей и Андромеда, ок 1774-1777 (Эрмитаж)

Virgen María en actitud dolorosa, 1765 Иоан креститель проповедует в пустыне, 1760 / St. John the Baptist Preaching in the Wilderness Saint Peter, 1773-1776 The Holy Family with the Infant St John the Baptist, 1763

Annunciation, 1779 Anton Raphael Mengs / Автопортрет, 1773 Могила Антона Рафаэля Менгса в Santi Michele e Magno (Рим) Prince of Asturias, Future Charles IV of Spain (1765) La marquesa de Llano, 1775 Helios as Personification of Midday (1765) Diana as Personification of the Night (1765)

Современный португальский художник. Antonio Macedo

Авторизуясь в LiveJournal с помощью стороннего сервиса вы принимаете условия Пользовательского соглашения LiveJournal

  • My Favorite Box

Nudo con fiori 1947,
oil on canvas, 60 X 93 cm.

Антонио Буэно — значительный испанский и итальянский художник. Учился в Женеве(1934) и Париже(1938)

    Творчесво Антонио Буэно нельзя рассматривать отдельно от его старшего брата Ксавье Буэно (Xavier Bueno (1915-1979). Антонио и Ксавье не только развивались параллельно и совместно выставлялись, но и работали в сооавторстве и часто их картины трудно идентифицировать.

Однако, соединить их в один мега-пост сложно в формате моего журнала:( Ксавьер будет следующим. )

Читать еще:  Чистая энергия. Beck Lane

Nudo sdraiato, 1939, olio su tela, 50×80 cm

Composizione metafisica, 1940, olio su tela, 60×75 cm

Natura morta col fornellino, 1942, olio su tela, 28 x 36,5 cm

Ritratto vestito da marinaretto, 1945, olio su tavola, 35 x 27 cm

Autoritratto, 1946, olio su tavola, 65 x 46 cm

Natura morta con libri, 1946, olio su tela, 42 x 57 cm

Autoritratto, 1946, olio su tavola, 14 x 10 cm

Fiori e frutta, 1946, olio su tavola telata, 34 x 44 cm

Natura morta con fiori secchi, 1946, olio su tavola telata, 60 x 73 cm

Natura morta con mela, 1947, olio su tavola, 29 x 23 cm

Natura morta con libretto rosso, 1947, olio su tavola telata, 45 x 35 cm

Ritratto di Sonia Bueno, 1947, olio su tavola, 45 x 35 cm

Natura morta con iris, 1947, olio su tavola telata, 42 x 56 cm

La libellula, 1947, olio su tavola telata, 6,8 x 8,8 cm

Natura morta con brocca, mele e paglia, 1947-1948, olio su tavola telata, 45 x 80 cm

Manichino, 1948, olio su tela riportata su compensato, 40 x 55 cm

Autoritratto, 1949, olio su tavola, 14,5 X 12,5 cm

La scacchiera, 1949, olio su tavola telata, 42 x 56 cm

Natura morta con mele, 1949, olio su tavola telata, 35 x 45 cm

Pennelli d’artista, 1950, olio su tela riportata su compensato, 50 x 60 cm

Метаморфоза 1951
В 1951-1952 годах Антонио Буэно резко меняет стиль, ненадолго. Уже в 1952 — Буэно вернулся к СВОИМ натюрмортам, хотя и более лаконичным, композиционно и технически упрощенным.
Тем не менее картины 51-го производят тягостное впечатление.
Полное ощущение, что у человека случился инсульт, наподобие того который случился у Ландау, когда снова приходится вспоминать таблицу умножения и учиться решать интегральные уравнения:(

Testa in ovale, 1951, olio su faesite, 21 x 17 cm

Fiori, 1951, olio su cartone, 24 X 30,5 cm

Iris e pipe, 1951, olio su cartone telato, 25 x 20 cm

Composizione astratta, 1952, olio su tela, 40 x 50 cm

Composizione astratta, 1952, olio su tela, 43 x 35 cm

Спасла -как обычно бывает- девушка.
Антонио Буэно, через серию женских портретов и лирических жанровых сцен, возвращается к натюрморту.
Наверное можно сказать, что этот «инсульт» был развием его художественного мышления, только развитием направленным не к усложнению изобразительных средств, а к их упрощению и уплощению, декоративизации и иллюстративности.

Ritratto di Evelina di profilo, 1952, olio su tavola, 15 x 12 cm

Il pittore e la modella, 1952, olio su tavola, 80 x 80 cm

Natura morta con Numero, 1952, olio su tela, 40 X 50cm

Tavolo con pennelli,1952, olio su tela, 50 x 60 cm

Composizione con De Stijl, 1952, olio su tavola, 60×50 cm

Garofani, 1953, olio su tela, 40 x 30 cm

Natura morta con tulipani, 1953, olio su cartone telato, 45 x 35 cm

Tre iris, 1955, olio su tela, 35 X 45 cm

Esecuzione N. 1, 1953, olio su tavola, 75 X 60 cm

Esecuzione n.2, 1953, olio su tavola, 65 x 75 cm

La gabbia verde, 1954, olio su tavola, 60 x 75 cm

Pipe sospese, 1955, olio su tela riportata su compensato. 61 x 61 cm

Autoritratto con pipe, 1955, olio su tela, 132×75 cm

Pipe composizione, 1955, olio su tela riportata su compensato, 61 x 61 cm

Studio per nudo di Evelina, 1955, olio su tela, 43 x 35 cm

Метаморфоза 1956
К 1957 году, через серию композиций с керамическим голландскими трубками, Антонио Буэно приходит практически к «Красному Квадрату»

Pipe su fondo giallo, 1956, olio su tela, 55×70 cm

Pipe fondo rosso, 1956, olio su tela, 55 x 75 cm

Pipa e uovo, 1957, olio su tela, 40 x 30 cm

Понимая, что ЭТО окончательный PIPEZ и дальше идет вакуум и полное отсутсвие какого-либо присутствия, разочарованный и не видящий выхода Антонио спасается в тени БОЛЬШОГО ЧЕЛОВЕКА — Дона Фернандо Ботеро и его неофигуративизма.
С той, только, разницей, что делает ДЕКОРАТОРСКИЙ неофигуративизм. Практически синтез комикса, иллюстрации и интерьерного панно:(

Profilo fondo verde, 1956, olio su tela, 50 x 40 cm

La malmostosa, 1957, olio su tela, 60 x 45 cm

Donna con pipe, 1959, olio su tela, 85 x 105 cm

Il principio di Hamilton, ovvero il principio della minima azione, 1967, olio su tela, 70 x 100 cm

Таких трогателных примитивов Антонио Буэно наделал огромное количество.
Все они мало чем друг от друга отличаются, выставлять их полностью не имеет никакого смысла.
Все это поверхностная «для народных масс» жрачка, приготовленная по рецептам великого колумбийца.
Как и Ботеро — Антонио Буэно, порой, бросает иронический взгляд на славное прошлое живописи, взгляд, иногда, очень грустный и теплый.
Но (в отличии от оптимиста Ботеро) взгляд Буэно это взгляд уставшего и разочарованного в себе человека.

Сегодня сами эти «постметаморфозные» картины Антонио Буэно, лично у меня, не вызsвают положительной эмоции, разве что улыбку и сожаление.
Буэно мог стать великим итальянским художником, но все тот же трамвай из прошлого поста — проехал по нему и не дал реализовать огромный потенцал, демонстрируемый им в молодости, оставляя его !навечно! в ряду всего лишь ЗНАЧИТЕЛЬНЫХ:(

    Через таких людей как Антонио Буэно, йа все больше убеждаюсь — дело даже не в том, что делает художник, а в векторе его развития.
    Поясню: Камиль Коро — был бы значительным французским художником, есле бы не вектор его развития в сторону импрессионизма — от реализма и академизма. То же касается и Тернера итд итп.

Поменять местами даты на картинах Буэно и поставить его ранние картины в конец, а неофигуративные в начало и Антонио БЫ перескочил из значительных в великие, потому что рассматривался бы как прогрессирующий художник, а не наоборот:(

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector