Современный украинский художник. Любовь Пономарева

Современный украинский художник. Любовь Пономарева

«Мой любимый олигарх». Украинские дети рисуют новых хозяев страны

В декоммунизированном Днепропетровске подводят итоги конкурса детского рисунка «Мой любимый олигарх», который проходил с 25 сентября по 25 октября, в рамках персонального проекта современного художника Максима Ходака. К участию в нем пригласили детей в возрасте от шести до четырнадцати лет, которые рисовали для местной галереи «Артмир» портреты самых богатых и влиятельных соотечественников — Рината Ахметова, Игоря Коломойского, Петра Порошенко, Виктора Пинчука, Вадима Новинского и Юлию Тимошенко.

«Целью конкурса является показать благодарность олигархам. Много лет мы обязаны им развитием нашей экономики, поднятием имиджа Украины и сохранением природных богатств! Детские глаза видят более открыто, поэтому будет интересно посмотреть на их рисунки любимых олигархов», — рассказывают организаторы конкурса, который проходил в два этапа. Сначала подростки писали портреты сверхбогачей, отправляя их в галерею по интернету. После чего «Артмир» выставил напоказ лучшие из этих рисунков, предусматривая вознаграждение для их авторов, которым обещали выдать ценные призы и памятные дипломы.

Эта акция сразу же поставила журналистов в тупик. Поначалу ее привязывали к местным выборам, предполагая, что галерея будет заниматься черным пиаром против какого-то кандидата, тем более что за днепропетровскими политиками почти всегда маячили уши того или иного капиталиста. Но этого так и не случилось — среди конкурсных работ можно увидеть практически всех представителей олигархического пула, которые занимаются постоянной междоусобной грызней за передел экономического и политического влияния. Тень украинской «Мрии» над EBИNNALE

Как оказалось, речь шла о своеобразной художественной провокации, которая вполне удалась. Организаторы нашли способ показать, до какой степени деградировало и оскотинилось украинское общество: люди всех возрастов действительно готовы рисовать портреты миллиардеров, полагая, что они обязаны им процветанием своего государства. Хотя на деле украинцы должны благодарить этих деятелей за свое бесправие, нищету, войну и полное отсутствие перспектив.

Такова правда искусства, которая полностью отражает украинскую правду жизни. В 2015 году я своими глазами наблюдал в киевской школе детский рисунок, созданный в рамках конкурса про героев АТО, — с изображением президента Петра Порошенко, который сидел на танке и рубил казацкой шаблюкой ватников. Конечно, это смотрелось диким циничным китчем, но его не замечали ни родители, ни учителя — потому что их взгляд был напрочь замылен тоталитарной патриотической пропагандой. И многие из них всерьез считали шоколадного короля спасителем Украины, который грудью закрывал ее от наступающей с востока орды захватчиков.

Сознание современных украинских подростков формируется именно в этом духе. Общество с пеленок учит их подобострастному отношению к олигархическим небожителям, которые украли в далеких девяностых самые лакомые куски государственной собственности и с тех пор используют их для получения личных прибылей, выводя их в офшоры и не построив ни одного нового современного предприятия. Украинцы прекрасно знают, что олигархи попирают законы, используя в своих целях целую армию коррумпированных чиновников. Они понимают, что сверхбогачи сколотили свой капитал за счет тотального грабежа, от которого страдает простой народ. Но граждане Страны Достоинства привыкли преклоняться перед чужим богатством, которое считается единственным мерилом жизненного успеха. И человек, который украл миллиард, становится объектом обожания и восторга, неприкасаемым для критики копошащейся внизу черни.

Все это по-своему логично — ведь представители олигархической касты явились главными выгодоприобретателями Евромайдана, возглавив по его итогам ключевые индустриальные области и выдвинув из своей среды нового президента страны. Украина по факту принадлежит сейчас именно этим людям.

«Предложенные антинародные законопроекты дают вполне наглядный ответ на вопрос, кто выиграл в Украине в результате революции. Если бывшее правительство было «семейным», то нынешнее заслуживает гордого эпитета «олигархическое», — констатировала вскоре после переворота в 2014 году «Экономическая правда». И раз олигарх является хозяином новой украинской жизни, это должно быть отражено в художественном творчестве — пускай даже в таком стебно-китчевом духе.

Важно напомнить: украинское искусство давно стало содержанкой у олигархов. Они оплачивают организацию выставок, покупают сомнительные шедевры местечковых творцов, финансируют работу арт-центров, где кормится клиентела сверхбогачей, состоящая из кураторов, арт-критиков и прочих представителей креативного класса. Все это финансируется за счет ограбленных украинских рабочих. Их тяжелый труд, за который платят копейки, обеспечивает проведение фуршетов и презентаций для современных художников, которые никогда не рискнут обидеть своих олигархических благодетелей, изобразив их в подлинном неприглядном виде.

Олигархи и впрямь являются сейчас основным национальным достоянием Украины. Так, мировые СМИ восторженно писали в прошлом году о миллиардере Ринате Ахметове, который купил за двести миллионов евро самый дорогой в мире особняк, расположенный на французской Ривьере. Однако ни одно из этих изданий не сообщило о подземной забастовке криворожских шахтеров — хотя они целый месяц просидели в забое одной из шахт, принадлежащей на паях двум ведущим представителям украинского олигархического сообщества. «Искусство в чистом. мусоре»: в Кременчуге появился необычный арт-объект

Критика сверхбогачей вообще ограничена невидимыми барьерами — конечно, их можно поливать грязью в рамках предвыборных разборок, но ни один правдоруб не призывает пересмотреть итоги грабительской приватизации девяностых, вернув народу Украины украденную у него собственность.

И эта противоестественная любовь к олигархам, навязанная буквально с пеленок, лишает страну будущего, навечно закрепляя социальное неравенство украинцев.

Как украинский художник придумал новую технику живописи, за которую его назвали «гений современности»

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Несколько слов о художнике

Иван Марчук (1936 г.р.) родом из села Москалевка Тернопольской области, которое на момент рождения живописца была под управлением Польши. Родился он в семье известного на всю округу мастера ткацких дел. Еще с раннего детства художник знал, что путь его предначертан: «Понимаете, откуда-то сверху Бог мне подсказал: «Ты должен заниматься именно этим. Бери карандаши или ручку и порть свой альбом». И я начал его портить – срисовывать из читанки писателей. И если уж перст Господень указал мне на то, что я должен взять в руки кисть… Это, очевидно, и был талант. Я уже не спал, не ел – рисовал, где только можно было, и думал, как это продолжить»,— из воспоминаний самого Ивана Марчука.

В 1956 году Иван окончил Львовское училище прикладного искусства. Обучение в котором дало юному Марчуку колоссальные знания о различных декоративно-прикладных техниках. Далее продолжил обучение на кафедре керамики Львовского института прикладного и декоративного искусства. Еще будучи студентом, он исследовал мировые художественные течения, принципиально обходя соцреализм. Еще тогда молодой художник фанатично искал свой путь, свой стиль и технику.

Читать еще:  Сказочные образы

Творческий путь

И творил он всегда как подсказывала ему душа, тонко чувствовавшая и красоту родного края, и несправедливость, и боль за свой народ. Поэтому в советское время Иван был под постоянным «прицелом» властей. И поэтому вплоть до 1988 года Союз художников официально не признавал творчество этого мастера.

В 1979 году его картины были представлены на первой коллективной выставке украинского нонконформизма, организованной украинской диаспорой в Мюнхене, Париже, Нью-Йорке, Лондоне. Именно там на него обратили внимание западные искусствоведы. К слову, в том же году состоялась и первая персональная выставка Ивана Марчука в Москве на улице Малой Грузинской, 28.

В 1989 году художник эмигрировал в Австралию, а оттуда в Канаду и США. За рубежом к нему пришел долгожданный успех и признание. На родине также вспомнили и заговорили о живописце. Иван Стапанович получил звание Заслуженного художника Украины (1996), а через год стал лауреатом национальной премии Украины им. Т. Г. Шевченко. По возвращении в Украину в 2002 году художнику присвоили звание Народного художника Украины.

На сегодняшний день Иван Степанович Марчук — художник с мировым именем, основавший новый стиль в искусстве живописи, создавший более 5000 работ и проведший более 100-а персональных выставок в разных станах по всему миру. С 2006 года по решению Международной академии современного искусства в Риме является членом «Золотой гильдии», в которой насчитывается всего 51 художник со всего мира. А в 2007-м года по версии британской газеты The Daily Telegraph Марчук назван гением современности. Причем вполне заслуженно.

«Когда я вхожу в мастерскую и смотрю на стопы картин, когда вспоминаю полотна, рассеянные по миру, теплее становится… Это единственное, в чем я доволен собой. Есть выражение: «Жизнь идет, а биография стоит», так вот, чтобы удостовериться, что моя биография не стояла, я мысленно перебираю свои работы… Нужно время, чтобы картину сделать, а их у меня уже больше пяти тысяч, и я смело, как Рембрандт когда-то, могу сказать, что недаром прожил жизнь»— так комментирует свой длинный творческий путь 84-летний мастер.

«Дайте мне тысячу лет – и я разрисую небо». Иван Марчук

Как было сказано выше художник является автором более 5000 работ, которые можно разделить на двенадцать основных периодов: «Голос моей души», «Цветные прелюдии», «Портрет», «Натюрморт», «Цветение», «Пейзаж», «Шевченкиана», «Новые экспрессии», «Белая планета 1», «Белая планета 2», «Выходят мечты из берегов», «Взгляд в бесконечность».

Уникальная техника «плентанизм»

Начиная с первого цикла работы мастера получили название «Голос моей души» и стали основой для всех последующих направлений в творчестве художника. Именно с этого периода появились у Ивана Степановича картины, созданные в новой авторской технике «плентанизм» (укр. «пльонтанизм»). Такое определение ей дал сам автор. Происходит оно от украинского слова «пльонтати», то есть – плести.

Внимательно присмотревшись, вы увидите, что его полотна как будто созданы уникальным переплетением множества разноцветных нитей. Потрясающая завораживающая техника, приковывающая взгляд и вызывающая желание у зрителя потрогать руками и попробовать смотать нити на клубки.
Краски в своем творчестве художник использует на водной основе, по консистенции довольно густую, которая, ложась на холст имеет объемную фактуру, что и создает впечатление кружевных плетений.

Наиболее всего впечатляют невероятные пейзажи самобытного мастера. На первый взгляд, казалось бы, совершенно простые пейзажи. Но, свето-цветовая гамма играет свою невероятную роль, придавая полотнам дополнительное значение. К примеру, вот чей-то дом, светлый и радостный, хотя покосившийся забор свидетельствует о запустении. Справа под лучами весеннего солнца греется старое дерево, такое же ветхое, но не менее значимое для цветовой и композиционной целостности картины. Жизнь здесь пришла в упадок, но не погасла.

Полотна художника с изображением хат-мазанок никак нельзя отнести к тоскливым пейзажам. Мастер оживил их определенным деталям: вкраплениями солнечного или лунного света, бликам сверкающего снега и наложению мерцающих теней.

Работы Марчука настолько великолепны, что на них можно смотреть подолгу, не уставая взглядом отслеживать хитросплетения красочных тончайших мазков.

Мария Пономарева — блогер, художник

Мария Пономарева — прекрасная девушка, ведущая лайв-блог. Маша пользуется большой популярностью на просторах интернета. Она рассказывает о своей жизни и делится самым сокровенным. Своей искренностью она подкупает сердца людей, которые следят за ее жизнью и творчеством.

Родилась Мария Пономарева 25 сентября 1996 года в Волгограде, Россия. У нее есть старшая сестра — Настя. С раннего детства Маша любила рисовать. Однако, несмотря на свое увлечение, она не пошла развивать его в художественную школу. По своей натуре девочка была пацанкой. Она днями напролет играла с мальчишками в футбол и другие игры.

В школе Маша была хорошисткой. У родителей никогда не было проблем из-за поведения дочери. Она была очень сознательным и ответственным ребенком. Окончив школу, будущая звезда интернета поступила в инженерно-технический лицей родного города. Окончив обучение, Маша пошла на высшее образование в ВГСПУ на факультет иностранных языков.

Творческая деятельность

В 2015 году Пономарева начала вести свой блог на YouTube. Хотя, идея создания собственного канала появилась за несколько лет до этого. Однако, девочке не хватало на это смелости. Записав и выложив первое видео, Маша начала регулярно записывать ролики.

Изначально, Мария записывала различные видео по рисованию. Она показывала свои художественные способности и делилась ими с другими. Со временем канал преобразовался в лайв-блог, на котором девушка рассказывает о своей жизни, путешествиях и отношениях с парнем.

В 2020 году Ютьюб канал Пономаревой набрал первый миллион подписчиков. Мария открыто делится с подписчиками всеми проблемами и переживаниями. Она рассказывает о своих отношениях и о том, как нужно вести себя в паре.

Также Пономарева пользуется большой популярностью в Инстаграме. Там, блогер делится личными фото. Часто на фотографиях Мария предстает вместе с парнем. В Инстаграме, Пономарева общается со своими подписчиками и отвечает на интересующие их вопросы.

Личная жизнь

Уже на протяжении нескольких лет, Пономарева встречается с парнем по имени Семен. Она ласково называет его “Сима”. Мужчина часто появляется в видео на канале Марии.

Александр Пономарёв. Ветрувианский человек

Поделиться:

ГМИИ им. А.С. Пушкина при поддержке фонда ЦУМ Art Foundation открывает выставку Александра Пономарёва «Ветрувианский человек».

Александр Пономарёв – специальный гость VI Московской биеннале современного искусства. В своем творчестве художник исследует проблему соизмеримости человека и пространства. Непрерывно путешествуя, он реализует свои замыслы в активном взаимодействии с природными стихиями. Многие проекты были осуществлены в самых труднодоступных местах: в морях и океанах, в пустынях, среди полярных льдов. Преодолевая силы природы, поднимаясь над территориальными и культурными границами, Пономарев исследует законы художественной гармонии и выразительности.

Читать еще:  Цифровые картины. Steven Lebron Langston

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина – сам его облик, архитектура и коллекции – показался художнику идеальным пространством для реализации замысла. Экспозиция «Ветрувианский человек» с помощью современных приемов построения инсталляций находит точки «пересечения» прошлого и настоящего, незыблемые константы культуры. Выставка состоит из двух равнозначных и взаимодополняющих частей: традиционной экспозиции в залах Музея и яркой, неожиданной инсталляции, полностью преобразившей его фасад. Выдержанный в духе популярного сегодня жанра «интервенции», «Ветрувианский человек» не просто вторгается в «священные музейные пространства», изменяя их, но и позволяет сместить акценты восприятия, обнаружить общее и различное в культурных кодах различных эпох.

Лейтмотивом выставки Александра Пономарёва стал перфоманс, осуществленный в арктической части Атлантического океана. Для проекта художник создал специальную конструкцию – увеличенную копию ветроуказателя, на языке моряков и летчиков называемого «колдуном». Это конус из крепкой и легкой материи, прикрепленный к металлическому кольцу, диаметр которого точно соответствует отношениям частей человеческого тела, заданным знаменитым рисунком Леонардо да Винчи «Витрувианский человек». Во время экспедиции судна Российской академии наук в Атлантическом океане художник прикрепил «колдун» между мачтами; диаметр кольца конуса соответствовал росту Александра Пономарёва, что позволило ему находиться внутри «колдуна» в позе Витрувианского человека. Художник оставался в свободном полете над палубой, символизируя собой прибор для определения силы и направления ветра. Так появилось понятие «Ветрувианский человек», где смена одной буквы послужила своебразной синкопой, смещением акцента, позволившим объединить природу и человека.

На главном фасаде музея посетителей встретит эффектная инсталляция художника из шести «колдунов». Стройность и строгость античного ордера колоннады, созданной по образцу портиков афинского Эрехтейона, нарушается ветроуловителями – «колдунами», которые вырываются в открытое пространство улицы. Их яркие сине-красные полосы привносят в благородную серую ритмику фасада почти матиссовский колорит. Легкие и объемные конструкции символизируют перемены, происходящие сегодня в пространстве культуры. Инсталляция, взаимодействуя с воздухом, выстраивает и измеряет розу художественных ветров, где Музей является эпицентром.

Основная часть выставки расположена в зале Микеланджело. Центром композиции выступает видеоинсталляция перфоманса Александра Пономарёва в водах Атлантики. Фигура художника, вписанная в круг «колдуна» – это не только парафраз знаменитого рисунка Леонардо да Винчи, но и тонкая метафора идеальной гармонии. В едином пространстве зала, как в «розе ветров» представлены четыре части света, четыре мировоззрения, четыре эпохи, четыре великих художника: Альбрехт Дюрер, Джованни Пиранези, Кацусика Хокусай, Анри Матисс. Графические листы этих мастеров, выполненные в различных техниках, задают новые векторы для размышлений и позволяют зрителю выстроить собственную карту искусства.

Отсылки к классическим художникам для Пономарёва не случайность. По его словам: «Мы всегда пребываем в диалоге с классиками… пытаемся обнаружить их след здесь и сейчас». В экспозицию также вошли работы, которые художник создал во время своего путешествия в Арктику, – зарисовки, выполненные шариковой ручкой на страницах дневников, и гигантские морские карты, ставшие основой фантастических чертежей.

Тема основного проекта биеннале: «Как жить вместе. Взгляд из центра города в самом сердце острова Евразия». По словам директора ГМИИ им. А.С. Пушкина Марины Лошак выставка Александра Пономарёва стала очень точным, смелым и своевременным ответом на этот вопрос: «В самом центре Москвы, художник решительно трансформирует фасад и залы всеми любимого музейного здания, превращая весь Пушкинский в часть своей гигантской инсталляции. Смеем надеяться, что наш зритель не только благосклонно отнесется к смелому “вторжению” современного искусства в пространство греческих колоннад и скульптур Ренессанса, но и сможет увидеть, что классические традиции, искусство прошлого не потеряли своей актуальности!»

Фонд ЦУМ ART Foundation был основан в 2009 году, он реализует некоммерческие проекты в сфере современного искусства, экспонирует творчество ведущих современных российских художников в рамках выставок и международных проектов.

Куратор выставки: Александра Данилова, заместитель заведующего Отделом искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков ГМИИ им. А.С. Пушкина

Монологи. Александр Пономарев

В очередном материале цикла «Монологи», подготовленном культурологом, журналистом, автором и ведущим радиопрограмм о современном искусстве Сергеем Чебатковым, художник Александр Пономарев рассказывает о том, почему он решил связать свою судьбу с современным искусством и как это произошло. Текст публикуется в авторской редакции.

Александр Пономарев в Антарктиде. 2015. Фото из архива Александра Пономарева

В отличие от очень многих моих коллег, я все-таки художник биографии. Сейчас это звучит как пропаганда но, художественное образование в советском Союзе было достаточно хорошее. Оно давало какие-то основы, какие-то знания, поэтому художественную школу, которую я закончил, будучи совсем еще молодым человеком, я очень любил. Мне нравилось рисовать. Сколько себя помню, я всегда что-то рисовал. До сих пор с особым удовольствием вспоминаю пленэры. Мы ходили по лесу, писали с натуры. Это была достаточно большая практика, что было очень важно для меня как для будущего профессионального художника. Это я сейчас уже прекрасно понимаю.

И при этом меня всегда манило море, его просторы, романтика и все такое, я мечтал стать моряком. В те годы мне казалось, что настоящие приключения могут случиться либо с летчиками, либо с моряками. Но небо было для меня как-то дальше и непонятней. А море жило во мне.

Конечно, моя мама всегда мечтала, чтобы я стал архитектором, так как мои родители были строителями. Я же поступил в Высшее инженерное морское училище, которое в конечном итоге и сформировало меня как мужчину и как специалиста. Мы там получали три образования — инженерное, морское и военное. Это было в прекрасном городе Одесса, что возле Черного моря.

За время учебы в мореходке моя любовь к искусству отнюдь не уменьшилась. Когда мы во время практики плавали по заграницам, в каждом иностранном порту я в первую очередь, в отличие от других курсантов, бежал в музеи смотреть на живопись. Но все-таки тогда моей основной профессией была профессия моряка. Я ходил на самых разных кораблях, даже на подводных лодках. Когда я делал очередной проект на Венецианской биеннале, то в каталоге поместил фотографию, где видно, как мы входим в Венецию в Гранд-канал на парусном судне «Товарищ». Это был год примерно 1974-й. Прекрасное время было. Тогда я впервые попал в собор Фрари и увидел «Ассунту». Теперь у меня такая традиция — как только оказываюсь в Венеции, сразу иду в этот собор смотреть на гениальное произведение Тициана. Мы же, моряки, — суеверный народ, очень любим традиции, талисманы.

Читать еще:  Эмоции в искусстве. Jan Bollaert

Я работал в плавсоставе порядка семи лет, служил на разных кораблях — надводных и подводных, — но бо́льшую часть времени провел на банановозах. Это такие суда, которые крутятся по всему земному шару, перевозят бананы, и другие фрукты и овощи из Латинской Америки в Европу, из Сингапура в Австралию и так далее. Я не прекращал рисовать, особенно акварели. И конечно же, как было положено в те годы, бани оформлял, резьбу делал — в общем, занимался народным морским творчеством. Но все равно, хотя денег было очень мало, да и ходить по заграничной земле разрешалось только группами по трое, я платил за всех свои деньги, и мы с ребятами добирались до какого-нибудь европейского города, шли в музеи, приобщались к мировым шедеврам. Они, как правило, плевались, а я с удовольствием смотрел. Это было в начале 1980-х.

А потом произошли события, которые резко изменили мою жизнь. У меня начались серьезные проблемы со здоровьем, вплоть до того, что я разок даже отправился на тот свет. Я был таким красивым молодым моряком, и вдруг — бац! — годы больниц без особой надежды вернуться к прежней жизни. Такой полный экзистенциализм, онкология, несколько операций… Но мы же моряки, мы не сдаемся — или тонем, или побеждаем. Поэтому надо было одеть красивую белую форму, встать на палубу и тонуть. На как это сделать именно красиво? И я придумал себе занятие. Начал снова рисовать. Пересовал всех соседей по палате, потом по больнице. Мои близкие очень меня поддерживали. Надо сказать, что у меня супруга профессиональный архитектор и всегда, когда я еще плавал, ругала меня — просила, чтобы я больше рисовал.

Но в конечном итоге Бог дал мне шанс еще подышать. Решил, видимо, что я еще здесь не все досказал. Состояние моего здоровья улучшилось, и мне вновь пришлось думать, что же дальше делать, так как на флот вернуться уже я не мог. Сначала я пошел на курсы английского языка, поскольку все равно физическое состояние было не очень хорошее. Нужно было периодически проходить очередную «химию». Тем не менее учился я хорошо. При этом курсы английского были в одном известном научно-исследовательском институте. Я там так сдружился с педагогами, что они в конечном итоге предложили мне поступить в к ним в аспирантуру. А аспирантура в Центральном научно-исследовательском институте морского транспорта в те годы была самой настоящей мечтой всех дочек партийных боссов Дальнего Востока и Приморья, всех детей дипломатов и тому подобных. Это же был гарантированный путь к загранкомандировкам. Люди плакали у дверей приемной комиссии. Я, впрочем, нигде не плакал, просто взял и поступил. Это было как раз начало перестройки. В аспирантуре я занимался очень интересными вещами. Числами Фибоначчи, например. Это, если не знаете, такой числовой ряд, который отражает реальный след золотого сечения, то есть гармонии в нашем мире. И мой научный руководитель пытался построить на этих принципах такой специальный миникомпьютер, который помогал бы создавать идеальные логистические схемы транспортировки грузов и их визуализировать, что и мне с моими артистическими пристрастиями было близко.

В то время я уже начал понемногу участвовать в выставках художников флота, делать какие-то офорты, посвященные романтическим воспоминаниям о моих плаваниях. Панамский канал, Сен-Мало, корабли на рейде и так далее, и так далее… Я не примыкал ни к каким сообществам, не входил ни в какие тусовки, меня носило как щепку. И внезапно я понял, что для того, чтобы в конечном итоге остаться моряком, я должен стать художником и бросить науку. Не могу сказать, что это был моментальный разрыв. Все происходило параллельно. Но в конце 80-х годов я уже был известным художником, участвовал в больших выставках в Центре современного искусства, который открыл тогда Леонид Бажанов. Помню, еще не было официального помещения, но выставки уже были.

Мне часто задают вопрос, почему я, человек, получивший классическое художественное образование, в конечном итоге начал заниматься современным искусством. Спрашивают, когда в моем творчестве наступил перелом. Я считаю такую постановку вопроса совершенно некорректной. Это только у нас в России почему-то все ищут разрывы и разломы в искусстве. Вот я, например, очень много работал во Франции. Там абсолютно нет деления на старое и новое искусство. Есть одно единственное искусство, просто оно развивается разными путями. Я очень люблю классику, Тициана, Веласкеса, русский авангард. Вот, Татлин, он же тоже был моряком. И может, если бы он не знал хорошо теорию устройства корабля и не умел рисовать рангоут, и конструктивизма вовсе не было бы.

Естественно, когда я так плотно оказался в художественной среде, мне все время казалось, что я очень плохо знаю историю искусств. Поэтому я как бешеный, как огромная губка, впитывал и впитывал новые знания. В конечном итоге выяснилось, что я стал лучше знать историю искусства ХХ века, чем мои собратья по цеху, окончившие, к примеру, институт им. В. Сурикова. Я очень был возбужден творчеством Моранди, Джакометти, я прорисовывал для себя причинно-следственные связи в искусстве XX века, выяснял, кто за кем следует, кто у кого что заимствует. Для меня очень важно было понимать, как художественный образ соотносится с реальным пространством, каким образом строится сама художественная форма. Именно эти мысли привели меня к структурной живописи, которая принесла мне впоследствии определенную известность. Я начал писать большие картины, которые назывались «абстрактные топографии». По образцу морских карт я стал конструировать на холсте несуществующие суши, моря, океаны и проливы. Это было примерно в конце 1980-х — начале 1990-х. Мне удалось преобразовать свой предыдущий опыт моряка в некий собственный художественный прием, то есть, как теперь принято говорить, в искусство. И мой переход к инсталляциям, к конструкциям был достаточно естественным. Я считаю, что каждый художник явно или подсознательно всегда ищет пространство, адекватное своему жесту. И я думаю, что память моего тела, память моряка-скитальца впитала в свое время всю мировую топографию как единое пространство, морское в первую очередь. И я начал придумывать различные акции с погибшими кораблями, стал расписывать суда на кладбище погибших кораблей. Была большая выставка в Третьяковке (речь о выставке «Корабельное воскресенье», пошедшей в ГТГ в 1996 году. — Артгид ), которая дала мне мощный импульс, чтобы стать интеллектуально и художественно независимым персонажем современной сцены. И это уже было начало моего большого и плодотворного пути в искусстве.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector